martes, 31 de julio de 2018

Ingmar Bergman y la muerte



"Envejecer es como escalar una gran montaña: mientras se sube las fuerzas disminuyen, pero la mirada es más libre, la vista más amplia y serena" (Ingmar Bergman)

El pasado día 14 de este mes de julio que acaba, se cumplía el centenario del nacimiento del gran Ingmar Bergman, un cineasta que nos dejó un buen ramillete de títulos en los que abordaba temas que ahora no suelen visitar nuestras pantallas, como por ejemplo la muerte. En el vídeo que dejamos al final de esta entrada podemos ver el primer encuentro entre la muerte y el caballero Antonius Block (Max von Sidow) en la mítica escena de "El séptimo sello", considerada una de las mejores obras del director sueco. Es curioso ver que en el desenlace de esta partida de ajedrez que en esta escena comienza, hay un momento en el que caen las piezas; la muerte se encarga de ponerlas de nuevo en el tablero, pero si se está atento y se observa cual es la posición inicial y final de las piezas (el director enfoca el tablero antes y después) uno puede percatarse de que la muerte las cambia de sitio y así con esta ventaja, la Muerte, puede ganar la partida al caballero y llevarse su alma. Y es que la muerte, de una forma u otra, siempre nos hace trampas.

Ingmar Bergman falleció en 2007, (el mismo día que Antonioni) y entonces intentamos hacerle un homenaje jugando con el título de sus películas que hoy repescamos para esta entrada:

Se había roto "El huevo de la serpiente" y ésta había logrado salir de su "Prisión". Su universo entraba en "Crisis" y ahora, en "El umbral de la vida", se enfrentaba a su propia partida de ajedrez, a "La noche eterna", sintiéndose siempre vigilado por "El ojo del diablo" o por la misma muerte que no dudaría en hacerle trampas a él también para robarle la vida. Sólo, "Cara a cara" consigo mismo, "Como en un espejo", escrutaba "El rostro" en busca de respuestas, y solo encontró el vago recuerdo de "Las sonrisas de una noche de verano" y el dulce sabor de las "Fresas salvajes"

"La carcoma" lo había ya destruido todo incluso el azogue del espejo y ya sólo quedaban algunos recuerdos. "El silencio" había desaparecido de repente y su lugar lo ocupaba una "Sarabanda" que sonaba muy lejana, quizás desde "El manantial de la doncella" por el que tantas veces paseara "Un verano con Mónica" que nunca pudo olvidar. 

Siguiendo "El rito" ancestral de "Los comulgantes" que fueron, se enfrentaba al igual que cualquier otra "Persona" a "La hora del lobo", y debía quitar, él también, "El séptimo sello" que le permitiría abrir el sobre que contenía la historia de su vida y verla en conjunto, sus momentos de "Pasión" y sus momentos de "Vergüenza" y concluir que toda ella no fue más que "Una sonata de otoño" en la que de vez en cuando aparecía la alegría propia de "Los juegos de verano". Le pareció suficiente, y no tuvo reparos en entregarse al "Sueño", acompasado de los trinos de "La flauta mágica", y en sus recovecos y delirios se vio, entre "Gritos y susurros", afanándose por discutir con "Fanny y Alexander" sobre "La vida de las marionetas", "En presencia de un clown" que "Tras el ensayo" previo a "Una noche de circo" se había unido a ellos. 

Y hablaban como quien habla de "Los secretos del matrimonio", buscando quizás "Una lección de amor", una postrera respuesta. Por último se vio a si mismo, en su último día, viajando en un "Barco a la India", acompañado de Antonioni, y charlando alegremente con "Tres mujeres"; "¡Esas mujeres!" que tan importantes fueron siempre en su vida. ¿Acaso hay mejor compañía?

La muerte se encuentra con Antonius Block:



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lunes, 30 de julio de 2018

Yoruba: El arte olvidado



"Santa mujer negra, con sus siete rayas en la cara, Reina Adivina, recibe el saludo, Madre dueña de todos los mares..."

Así comienza una oración yoruba, quien sabe si por casualidad dirigida a la mujer que aparece en la maravillosa escultura que abre esta entrada, un busto que es todo un desafío a los convencionalismos que solemos tener sobre el arte en el oeste africano. Podemos transigir con los egipcios, tan cercanos a la cuna de la civilización, pero nadie se atrevía a pensar hasta bien entrado el siglo XX, que Nigeria escondiera estos tesoros.

Y es que los europeos cuando miramos el arte, pensamos muy equivocadamente que todo se acaba en nuestras fronteras, en Florencia y sus genios, en nuestras catedrales, en las esculturas griegas y romanas, en el impresionismo, cubismo y demás ismos y territorios trillados hasta el infinito, pero con el tiempo nos damos cuenta (quien lo hace) que hay otras muchas cosas que la Gioconda o el Apolo Belvedere, y que no necesariamente han de estar en China, la India o Thailandia.


Para mí este busto de la cultura nigeriana de Ife, perteneciente al denominado arte Yoruba es tan impactante y bello como el busto de Nefertiti, por cierto con unos labios tan sensuales como esta, y sin embargo no es tan reverenciada ni ocupa tanto espacio en los medios. Esta escultura, encontrada en 1938 y de un tamaño algo inferior al de una cabeza real, fue realizada entre el siglo XIV y XV d.C (en lo que sería el apogeo de nuestro renacimiento), y por los círculos concéntricos de la parte superior de la corona se entiende que podría ser la representación de un miembro femenino de la dinastía gobernante. 

Trabajaban en terracota, como en la cabeza que se ve a la derecha, con bronce e incluso en alguna ocasión utilizaron la técnica de fundición con cera perdida, resultando tal el grado de excelencia de algunas de las esculturas del arte Yoruba, que muchos no pueden evitar encontrar ecos del arte griego y buscar mil explicaciones para posibles contactos con occidente que aclararan la perfección de sus creaciones. Incluso se elucubraba que debían pertenecer a la desaparecida Atlántida. Hasta ese punto de negar la originalidad absoluta y excelencia fuera de nuestro entorno ha llegado nuestro soberbio etnocentrismo y ese afán de creernos el ombligo del mundo. ¿Cómo se iban a tallar esas maravillas en la atrasada África profunda?

