lunes, 14 de diciembre de 2020

Invitación a nuestro nuevo blog: Estamos de mudanza



Por motivos varios que no vienen al caso, ya hace un tiempo que decidimos trasladar toda la ilusión que volcamos en este blog, que fue mucha, a uno nuevo, eso si, con clara vocación de continuación de lo que aquí contábamos, pero intentando mejorar y dar un nuevo aire. El nombre ya indica el espíritu continuista: "Anécdotas de Cine, Música y arte", osea mucho cine, mucha música y pinceladas de todas las demás artes, tratadas siempre de forma ligera y desde el terreno de la anécdota enriquecedora y divertida que logre dar una visión diferente sobre todo aquello que nos gusta.

Esperamos y deseamos veros por allí (no pondremos problemas para entrar como los de la foto) y gracias por todo el apoyo que disteis a esta pizca de nosotros.

Link al nuevo BLOG: →

martes, 19 de marzo de 2019

El origen de la festividad de "El día del Padre"



Hoy es el Día del Padre, una tradición que en España no tiene mucha antigüedad, apenas 70 años, y que ya existía desde unas décadas antes en Estados Unidos. Aunque resulta evidente que la festividad coincide con el día de San José de Nazaret, el Padre Putativo de Jesucristo (ya saben lo de PP - Pepe), su origen no es de carácter religioso. En realidad la idea de vincular la festividad de San José a la del Día del Padre, como una especie de contrapeso a la ya existente celebración del Día de la Madre partió de una maestra  de  Vallecas llamada Manuela Vicente Ferrero que pensó que la figura paterna también merecía tener un día en el que se reconociera su labor y los hijos pudieran darle también a él muestras de su amor; conclusión a la que llegó después de oír las quejas de algunos padres que veían como los niños dedicaban sus esfuerzos en preparar algunas manualidades para sus madres en su festividad, pero que los padres no tenían ocasión de recibir ese detalle especial de manos de sus hijos. Aquella idea quedó plasmada por la profesora en un articulo publicado en el periódico "El Magisterio Español" en el que exaltaba las virtudes de la paternidad y en un programa de Radio Nacional de España propuso su idea a todo el país. Consecuente con su idea, Manuela Vicente Ferrero, también conocida por "Nely" -su apodo literario- celebró su primer día del Padre el 19 de marzo de 1948 en el colegio madrileño donde daba clase y sus alumnas prepararon detalles para sus padres y celebraron además el día con poesías, bailes y un acto religioso. 

La iniciativa lograba algunas adhesiones pero muy tibiamente, hasta que en 1953 los almacenes "Galerías Preciados" intuyeron el potencial de la idea y el caudal de beneficios que podría reportar una nueva festividad en la que se incluirían no solo los llamados "José" sino todos los padres sin distinción, preparando una linea de regalos especiales para tal fecha. "El corte Inglés" siempre atento a las jugadas de su principal competidor y vislumbrando también el negocio se sumó a la promoción del "Día del Padre". Pepín Fernández tuvo el detalle de intentar contar con la persona que tuvo la idea inicialmente, la profesora Manuela Vicente y contratarla, pero esta rechazó la oferta y a cambio pidió que todas sus alumnas fueran contratadas cuando terminaran sus estudios, cosa que fue aceptada por el dueño de la ya desaparecida "Galerías Preciados". Pero más allá de toda esta historia de consumismo teledirigido siempre habremos de estar agradecidos a aquella profesora que fue el motor de que todavía entre los recuerdos que adornan mis estanterías de libros tengan un lugar de preferencia aquellos pequeños regalos que mis hijos de pequeños me traían en el Día del Padre y que día a día me roban una sonrisa. Por cierto: "Feliz Día del Padre"

La fotografía ha sido tomada de la siguiente página:
https://www.castmay.com/gemelos-personalizados-para-el-dia-del-padre

lunes, 4 de marzo de 2019

Un héroe llamado Steve Buscemi



Hay actores que terminan conquistándote con un determinado papel y en estos tiempos que corren no tiene por que ser en una película, bien puede ser una de esas estupendas series que hoy rebosan calidad y desafían a un cine cada vez más decepcionante. Es lo que me ha ocurrido con Steve Buscemi en su rol de Nucky Thompson, el rey de Atlantic City, en la serie "Boardwalk Empire" (ya se que voy con algo de retraso), la mejor historia que se pueda encontrar sobre la época dorada de la mafia en el este de los Estados Unidos; incluyan las películas que quieran, con cinco temporadas el desarrollo y evolución de todos sus personajes es insuperable. 

Pero centrándonos en Buscemi; me ha llamado mucho la atención que este actor que parece un tanto enclenque y debilucho fue durante cuatro años, entre 1980 y 1984, bombero en Nueva York, concretamente en la estación "Engine 55" del barrio de Little Italy, algo para lo que os puedo asegurar hay que estar en perfecta forma física. Cuando el éxito como actor, su verdadera vocación, llamó a su puerta, Buscemi empezó pidiendo pequeñas excedencias que una vez su éxito se consolidó, ésta terminó por ser definitiva apartándole de las mangueras y los fuegos. Pero como James Bond y Sean Connery sabían perfectamente nunca se puede decir nunca jamás, y cuando ocurrieron los atentados del 11 de septiembre de 2001, con aquellos enormes aviones que se estrellaron contra las Torres Gemelas de Nueva York, los bomberos tuvieron una cantidad de bajas enormes entre las que se contaban algunos de los antiguos compañeros de Buscemi y este, ni corto ni perezoso, se presentó en su Estación "Engine 55" como voluntario para ayudar a sus compañeros. Trabajó a turnos de 12 horas en las labores de rescate, quitando escombros y buscando supervivientes. Para todo el mundo aquellos bomberos fueron considerados como héroes y Buscemi era uno de ellos. En las siguientes fotos lo pueden ver el primero por la izquierda:



No hubo casi registros gráficos de su altruismo ni tan siquiera tuvo eco hasta un par de años después en que la historia se hizo pública a través de terceros. Al respecto decía el actor, que ya por entonces había participado en títulos como "Fargo", "Reservoir Dogs", "Pulp Fiction" o "El Gran Lebowsky":

"Fue un privilegio poder hacerlo. Fue genial poder contactar con la estación de bomberos con la que solía trabajar y volver a tener contacto con los chicos con los que trabajé. Y fue enormemente útil para mí porque, mientras estaba trabajando, no me daba tiempo para pensar en lo que había sucedido. No fue hasta que paré que realmente fui consciente del impacto total de lo que había sucedido"


En España, al menos nos queda el consuelo de tener a Rafa Nadal, haciendo cosas parecidas...

