viernes, 31 de agosto de 2018

Deborah Kerr: La rosa inglesa


"Adoro no ser yo. No soy muy buena siendo yo. Es por eso que adoro tanto actuar"

Antes de convertirse en una estupenda y camaleónica actriz, Deborah Kerr era una jovencita muy tímida, una verdadera rosa inglesa, como la apodarían más tarde, y tras renunciar a una inicial vocación de bailarina fue narradora de cuentos infantiles en la radio. Su tía, que era profesora de interpretación y con la idea de ayudarla a superar su timidez, la introdujo en el mundillo del teatro londinense en el que llegó a realizar algunos pequeños papeles. La manera en la que dio el salto al cine no deja de ser harto curiosa. 

En 1940 Gabriel Pascal buscaba una cara nueva para su película "Major Barbara". La elegida habría de dar vida a una angelical chica del Ejército de Salvación. El descubrimiento surgió en un restaurante donde Pascal explicaba a un invitado ese matiz de inocencia y pureza que necesitaba para su nueva protagonista, y mientras hablaba paseaba la vista por los rostros de las demás personas presentes en el lugar hasta que, milagrosamente, detuvo su mirada en una de las chicas que se encontraba sentada en una mesa contigua y vio la mirada más pura y etérea que imaginarse pueda. Aquel rostro y aquella mirada eran la sublimación de su propia idea, y como quien encuentra un tesoro se dirigió decidido a hablar con aquella maravilla de mujer. Las primeras palabras que le dirigió a aquella tímida chica fueron de antología: "¿Eres virgen?"

Deborah Kerr se puso como un tomate, pero antes de que ella pudiera dar una respuesta a la altura de su insolencia, el propio Pascal le explicó lo que andaba buscando. Tras normalizar con su tranquilizadora explicación el encuentro, le pidió que le recitara algo, y Deborah que como ya hemos dicho tenía experiencia en la radio, empezó a recitarle "Canción de cuna".

A las pocas palabras, de nuevo Pascal la interrumpió y le preguntó "¿Conoces el evangelio? y ella nuevamente asintió… era sin duda la candidata perfecta para aquel papel, un papel con el que Deborah Kerr tuvo éxito y la convirtió rápidamente en una incipiente estrella del cine británico de la mano de la compañía cinematográfica Rank. No tardarían en llegar inolvidables papeles como el de la virginal monja de "Narciso Negro" por decir solo uno que tenga algo que ver con estos curiosos orígenes y a la que pertenece el fotograma de más arriba. Por aquellos entonces la actriz estaba un tanto encasillada en papeles de dama decente e intachable y según contaba Lawrence Olivier, Debora Kerr tenía fama de mujer "irrazonablmente casta".

Desde luego eso de revolcarse en la arena junto a Burt Lancaster mientras las olas chocaban sensualmente contra sus cuerpos en "De aquí a la eternidad" estaba lejos todavía. Una muestra más de que no es posible ponerle puertas al campo. Tras aquella tórrida escena de una mujer ávida de atenciones, Los Ángeles Times sentenció: "Era una época de arquetipos: había mujeres que eran sex-symbols como Marilyn Monroe y otras que ejercían de grandes damas como Audrey Hepburn. Deborah Kerr podía ser las dos".

Entre sus películas figuran maravillas como: "Quo Vadis", "Julio Cesar", "El rey y yo", "Té y simpatía", "Buenos días, tristeza", "Tres vidas errantes", "La noche de la iguana"..... y por supuesto "Tu y yo" de McCarey, otra deliciosa historia de amor que dejó en nuestra memoria a una enamorada Deborah Kerr. Ella misma diría de la película:

"Cary y yo sabíamos cómo besar. Cuando hacíamos una escena de amor no nos intentábamos engullir el uno al otro, pero por esos breves instantes, nos amábamos. Creo que entiendo lo que las mujeres ven en esa película. Hay una dulzura muy atractiva y que está alejada de la crudeza de hoy. Les hace entender que el mundo ha perdido algo entrañable"

Estuvo nominada seis veces a los premios Oscar y solo en 1994 le fue concedido uno honorario en cuya entrega la definían con las siguientes palabras:

"Una artista de impecable gracia y belleza, una actriz dedicada que a lo largo de toda su carrera siempre ha defendido la perfección, la disciplina y la elegancia". 


En definitiva, una pelirroja maravillosa por la que no me importaría subir a la terraza del Empire State para encontrarme con ella aunque fuera por la escalera.




Algunos momentos para recordar:






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jueves, 30 de agosto de 2018

La mujer y el monstruo


Por mucho que resulte el más claro antecedente de los "Aliens" o los "Predators" de hoy en día y de resultar un monstruo ya icónico en nuestra cultura, creo que todos los aficionados al cine hemos pensado alguna vez en lo parsimonioso y poco amenazante que era el andar del Monstruo de la laguna negra (Creature from the black lagoon - 1954 - Jack Arnold), ese que recientemente sirvió de inspiración a Guillermo del Toro para su premiada "La forma del agua". Incluso el "Tiburón" de Spielberg debe mucho en su concepción y en más de una escena a esta película; de hecho ya su director, Jack Arnold, que más tarde rodaría "El increible hombre menguante", "Tarántula" o "Vinieron del espacio" apuntaba las razones del miedo que provocaban las aguas profundas: 

"Juega con un miedo básico que las personas tienen respecto a lo que podría estar bajo la superficie del agua. Usted conoce esa sensación cuando está nadando y algo roza su pierna - se asusta muchísimo si no sabe qué es. Es el miedo a lo desconocido. Decidí explotar este miedo tanto como sea posible al filmar" 

El productor del film, William Alland, había oído de su director de fotografía, Gabriel Figueroa, la inquietante historia de una criatura acuática que supuestamente vivía en el Amazonas y que una vez al año raptaba una doncella de las aldeas cercanas como tributo para dejarlos en paz. Jugando con esta idea y tras las oportunas modificaciones, solo faltaba una chica guapa (Julie Adams) de la que pudiera quedar prendado el monstruo para montar una buena historia y en la Universal, expertos en monstruos legendarios, no pondrían muchas pegas para crear uno nuevo. Uno de sus mejores monstruos de hecho y al que los norteamericanos gustan llamar "Gill-man" o lo que es lo mismo "Hombre con branquias" u "Hombre pez".