Las vanguardias europeas supieron ver la tremenda fuerza de este arte africano y fue un ingrediente importante en la evolución del arte del siglo XX. En 1830 el pintor Delacroix hizo un viaje por el norte de África y en las cartas que escribía a sus amigos sentenciaba que había encontrado allí a los auténticos griegos y no en los cuadros de David y sus seguidores. Y es que la calidad en el arte puede aflorar en el sitio más insospechado. A Picasso, las mascaras africanas le parecieron una maravilla y le sirvieron de base para revolucionar el mundo del arte.





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domingo, 29 de julio de 2018

"La donna è mobile": El peor retrato de la mujer



Pocas canciones en la historia de la opera han logrado cautivar a tantas personas durante tanto tiempo y han sido tan cantadas, cuando menos en la ducha. "La donna è mobile" pertenece a la Opera "Rigoletto" de Verdi y es cantada precisamente por Rigoletto, el bufón jorobado del Duque de Mantua. Supongo que el nombre del bufón viene del verbo "rigoler" que en francés es reír. El aria en cuestión se escribió entre prisas, con un estreno ya inminente y acuciado Verdi por las exigencias del tenor de turno de disponer de un aria donde pudiera lucirse. El resultado es este éxito intemporal, un aria de la que diría Stravinsky que había en ella más invención artística que en toda la tetralogía wagneriana. Curiosamente esta pieza tiene una traducción que no es precisamente un halago a las cualidades femeninas; después de ponerlas de vuelta y media afirma que a pesar de todo será un completo desgraciado el que "de su pecho no beba el amor". No eran aquellos buenos tiempo para la mujer y la consideración que se tenía de ellas, algo que queda muy graficamente simbolizado por un cartel de la opera que dejamos a la derecha, en el que el bastón que el bufón usa para acompañar sus chanzas queda clavado en la espalda de una mujer. Os dejo la traducción de la cancioncita:

La mujer es voluble, cual pluma en el viento,
cambia de palabra y de pensamiento.
Siempre su amable y hermoso rostro,
en el llanto o en la risa, es engañoso.
La mujer es voluble, cual pluma en el viento,
cambia de palabra y de pensamiento.
y de pensamiento, y de pensamiento.

¡Siempre es desgraciado quien en ella confía,
quien le entrega, incauto el corazón!
¡Aunque nunca se sienta plenamente feliz
quien de su pecho no beba amor!
¡La mujer es voluble, como una pluma al viento,
cambia de palabra y de pensamiento
y de pensamiento, y de pensamiento!

Original:

La donna è mobile, qual piuma al vento,
muta d'accento, e di pensiero.
Sempre un amabile, leggiadro viso,
in pianto o in riso, è menzognero.
La donna è mobile, qual piuma al vento,
muta d'accento, e di pensier
e di pensier, e di pensier.

È sempre misero, chi a lei s'affida,
chi le confida, mal cauto il core!
Pur mai non sentesi felice appieno
chi su quel seno non liba amore!
La donna è mobile, qual piùma al vento,
muta d'accento e di pensier,
e di pensier, e di pensier!

Y sin embargo, suena tan deliciosamente, que todo lo demás no importa... ¿o sí? A ver si Carreras, Domingo y Pavarotti nos convencen:



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sábado, 28 de julio de 2018

El luchador que inspiró "Shrek"



Pocas películas de animación han tenido más aceptación que "Shrek" en 2001, aquella historia de un ogro de color verde, que de principio no quedaba muy claro si era un bonachón o un solemne cascarrabias, que vivía un tanto solitario en un pantano que de pronto encuentra invadido de personajes de cuentos de hadas y que ha de "sufrir" en sus aventuras la compañía de un burro que habla. 

En principio su nombre nos recuerda de inmediato al actor que dio vida a Nosferatu, el misterioso Max Schreck, pero la cosa parece que no va más allá de la mera coincidencia. Pero si que hay alguien con quien el ogro de color verde guarda un gran parecido, quien sabe si casual o no, Dreamworks sabrá, y es con Maurice Tillet, un luchador francés nacido en los Urales rusos  conocido como "El ángel francés" pero también como "El monstruoso ogro del cuadrilatero", un verdadero as de la lucha libre que llegó a ser campeón mundial de los pesos pesados y que gustaba terminar sus combates con el famoso "abrazo del oso".  En la película, tal y como vemos en el vídeo que dejamos al final de la entrada podemos ver a Shrek en un cuadrilatero haciendo lucha libre de forma muy parecida a como se movía Maurice Tillet.

Su apariencia le puede hacer parecer un ser embrutecido, pero la realidad era muy distinta. El bueno de Tillet hablaba catorce idiomas y hacía sus pinitos como poeta y como actor. Su vida había sido más o menos normal hasta los 20 años, edad a la que se le diagnosticó acromegalia, una enfermedad que provoca un crecimiento anormal de los huesos de la cabeza y que le deformó el cuerpo, sufriendo el rechazo de muchos por su aspecto , lo que le empujo a marchar a Estados Unidos, encontrando en la lucha libre un refugio en el que sus deformaciones resultaban una ventaja por el temor que inspiraban en sus adversarios. En el cuadrilatero se convirtió en una verdadera estrella, su sensacional éxito hizo que incluso surgieran imitadores, pero su vida social no era nada fácil, de hecho vivía casi en reclusión y si visitaba a algún amigo era para jugar al ajedrez durante largas horas. El bueno de Maurice Tillet murió en 1954, a la edad de 50 años por complicaciones cardíacas. Aunque no he logrado encontrar el dato de si llegó a casarse espero que encontrara a su Fiona y fuera al menos "una pizca" feliz.