¿Y ahora que he terminado "Boardwalk Empire" que encuentro que esté mínimamente a su altura?  Capone, Luciano, Torrio, Maranzano, Rothstein, Charly White, Nucky Thompson, actores maravillosos y una música de jazz de lujo.... Difícil, difícil lo veo... 


Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas:
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viernes, 1 de marzo de 2019

Viggo Mortensen, "Green Book" y la vida real de su personaje Tony "Lip" Vallelonga



Pregunta de Trivial: ¿Qué actor estuvo en "El Padrino", "Tarde de Perros", "Toro Salvaje", "Uno de los nuestros", "Donnie Brasco" y "Los Soprano"?...... tic tac, tic tac.... Seguro que no lo aciertan. Os lo cuento unos renglones más adelante. El caso es que después de mi cara de póquer tras ver "Roma" del enrachado Alfonso Cuarón, por fin logré ver "Green Book" y cambiar de expresión. Tal y como me pronosticaban salí francamente contento del cine después de disfrutar una película que dosificaba en su justa medida los toques de humor con la crítica social de unos tiempos difíciles para la raza negra en Estados Unidos. No le fue necesario a Peter Farrelly, su director, cargar las tintas ni ponerse melodramático; muy al contrario puso su justa dosis de azúcar y humor aquí y allá en una historia perfectamente predecible, pero tan bien confeccionada que con su esperanzador mensaje de concordia y entendimiento, funciona de cara al espectador como el mejor de los relojes suizos. Comprendí por fin los méritos de Mahershala Ali para llevarse el Oscar al mejor actor secundario y me llevé las manos a la cabeza comparando la sensacional actuación de Viggo Mortensen, en un rol con puntuales tintes de comedia muy raros en el, con la solvente pero insuficiente actuación de Rami Malek en la para mi sobrevalorada "Bohemian Rapsody". Ya se que esto es meterse en camisa de once varas, que los últimos minutos son geniales con un Malek muy inspirado y la música de The Queen resucita a un muerto, pero para mí lo mejor es sobre todo eso, la música, y hablando de una película eso es poco. 

Pero más allá de la pequeña crítica cinematográfica que pueda dar este conquistado espectador de "Green Book", de quien quería hablar es del verdadero Tony "Lip" Vallelonga, ese personaje al que Viggo Mortensen, con sus evidentes kilos de más para acercarse al original, llena de matices. Tal como se cuenta en la película, Vallelonga fue portero del  famoso "Copacabana" durante 12 años (este nightclub parece que era propiedad del mafioso Frank Costello hombre de confianza del todopoderoso Lucky Luciano), algo para lo que no todo el mundo tiene las "habilidades" necesarias: músculo y un piquito de oro para llevarse al huerto a los clientes díscolos, y para nuestro protagonista ya sabemos, con su sobrenombre "Lip", que eso no era ningún inconveniente y podía convencerte de lo imposible con su palabrería, o hasta hacerte comer pollo frito en el coche vestido de punta en blanco. Lo haría bien, pues de portero, paso a maître y después a supervisor. Lo que no cuenta la película, cuyo guión esta escrito en parte por el hijo de Vallelonga, es que nuestro "Lip" fue un actor con un elenco de películas verdaderamente impresionante y con una marcada tendencia a dar vida en las mismas a personajes de mafiosos. Y es que todo apunta a que el tipo tenía que ser de cuidado. Sus padres eran de origen calabrés y vivían en el barrio neoyorkino del Bronx donde eran casi vecinos del mafioso John Gotti. En el Copacabana conoció a personajes como Frank Sinatra y toda su troupe así como a muchas otras estrellas del cine y la canción; también a Francis Ford Coppola que fue quien le dio su primer papel en el cine, con una pequeña aparición en "El Padrino", película en la que tuvo presencia más de un "chico duro" en la vida real. Más tarde aparecería de policía en "Tarde de perros" o de dueño de un club nocturno en "Toro Salvaje", encontrando sitio también como chico "malote" en otros films como "Uno de los nuestros" donde encarna al delincuente Guissupe Manzo o "Donnie Brasco" en el que da vida al colega del anterior Philip Giaccone. Finalmente dio la campanada durante varias temporadas en el papel del mafioso Carmine Lupertazzi en la serie "Los Soprano" rol en el que lo podemos ver en la foto de arriba a la izquierda. Y por supuesto, en uno de sus descansitos del Copacabana, acompañó como chofer-guardaespaldas al pianista Don Shirley durante bastante más de dos meses como aparece en la película, haciéndose muy amigo suyo a pesar de las diferencias iniciales. Todo un personaje el señor Vallelonga. A mi juicio Viggo Mortensen se debería de haber llevado el Oscar, pero al menos queda el consuelo de que se lo haya llevado la película, una absoluta singularidad en la carrera de Peter Farrelly, que después de títulos de inspiración muy similar como "Los tres chiflados", "Dos tontos muy tontos" o "Vaya par de idiotas" aun debe estar pellizcándose.


El trailer:


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domingo, 18 de noviembre de 2018

"Ni de Eva ni de Adán" - Amélie Nothomb



"Al parecer, huir es poco glorioso. Lástima, porque es muy agradable. La huida proporciona la más formidable sensación de libertad que se pueda experimentar. Te sientes más libre huyendo que si no tienes nada de lo que huir. El fugitivo tiene los músculos de las piernas en trance, la piel temblorosa, las fosas nasales palpitantes, los ojos abiertos. El concepto de libertad es un tema tan manido que las primeras palabras me hacen bostezar. La experiencia de la libertad es otra cosa. Uno debería tener siempre algo de lo que huir, para cultivar esa maravillosa posibilidad. De hecho, siempre hay algo de lo que huir, aunque sólo sea de uno mismo."

El fragmento pertenece a la obra "Ni de Eva ni de Adán", una novela de la escritora belga Amélie Nothomb (1967) y que narra el romance que la escritora tuvo con un joven acomodado al que daba clases de francés. La escritora, nacida en Kobe e hija de un embajador belga vivió durante años en Japón y China y conoce perfectamente la cultura de la que habla en este libro. Publicada originalmente el 20 de agosto de 2007 por la Editorial Albin Michel, en España el libro está publicado por Anagrama (2009).