Pero volviendo a los andares del monstruo, una criatura mitad hombre y mitad pez que vivía en una apartada laguna de aguas negras, es justo reconocer que en las magnificas escenas acuáticas parecía una amenaza cierta, solo había que verlo buceando ágilmente boca arriba por debajo de la chica en unas imágenes por cierto espectaculares; pero en tierra el monstruo era otro cantar, se nos antojaba torpe y nada inquietante y pensábamos que solo una chica muy despistada podía ser sorprendida y alcanzada por el monstruo (algo así como ocurre con las películas de zombies en las que las víctimas parecen tontos). Pero todo tiene una razón de ser.

Para las escenas en tierra el actor al que le tocaba pasar calor dentro del disfraz era Ben Chapman, que se hizo con el trabajito gracias a sus 198 centímetros. Chapman era un soldado veterano, herido en las piernas durante la batalla de Corea lo que le hacía contonearse un poco para disimular su cojera, eso unido a la petición de Arnold de que el monstruo debía simular deslizarse más que andar con naturalidad fuera del agua y a los lastres de cinco kilos puestos en cada pierna para lograrlo, fueron la razón última de la torpeza mostrada por el monstruo en la pantalla.

En cambio para las escenas acuáticas era Ricou Browning el que se enfundaba el traje del monstruo y esa máscara tan singular en la que las branquias se movían con una perilla de goma conectada a un tubo desde la que Browning al apretar sus manos impelía aire a presión para que se movieran y dieran más vida al monstruo y la boca se movía simplemente con su propio mentón. El traje en si era una malla sobre la que se pegaban las placas que conformaban el cuerpo del monstruo y solo ponérselo ocupaba tres horas. Esos eran los efectos especiales entonces, la cosa no daba para más, a pesar de lo cual se lograron unos resultados estupendos, de hecho la película sigue siendo aún hoy uno de los films más apreciados por los aficionados al cine de monstruos.  En su día "La mujer y el monstruo" llegó a tener tanto éxito que produjo un par de secuelas, “La venganza del monstruo de la laguna negra” (1955) y “El monstruo camina entre nosotros” (1956).



Trailer de la película:



Ficha de "La mujer y el monstruo"
En hispanoamérica: "La criatura de la laguna negra"

Título original: Creature from the Black Lagoon

Año: 1954
Duración: 79 minutos.
País: Estados Unidos

Dirección: Jack Arnold

Guion: Harry Essex, Arthur A. Ross

Reparto: Richard Carlson,  Julia Adams,  Richard Denning,  Antonio Moreno,  Whit Bissell, Nestor Paiva,  Ricou Browning

Música: Joseph Gershenson
Fotografía: William Snyder (B&W)

Productora: Universal Pictures 



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miércoles, 29 de agosto de 2018

Los dardos de Benavente



"Dicen que me burlo de todo y me río de todo, porque me burlo de ellos y me río de ellos, y ellos creen serlo todo"

Se cuenta de Jacinto Benavente, uno de nuestros escasos premios Nobel y autor de obras como "Los intereses creados" o "La malquerida", la deliciosa anécdota de que un día se encontró mientras paseaba con un militar de alta graduación situándose uno frente al otro en una acera estrecha, entonces, ante la duda de quien pasaría primero y la indecisión mutua, el militar le dice a Benavente: "Yo no cedo el paso a maricones" a lo que Benavente contestó bajándose de la acera: "Pero yo si"

No cabe duda, con esta perla, de la apabullante facilidad para dar respuesta a situaciones incomodas con elegancia y rotundidad que lucia Benavente, una cualidad que para nosotros mismos desearíamos todos, acostumbrados a quedar muchas veces indefensos ante un ataque verbal para el que solo después, cuando ya no sirve para nada, encontramos la afilada respuesta que hubiera sido adecuada y nos repetimos nuevamente el consabido: "Le debería haber dicho...". 

Una de las anécdotas que más me gustan de Benavente a este respecto es la que habla del día en que el escritor se encontraba en una tertulia, y en ella dedicaba frases elogiosas hacia la figura de Valle-Inclán. En ese punto uno de los participantes en la conversación le indicó a Benavente, que quizás no debería hablar tan positivamente de alguien que en realidad lo que hacía era hablar mal de su persona cuando no estaba presente. Jacinto Benavente se quedó pensativo unos momentos, meditando sobre las malas palabras que al parecer le dedicaba Valle-Inclán, y entonces contestó afilada, y elegantemente "Quizás estemos equivocados los dos". Así dejaba claro que posiblemente ni Valle-Inclán fuera tan bueno como antes proclamaba, ni él mismo tan malo como pudiera decir su colega escritor. 

Algunas citas de Don Jacinto:

"Los pueblos débiles y flojos, sin voluntad y sin conciencia, son los que se complacen en ser mal gobernados"

"Piense usted que siempre es más noble engañarse alguna vez que desconfiar siempre."

"El verdadero amor no se conoce por lo que exige, sino por lo que ofrece."

"Si la gente nos oyera los pensamientos, pocos escaparíamos de estar encerrados por locos."

"Lo peor que hacen los malos es obligarnos a dudar de los buenos."

"Bienaventurados nuestros imitadores porque de ellos serán nuestros defectos."

"La cultura es la buena educación del entendimiento."

"Una hora de alegría es algo que robamos al dolor y a la muerte, y el cielo nos recuerda pronto nuestro destino."

"Todos creen que tener talento es cuestión de suerte; nadie piensa que la suerte puede ser cuestión de talento."

"Para comprender el dolor no hay inteligencia como el dolor mismo."

"El dinero no puede hacer que seamos felices, pero es lo único que nos compensa de no serlo."

"La ironía es una tristeza que no puede llorar y sonríe ."

"Sólo temo a mis enemigos cuando empiezan a tener razón."

"Si murmurar la verdad aún puede ser la justicia de los débiles, la calumnia no puede ser otra cosa que la venganza de los cobardes."