Shrek en el cuadrilatero y avanzando el vídeo se puede ver a Maurice Tillet luchando:


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viernes, 27 de julio de 2018

Miles Davis: "The Prince of Darkness"



"El silencio es el ruido más fuerte, quizá el más fuerte de todos los ruidos"

Y si lo dice el trompetista Miles Davis, "The prince of darkness", uno de los grandes indiscutibles del Jazz, debe ser cierto. Su carrera es prácticamente inclasificable, tan camaleónica como por ejemplo la del pintor Picasso, como este, fue capaz de adaptarse como un guante a los cambios de tendencia de cada época y logró ser más que un referente de cada uno de esos periodos, era un revolucionario musical, un infatigable creador de nueva música. Tras sus comienzos con Charlie Parker en los albores del Be Bop, supo abrir nuevas sendas para el jazz con el cool, hardbop, jazz fusión, jazz modal.... estilos de los que siempre resultaba ser el profeta que iluminaba a una legión de músicos. Era tal su afán por experimentar que afirmaba: "Primero lo toco y luego te digo qué es".  

En 1987, Ronald Reagan, el actor reconvertido en Presidente de los Estados Unidos, entregó a Ray Charles un reconocimiento oficial por toda su carrera. Como cualquier estrella de la música, esa especie que está por encima de protocolos y convenciones sociales, Miles Davis, excesivo en todo, se presentó en la Casa Blanca vestido "a su manera": pantalones negros de cuero, un chaleco encima de otro, con el complemento de un esmoquin que llevaba una serpiente roja en su espalda. Los artistas, son así. El caso es que algunos de los invitados al acto, estarían por allí casi sin saber para qué, si acaso para probar los canapés y sonreír bobaliconamente al Presidente y de esta manera una de esas señoronas, acomodada ella y envanecida de sí misma, se encaró a Miles Davis y después de mirarlo altivamente de arriba abajo, le preguntó con todo el veneno que era capaz de destilar que cuales eran los méritos que tenía para estar en el salón del trono, en aquel centro del mundo y de tal guisa. Miles Davis no se arrugó y fue directo a la yugular: "Bueno, tan sólo he cambiado el rumbo de la música cinco o seis veces. Ahora, dígame: ¿Qué ha hecho usted de importancia, aparte de ser blanca?"

"Kind of blue", el disco más vendido de la historia del Jazz, es suyo  y a ese disco pertenece la pieza que aparece en el vídeo: "So what" en la que es acompañado por otro genio, el gran John Coltrane.


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jueves, 26 de julio de 2018

Los "crímenes" de Hitchcock



"Les pido disculpas por la sangre exhibida en el programa de hoy. La próxima vez intentaremos hacerlo mejor"

Con tales pensamientos, no era extraño que el director de cine Alfred Hitchcock tuviera que sufrir esporádicamente el incordio de algunos periodistas que le criticaban la violencia que aparecía en sus películas y le argumentaban los posibles efectos negativos que dichas imágenes podían llegar a provocar en el espectador, y no ayudaba que mantuviera afirmaciones como: "Estoy seguro que a cualquiera le gusta un buen crimen, siempre que no sea la víctima". Con todo esto, no cabe duda de que tras el estreno de "Psicosis" con la escenita de la muerte en la ducha de Marion (Janet Leigh) a manos de Norman Bates (Anthony Perkins) las críticas se recrudecieron. 

Tras un tiempo sufriendo estos lances, y harto ya de tanta estúpida cantinela por unas gotitas de sangre de más, Hitchcock decidió prepararse para los envites con futuros periodistas, de manera que cuando uno de ellos se le acercaba con semejantes argumentaciones les mostraba de inmediato un recorte de periódico perfectamente plastificado que desde entonces siempre llevaba con él y en el que se recogía la noticia de un hombre que había asesinado a su esposa después de ir al cine a ver.... "Blancanieves y los siete enanitos".  ¿Os imagináis ese titular? A Walt Disney igual le dio un ataque.....

Otras perlas de Don Alfredo sobre la violencia en el cine o televisión:

"La televisión ha vuelto a traer el asesinato a las casas, es decir, donde pertenece"

"La venganza es dulce y no engorda"

"Ver un asesinato por televisión puede ayudarnos a descargar los propios sentimientos de odio. Si no tienen sentimientos de odio, podrán obtenerse en el intervalo publicitario"

En la foto de cabecera aparece Anthony Perkins en el papel de Norman Bates (Psicosis) y más abajo Hitchcock buscando arma para su próximo crimen cinematográfico.

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miércoles, 25 de julio de 2018

Mis sueños con ¿Marilyn?: "La tentación vive arriba"



A veces tengo sueños ciertamente turbadores. No cabe duda de que uno a veces introduce en sus fantasías nocturnas lo que más desea y en una de ellas una rubia platino que supuestamente vive en el piso de arriba llama a mi puerta. Viene enfundada en una sugerente y entallada segunda piel de color blanco que realza sus encantos y en sus manos, estratégicamente colocadas para enmarcar su busto, trae una botella de champan y un paquete de patatas fritas. 

Es julio y estoy en casa solo, tan intranquilo que hasta me pica todo el cuerpo. La tentación es grande y la dejo pasar. Ya hace tiempo que mi mujer no me ofrece una fiesta de este tipo, tan sumamente tentadora. Intentaré estar a la altura, me dije en el sueño... haré que este cómoda, le ayudaré con las sufridas tirantas de su vestido, le prepararé un cóctel y hasta le pondré un poco de música; mi mente no puede parar de pensar, de elucubrar la manera de conseguir  que se abra sin denotar ansiedad y a la vez lucha por un irreprimible sentimiento de culpa; ya hace mucho tiempo que no saboreo unas formas onduladas como las que ella me trae. No tengo dudas, ella puede sentarse frente al frigorífico con la puerta abierta para calmar el calor, enseñarme todas las fotos que quiera, mi casa es suya, a cambio solo le pido que me deje calmar mi ansiedad y colmarme de placer abriendo de una vez por todas ese delicioso paquete de patatas fritas que tentadoramente llegó a mi hogar. Justo cuando me llevaba una de las patatas a la boca me desperté sobrecogido y sudoroso. Empecé a ser consciente de los estragos que el régimen de adelgazamiento estaba provocando en mi cuando mi esposa que dormía a mi lado, con su pelo rubio y su camisón de seda entallado, me preguntó con qué estaba soñando y porque repetía una y otra vez: ¡Mmmm Patatas, patatas, patatas...!