Una de las críticas del libro, en el diario L'Express, dice así: "Amélie Nothomb se sube en Tokio a la montaña rusa de una hilarante educación sentimental en brazos del muy delgado y muy oriental Rinri, un ávido lector que sueña con entrar en la orden del Temple. Amélie, decidida a aprender japonés enseñando francés a los autóctonos, conoce a Rinri en un bar. Pero, pocos días después, la relación entre maestra y alumno dará paso a una hermosa historia de amor. Distintos episodios nos sitúan, una vez más, ante una rica y peculiar visión de Japón, la de alguien nacido allí pero cuyos orígenes son occidentales, y donde la percepción de la alteridad cobra los más variopintos matices. Nothomb analiza sus experiencias desde una perspectiva casi antropológica, nunca exenta de ironía. La diversión está asegurada, pero también la ternu-ra e incluso la melancolía…, porque cuando Nothomb escribe en primera persona fascina, divierte, hace pensar y hace reír. «Los lectores de Amélie no se quejarán ante tan espléndida cosecha Nothomb»" (Marianne Payot, L’Express).

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"El camino del parque" - Henri Manguin



El cuadro tiene por título "El camino del parque" (1905) y es obra del pintor fauvista Henri Manguin (1874-1949) un artista francés que en el jardín de su casa construyó un taller que fue muy frecuentado por artistas como Matisse y Marquet con los que había compartido estudios en la École des Beaux-Arts, así como Derain, Camoin y Puy, convirtiéndose este en un lugar principal dentro del nacimiento del movimiento fauvista. Muchas de sus pinturas son de paisajes mediterráneos; de hecho cuando en 1904 fue invitado por Signac a visitar Saint Tropez, quedó atrapado por su luz y tras varias visitas terminaría quedándose a vivir allí.  El cuadro se expone en la Pinakothek der Moderne de la ciudad de Munich

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lunes, 12 de noviembre de 2018

El mal estilo de Hemingway para con Scott Fitzgerald



Hubo un tiempo en el que dos de los más grandes literatos del siglo XX, los pesos pesados de la denominada Generación Perdida: Francis Scott Fitzgerald y Ernest Hemingway fueron grandes amigos y compartieron su mutua admiración y alguna que otra botella de champán francés. Después, con el tiempo y el descenso a los infiernos del autor de "El gran Gatsby", Hemingway le perdió todo el respeto a un atribulado Fitzgerald y lo criticaba abiertamente por vender su talento a Hollywood por cuatro cuartos, sin entender que los necesitara siempre con urgencia para pagar los tratamientos de Zelda, su enferma esposa, lo tildaba además de cobarde e inmaduro y llegó un momento en que incluso, con poquísima elegancia llegó a hablar mal de él hasta en sus relatos. 

     El suceso se dio en agosto de 1936, en la revista Squire, donde se publicó la versión original del relato corto "Las nieves del Kilimanjaro" en el que aparecía un pasaje en el que el narrador del cuento al describir a los ricos dice:

“Eran aburridos y bebían demasiado, o jugaban al backgammon. Se acordó del pobre Scott Fitzgerald y de su romántico, reverencial respeto por esas gentes; se acordó del comienzo de uno de sus relatos: ‘Los multimillonarios son diferentes de ti y de mí'. Y se acordó de algo que alguien le había dicho a Scott: sí, es que ellos tienen más dinero: por eso son diferentes. Pero eso a Scott no le hizo gracia. Creía que los millonarios formaban una raza especial, y cuando descubrió que no era así se sintió destrozado, tanto o más que con todo lo que le había hecho sentirse fatal. Él despreciaba a la gente que se quedaba hecha polvo. Que comprendieras una cosa no significaba que tuviera que gustarte. Se creía capaz de superar cualquier cosa porque nada podía afectarle si no le importaba."

Fitzgerald se sintió dolido con esta "puñaladita" pública de Don Ernesto y se decidió a escribirle la siguiente carta:

“Querido Ernest:
Por favor, no hables de mí en tus libros. Si a veces decido escribir de profundis, eso no significa que quiera que los amigos recen en voz alta sobre mi cadáver. Sin duda que tu intención fue buena, pero me costó una noche de insomnio. Y cuando incorpores el relato a un libro, ¿te molestaría quitar mi nombre? Es un bello relato, uno de los mejores que has escrito aunque eso del “pobre Scott Fitzgerald, etc.” más bien me lo haya estropeado.  Siempre tu amigo Scott.

P. S.: Los millonarios nunca me han fascinado, a menos que les adorne el mayor encanto o distinción”

La respuesta que Hemingway dio a esta carta se perdió, pero el propio Fitzgerald afirmaba que en ella Hemingway se mostraba dispuesto a retirar el nombre de Scott Fitzgerald del relato cuando fuera publicado en un libro. 

Cuando a finales de año aparecieron los mejores relatos de 1937 el cuento seguía sin modificar y cuando Hemingway envió a la editorial la primera versión del libro en que se recopilarían sus primeros cuarenta y nueve relatos cortos se limitó a sustituir "pobre Scott Fitzgerald" por "pobre Scott". Fitzgerald escribió al editor y le recordó: "No olvides que ha prometido eliminar mi nombre. Fue una perrería, y aun cualquiera que no fuera Ernest se la hubiera devuelto". En la publicación difinitiva de su recopilación de relatos de 1938 "Scott" fue sustituido ya para siempre por "Julián".

A pesar de todo, Fitzgerald siguió hablando en términos amistosos de Hemingway mientras que este alternaba los comentarios diplomáticos con las habituales críticas que incomprensiblemente continuaron incluso después de la muerte de Scott en 1940, a cuyo entierro, por cierto, no asistió. Poco antes, en una carta fechada en 1939, Hemingway tuvo un momento de lucidez al escribir:

"Siempre he tenido un estúpido e infantil sentimiento de superioridad ante Scott, como el de un chico duro y resistente que desprecia a otro, más delicado quizá, pero con talento" 

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domingo, 11 de noviembre de 2018

"20 segundos" - Pablo Casares


Unas miradas
que se encuentran
en un café desierto,


un lunar
en tu cuello
que es capaz
de volverme loco,

y 20 segundos

para encender un pitillo,
dar un trago al vino blanco
y ver cómo llega un tipo
que te besa
con la mitad de ganas
que lo hubiera hecho yo.

"20 segundos" es obra del poeta español Pablo Casares (1972). La foto tiene por título "En el Cafe" (París) y esta tomada de la página Maisongray.com

viernes, 9 de noviembre de 2018

¡Achtung! A las órdenes de Billy Wilder


Los directores de cine nunca han sido muy dados a aparecer en las películas de otros. Cuando a Billy Wilder le pidió Cameron Crowe que apareciera junto a Tom Cruise en su película "Jerry McGuire" (1996), no logró convencerle y cuando le insistió: "No es más que un papel pequeño" Wilder se disparó: "¿Un papel pequeño? ¡Entonces, desde luego que no voy a hacerlo!". A Billy Wilder le gustó la forma en la que Cameron Crowe contó la anécdota en la revista Rolling Stone, lo que propició una serie de encuentros que sirvieron de base para un libro-entrevista maravilloso, equiparable al de Truffaut con Hitchcock. Supongo que tenían cosas en común, ambos eran directores y guionistas a la vez. Crowe había ganado un Oscar como guionista en el año 2000 por "Casi famosos" que también dirigió.