"El peligro del amor no está en las flechas que nos tira, sino en la venda que nos pone"

"En asuntos de amor, los locos son los que tienen más experiencia. De amor no preguntes nunca a los cuerdos; los cuerdos aman cuerdamente, que es como no haber amado nunca"

"Los libros son como los amigos, no siempre es el mejor el que más te gusta"

"La educación no es cosa de un día ni de dos... He conocido familias mal educadas hasta la quinta generación. Es la enfermedad más hereditaria"

"Lo peor de la ingratitud es que siempre quiere tener razón"

"Cuando no se piensa lo que se dice es cuando se dice lo que se piensa"

"La ironía es una tristeza que no puede llorar y sonríe"

"Bien sé que las mujeres aman, por lo regular, a quienes lo merecen menos. Es que las mujeres prefieren hacer limosnas a dar premios"

"El amor es como Don Quijote: cuando recobra el juicio es para morir"

"En la pelea, se conoce al soldado; sólo en la victoria, se conoce al caballero"

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martes, 28 de agosto de 2018

Pessoa y el desasosiego



"El mundo es de quien no siente. La condición esencial para ser un hombre práctico es la ausencia de sensibilidad. La cualidad principal en la práctica de la vida es aquella cualidad que conduce a la acción, esto es, la voluntad. Ahora bien, hay dos cosas que estorban a la acción –la sensibilidad y el pensamiento analítico, que no es, a fin de cuentas, otra cosa que el pensamiento con sensibilidad. Toda acción es, por naturaleza, la proyección de la personalidad sobre el mundo exterior, y como el mundo exterior está en buena y en su principal parte compuesto por seres humanos, se deduce que esa proyección de la personalidad consiste esencialmente en atravesarnos en el camino ajeno, en estorbar, herir o destrozar a los demás, según nuestra manera de actuar. Para actuar es necesario, por tanto, que no nos figuremos con facilidad las personalidades ajenas, sus penas y alegrías. Quien simpatiza, se detiene. El hombre de acción considera el mundo exterior como compuesto exclusivamente de materia inerte –inerte en sí misma, como una piedra sobre la que se pasa o a la que se aparta del camino; o inerte como un ser humano que, por no poder oponerle resistencia, tanto da que sea hombre o piedra, pues, como a la piedra, o se le apartó o se le pasó por encima. El máximo ejemplo de hombre práctico, por reunir la extrema concentración de la acción junto con su importancia extrema, es la del estratega. Toda la vida es guerra, y la batalla es, pues, la síntesis de la vida. Ahora bien, el estratega es un hombre que juega con vidas como el jugador de ajedrez juega con las piezas del juego. ¿Qué sería del estratega si pensara que cada lance de su juego lleva la noche a mil hogares y el dolor a tres mil corazones? ¿Qué sería del mundo si fuéramos humanos? Si el hombre sintiera de verdad, no habría civilización. El arte sirve de fuga hacia la sensibilidad que la acción tuvo que olvidar."

El párrafo está tomado del "Libro del desasosiego" una verdadera colección de pensamientos y reflexiones sobre todo lo que nos rodea. Fernando Pessoa su autor, amigo de crear personalidades paralelas -heterónimos- y firmar con sus nombres sus libros, ideó esta obra como una autobiografía de Bernardo Soares, de quien decía que se trataba de un "semiheterónimo porque no siendo su personalidad la mía, es no diferente de la mía, sino una mutilación de ella. Soy yo, menos el raciocinio y la afectividad". En el libro se reúnen pensamientos reunidos desde 1913 a 1935, fecha en la que falleció Pessoa, quedando todos aquellos aforismos en completo desorden y con instrucciones poco claras sobre como debían quedar estructurados. La primera publicación de la obra se hizo décadas después de la muerte del escritor portugués, concretamente en 1982. 

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lunes, 27 de agosto de 2018

Gary Cooper y los políticos



Durante el mes de septiembre del año 1959, Nikita Kruschev, el Premier de la desaparecida Unión de Repúblicas Socialistas Soviéticas -hay que reconocer que el nombrecito sonaba muy bien- después de montar aquel numerito aporreando con uno de sus zapatos su mesa en un pleno de la ONU, hizo una gira por Estados Unidos y en el transcurso de la misma no dudo en hacer un hueco para visitar Hollywood y de camino conocer alguna estrella. El caso es que a la recepción que se preparó asistieron unos trescientos invitados, entre ellos muchos actores, resultando Gary Cooper una de ellos.

Cuando presentaron a Gary Cooper al mandatario soviético, este se dirigió a Cooper de la siguiente manera:

-"He visto varias películas suyas. Me gustan. Es usted, sin duda, un excelente actor."

Cooper en un alarde de espontaneidad y con una leve sonrisa dibujada en su rostro, disparó como si de otro western se tratase:

-"Muchas gracias. También yo he presenciado algunas actuaciones suyas, y le aseguro, de verdad, que me parece usted mucho mejor actor que yo."

Sirva esta anécdota de lo que finalmente han terminado por inspirarme todas las comparecencias de los políticos, sean del color que sean, tirios o troyanos, unas magníficas actuaciones para unas películas malísimas. No cabe duda de que uno está, más que nunca, solo ante el peligro. Pero... no perdamos la sonrisa.


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Bessie Smith y "St. Louis Blues"



De Bessie Smith decía Louis Armstrong que "tenía música en el alma" y una de las canciones en las que la volcó de forma más generosa fue en  el tema "St. Louis Blues", que en el vídeo canta de forma totalmente desgarrada, desde la barra de un bar, abrazada a una jarra de cerveza y sin mirar a la cámara. "St. Louis Blues" es un tema crucial en la historia del blues, iniciático podría decirse, y es que hubo un tiempo en el que todos los temas de blues eran temas tradicionales y heredados entre generaciones, así podría decirse que "St. Louis Blues" fue el primero de los blues compuestos íntegramente como tal e inspirado en un determinado suceso. 

El tema data de 1913 y fue compuesto por W. C. Handy. La canción cuenta la historia de una mujer que ha sido abandonada por su pareja para marcharse con una bonita chica de la ciudad de St. Louis. W. C. Handy afirmaba que se había inspirado para el mismo en el insistente lamento que escuchó en una ocasión a una mujer y que decía "Ese hombre tiene el corazón de una piedra lanzada al mar", frase que insertó en la canción. 