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martes, 24 de julio de 2018

Piazzolla, Yo-Yo Ma y "Libertango"



"Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos"

Esa es la idea rupturista que tenía en la cabeza el gran Astor Piazzolla, desde mucho antes de componer "Libertango" allá por 1974, una pieza que en su nombre declaraba sus intenciones y anhelos, la necesaria libertad a la hora de concebir una nueva forma de hacer tango. Piazzolla había estado tentando de convertirse en compositor de música clásica, pero en el curso de sus estudios con Nadia Boulanger esta le convenció, tras tocar Piazzolla uno de sus tangos, de que no renunciase a sus raíces:  "No abandone jamás esto. Ésta es su música. Aquí está Piazzolla". Y así nació una nueva forma de entender el tango que recibía con él influencias de la música clásica y hasta del jazz. En el mismo cóctel de su música quedaban mezcladas las influencias de tangueros como Gobbi y Pugliese con músicos barrocos como Bach o contemporáneos como Bartok, aderezado todo ello con unas gotitas de Gershwin y media rodaja de Stravinsky; todo en su justa medida, mezclado y no agitado, hasta conseguir una música totalmente nueva y maravillosa. No fue bien recibido; se le tachó de snob, de rupturista y fue muy criticado por los ortodoxos del tango que lo consideraban un hereje. Tan solo en sus últimos años de vida empezó a recibir el reconocimiento que merecía, hasta llegar a ser considerado hoy en día uno de los músicos más importantes en la historia de Argentina.

Y quizás sea un poco incomprensible el homenajear a Astor Piazzolla sin verlo a él directamente ejecutar "Libertango", pero ciertamente no hay grandes vídeos para hacerlo -ya lo haremos más adelante con esa otra maravilla que es "Adios Nonino". En cambio si tenemos a Yo-Yo Ma, uno de los mejores violonchelistas de la historia, que borda una versión extraordinaria de "Libertango" en lo que muchos consideran: “el mejor disco de música de Piazzolla sin Piazzolla”


Espero que a mi hijo Alejandro, que no para de tararearla, le guste la versión.

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lunes, 23 de julio de 2018

Al Pacino, las mujeres y el Oscar



Al Pacino es uno de los grandes actores de su generación. Durante su carrera ha acumulado la nada despreciable suma de ocho nominaciones al Oscar pero tan solo logró llevarse el premio en una ocasión cuando en realidad lo hubiera merecido con creces por la trilogía de "El padrino" o por "Serpico", "Tarde de Perros" o "Scarface". El Oscar le llegó en 1993, y tras recibir el premio le ocurrió una divertida anécdota que nos cuenta el mismo:  

"Cuando gané el Oscar, yo estaba en shock y también abrumado por todo lo que pasaba. Entonces cogí un ascensor que iba hacia abajo con un montón de gente, todos muy juntos, como sardinas enlatadas. Y yo llevaba mi Oscar conmigo. Entonces una actriz muy conocida que estaba justo delante de mi en el ascensor que estaba bajando, comenzó a retorcerse un poco. Y entonces me di cuenta de que la cabeza de mi Oscar estaba en su... le estaba tocando a ella por detrás. Ya sabes... Y yo pensé... ¡Oh Señor! ¡esto es muy extraño! Retiré mi Oscar. Lo llevé hacia atrás. Y entonces me incliné un poco hacia delante, al oído de ella, y le dije: "perdona, eso no era yo, era mi Oscar".

Por supuesto el Oscar fue por "Esencia de Mujer", un título que sabida la anécdota no deja de tener su miga. Gracias a Dios que no se le ocurrió empezar a hablar con su Oscar y repetir en el ascensor aquel pequeño monólogo que soltaba en la película como el Coronel Frank Slade:

“Mujeres, ¡hum! que puedo decir. Dios debía ser un jodido genio. El pelo, dicen que el pelo lo es todo. ¿Alguna vez has enterrado la nariz en un monte de rizos y has querido dormirte para siempre?. Sus labios cuando han tocado los tuyos es como ese primer trago de vino después de haber cruzado el desierto. Las tetas. ¡buf!, grandes, pequeñas, los pezones mirándote como si fueran reflectores secretos. Y las piernas, no importa si son columnas griegas o vulgares palos de escoba. Lo que hay entre ellas es el pasaporte al cielo. Necesito otra copa.” 

Y al finalizar soltara uno de aquellos sonoros "¡Juaaaaah!" que tanto usaba en la película. Ya sabéis que el, en la película, aconsejaba que ante la duda....

Al Pacino contando la anécdota:


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domingo, 22 de julio de 2018

Las "maldades" de Picasso



Picasso era un pintor que, consciente de su fama mundial y del elevado valor que de inmediato adquiría cualquier cosa que saliera de sus manos, tenía a veces comportamientos que cuando menos se pueden tachar de "singulares". En los años cincuenta, Picasso, que por entonces vivía en el sur de Francia, tenía la costumbre de tomar baños en el mar. Cierto día encontrándose en la playa fue reconocido por una familia, y viendo esta como Picasso jugueteaba con unos niños, mandaron a su hijo con una hoja de papel a pedirle "un dibujito". El artista no quería que los padres se llevaran un "Picasso" sin pagar un céntimo mediante aquella artimaña de mandar a su inocente hijo, pero a la vez no deseaba desairar al pequeño, así, tras tirar la hoja que le traía, puso al pequeño de espaldas y aprovechó el lienzo que le ofrecía el propio cuerpo del niño para pintar en el una hermosa paloma. El niño corrió contentísimo a mostrárselo a sus padres, mientras Picasso le comentaba a sus amigos: "Me pregunto cuándo bañaran al pobre niño".


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sábado, 21 de julio de 2018

¿Cuántos guerreros iban dentro del Caballo de Troya?