Pero Wilder si sabía engatusar a otros directores grandiosos para que trabajaran en sus películas, por supuestos con papeles a su medida. De hecho no creo que haya otro director que haya conseguido tantas gloriosas participaciones. A su lado trabajó Eric von Stroheim haciendo del Mariscal Erwin Rommel (foto de la derecha) en "Cinco tumbas al Cairo" y de criado en "El crepúsculo de los dioses", la misma película en la que apreció brevemente Cecil B. de Mille haciendo de él mismo, así como Buster Keaton, que además de un maravilloso actor cómico era a la vez director de la mayoría de sus grandes películas. También contó con Charles Laughton en "Testigo de Cargo" un actor que solo rodó una película como director, pero es de tal calidad "La noche del cazador" que bien puede ser citado en la lista, máxime siendo su trabajo con Wilder posterior a esta película. Hay otros actores que trabajaron con Wilder que terminaron poniéndose detrás de la cámara como directores pero sin grandes resultados y que solo citamos a modo de curiosidad: Ray Milland, Jack Lemmon, Klaus Kinski o Kirk Douglas. Pero del que queríamos hablar hoy era de una vaca sagrada de la dirección, el gran Otto Preminger (foto de cabecera) que trabajó a las ordenes de Billy Wilder en "Traidor en el infierno" (Stalag 17 - 1953) en la que daba vida a Oberst Von Scherbach, el sádico comandante de un campo de prisioneros de guerra en el que hacía sus pinitos William Holden. De esta colaboración contaba Wilder Kevin Lally en su libro "Billy Wilder. Aquí un amigo":

"Preminger era la personificación del director autoritario. Tenía una pésima reputación por sus constantes regañinas a gritos a los actores y al equipo técnico. Según cuenta la leyenda de Hollywood, Preminger intentó una vez "tranquilizar" a un actor nervioso acercando su cara a dos centímetros de su nariz y gritándole. "¡Tranquilícese!". Tony Curtis afirma que Wilder le contó que, el primer día de rodaje para Preminger en "Traidor en el infierno", Wilder puso en práctica el mismo truco con el tembloroso director".

El propio Billy Wilder contaba al respecto:

"(Preminger) siempre se olvidaba de sus frases. Era muy estricto como director, pero él... Solía decir: "Perdóneme, estoy un poco desentrenado", y por la noche siempre te enviaba dos kilos de caviar. Era muy generoso. Pero con los actores.... a los extras que hacían de soldados y que habían trabajado para él anteriormente, a esos actores, los trataba a patadas. Así que cada vez que Preminger me pedía disculpas por no recordar sus frases, los extras que había detrás de él me miraban y me decían (Wilder levanta el dedo corazón) "Hágale así"

Cuando ocurrió esta anécdota Preminger ya hacia unos años que había rodado "Laura", pero no hacía tantos de la maravillosa "Al borde del peligro" y acababa de rodar "Cara de ángel" (1952) y tras esta experiencia como actor con Wilder, pronto rodaría obras maravillosas como "Carmen Jones", "Rio sin retorno", "El hombre del brazo de oro", "Buenos días tristeza", "Anatomía de un asesinato", "Éxodo" o "Tempestad sobre Washington". Supongo que pondría de los nervios a todo el equipo de esas películas pero el resultado es sin duda inmejorable.

Curiosamente, Stroheim y Preminger, los dos directores más sobresalientes y más autoritarios que trabajaron con Wilder, acabaron vestidos en sus colaboraciones para este con el uniforme nazi, algo que toma cierto significado cuando recordamos que ambos, como el propio Wilder, eran de ascendencia judía y habían nacido en el desaparecido Imperio Austrohúngaro, cuyos despojos no tardó en anexionarse el III Reich. Supongo que ponerse aquel uniforme era una forma de exorcizar sus propios demonios. Quien sabe.


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martes, 6 de noviembre de 2018

Emma Stone Eyes



Esta preciosa pelirroja, de amplia sonrisa y ojos enormes es sin duda uno de los talentos emergentes más interesantes del cine actual y hoy, día 6 de noviembre, cumple 30 años. Emma Stone se llama en realidad Emily Stone y no pudo mantenerlo en su carrera cinematográfica por que ya existía una actriz con ese mismo nombre. Le paso algo parecido a lo que tuvo que soportar Stewart Granger, el maravilloso "Scaramouche" que se llamaba realmente James Stewart y claro con ese nombre ya había un sujeto muy famoso en las carteleras por lo que tuvo que buscarse otro si quería dedicarse al cine. Emma Stone empezó a hacerse conocida con su delicioso papel protagonista en "Criadas y señoras" (2011 - Tate Taylor), continuó en "Gangster Squad" (2013 - R. Fleisher)  y "Magia a la luz de la luna" (2014 . Woody Allen) y no tardó en hacerse con una nominación al Oscar por su papel en "Birdman" (2014 - Iñarritu), para posteriormente, entre muchos otros premios, llevarse la estatuilla dorada por "La La Land" (2016 - Damian Chazelle). Ya es considerada una de las mejores actrices de su generación y figura a menudo en listas de mujeres mejor vestidas y sexys y por su certero instinto a la hora de escoger sus trabajos sabemos que su presencia en una película es casi garantía de que lo que veremos merece la pena. Puede que algún día hagan una canción sobre sus ojos del estilo de aquella de Kim Carnes.


Emily Jean -Emma- Stone nació el 6 de noviembre de 1988 en Scottdale (Arizona). Mide 1'68 metros. Actualmente tiene 30 años. Andrew Garfield, el hombre araña en las dos entregas de "Amazing Spiderman" en las que Emma Stone hacía de su novia, supo echarle bien el lazo y se casaron en 2010.