La canción  fue interpretada por varios artistas, pero cuando realmente tomó su verdadera dimensión fue cuando Bessie Smith la hizo suya y la convirtió en uno de los lamentos más conmovedores de la historia del blues. En el vídeo que acompaña el texto podemos disfrutar de la propia Bessie Smith cantando este blues, puede que haya vídeos con mejor sonido, pero no pueden igualar la fuerza que transmiten las imágenes de una Bessie Smith cantando el tema como si ella fuera realmente la protagonista y es que  la pobre Bessie era alcohólica y su vida una carrera de obstáculos por lo que en el vídeo casi parece estar interpretándose a sí misma. La canción fue un verdadero bombazo y en una época en la que las listas de éxitos no existían y la dimensión de una pieza se medía por el número de partituras vendidas, este tema terminó por convertir a Handy en millonario y a Bessie Smith en la emperatriz del blues. No llegaría otra voz parecida hasta la aparición de Billie Holiday.


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domingo, 26 de agosto de 2018

Harpo, Groucho y las toallas



En cierta ocasión Harpo junto con su hermano Groucho, fueron invitados a una despedida de soltero en la que la fiesta se realizaba en un restaurante que tenía unos ascensores automáticos que se abrían directamente en el comedor de la celebración. Así, para hacer una broma en el transcurso de la despedida decidieron desnudarse y guardar la ropa en unas maletas y aparecer completamente desnudos desde el ascensor en la fiesta. Pero las cosas ocurren y el caso es que no se sabe como, se equivocaron de piso y aparecieron donde no debieron, precisamente en el lugar donde la novia había organizado su despedida junto a un numeroso grupo de chicas. La cosa fue como se esperaba una verdadera sorpresa, pero en vez de risas, provocó gritos llamando a la policía y algún que otro desmayo. Groucho contaría de aquella situación; "Así que corrimos en cueros de un lado para otro hasta que apareció un camarero con dos trapos de cocina. Bueno, en mi caso, una toalla de baño"

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sábado, 25 de agosto de 2018

Bette Davis y la muerte



“Quiero morir en tacones, siempre en acción.”

Eso decía Bette Davis, en 1989, poco antes de morir. Y es que la muerte no es asunto baladí en el mundo del espectáculo. Muchos desean morir sobre las tablas a lo Molière o ante las cámaras, pero otros no tienen esa oportunidad; son actores y actrices que tras un pasado glorioso han visto como por una prolongada inactividad han quedado en el olvido del gran público. Para estas estrellas apagadas su muerte es sin duda su canto del cisne, el momento en el cual los periódicos y revistas, como en un redoble de tambor final, dedican especiales para rememorar las vivencias y éxitos de dicha estrella, espulgan sus archivos en busca de las mejores fotos, buscan las opiniones de sus amigos y la hacen en definitiva, nuevamente protagonista por un día más. Si bien es cierto que a Bette Davis no pararon de darle homenajes en sus últimos años, como el del Festival de San Sebastián, su ritmo de trabajo había decaído mucho y evidentemente había dejado de ser el centro de las miradas para la mayoría, con lo cual no es de extrañar que cuando un abogado la llamó desde Nueva York para decirle que en la ciudad se había corrido el rumor de que había muerto, ella le respondiera airada desde California:

"¿Morirme? Con la huelga de periódicos que hay, ni siquiera se me pasaría por la cabeza"

Evidentemente "La loba" se negaba a correr las cortinas del teatro si no había público para aplaudir.





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viernes, 24 de agosto de 2018

"Easy Rider" y la libertad



(Hanson - Nicholson)- "¿Sabes? antes, antes éste era un país fantástico. No sé qué es lo que le habrá pasado.
(Billy - Hopper) – Que todo el mundo tiene miedo, eso es lo que ha pasado. No podemos entrar ni en un hotel de segunda y menos en un motel de segunda, creen que les vamos a degollar, tienen miedo.
H-N – No les dais miedo vosotros, les da miedo lo que representáis para ellos.
B-H -¿Ah, sí? lo que representamos para ellos es que necesitamos un corte de pelo.
H-N – No, no. Lo que representáis para ellos, es la libertad.
B-H – ¿y qué tiene de malo la libertad? todo el mundo la quiere.
H-N - Sí, desde luego, todo el mundo quiere ser libre, si. Pero una cosa es hablar de ello y otra muy diferente es serlo. Es muy difícil ser libre cuando te compran y te venden en el mercado. Claro que no les digas jamás que no son libres, porque entonces se dedicarán a matar y a mutilar para demostrar que lo son. Sí, sí, están todo el día dale que dale y dale que dale con la libertad individual y ven un individuo libre, y se cagan de miedo.
B-H – Pues el miedo no les hace huir.
H-N – No, el miedo les hace peligrosos “

El cine no volvería a ser el mismo tras "Easy Rider", algo nuevo tomaba carta de naturaleza en un cine que necesitaba urgentemente cambiar el papel pintado de las paredes y darle al público un poco de verdad. El propio Dennis Hopper (a la derecha), padre de la criatura (además de actuar, fue el director del film) definía muy bien el panorama: "Nadie se había visto nunca retratado en una película. En todos los love-in del país, la gente fumaba marihuana y tomaba LSD, ¡pero el gran público seguía viendo las películas de Doris Day y Rock Hudson!".  Aunque ya en 1967 habían dado un toque de atención películas como "Bonnie and Clyde" (Arthur Penn) y "El graduado" de Mike Nichols, sería "Easy Rider" la película que daría alas a lo que después se denominó "El nuevo Hollywood". La película es sin duda la favorita de cualquier motero, una gran road-movie en la que Peter Fonda daba vida a "Wyatt" (por Wyatt Earp) y también conocido como "Capitan América" por la bandera americana que adornaba su casco y el bidón de su motocicleta y a  quien acompañaba Dennis Hopper que encarnaba a "Billy" (por Billy el Niño), ambos en motocicleta cruzando parte de Estados Unidos y con Jack Nicholson (George Hanson) de paquete. Un trío singular que en su periplo irá encontrándose con variados personajes de la América profunda que ayudaran a construir un curioso mosaico de la sociedad de aquellos años.

Tanto Fonda como Hopper intentaron buscar financiación a diestro y siniestro y Jack Nicholson, dado el comportamiento errático con las drogas de Hopper, no ayudaba mucho con comentarios del tipo: "No es exactamente un tipo al que convenga darle un poco de pasta y decirle: "No hay ningún problema", ¿me entiendes?". Después de ser rechazados en todos sitios, no se sabe cómo, pero finalmente encontraron apoyo en Bert Schneider y Bob Rafelson, el segundo de los cuales en un momento de clarividencia sentenciaría: "Este tipo (Hopper) está como una regadera, pero creo ciegamente en él, y creo que hará una película estupenda para nosotros". Y fue, además de una película maravillosa, un verdadero negociazo, pues el medio millón de dólares que costó,  rindió beneficios que multiplicaron por cien el costo del film, en muy poco tiempo.