Ayer me tocó volver a ver a Brad Pitt luciendo musculitos y cabellera dorada como Aquiles en "Troya" (2004 - Wolfgang Petersen), y no solo para contentar a mis hijos, lo cierto es que es una película que aborda muy decentemente el épico relato de Homero y que no me desagrada. El caso es que siempre que he visto la película he pensado en cuántos serían en realidad los guerreros que entraron dentro del dichoso caballo de madera con el que los griegos engañaron a los troyanos para entrar en la ciudad y vencerlos. Espoleado por la curiosidad, me pongo a investigar un poco y pronto te das cuenta que no has sido ni de lejos el único que se ha hecho la misma pregunta y que la respuesta no es nada fácil.

El caballo, construido con madera por Apeo, el mejor carpintero de los que se encontraba junto al ejercito griego, parece que medía 11 metros de altura (el empleado en la película de Petersen, también de madera, medía 11'5 metros y pesaba 11 toneladas). En realidad, el caballo no debía de albergar muchos guerreros, los suficientes para abrir desde dentro las puertas de la ciudad de Troya, pero el número de integrantes de este "comando de fuerzas especiales" de la antigüedad es fuente de mucha controversia.

En algunas fuentes se afirma que "La Odisea" de Homero cifra en cien los guerreros que iban en el caballo (pasaje que no logro encontrar). En "La Eneida de Virgilio, el relato más amplio sobre el suceso, se citan expresamente a nueve guerreros aparte de Sinón que les facilita la salida del caballo. Para Apolodoro la cantidad llegaba hasta los cincuenta, Quinto de Smirna da los nombres de treinta de sus integrantes y para Tzetzes eran veintitrés. La lista con los potenciales ocupantes del caballo, según las distintas fuentes asciende a cuarenta, que no citaremos para no recordar aquella listita de los reyes godos, pero entre los cuales por supuesto se encontraba Ulises

Lo que no queda tan claro es que en el grupo estuviera Aquiles, por mucho que en la película le reserven una plaza en el caballo en zona VIP; de hecho parece más probable que entrara en la ciudad una vez abiertas las puertas para acudir a una cita que tenía con Paris, aunque hay quien mantiene que no participó en la batalla final y que murió con anterioridad.

Virgilio, en su Eneida, narraba así la salida de los guerreros del caballo:
"... a favor del silencio y de la protectora luz de la luna, y apenas la real encendió una hoguera en su popa para dar la señal, cuando Sinón, defendido por los hados de los dioses, crueles para nosotros, abre furtivamente a los Griegos encerrados en el vientre del coloso su prisión de madera; devuélvelos al aire libre el ya abierto caballo, y alegres salen del hueco roble, descolgándose por una maroma, los caudillos Tesandro y Stenelo y el cruel Ulises, Acamante, Toas y Neptolemo, nieto de Peleo, y Macaón el primero, y Menelao, y el mismo Epeos, artífice de aquella traidora máquina. Invaden la ciudad, sepultada en el sueño y el vino, matan a los centinelas, abren las puertas, dan entrada a todos sus compañeros, y se unen a las huestes que los esperan para dar el golpe."

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01.-  https://www.pinterest.es/pin/519391769521547944/ -- Imagen de la película "Troya"
02.-  https://www.pinterest.es/pin/457678380860536786/ -- El caballo de la película "Troya"

viernes, 20 de julio de 2018

Puccini, las costureras y "La Bohéme"



Hubo una época en la que Giaccomo Puccini estaba muy lejos de ser ese acomodado y reconocido compositor de ópera que derrochaba dinero en coches y mujeres, de hecho, en su juventud estuvo mucho más cerca de las estrecheces que vivían los protagonistas de su obra "La Bohème", una ópera maravillosa que ahora es profusamente representada pero que en su estreno, allá por 1896, resultó un absoluto fracaso. 

"La Bohème" puede que sea la obra más bella y convincente de Puccini, que no es decir poco en un autor que también nos regaló óperas del calibre de Tosca, Madame Butterfly o Manon. En "La Bohème" no se nos muestran grandes gestas o mitificadas leyendas, nos habla de la vida misma iluminada por el resplandor de las pequeñas cosas, "Piccole cose" que decía Puccini; no hay tampoco héroes, reyes o seres legendarios, tan solo un par de pobres enamorados, el poeta "Rodolfo" y la modistilla "Mimí" que viven en una muy modesta buhardilla del barrio latino de París, acosados por el frió y la escasez durante una nochebuena. Puede que sea ese acercamiento a la vida real y a las privaciones que cualquiera puede padecer lo que hiciera de esta opera, pasado el tiempo, una obra de tanto éxito. Puccini y los libretistas Giacosa e Illica trabajaron denodadamente durante tres años para adaptar la novela folletinesca de Murger "Escenas de la vida Bohemía" hasta llevar a la desesperación al empresario Ricordi: "Os confieso que por este continuo rehacer, retocar, añadir, corregir, cortar, pegar, hinchar aquí para desinflar allá, estoy exhausto".

Puccini no pudo evitar introducir en esta opera algunos guiños a su propia vida y a las experiencias de su época de estudiante en el conservatorio de Milán, tiempo en el que compartía piso con Mascagni, otro gran compositor de operas. De hecho la escena en la que estando ya Mimí muy enferma y Colline, un filósofo amigo de la pareja de enamorados, marcha a vender su abrigo para poder comprarle medicinas (Vecchia zimarra, senti / "Viejo abrigo, escucha"), estaba inspirada en un recuerdo de juventud de Puccini, quien al parecer tuvo una novia costurera (como Mimí) y no teniendo dinero, empeño su abrigo para poder invitarla a cenar una noche. Con los años comentaba de esta anécdota: "A la mitad del invierno ya había roto con ella; pero sin abrigo tuve que estar todo aquel invierno". Seguro que fue una cena maravillosa.