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lunes, 5 de noviembre de 2018

Los orígenes vascos de Jessica Chastain y su lucha por la igualdad


Jessica Chastain se está afianzando como una de las actrices más solidas de su generación. Con dos nominaciones al Oscar y después de trabajos realmente soberbios en películas como: la infravalorada y a mi juicio sensacional film "El arbol de la vida" (2011), la exitosa "Criadas y señoras" (2011), la interesantísima "La noche más oscura" (2012), la soberbia "Interstellar" (2014), por no citar "El año más violento", "Lawless", "El caso Sloane" o la muy entretenida "The Molly's Game", pues bien, como decía, después de este rosario de grandes títulos, resulta que como sus demás compañeras de profesión tiene que ir luchando dólar a dólar por la equiparación en sueldo con sus compañeros masculinos, algo ciertamente difícil en Hollywood, según ella misma refería en una mesa redonda con otras actrices, entre ellas Jennifer Lawrence y Emma Stone, en "The Hollywood Reporter" y de la que se hacía eco Vanity Fair:

"Después de La noche más oscura, me enviaron muchos guiones en los que había una mujer protagonista. [Pero decían que] no negociarían mi contrato hasta que supieran quién iba a ser el hombre protagonista porque necesitaban hacer antes su contrato y ver cuánto quedaba [para mí]"

"Decidí que no iba a [negociar después que mis compañeros masculinos] nunca más. Así que a partir de ahora, si alguien tiene algo que ofrecerme, genial, hagamos mi contrato ahora. Pero también, si alguien se presenta en el rodaje durante tres semanas en una película que tarda dos meses en rodarse, no van a pagarle más que a mí"

No se si ha logrado sus pretensiones pero le deseo lo mejor en su justa reivindicación. Puede que siendo pelirroja y bisnieta de vascos por parte paterna logre poner orden en Hollywood. Según cuenta el maravilloso programa "La noche de...", el bisabuelo de Jessica Chastain era de Gernika  y se llamaba Antonio Monasterio Astoreka, y su bisabuela era de navarra y se llamaba Ramona Egurrola Basánez. Así el apellido real de la actriz debería ser Monasterio por parte de su padre, pero al abandonar este a la familia por delirios de lograr el éxito en el mundo del rock y las vicisitudes por las que hubo de pasar la familia y que abajo cuenta ella misma, decidió cambiar su apellido por el de su madre y llamarse ya oficialmente y a todos los efectos Jessica Chastain

"Me crié con una madre soltera que trabajó mucho para poner comida en nuestra mesa. No teníamos dinero. Hubo muchas noches en las que tuvimos que irnos a dormir sin comer. Fue una crianza muy difícil. Las cosas no fueron fáciles para mí cuando era niña"

Osea que buena relación no se puede decir que tenga con sus orígenes vascos pero que si fuera de su interés, y puestos a hacer méritos para una continuación de "Ocho apellidos vascos" podría tener mucho que decir.


Jessica Chastain nació en Sacramento, California, el 24 de marzo de 1977 - Actualmente tiene 41 años y mide 1'63 metros. Se casó en 2017 con Gian Luca Passi de Preposulo

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sábado, 3 de noviembre de 2018

Marilyn Monroe: Sin derecho al descanso eterno



Marilyn Monroe siempre estuvo acosada por los hombres en vida; incluso había quien decía que si no te habías acostado con Marilyn no eras nadie en los EEUU, pero resulta que ese acoso ni tan siquiera ha cesado una vez falleció la actriz en 1962. Siempre hubo muchos hombres que juraban estar loquitos por sus huesos y parece que ciertamente era o sigue siendo así.

Los restos de Norma Jean descansan en un humilde nicho del cementerio Westwood Memorial Park de Los Ángeles, donde también se encuntran los de Billy Wilder, Jack Lemmon, Burt Lancaster,  Natalie Wood  o Dean Martin. 

Cuando en 1992 Hugh Heffner, el dueño de Playboy, la revista que en su primer número lanzó aquellos incendiarios desnudos de Marilyn y por los que la estrella no cobró más de 50 dólares, supo que el nicho que estaba al lado del de Marilyn había quedado disponible, no lo dudó  y pagó 75.000 dólares para hacerse con él. Decía: "Creo en lo simbólico, pasar la eternidad junto a Marilyn es demasiado dulce para no hacerlo". A la muerte de Heffner, en 2017, este cumplió su sueño y ocupó su lugar junto a la actriz. Muchos bromeaban con el imaginario encuentro de ambos y el  "qué haces aquí tan sola" del siempre picaron Heffner. 

La cosa podría acabar aquí, pero la mitomanía crece con los años y aquellos 75.000 dólares de Heffner quedaron casi en chiste cuando el nicho que se encuentra encima del de Marilyn entró en subasta. El nicho superior había sido propiedad de Joe DiMaggio, el famoso jugador de béisbol y uno de los maridos de Marilyn. Con el tiempo DiMaggio lo vendió a Richard Poncher, un hombre de negocios que llegó a construir dos coches blindados para Al Capone. Cuando supo que debajo de su nicho enterrarían a Marilyn, hizo prometer a su esposa Elsie, bajo amenaza de perseguirla desde el más allá, que a su muerte sería enterrado en el mentado nicho boca abajo para mirar por siempre a Marilyn -los hay majaretos- y el caso es que su temerosa esposa se encargó de que al ser introducido su ataúd en el nicho, le dieran la vuelta al mismo para cumplir los deseos de su "amoroso" marido. De haber podido, me imagino a Marilyn como en la foto de la derecha, con cara de sorpresa por tanto baboso. Con los años llegarían las deudas y Elsie, la viuda de R. Poncher, se decidió en 2009 a vender aquel nicho por el que esperaba conseguir unos buenos dólares que la sacaran de problemas. Al mirón de su difunto marido ya lo mandaría a otros sitio a contemplar otras vistas. Las pujas por el nicho se dispararon, porque una cosa es estar al lado de la tentación rubia y otra muy distinta para algunos obsesos, es estar encima de Marilyn por toda la eternidad. En la subasta se alcanzó la cifra de 4'6 millones de dólares y aunque el ganador después dio un pasito atrás por problemas económicos, hubo otras 12 personas que superaron en la puja la cantidad de 4'5 millones de dólares y que a buen seguro tomaron su testigo. La tentación ahora viviría abajo, vestida de verde y con un pañuelo del mismo color al cuello que es como la enterraron. Como dijo la escritora Sarah Nicole Prickett al respecto de esta morbosa persecución: "Dios... ni siquiera después de muerta puedes estar tranquila sin que un hombre se acerque a decirte 'Hay alguien aquí sentado?' al tiempo que se sienta a tu lado"


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jueves, 1 de noviembre de 2018

Katharine Hepburn, John Ford y "El hombre tranquilo"