El rodaje fue una verdadera odisea, máxime cuando el director fue paulatinamente perdiendo los pocos papeles que tenía. Un director de sonido de la película dijo: "Dennis era un maníaco, un psicópata casi. Tenía siempre un par de pistolas cargadas encima de la mesa. A él le gustaba ese tipo de atmósfera", incluso había momentos en los que se dirigía a sus compañeros en formas poco elegantes: "Aquí hay una sola persona creativa: yo. Los demás sois solo mano de obra contratada, esclavos". Un técnico de sonido decía: "Estaba loco, deliraba, probablemente por el efecto de alguna combinación de drogas y alcohol" y sin embargo, en medio de este delirio, logró un peliculón. Sus amigos para lograr lo mejor de Hopper solían chantajearle con la figura de James Dean que para el era sacro-santa (había participado en un par de películas suyas) y Peter Fonda le decía en esos momentos de locura: "A Jimmy (James Dean) eso no le gustaría, Dennis". 

La banda sonora es de leyenda y crea una atmósfera muy especial que hace que si no la tienes ya te entren unas irreprimibles ganas de hacerte con una moto y sentir el aire fresco en la cara. 


Y como todo se da por bueno si la cosa acaba bien, Dennis Hopper y sus fijaciones dieron carta de nacimiento a una grandiosa película y su éxito inmediato le permitió jactarse de ello: "Recuperamos todo el dinero en la primera semana. En una sola sala". De paso, su desvergonzado éxito les abrió las puertas a otros directores con nuevas formas de hacer y entender el cine y que ahora son leyenda: Scorsese, Spielberg, Coppola, George Lucas, Bogdanovich, Malick, Friedkin, Schrader.... Sin duda fue con "Easy Rider" cuando se descorchó el champán de los 70.


Easy Rider - Buscando mi destino
Título original: Easy Rider

Año: 1969
Duración: 94 min.
País: Estados Unidos

Dirección: Dennis Hopper

Reparto: Peter Fonda,  Dennis Hopper,  Jack Nicholson,  Karen Black,  Antonio Mendoza, Phil Spector,  Luana Anders,  Toni Basil,  Mac Mashourian,  Warren Finnerty

Productora: Columbia Pictures / Pando Company / Raybert Productions

Fotografía: László Kovács

Guion: Terry Southern, Peter Fonda, Dennis Hopper
Música: Steppenwolf, Mars Bonfire, Jimi Hendrix, The Byrds, Roger McGuinn


Y hablando de esa película es inevitable escuchar a Steppenwolf con su tema "Born to be a wild"


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miércoles, 22 de agosto de 2018

El beso prohibido de "Encadenados"


"Un beso sólo podía durar tres segundos. Nos besamos y hablamos, nos separamos y volvimos a besarnos. El teléfono medió entre nosotros y nos trasladamos al otro lado del aparato. Fue un beso que empezaba y concluía; los censores no tuvieron motivo para suprimir la escena, porque nunca nos besamos más de tres segundos. Hacíamos otras cosas: nos mordisqueábamos las orejas y nos besábamos la mejilla, por lo cual pareció interminable y se convirtió en la sensación de Hollywood"

Alfred Hitchcock logró de esta forma, tal y como cuenta la preciosa Bergman en sus memorias, sortear el puritanismo e hipocresía hollywoodiense que todavía en la fecha de esta película ("Encadenados" es de 1946)  seguía atenazando a directores y guionistas con el conjunto de normas morales que se habían autoimpuesto en el mundo del cine a través del conocido Código Hays. Un código que todavía estaría dando serios coletazos hasta 1966 y que prohibía entre otras cosas que un beso pudiera durar más de tres segundos.

Y ahora que menos que disfrutar de esa escena….






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martes, 21 de agosto de 2018

Scarface y los maravillosos entierros de la Mafia


"Puedes conseguir mucho más con una palabra amable y una pistola que con una sola palabra amable"  (Al Capone)

La mafia siempre ha sido una organización llena de códigos y tradiciones no escritas y una de ellas es la curiosa forma en la que se celebraban los funerales de los capos mafiosos, fallecidos por así decirlo, a causa de un "accidente laboral", sobre todo a partir de que Alphonse Capone (Al Capone) le diera una especial notoriedad a este tipo de eventos. Así se fue conformando una especie de liturgia muy singular que dudo mucho continúe en la actualidad.

Por ejemplo, los amigos del difunto en señal de duelo dejaban de afeitarse desde el momento en que sabían la noticia hasta después del entierro a fin de que una vez llegado el momento del sepelio, mostrar un rostro en el que resultase más patente el dolor por la pérdida del "supuesto" amigo, costumbre que no era sino el eco de un uso napolitano. La pompa y boato con la que podía llegar a adornarse uno de estos funerales a veces rayaba en lo absurdo como veremos a continuación.

Uno de los funerales más sonados fue el de Dion O'Bannion, el gran rival de Al Capone en Chicago. Aquel tenía como tapadera de sus oscuras actividades una floristería (que curiosamente era la que surtía de flores a todos los funerales del gremio), hasta que unos secuaces de Al Capone entraron en la mentada tienda y le dieron "matarile" al competidor de Scarface. Flores como supondréis no faltaron, pero además se le agasajó con un ataúd de bronce y cristal de 10.000 dólares de entonces, adornado por dos ángeles de oro macizo y cuatro candelabros de plata. Se instaló una capilla ardiente por donde desfilaron hasta 40.000 personas (no sabemos si todas iban sin afeitar) y no faltaron ofrendas florales de su grande "Amigo" Al Capone en las que se podían leer cintas con la leyenda "From Al to Pal" algo así como "De Al a un amigo" que era la fórmula con la que habitualmente Scarface solía despedirse de los competidores en el negocio, y con la que además intentaba escurrir el bulto de posibles implicaciones en la muerte del gangster en cuestión. No se sabe si en las balas que ordenó dispararle mandó grabar algo similar.