Seguro que hay otras versiones mejores, con Pavarotti y Mirella Freni por ejemplo, pero aquí, y primando la calidad del vídeo y los subtítulos, os dejo con dos de las mejores arias de esta preciosa opera interpretadas por Rolando Villazón y Anna Netrebko (en la foto de cabecera como Rodolfo y Mimí)), dos grandes cantantes que están de moda desde hace unos años: 

"Che gelida manina"  



"Si, mi chiamo Mimí"


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jueves, 19 de julio de 2018

Praxíteles, Friné y la Afrodita de Cnido



"Pero Friné era realmente más hermosa en las partes que no se le veían (…) En las fiestas de las Eleusinias y en la de Poseidón, tras quitarse el manto y dejar sueltos sus cabellos se metió en el mar, a la vista de todos los griegos. A partir de ella pintó Apeles su Afrodita Anadiomene. Y Praxiteles, el escultor, su amante, modeló su Afrodita Cnidia según su imagen". 

Son palabras del cronista clásico Ateneo de Naucratis. Y es que hay bellezas que de alguna forma tienen que quedar inmortalizadas para salvarlas del olvido y algo así paso con Friné, gracias al amor que le profesaba Praxíteles, uno de los grandes escultores de la antigüedad. Al igual que Goya pintó una Maja desnuda y otra vestida, Praxíteles esculpió a la vez una Afrodita con ropas y otra que resultó ser la primera representación del cuerpo completamente desnudo de una mujer. Todo hay que decirlo, también fue pionera "La Maja" de Goya en el arte de la pintura, ya que tenía el honor de ser el primer desnudo en mostrar sin tapujos el vello púbico de la mujer y de mostrar además su desnudez sin excusas mitológicas. Para el más frondoso Coubert aún quedaban décadas.  Pero volviendo a nuestra Afrodita... el caso es que Praxíteles tenía como musa, modelo y amante a una de las hetairas más famosas de la antigüedad, a la bella Friné y a ella dedicó esta sensacional escultura, famosa desde su creación. Ya contaba Plínio acerca de la obra:

"Hemos mencionado en [el arte de] la estatuaria la época de Praxíteles, quien se superó en la gloria del mármol. Sus obras se encuentran en Atenas, en Cerámico, pero por encima de todas las obras, no solamente de Praxíteles sino de toda la tierra, está la Venus; muchos han viajado a Cnido para contemplarla"

Praxíteles decidió presentar sus dos Afroditas a la vez y con el mismo precio. Según sigue contando Plinio, la ciudad de Cos se hizo con la versión en la que la diosa aparecía vestida al pensar que la desnudez de la otra escultura resultaba indecente y no representaba a la ciudad. Los compradores de la ciudad de Cnido no dudaron en hacerse con la escultura desnuda a la que incluso instalaron en un templo dedicado a la Diosa Afrodita, que rápidamente se hizo famosa por su belleza y hizo que el culto ganara muchos adeptos. No he logrado imágenes de la copia vestida y ni siquiera sé si ha llegado hasta nuestros días copia de aquella escultura. Plinio lo contaba así:

"Praxíteles de hecho hizo dos estatuas que puso a la venta al mismo tiempo. Una de ellas estaba cubierta, y como lo estaba fue la elegida por la gente de Cos, quienes tenían preferencia en la elección de las esculturas (las cuales se ofrecían al mismo precio). Pensaron que era la decisión correcta. Sin embargo, la estatua que rechazaron fue escogida por la población de Cnido, y fue esta escultura la que se hizo célebre. Más tarde el rey Nicomedes [de Cos] trató de comprársela a los cnidios, prometiéndoles liberarlos de su enorme deuda estatal. Pero los cnidios se mantuvieron firmes en su decisión sobre la estatua y de forma acertada, ya que fue el trabajo de Praxíteles el que hizo famosa a Cnido"

Frine, una mujer de armas tomar que incluso supero un juicio hacia su persona por impiedad (al pretender en su hermosura asemejarse a una diosa) con el simple alegato de la belleza de su desnudez, debía sentirse sumamente orgullosa del eco que estaba tomando aquella escultura y Alcifrón en su obra "Diálogo de las cortesanas" recoge este posible comentario de Frine a Praxíteles:

"...no temas; has creado una obra de arte muy bella, como nadie, de hecho, ha visto nunca antes entre todas las cosas creadas por la mano del hombre: has instalado una estatua de tu propia amante en el recinto sagrado...Y no me envidies este honor. Porque es a Praxíteles a quien la gente alaba cuando me observan a mí..."

La escultura original data del 360 a. C. aproximadamente y fue realizada en mármol de Paros. Se cree que el original se perdió durante el incendio del un palacio de Constantinopla en el año 475, pero perduraron muchísimas copias de la obra. La obra representa a Afrodita, la diosa griega del amor, con la clásica postura de contraposto y la sensual curva praxitélica marca de la casa, en el momento de ir a tomar el baño ritual de las Eleusiadas con el que restauraría su pureza, desponjándose de sus ropas con una mano y dejándolas caer lánguidamente sobre una especie de ánfora, mientras con la otra, con pudoroso gesto, intenta cubrir su pubis, casi como si hubiera sido sorprendida en un momento de intimidad. La copia original estaba delicadamente policromada según el gusto de entonces y con ella Práxiteles asentó el canon para la estatuaria femenina, un ideal cuya influencia ha resistido milenios. A pesar de la gran cantidad de copias existentes solo podemos hacernos una ligera idea del original pues todas ellas guardan pequeñas diferencias entre sí y por supuesto no parten de la mano de un genio como Praxíteles.

Sobre la relación entre el escultor y Friné, existe una famosa anécdota en la que el artista agradecido por los servicios de la hetaira, le dijo a esta que podía escoger la escultura que más le gustara de entre las que estaban en su taller. Friné, que a pesar de su escultural cuerpo no sabía nada de escultura, si que tenía más kilómetros que el baúl de la Piquer, como se dice por aquí, y preparó una cena al escultor, compinchándose antes con un sirviente para que en un momento determinado de la cena alertara con gran alarma de un incendio en el taller de Praxíteles. Cuando el escultor se levantó presa del miedo exclamando "¡Mi Eros, salvad mi Eros!", la astuta Friné supo que escultura debía elegir. Supongo que por aquel entonces no estaban en su taller el famoso Hermes, el Apolo Sauroctono o su Dionisios que a mi parecer son muy superiores. Habría que ver la cara de Praxíteles cuando Friné le contó la artimaña y le dijo: "Ahora ya sé qué obra debería escoger: ese Cupido al que tanto hubieras lamentado perder". Seguro que bastó una sonrisa para que la perdonara.