John Ford era un director ingobernable y todos de una manera u otra habían de transigir con él, hasta que en el rodaje de Maria Estuardo (1936) se encontró con una mujer de carácter tan indomable como el suyo, ante la que no tuvo más remedio que rendirse y enamorarse. La actriz no podía ser otra que Katharine Hepburn, modelo de mujer libre y emancipada en una época en la que eso no era nada corriente y menos en el mundo del cine; Kate era un torbellino que arrasaba allá por donde iba y que no agachaba la cabeza nunca. "Por supuesto, tengo un rostro angular, un cuerpo angular y, supongo, una personalidad angular, que golpea en la gente" así se definía la actriz, que al encontrarse con Ford decidió poner a prueba al supuesto ogro con constantes provocaciones que el director no sabía bien como encajar; la actriz lo descolocaba tanto con su comportamiento que su interés por ella no paraba de crecer. Era como si aquella irreverencia hacia él actuara a modo de afrodisíaco. La Hepburn incluso le afeaba su falta de higiene y le llegó a marcar con un bolígrafo la camisa que llevaba puesta el director para comprobar "científicamente" que no se cambiaba regularmente de ropa. Ford por su parte respondía al juego con otro tipo de bromas que aludían al estilo tan masculino de vestir de la estrella: "Escúchame, Katharine. Te desafío a jugar un partido de golf. Si pierdes, te comprometes, al menos por una vez, a presentarte en el estudio vestida como una mujer”.

Y claro entre dimes y diretes, Ford y Kate se fueron enamorando. Un amor que permaneció oculto durante muchos años, pero que fue motivo casi de separación de John Ford de su esposa Mary, de hecho llegaron a plantear las condiciones del divorcio de Ford y la Hepburn incluso participaría económicamente en el modo en que se cerraría el acuerdo. Joseph McBride, biógrafo de John Ford, decia: "Se enamoraon. Jack (Ford) estaba obsesionado con Kate y con ella alcanzó un grado de felicidad y paz de espíritu que no había conocido hasta entonces". Barbara Leamig, biógrafa de la Hepburn lo corroboraba: "Kate era una explosión de vida. Él nunca había experimentado algo así con una mujer, y la aparición de un amor así le sumió en una confusión que nunca había vivido antes”.

Ford era un hombre tradicional y digamos que no se dio prisas en acabar con su matrimonio para unirse a Katharine Hepburn definitivamente, y cuando esta marchó a un nuevo rodaje y conoció al magnate Howard Hugues, con quien también estuvo a punto de casarse, la relación con Ford se enfrió y le escribió a este unas lineas que sonaban a final: "En las relaciones románticas la gente debe decir sí o no, pero no quizás. Quizás es una tímida manera de decir no”.

Era lo lógico siendo Kate quien era. A una mujer así no se la puede hacer esperar. No volvieron a trabajar nunca juntos, pero cuando John Ford creó una de las criaturas femeninas más maravillosas de toda la historia del cine, la ingobernable pelirroja de "El hombre tranquilo" (1952), la sensacional Mary Kate Danaher, a la que dio vida Maureen O'Hara, no tuvo la más mínima duda en bautizarla con los nombres de las dos mujeres principales de su vida, Mary por su esposa -de la que nunca se separó-, y Kate por el amor soñado que se le escapó llevándose el último atisbo de luz. Lo que le quedó a partir de entonces fue buen cine y alcohol.

En "El hombre tranquilo", a través de su alter ego, John Thorton (John Wayne), pudo finalmente casarse con ella:


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lunes, 29 de octubre de 2018

Winona Ryder Forever: Hoy cumple 47



"¿Alguna vez has confundido un sueño con la vida? ¿O has robado algo teniendo dinero? ¿Alguna vez has estado triste? ¿O creías que el tren se movía cuando estaba quieto? Quizás estaba loca, quizás eran los años 60. O quizás era mi inocencia interrumpida. "

No cabe duda de que las palabras de Winona Ryder como Susanna Kaysen en "Inocencia interrumpida" le vienen que ni pintadas para resumir parte de la vida de esta sensacional actriz que hoy cumple 47 años. Winona, con su cuerpo menudo, su corte de pelo pixie y una cara llena de magia, fue la primera musa de Tim Burton, una preciosidad con la que hemos tenido que cruzar océanos de tiempo hasta que la serie "Strangers Things" nos la ha traído de vuelta a la primera linea cinematográfica. Con 22 añitos ya atesoraba dos nominaciones al Oscar y aunque ahora nos quedan un poco lejos títulos como: "Beeteljuice", "Eduardo Manos Tijeras", "Great balls of fire", la maravillosa "Drácula de Bram Stoker", "La edad de la inocencia", "La casa de los espiritus", "Mujercitas", "Otoño en Nueva York" o "Reality Bites", no cabe duda de que fue la musa de toda una época y que todos esos títulos eran los firmes peldaños de una carrera que se antojaba muy prometedora y que se truncó de pronto por mor de unos errores, por supuesto reprobables, pero que se castigaron en demasía, sobre todo en los medios de comunicación que se cebaron con ella. Entre sus relaciones pasadas más famosas figuraba Johnny Deep que se tatuó en el brazo "Winona Forever" para después de separarse dejarlo en "Wino Forever", algo así como "Borracho para siempre", una tatuaje que como Jack Sparrow podía quedarle hasta resultón.


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domingo, 28 de octubre de 2018

Jesús Quintero y la incultura por elección


"Siempre ha habido analfabetos, pero la incultura y la ignorancia siempre se habían vivido como una vergüenza. Nunca como ahora la gente había presumido de no haberse leído un puto libro en su jodida vida, de no importarle nada que pueda oler levemente a cultura o que exija una inteligencia mínimamente superior a la del primate. Los analfabetos de hoy son los peores porque en la mayoría de los casos han tenido acceso a la educación. Saben leer y escribir pero no ejercen. Cada día son más y cada día el mercado los cuida más y piensa más en ellos. La televisión cada vez se hace más a su medida. Las parrillas de los distintos canales compiten en ofrecer programas pensados para una gente que no lee, que no entiende, que pasa de la cultura, que quiere que la diviertan o que la distraigan, aunque sea con los crímenes más brutales o con los más sucios trapos de portera. El mundo entero se está creando a la medida de esta nueva mayoría, amigos. Todo es superficial, frívolo, elemental, primario, para que ellos puedan entenderlo y digerirlo. Esos son socialmente la nueva clase dominante, aunque siempre será la clase dominada, precisamente por su analfabetismo y su incultura. La que impone su falta de gusto y sus morbosas reglas. Y así nos va a los que no nos conformamos con tan poco, a los que aspiramos a un poco más de profundidad. ¡Un poquito más hombre! ¡Un poquito más!"