El desfile ya fue el acabose y el cortejo iba acompañado de la Chicago Symphony Orchestra interpretando piezas a apropiadas a las circunstancias y seguido por más de 20.000 dolientes, poniendo el broche final un escuadrón de la Policía Montada enviado por el Alcalde de la ciudad de Chicago que por lo visto también estaba en la nomina de Capone. Como podéis suponer la policía no logró resolver este asesinato…

"No confundas mi amabilidad con debilidad. Soy amable con todos, pero cuando alguien no lo es conmigo, la debilidad no es lo que recordarás sobre mi" (Al Capone)

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lunes, 20 de agosto de 2018

Marlene Dietrich Vs Fritz Lang



"El director que más he detestado ha sido Fritz Lang (…). La arrogancia teutónica que manifestaba me disgustaba profundamente (…). Fritz Lang vigilaba cada paso, cada respiración, todo, con una sádica diligencia que Hitler no hubiera desaprobado. Fritz Lang, judío alemán, había huido del nazismo para refugiarse en Estados Unidos. Se comportaba como un tirano. No hubiera dudado -como pudimos constatar- en andar sobre cadáveres. Su altura le permitía dar largas zancadas (…). No derramaría ni una sola lágrima por él"


Con estas duras palabras relataba Marlene Dietrich en su autobiografía su relación con el director alemán (al igual que ella) Fritz Lang, durante el rodaje de "Encubridora" (Rancho Notorious - 1952). pelicula a la que pertenece la imagen promocional de cabecera. Marlene es uno de los mitos del cine, pero no lo es menos Fritz Lang en el campo de la dirección, a el debemos joyas del calibre de "Metropolis" (1927), "M, el vampiro de Düsseldorf"(1931), "La mujer del cuadro" (1944), "Perversidad" (1945), "Los sobornados" (1953), "Deseos humanos"(1954) o "Mientras Nueva York duerme" (1956), y muchas otras que dejo en el tintero. Son de tal calidad sus películas que me inclino por pensar, que era una bendición que fuera tan cuidadoso y vigilante en su trabajo, por mucho que le disgustara a la Dietrich. 

La verdad es que en la foto de la derecha, en la que podemos ver a ambos juntos en un descanso de "Encubridora", a ella no se la ve muy tensa.



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domingo, 19 de agosto de 2018

Las rarezas de Falla y un olvidado nocturno



“Error funesto es decir que hay que comprender la música para gozar de ella. La música no se hace, ni debe jamás hacerse para que se comprenda, sino para que se sienta”

Y yo, humildemente, estoy totalmente de acuerdo con el gran maestro Manuel de Falla, uno de los pocos compositores de primerísima linea a nivel mundial que ha dado nuestro País. Era Falla un ser atenazado en cierta manera por sus manías, fobias y rarezas. Una de sus fijaciones más llamativa era el horror que le producía la más mínima suciedad. Falla siempre fue muy proclive a los catarros y enfermedades pulmonares y puede que por eso tuviera declarada la guerra total al polvo e hiciera lo indecible por no entrar en contacto con el. Su primer biógrafo, el compositor Jaime Pahissa, contaba que habiendo ido a visitar a Falla el pintor Manuel Ángeles Ortiz, este lo vio al final de la calle donde vivía. Falla le hizo señas de que esperase y eso hizo. Lo curioso es que Falla tampoco avanzaba, permanecía parado en la calle quieto, tapándose la boca con un pañuelo. La raíz de aquel extraño comportamiento estaba en que acababan de barrer la calle y Falla esperó para encontrarse con su amigo un buen rato, hasta que estuvo seguro de que había desaparecido del ambiente la última mota del polvo removido por el barrendero.  La cosa no quedaba aquí, se cuenta que cada vez que se encontraba ante el compromiso de tocar en un piano que no era el suyo no podía evitar el ritual previo a posar sus manos en el mismo de limpiar metódicamente cada una de las teclas del instrumento con alcohol para evitar así entrar en contacto con el polvo o los vestigios que aún pudieran encontrarse allí de anteriores pianistas. Su compulsión por la limpieza le llevaba a limpiarse compulsivamente las manos lo que le provoco una severa dermatitis. 

Pero más allá de todas estas manías, que en mayor o menor grado tenemos todos, ha de reseñarse también el otro lado de la monedea, su increíble talento para la composición. A él le debemos obras como "Noches en los jardines de España", "El amor brujo", "El sombrero de tres picos" o "La vida breve" por mentar solamente los títulos más populares. Este gaditano de nacimiento frecuentó la compañía y amistad de otros genios de la música como Debussy, Ravel, Albeniz o Dukas, quedando muy patente en su obra las influencias recibidas del impresionismo francés que hacen de su música una obra refinada y colorista. Y como ya en otro artículo hablamos largo y tendido sobre "El amor brujo", hoy ilustraremos esta entrada con otra obra suya, una obra de juventud, seguramente desconocida para la mayoría (como gran parte de nuestro patrimonio musical), un delicioso nocturno para piano, muy del estilo de su admirado Chopin y que compuso con veinte años -data de 1896-. De la pieza decía el propio Falla:

"...Lo que publiqué antes de 1904 no tiene el más mínimo valor. Todas son tonterías, algunas escritas entre los 17 y 20 años, aunque publicadas después. Un Nocturno, por ejemplo, que escribí siendo apenas un niño. Cuando se lo enseñé, mucho tiempo después, a un editor de Madrid, pensó que podía interesar y lo publicó, y esto fue todo..."


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sábado, 18 de agosto de 2018

Paul Newman y los helados de chocolate



"Me gustaría que la gente pensara que más allá de Newman, hay un espíritu que actúa, un corazón y un talento que no proviene de mis ojos azules"

Y es que Newman, era un maravilloso actor  que a veces llamaba más la atención por sus ojos que por sus sensacionales interpretaciones o actos solidarios. Curiosamente sus ojos eran perfectos de cara al exterior, aunque para él no iban bien del todo ya que era daltónico. Evidentemente tampoco era capaz de comerse cincuenta huevos de una sentada como contaba aquella leyenda, de hecho una vez lo intentó en la realidad y no pasó de ocho. Nuestra compañera Celia Valdelomar nos traía hace tiempo la siguiente anécdota de este actor que muestra la turbación que podía causar en una mujer encontrarse con esa mirada azul frente a frente. Puede que no sea verdad, pero que más da, la mayoría de las anécdotas no lo son.