Finalmente y para cantar por ultima vez la belleza de la escultura os dejos las palabras con las que Luciano de Samósata describía a la escultura en su obra "Amores":

"Cuando agotamos los encantos de estos lugares entramos en el templo. En el centro del mismo se ubica la diosa, una hermosa estatua realizada en mármol de Paros con sus labios ligeramente separados por una sonrisa altiva. Sin ropa que la cubra, toda su belleza se descubre y expone, excepto en la medida en que ella usa discretamente una mano para ocultar sus partes privadas. La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades"


Contamos la historia de Friné en este enlace: 
Friné, la diosa Afrodita de Praxíteles y el juicio a la belleza

Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas:
1.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Palazzo Altemps: Wikimedia Commons
2.- Afrodita de Cnido - Museo Pío Clementino - Venus Colonna: https://www.pinterest.es/pin/433612270365761083/
3.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Museo Británico - Coleccion Townley - Wikimedia Commons
4.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Colección del Louvre - Wikimedia Commons
5.- Afrodita de Cnido - detalle Copia romana -  Copia romana - Palazzo Altemps: Wikimedia Commons

miércoles, 18 de julio de 2018

Thomas Mann y la falsa humildad



"El escritor es aquel al que escribir le resulta más difícil que a las demás personas"

Eso decía Thomas Mann, sabedor de que lograr la excelencia en algo que en principio puede hacer todo el mundo es ciertamente muy complicado. En cierta ocasión este escritor alemán, autor de obras como "La muerte en Venecia", "Los Buddenbrook" o "La montaña mágica" y Premio Nobel de Literatura en 1929, conoció a otro escritor de obra mucho menos reconocida y valorada que la suya pero que tenía a su propia persona y a sus libros en el epicentro de su conversación y que no dejaba de mostrarse ciertamente pedante. Ante Thomas Mann este escritor no dejaba de empequeñecerse, pero no de manera puntual y humilde, si no de forma persistente, de modo que cada poco intercalaba en la conversación frases del tipo: "Yo no soy sino un pobre principiante", "A mí, que todavía nadie me conoce", "Mi nombre no puede compararse con el suyo"....  Mann terminó hastiado del escritor y en cuanto pudo zafarse de su presencia y en el tono cáustico que solía utilizar frecuentemente en sus afirmaciones le comentó a la persona que le acompañaba:

"Ese hombre no tiene derecho a empequeñecerse de esta forma. Para tener ese derecho, hay que ser bastante más importante de lo que él es"

Y leyendo esta anécdota no pude evitar acordarme de aquel adagio que en cierta ocasión le escuché a un amigo y que tanto me gustó: "No seas tan humilde que no eres tan grande", frase que en algunos sitios se atribuye a la estadista israelí Golda Meir.

La imagen, de los fondos de LIFE, ha sido tomada de la siguiente página:
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martes, 17 de julio de 2018

Stan Getz: "The Sound"



"Mi vida es la música y de alguna manera vaga, misteriosa y subconsciente, siempre he sido movido por un resorte interno que me ha impulsado a alcanzar casi compulsivamente la perfección en la música, a veces, es mas, casi siempre, a expensas de todo lo demás en mi vida" (Stan Getz)

En cierta ocasión alguien le preguntó a Duke Ellington si era posible hacer buena música y ser mala persona a la vez. Duke lo pensó un instante y dijo "Stan Getz". Siempre que he escuchado la maravillosa música de Getz, tal y como la estoy disfrutando ahora, me he preguntado la razón de que señalara especialmente a Getz. Es cierto que este músico con cara de no haber roto un plato en su vida tuvo sus más y sus menos con las drogas, que era ciertamente de trato difícil con los demás artistas, que no le tenían mucho aprecio,  y que era prodigo en actos violentos en su vida personal y familiar, que su adicción le llevó a cometer algún atraco como aquel asalto a una farmacia de Seattle con una pistola de juguete que le llevó a la cárcel. Pero no he encontrado noticia concreta de algo que realmente le hiciera acreedor, por encima de todos los demás y en aquel mundo plagado de drogas, del titulo de mala persona por excelencia. Creo que hay una biografía editada que es muy reveladora respecto a esos interrogantes pero hoy es prácticamente inencontrable.

Lo que es incontestable es su talento con el saxofón, para no pocos, Stan Getz es sin duda el mejor de los saxofonistas blancos. Con claras influencias de Lester Young, su tono era hermosamente cálido, con una sonoridad muy especial y de indiscutible belleza en sus fraseos. De hecho, desde que grabó aquel famoso tema con Woody Hermann titulado "Early Autumn" fue conocido como "The Sound" y se ganó un puesto entre los mas grandes. Puede que fuera creador del Cool incluso antes que Miles Davis con aquel álbum "Four brothers" de 1947 junto a Jimmy Giuffre, Herbie Stewart y el sensacional Zoot Sims. Para el gran público es principalmente conocido por sus inmersiones en la fusión del jazz con la música brasileña, sobre todo con la bossa nova. Su colaboración con Charlie Byrd le mostró el camino con el disco "Jazz Samba" y él después se encargó de romper todos los moldes con sus colaboraciones con Joao  y Astrud Gilberto y demás compañía. ¿Quién no ha escuchado su saxofón en "La chica de Ipanema"? Y al final eso es lo que cuenta, los soberbios temas que dejó como legado este, como tantos otros, maldito del jazz, uno de esos seres que iban dejando un rastro de incontestable belleza mientras galopaban desaforadamente hacia su autodestrucción. Stan Getz murió en 1991 por un cáncer de hígado.