Palabras de ´Jesús Quintero durante uno de sus programas televisivos. En la fotografía vemos a un lector que busca un instante de normalidad entre los restos de una librería destrozada tras un bombardeo sobre la ciudad de Londres durante la Segunda Guerra Mundial.


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sábado, 27 de octubre de 2018

Las supersticiones de Vittorio De Sica



Vittorio De Sica, el gran actor y director de cine italiano, era realmente supersticioso, al menos así lo cuenta su segunda esposa, la actriz española María Mercader en su libro "Mi vida con Vittorio De Sica":

"Especialmente cuando lo conocí, (Vittorio) estaba convencido de que estamos rodeados de una cantidad de influjos malignos y que debemos observar continuamente toda una serie de ritos si queremos influir en la suerte en nuestro favor. Hay gente que considera desafortunado el número trece, mientras que otros temen al diecisiete. Vittorio tenía miedo al uno y al otro. Era víctima de todas las supersticiones corrientes. La sal derramada sobre la servilleta desencadenaba en él rapidísimos gestos de conjuro: cogía cuatro o cinco pizcas y las lanzaba tras el por encima del hombro. Un sombrero en la cama provocaba en él un estado de violenta agitación. Y lo mismo podría decirse de los gatos negros, el pan puesto al revés y el viernes diecisiete. Que yo pasase junto a señales tan evidentes de peligro olvidando todo tipo de conjuros, lo hacía, por una parte temblar, y, por otra, lo ponía furioso, porque despreciar las precauciones, los amuletos, las cábalas y los gestos propiciatorios solo podía ser otra consecuencia de mi soberbia española"

En la fotovemos a Vittorio De Sica junto a la espectacular Sophía Loren en una imagen de la película "Pan, Amor y…" (Dino Risi - 1955) en la que el actor daba vida al picarón Marasciallo Carotenuto. No sabemos si ante la Loren se santiguaría también…. Yo lo habría hecho ¡Qué peligro, Mamma Mia"!

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El Síndrome de Mario Benedetti



Todavía tengo casi todos mis dientes 
casi todos mis cabellos y poquísimas canas 
puedo hacer y deshacer el amor 
trepar una escalera de dos en dos 
y correr cuarenta metros detrás del ómnibus 
o sea que no debería sentirme viejo 
pero el grave problema es que antes 
no me fijaba en estos detalles.


El poema, titulado "Síndrome" es obra del admirado Mario Benedetti y se encuentra recogido en la obra "Cotidianas" (1978-79) y como ya el reflejo del espejo no es todo lo bonancible que uno desearía lo hemos acompañado de una de esas aparentemente sencillas pero a la vez enormemente complejas obras de Rene Magritte, en este caso "Reproducción prohibida", en la que el espejo se pone un tanto juguetón. La obra se expone en el Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam.

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jueves, 25 de octubre de 2018

Una pizca de.... Carole Lombard


“Vivo según un código de hombres diseñado para encajar en un mundo de hombres. Sin embargo, nunca olvido que el primer deber de una mujer es elegir el color de labios apropiado”. (Carole Lombard)


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miércoles, 24 de octubre de 2018

Barbara Stanwyck: Mujer fatal y mucho más


“No te pido que me creas, sólo que me abraces”

Negra, negrísima esta actriz. Sin duda Barbara Stanwyck ha sido una de las grandes de Hollywood, una actriz que gracias a su versatilidad quedaba bien en cualquier tipo de papel, de modo que podía mostrarse sumamente divertida en una comedia como "Bola de fuego" (1941 - Howard Hawks), o dar el tipo en un melodrama como "Juan Nadie" (1941 - Frank Capra)  para después ganarse a pulso la vitola de una de las más convincentes damas del cine negro con obras del calibre de "Perdición" (1944 - Billy Wilder), película a la que pertenece la frase inicial,. Y el caso es que así podríamos seguir con ejemplos de cine del oeste, aventuras, musicales… Daba igual. La Stanwyck no tenía un físico espectacular, pero si una profesionalidad y recursos a prueba de bomba, además de un carisma en la pantalla que compensaban con creces la luminosidad de otras caras bonitas. Llegó a estar nominada en cuatro ocasiones a los premios Oscar, no consiguiéndolo en ninguna de ellas, resultando una de las grandes injusticias de la historia de estos galardones cinematográficos, por mucho que en 1981 le dieran uno honorífico para tapar sus vergüenzas.


Su nombre real era Ruby Catherine Stevens y tras comenzar trabajando como telefonista y bailarina de segunda fila de las Ziegfeld Follies, demostró una pasión tal por entrar en el mundo del espectáculo y fue tan obsesiva la dedicación a tal fin que demostró su primer marido Frank Fay, que se dice que el guión para la película "Ha nacido una estrella" de William A. Wellman está basado en su historia.

Con tal determinación no es de extrañar que esta actriz se currara sus papeles concienzudamente, tanto que no permitía que la doblaran nunca, ni tan siquiera en las escenas más peligrosas. De esta manera parece ser que en el rodaje de "La reina de Montana" (1954), llegó a sorprender a los indios Pies Negros que actuaban como extras por trabajar a su lado, codo con codo y sin artificios, llegando a ser nombrada miembro adoptivo de su tribu y otorgándole el título de "Princesa de las muchas victorias", en reconocimiento a todos los peligros y riesgos que fue capaz de asumir personalmente.

En la foto intermedia la podemos ver en el inolvidable rol de "Phyllis Dietrichson" tendiendo sus ambiciosas redes sobre el incauto y rendido a sus encantos Fred McMurray, en la sensacional película de Billy Wilder "Perdición" (Double Indemnity). Con este papel Barbara Stanwyck sentaría las bases que servirían para definir el estereotipo cinematográfico de "mujer fatal", pero no fue el único personaje que dejó para la historia: Martha Ivers, Stella Dallas, Lady Eva, Sugarpuss....  
Nacida en 1907, falleció a los 82 años en 1990.


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martes, 23 de octubre de 2018

Kubrick y el secreto tras la muerte de HAL 9000: "Daisy Bell"


La muerte del computador HAL 9000 al ser desconectado en "2001 una odisea del espacio" (1968) y su agónico parlamento entre la agitada respiración de Dave Bowman constituye, sin duda, uno de los momentos más singulares e intensos de la historia del cine y hasta puede que la canción que HAL canta finalmente guarde alguna sorpresa.