Una señora que pasaba sus vacaciones en un pueblecito de Nueva Inglaterra, se levantó un domingo muy de mañana para hacer un poco de ejercicio; al terminar su larga e intensa caminata pensó que se tenía merecida una apetitosa recompensa en forma de helado doble, por supuesto de chocolate, así que se encaminó a una confitería del centro de la ciudad a darse el capricho. En la tienda solo había otro cliente que resultó ser Paul Newman; quien solía veranear por allí con su familia. En una visión casi irreal, la mujer observaba al actor sentado en el mostrador desayunándose una rosquilla con un café. El corazón le empezó a latir aceleradamente con la emoción, más aún cuando su mirada hizo contacto con aquellos profundos ojos azules del actor, quien cortesmente la saludó con un ligero movimiento de cabeza y una cálida sonrisa que la señora le devolvió derretida, como si estuviera sobre un tejado de zinc caliente, y antes de tomar el camino a la perdición se dijo:

"¡Cálmate, eres una mujer felizmente casada, con tres hijos y tienes 45 años, no eres una adolescente histérica!"

La dependienta le tomo el pedido, le alargó su ansiado cono doble de chocolate y le dio el cambio. La mujer se dirigió hacia la puerta, todavía turbada por la situación y con el corazón palpitante, pero intentando mostrarse digna y dueña de si, de modo que avanzó sin mirar en la dirección de Paul Newman con la mirada muy fija en la puerta de salida. Ya fuera del establecimiento se dio cuenta de que tenía en una mano el cambio que le habían dado en la tienda, pero ni rastro del helado doble.  "¿Dónde está mi helado de chocolate? ¿Lo dejé en la tienda?", se preguntó. 

Asombrada, la mujer regresó a la confitería esperando ver su cono en el mostrador o en las manos de la empleada..., pero el helado no se veía por ninguna parte. Sintiéndose todavía más intrigada, miró entonces en dirección a Paul Newman. El rostro de él se iluminó con esa expresión tan suya, cálida y familiar y con una amplia sonrisa le indicó: "Búsquelo en su bolso, usted lo guardó allí".

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viernes, 17 de agosto de 2018

Mónica Bellucci, la tentación morena



“Con el tiempo las cosas han cambiado, pero al principio me costó que me tomasen en serio. Después de todo, empecé siendo una modelo con ínfulas de actriz entre un millón de modelos con ínfulas de actriz. La industria me observaba con actitud sospechosa, lo cual, en retrospectiva, era totalmente natural”

De hecho no se puede decir de Mónica Bellucci, al hilo de estas palabras suyas, que haya conseguido ser una gran actriz, lo que no quita que si haya logrado ser una gran estrella del cine. El cine tiene mucho de visual y los 177 centímetros de mujer que se gasta esta morena, adornados de un pelo, unos ojos y unos labios que cortan el hipo, le han dado el pasaporte para instalarse definitivamente en el imaginario masculino y en las referencias femeninas de qué es lo que nos hace "tilin" a los hombres. No es una mujer de aspecto fino y delicado, pero es indudablemente bellisima y tiene un "noseque queseyo" que te atrapa, en definitiva un bellezón mediterraneo que habla tres idiomas, y que pasó de los estudios de derecho directamente a la moda y después al cine. No tiene grandes películas, y posiblemente la mejor sea "Malena" donde se nos muestra arrebatadoramente hermosa en una historia bien conseguida gracias al buen hacer de su director, el maestro Tornattore. Uno puede entender perfectamente las inquietudes del pobre chico que bebe los vientos por ella. Son dignas de recordar también las películas "Irreversible" donde aparece la escena de una brutal violación, en la que es dificil mantener la mirada, "La pasion de Cristo", "Manuale d'Amore" y algunas pequeñas interpretaciones en "Dracula de Bran Stoker" o en la saga "Matrix". No cabe duda de que con la Bellucci se recupera la tradición italiana por las mujeres rotundas, tipo maggiorattas, alegrando la vista a los que no gustan de las tallas 38, tan frugales en sus encantos. No se si ella también se lo deberá todo a la pasta como afirmaba la Loren... Y el caso es que después de un buen tiempo volviendo locos a toda la peña todavía dice:

“Es difícil ser consciente del efecto que se provoca en los demás. La verdad es que es algo que siempre me sorprende"




Algunos momentos de Malena con la bellísima música de Morricone (Y yo sin bicicleta):


No volvería a pasearse igual hasta el anuncio de Martini de 2010... aunque me gusta mucho más como Malena


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jueves, 16 de agosto de 2018

Ha fallecido Aretha Franklin


Pienso (Think) que hoy es día de decir una pequeña oración (I Say a little prayer) por ella, por Aretha Franklin, de mostrarle nuestro respeto (Respect); de no hacerlo seríamos una interminable cadena de necios (Chain of fools) insensibles a la valía de una persona prácticamente insustituible en el mundo de la canción. Le debemos reconocer como nos ha hecho sentir que una mujer natural (You make me feel like a Natural Woman), sin artificios ni otras armas que sus canciones y la grandeza de su persona ayudaron más a los derechos de las personas de color y a la igualdad de la mujer, que otras batallas más sangrientas e inútiles. Hoy se marcha la que hasta hoy ha sido la indiscutible Reina del Soul, una cantante que con el timbre de su voz nos conquistó a todos y nos deja un 16 de agosto, la misma fecha en la que se fue Elvis Presley,  el rey del Rock, y aunque este fuera mucho más festivo, pienso que es más encomiable la labor como cantante desarrollada por Aretha Franklin, de hecho, el papel jugado por ella en la música norteamericana, desde el Gospel, pasando por el R&B, el jazz o el soul no tiene apenas parangón. A pocas cantantes las canciones parecían brotarle directamente de su alma como ocurría con Aretha.

"Ser cantante es un don natural. Significa que estoy utilizando en el mayor grado posible el don que Dios me dio para usar. Estoy feliz con eso." 

La humilde hija de un predicador (Son of a preacher man)  que llegó a ser reconocida por todos como Lady Soul, aprendió primero a llenar de luz las iglesias con sus canciones y luego el resto del mundo. No dudo que ahora tendrá la increíble gracia (Amazing Grace) de encontrarse al lado de su Precioso Señor pidiéndole que la tome de la mano (Precious Lord take me hand) para cantar en su coro, después de haber cruzando el puente sobre aguas turbulentas (Bridge over troubled waters) que separa esta vida de la inmortalidad. 