"Admitámoslo, a todos (los saxófonistas) nos gustaría tocar como él lo hace, si pudiéramos" (John Coltrane sobre Stan Getz)

"Desafinado" con Charlie Byrd:


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lunes, 16 de julio de 2018

Stephen Hawking y los universos para "lelos"



No cabe duda de que el físico Stephen Hawking era una personaje excepcional, no solo por su capacidad intelectual o su resistencia y lucha contra una enfermedad cruel durante 55 largos años cuando la esperanza de vida era extraordinariamente menor. Vivir durante tanto tiempo sufriendo un deterioro lento e inexorable debe ser terrible y sin embargo Hawking era poseedor de un gran sentido del humor. El mismo decía: "No puedes permitirte estar discapacitado en espíritu a la vez que físicamente". Me encantaba verlo aparecer de vez en cuando en "Big bang theory" riéndose un poco de si mismo y hoy me ha vuelto a regalar una sonrisa con la siguiente anécdota:

Hawking resultó ser un gran divulgador científico y logró hacer un poco más accesibles los misterios del universo al gran público con libros como "Breve historia del tiempo". En cierta ocasión un periodista le preguntó:

"Afirma usted que puede haber millones de universos paralelos casi idénticos, con pequeñas diferencias. ¿Quiere decir que existe un universo donde yo soy más inteligente que usted?"

Y después de una pausa, una voz metálica que prestaba eco a los pensamientos de Hawking le contestaba:

"Sí, y también uno donde usted es gracioso".

La fotografía está tomada de la siguiente página:
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domingo, 15 de julio de 2018

Marlene Dietrich se da un capricho: John Wayne



"A los 20 años no era nada. A los 80 soy una vieja vulgar. Entre medias he sido actriz"

Esas fueron las últimas palabras a la prensa de una diosa del cine que como alguien dijo tenía un nombre que parecía una suave caricia: "Marlene" y un apellido que se asemejaba a un latigazo: "Dietrich". Así de inclasificable era la actriz, una "femme fatale" que pasó a conquistar Hollywood con aquellas piernas de "Angel azul" y su descarada ambigüedad; un angelito que fue modelado hasta en los más ínfimos detalles por su pigmalión, el director Josef von Sternberg, con el fin  de hacerla parecer una diosa. 

El escritor Ernest Hemingway, al que la Dietrich llamaba "Papá" en las cartas que se escribían decía de ella: "Podía romperte el corazón solo con la voz" y ciertamente rompió muchos corazones tanto a hombres como a mujeres. No se podía esperar otra cosa de una mujer insaciable que además afirmaba: "A cualquier mujer le gustaría ser fiel, lo difícil es hallar el hombre al que serle fiel".  

Después de darle la espalda a Hitler, acompañó al ejercito americano en su campaña europea durante la Segunda Guerra Mundial animando a las tropas en la primera linea, de hecho no tenía miedo al peligro e incluso estuvo a punto de morir en un bombardeo. Hay quien cuenta que su relación con el general Patton avanzó con tanta intensidad y rapidez como la división de tanques del famoso militar marchaba hacia Alemania. Observen lo entregada que era la actriz a la hora de animar a la tropa en la imagen de la derecha. 

Uno de sus amantes fue el rudo John Wayne, quien en sus inicios, justo después de aparecer en "La Diligencia" (1939 - John Ford) parecía la opción ideal para rodar junto a la Dietrich la película "De isla en isla" (Seven sinners - 1940). El director, Tay Garnett no sabía como convencer a la actriz para que aceptara rodar junto a un actor aun casi desconocido y para ello apeló al instinto sexual de la actriz. De forma totalmanente premeditada colocaron los arrolladores 192 centímetros de John Wayne en la barra de un restaurante charlando animosamente con dos o tres risueñas y bellísimas jovencitas. 

Cuando Marlene entró en el restaurante y según se acercaban a su mesa, Marlene focalizó rápidamente el corpachón de Wayne y le dijo a Garnett "¡Oh, papi, comprame eso!". No tardó Wayne en unirse al grupo y por supuesto en hacer la película con Marlene junto a la cual rodaría dos películas más: "Forja de corazones" (1941 - Lewis Seiler) y "Los usurpadores" (1942 - Ray Enright). La relación parece que duró unos tres años y a pesar de ser Wayne un hombre ciertamente discreto respecto a sus romances, cuando un amigo le presionó un poco para saber más sobre su romance dijo como si de un telegrama se tratara: "Roma. El hotel Excelsior. Dietrich. Lo hicimos en la escalera". En otra ocasión y siendo un poquito más lenguaraz dijo de ella: "El mejor polvo de mi vida" y eso que después tendría otra relación con una pelirroja de ensueño, la maravillosa Maureen O'Hara, la única mujer capaz de hacer perder la tranquilidad a cualquier hombre, pero esa es otra historia que ya se contará.

Marlene decía: "Las mujeres tienen una edad en que necesitan ser bellas para ser amadas, y otra en que necesitan ser amadas para ser bellas". Cuando de una manera u otra sintió que había perdido aquel imán que siempre la acompañó se recluyó en su casa y pasó los últimos doce años de su vida en la cama, minada por el alcoholismo y casi sin poder andar con unas piernas muy débiles que ya no eran ni un asomo de lo que fueron.  Celosa de mantener su imagen de diosa, terminó recluida durante todos esos años, como una de sus rumoreadas amantes, la divina Greta Garbo. Falleció a la edad de 91 años.

Como cantante era una verdadera delicia. Siempre he preferido dejar de lado sus muchas canciones en inglés y he rebuscado con fruición sus temas en alemán, resultando uno de mis preferidos este "Untern linden" que os dejo más abajo en un vídeo con imágenes de la actriz.


Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas:
1.- http://www.doctormacro.com/Movie%20Summaries/S/Seven%20Sinners%20(1940).htm
2.- https://www.pinterest.es/pin/402298179190741274/
3.- https://i.pinimg.com/originals/ba/57/d0/ba57d023a5af28862fded2f581853746.jpg