Tras la frialdad que preside todos los actos del computador para ir deshaciéndose de los ocupantes de la nave Discovery, a los que en su desvarío tiene por una amenaza, cambia radicalmente su comportamiento cuando se encuentra ante la posibilidad cierta de su desconexión. Entonces HAL se muestra como un ser inseguro, con miedos y dudas al igual que cualquier ser humano. Intenta negociar una salida, sobrevivir, y poco a poco, según avanza su desconexión, su tono de voz irá debilitándose, volviéndose más y más lento y por momentos suplicante. No cabe duda de la humanidad de aquel ser, uno de los personajes mejores y más reconocibles de la historia del cine, un ser que ante su posible muerte parece encontrarse en una regresión similar a la de una persona que en sus últimos instantes, como una luz (si quieren de color rojo) que se apaga lentamente,  vuelve a los recuerdos que le son importantes, a su infancia, a sus padres -en este caso su programador- a sus primeras enseñanzas e incluso a los primeros afectos.

Para su último momento de "vida" deja la canción "Daisy Bell", puede que su recuerdo más valioso. No deja de ser una cancioncilla de amor de lo más simple y aunque resultaría muy interesante el pensar que el último instante de HAL fuera reservado para un sentimiento tan humano como el amor o que en esa canción se guarde un último ruego a Dave de permanecer juntos y que no lo desconecte, yo me inclino más a pensar en la ternura que HAL como inteligencia avanzada sentía por las canciones que escuchaba de su programador mientras este trabajaba en su construcción en sus primeros momentos de conciencia artificial. Puede que una vez superado el miedo al fin, tras aceptar lo inevitable, a HAL solo le quedara recogerse en las notas de aquella canción  que escucho en su "infancia" y como un niño pequeño que va a dormir, ir cerrando su rojo y  peculiar ojo poco a poco para morir.

Curiosamente en esa canción, en "Daisy Bell", se encuentra, posiblemente, una de las claves para dar luz sobre una de las grandes anécdotas, siempre desmentida por Stanley KubrickArthur C. Clarke (foto izq), acerca del verdadero nombre inicial de HAL. Siempre se dijo que el nombre que se le iba a dar al computador iba a ser IBM seguido de un número, pero ante un guión en el que se representaba al computador como un ente asesino y además psicótico, IBM se negó a ceder su nombre para tal fin por la mala imagen que daría a la compañía. Clarke y Kubrick tuvieron que ceder, de hecho en alguna correspondencia existente Kubrick se muestra muy cauto con la posibilidad de entrar en conflicto con el gigante informático. Pero Kubrick era un genio, y siempre siguiendo con la desmentida anécdota, decidió con un poco de retranca bautizar al computador con el nombre HAL utilizando para ello las letras que anteceden a cada una de las de IBM, es decir, la H por la I, la A por la B y la L por la M. La anécdota es jugosa pero ha sido siempre negada hasta la saciedad por Clarke y Kubrick que mantenían contra viento y marea que HAL no tiene otra inspiración que las palabras "Heuristically programmed ALgorithmic computer". Y la cuestión podría quedar terminada y zanjada en este punto, pero hay un detalle en la película que hace dudar y mucho: la canción que canta HAL para despedirse: "Daisy bell"


"Daisy bell" fue un éxito de 1892 compuesto por el inglés Harry Dacre con motivo de una anécdota ocurrida cuando tras arribar a Estados Unidos tuvo que pagar un impuesto por su bicicleta. Su amigo William Jerome se burlaba diciéndole que menos mal que no había traído una bicicleta para dos, pues habría tenido que pagar el doble. Con esta historieta como inicio, la de una bicicleta para dos personas y que se pudiera compartir con una mujer,  Dacre compondría "Daisy Bell" un tema que haría muy popular el cantante Dann W. Quinn, tanto que se mantuvo con ella en el nº 1 de las listas durante nueve semanas consecutivas en 1893. Las versiones posteriores serían muchas, pero la que más nos interesa es una realizada por los técnicos John Kelly, Carol Lachbaum y Max Mathews que en 1961 decidieron utilizar este tema como base para hacer una demostración de los sintetizadores de voz inventados por los Laboratorios Bell y así programaron al revolucionario ordenador IBM modelo 704 (en algunos sitios 7094 -7090) para que con aquellas innovaciones fuera el primer ordenador que cantara una canción: "Daisy Bell", la misma con la que se despide HAL cuando parece recordar su más tierna infancia y los recuerdos de su inicial programación, algo así como su nacimiento. Para mayor abundamiento decir que Clarke estuvo presente durante la demostración de voz del IBM 704 y como ustedes saben Arthur C. Clarke es el autor de la obra que inspira "2001 una odisea del espacio" y fue guionista de la película junto a Kubrick. Las dudas o las certezas sobre el nombre original de HAL están servidas. Por cierto ¿Tendría una luz roja el IBM 704?

A continuación dejamos la escena final de la desconexión de HAL y después a IBM 704 cantando por primera vez "Daisy":

HAL: ¿Que está usted haciendo Dave? Dave, creo que tengo derecho a que responda a mi pregunta... Ya sé que no me he portado del todo bien, pero ahora puedo asegurarle con absoluta certeza que todo irá bien otra vez. Me siento mucho mejor... De veras que sí... Mire Dave... Usted está trastornado por esto. Debería tomar una píldora para la fatiga y una vez tranquilo pensar las cosas de nuevo. Ya sé que recientemente he tomado unas decisiones equivocadas, pero puedo asegurarle que mi trabajo volverá a la normalidad. Tengo todavía el mayor entusiasmo y la máxima confianza en la misión... y quiero ayudarle. Dave... deténgase... deténgase ¿quiere? ¿Quiere detenerse Dave? ... Deténgase Dave... Tengo miedo... Tengo miedo Dave... Dave... Mi cabeza se va... Siento que se va... Me doy cuenta.... Me doy cuenta...

Buenas tardes, señores. Soy un computador Hal de la serie 9000. me pusieron en funcionamiento en la fábrica H.A.L. en Urbana, Illinois, el 12 de enero de 1992. Mi instructor fue el señor Langley,  me enseñó una canción. Si usted quisiera podría cantársela

Dave: Sí, me gustaría oírla Hal. Cántamela

HAL: Se llama “Daisy”: Daisy, Daisy. Give me your answer do I'm half crazy all for the love of you. It won't be a stylish marriage. I can't afford a carriage, but you'll look sweet upon the seat of a bicycle built for two. (“Margarita… Margarita, dime tu respuesta que estoy medio loco por tu amor. No será un matrimonio de moda, no puedo comprar una carroza, pero estarás guapa en el asiento de una bicicleta para dos")


Y el IBM 704 con la primera grabación de Daisy:




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viernes, 19 de octubre de 2018

Ava Gardner condensada en una sola frase


"Cuando pierdo la calma, cariño, no hay lugar donde puedas encontrarla"
(Ava Gardner)



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