Think




I say a little prayer




Respect




Chain of fools





You make me feel like a natural woman





Son of a preacher man





Precious Lord






Bridge over troubled waters



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La verdadera historia del "Para Elisa" de Beethoven



"Para Elisa" (Für Elise) es una de las piezas más conocidas de la música clásica. Es una sencilla bagatella para piano, un tipo de pieza cortita y sumamente ágil y atractiva de las que Beethoven creó varias series, por cierto realmente preciosas. Ésta, pertenece a ese grupo de obras que ni siquiera tiene asignado opus (número de obra) y que así queda reseñada con ese extraño WoO nº59 (Sin opus nº 59). 

Cuenta la leyenda que en 1810, el compositor acudió a un recital en el que iba a tocar al piano una joven promesa de este instrumento. Ciertamente Beethoven se quedó asombrado con la fluidez y elegancia con la que la jovencita abordaba las piezas, hasta que llegó el momento en que debía de tocar una pieza del propio Beethoven. En el transcurso de la pieza la jovencita se quedó un tanto aturdida y llena de dudas, no siendo capaz de salir con éxito de la situación. Abandonó la sala entre lágrimas y Beethoven corrió tras ella y le preguntó: ¿Por qué no has podido seguir con mi pieza?. La niña, contestó como pudo al músico que para ella todas sus piezas (las de Beethoven) eran sumamente difíciles y un reto demasiado exigente. Beethoven le contestó "No te preocupes, escribiré una pieza sólo para tí". Al llegar el día siguiente, la jovencita recibió el mayor regalo y honor que podría soñar pianista alguno, una partitura a ella dedicada en la que se leía "Para Teresa (Recuerdos del 27 de abril de 1810)". Esa partitura no era otra que la inmortal "Para Elisa".  Pero ¿qué es eso de "Para Teresa"? Nos explicamos:

El caso es que según el pensamiento de la mayoría de expertos, esta pieza no estaba dedicada a Elisa alguna -por mucho que haya alguna Elisabeth  a la que quiera adjudicarse el honor-, resultando la dedicatoria originalmente "Para Teresa" (Für Therese) y se cree que esta Teresa no era otra que Teresa Malfatti, una de sus alumnas de piano y también uno de los amores imposibles del compositor. La razón de este erróneo nombre reside en que Beethoven era muy descuidado con sus partituras y además escribía de una forma un tanto caótica e ilegible, así el editor Ludwig Nohl, no leería bien el original y en las transcripciones que se realizaron posteriormente cambió el inicial y manuscrito por Beethoven "Para Teresa", por el ya inmortal "Para Elisa". Además hay muchos indicios de que este Ludwig Nohl fue en realidad el que diera forma definitiva a la pieza basándose en los esbozos que Beethoven había dejado escritos, aunque personalmente opino que al haberse publicado en 1816, once años antes de la muerte de Beethoven y sabiendo del iracundo carácter del compositor no creo que Nohl se atreviera a desvirtuar en demasía lo que estaba escrito sobre el pentagrama.

Hay una teoría alternativa que casa bien con la leyenda que recogíamos más arriba. Como apuntaba al principio hay quien sostiene que esta obra podría estar dedicada a una "Elisa" realmente y en esta linea mantiene que fue dedicada por Beethoven a una joven niña prodigio del piano que daba conciertos junto al amigo de Beethoven, Johann Nepomuk, esta niña, llamada Juliane Katharine Elisabet Barensfeld, y que utilizaba "Elise" como variante de su nombre podría ser la verdadera "Elisa". Según Rita Steblin, la musicóloga que sostiene esta teoría, Beethoven habría dedicado la pieza a esta pianista de 13 años como un favor hacia Teresa Malfatti que vivía en frente de la residencia de Nepomuk y de la prodigiosa Elisa, siendo esta una teoría no ha sido descartada.

En el vídeo de abajo, la maravillosa pianista, Valentina Lisitsa, nos recuerda la pieza, llena de una delicadeza y amor infinitos en las pocas notas que le hicieron falta para hacerla inolvidable. A veces, menos, es más.



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miércoles, 15 de agosto de 2018

Duelo de ninguneos: Clark Gable Vs William Faulkner



Ayer comentábamos la querencia que tenía el director Howard Hawks de rodearse de buenos escritores y contábamos algo de su relación con Hemingway. Otro Premio Nobel al que Hawks le gustaba tener cerca era William Faulkner  con él que compartía pasiones como la caza, la aviación o el alcohol. Hawks se sentía seguro teniéndolo a su lado y pudiendo contar con su consejo para limar las posibles imperfecciones de sus guiones. "Lo primero que quiero es una historia; la siguiente cosa que quiero son personajes" le decía Hawks al escritor. En una ocasión que salieron de caza, les acompañó Clark Gable, formando un trío realmente peculiar. El propio Hawks, lo recordaba así en sus memorias:

"No creo que Gable haya leído nunca un libro y dudo que Faulkner haya visto jamás una película". Con esos antecedentes no es extraño que avanzado el día de caza, Gable le preguntara al escritor, quien sabe si inocentemente o no, cuáles eran sus escritores favoritos aún con vida. "Thomas Mann, Willa Carther, John Dos Passos, Ernest Hemingway y yo mismo", fue la inmodesta contestación, y entonces Gable se le ocurre decir "Oh ¿escribe usted, señor Faulkner?". El escritor no se inmutó lo mas mínimo y replico "Si, ¿Y usted a que se dedica, señor Gable?"

Supongo que a los dos le importaba un bledo no ser conocido por el otro en esta lucha del ninguneo. ¡Vaya personajes!

Una vez le preguntaron a William Faulkner si creía que los años que había dedicado a trabajar para el cine, principalmente con Hawks, habían perjudicado su labor como literato. El autor de "Luz de agosto","Santuario" o "El ruido y la furia" contestó:

“Nada puede perjudicar la obra de un hombre si éste es un escritor de primera, tampoco nada podrá ayudarlo mucho. El problema no existe si el escritor no es de primera, porque ya habrá vendido su alma por una piscina”.

En el vídeo Howard Hawks cuenta la anécdota del día de caza con Faulkner y Gable:



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