Por motivos varios que no vienen al caso, ya hace un tiempo que decidimos trasladar toda la ilusión que volcamos en este blog, que fue mucha, a uno nuevo, eso si, con clara vocación de continuación de lo que aquí contábamos, pero intentando mejorar y dar un nuevo aire. El nombre ya indica el espíritu continuista: "Anécdotas de Cine, Música y arte", osea mucho cine, mucha música y pinceladas de todas las demás artes, tratadas siempre de forma ligera y desde el terreno de la anécdota enriquecedora y divertida que logre dar una visión diferente sobre todo aquello que nos gusta.
Esperamos y deseamos veros por allí (no pondremos problemas para entrar como los de la foto) y gracias por todo el apoyo que disteis a esta pizca de nosotros.
Pregunta de Trivial: ¿Qué actor estuvo en "El Padrino", "Tarde de Perros", "Toro Salvaje", "Uno de los nuestros", "Donnie Brasco" y "Los Soprano"?...... tic tac, tic tac.... Seguro que no lo aciertan. Os lo cuento unos renglones más adelante. El caso es que después de mi cara de póquer tras ver "Roma" del enrachado Alfonso Cuarón, por fin logré ver "Green Book" y cambiar de expresión. Tal y como me pronosticaban salí francamente contento del cine después de disfrutar una película que dosificaba en su justa medida los toques de humor con la crítica social de unos tiempos difíciles para la raza negra en Estados Unidos. No le fue necesario a Peter Farrelly, su director, cargar las tintas ni ponerse melodramático; muy al contrario puso su justa dosis de azúcar y humor aquí y allá en una historia perfectamente predecible, pero tan bien confeccionada que con su esperanzador mensaje de concordia y entendimiento, funciona de cara al espectador como el mejor de los relojes suizos. Comprendí por fin los méritos de Mahershala Ali para llevarse el Oscar al mejor actor secundario y me llevé las manos a la cabeza comparando la sensacional actuación de Viggo Mortensen, en un rol con puntuales tintes de comedia muy raros en el, con la solvente pero insuficiente actuación de Rami Malek en la para mi sobrevalorada "Bohemian Rapsody". Ya se que esto es meterse en camisa de once varas, que los últimos minutos son geniales con un Malek muy inspirado y la música de The Queen resucita a un muerto, pero para mí lo mejor es sobre todo eso, la música, y hablando de una película eso es poco.
Pero más allá de la pequeña crítica cinematográfica que pueda dar este conquistado espectador de "Green Book", de quien quería hablar es del verdadero Tony "Lip" Vallelonga, ese personaje al que Viggo Mortensen, con sus evidentes kilos de más para acercarse al original, llena de matices. Tal como se cuenta en la película, Vallelonga fue portero del famoso "Copacabana" durante 12 años (este nightclub parece que era propiedad del mafioso Frank Costello hombre de confianza del todopoderoso Lucky Luciano), algo para lo que no todo el mundo tiene las "habilidades" necesarias: músculo y un piquito de oro para llevarse al huerto a los clientes díscolos, y para nuestro protagonista ya sabemos, con su sobrenombre "Lip", que eso no era ningún inconveniente y podía convencerte de lo imposible con su palabrería, o hasta hacerte comer pollo frito en el coche vestido de punta en blanco. Lo haría bien, pues de portero, paso a maître y después a supervisor. Lo que no cuenta la película, cuyo guión esta escrito en parte por el hijo de Vallelonga, es que nuestro "Lip" fue un actor con un elenco de películas verdaderamente impresionante y con una marcada tendencia a dar vida en las mismas a personajes de mafiosos. Y es que todo apunta a que el tipo tenía que ser de cuidado. Sus padres eran de origen calabrés y vivían en el barrio neoyorkino del Bronx donde eran casi vecinos del mafioso John Gotti. En el Copacabana conoció a personajes como Frank Sinatra y toda su troupe así como a muchas otras estrellas del cine y la canción; también a Francis Ford Coppola que fue quien le dio su primer papel en el cine, con una pequeña aparición en "El Padrino", película en la que tuvo presencia más de un "chico duro" en la vida real. Más tarde aparecería de policía en "Tarde de perros" o de dueño de un club nocturno en "Toro Salvaje", encontrando sitio también como chico "malote" en otros films como "Uno de los nuestros" donde encarna al delincuente Guissupe Manzo o "Donnie Brasco" en el que da vida al colega del anterior Philip Giaccone. Finalmente dio la campanada durante varias temporadas en el papel del mafioso Carmine Lupertazzi en la serie "Los Soprano" rol en el que lo podemos ver en la foto de arriba a la izquierda. Y por supuesto, en uno de sus descansitos del Copacabana, acompañó como chofer-guardaespaldas al pianista Don Shirley durante bastante más de dos meses como aparece en la película, haciéndose muy amigo suyo a pesar de las diferencias iniciales. Todo un personaje el señor Vallelonga. A mi juicio Viggo Mortensen se debería de haber llevado el Oscar, pero al menos queda el consuelo de que se lo haya llevado la película, una absoluta singularidad en la carrera de Peter Farrelly, que después de títulos de inspiración muy similar como "Los tres chiflados", "Dos tontos muy tontos" o "Vaya par de idiotas" aun debe estar pellizcándose.
El trailer:
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El cuadro tiene por título "El camino del parque" (1905) y es obra del pintor fauvista Henri Manguin (1874-1949) un artista francés que en el jardín de su casa construyó un taller que fue muy frecuentado por artistas como Matisse y Marquet con los que había compartido estudios en la École des Beaux-Arts, así como Derain, Camoin y Puy, convirtiéndose este en un lugar principal dentro del nacimiento del movimiento fauvista. Muchas de sus pinturas son de paisajes mediterráneos; de hecho cuando en 1904 fue invitado por Signac a visitar Saint Tropez, quedó atrapado por su luz y tras varias visitas terminaría quedándose a vivir allí. El cuadro se expone en la Pinakothek der Moderne de la ciudad de Munich
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“Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo”
Tal día como hoy, en 1918, nacía en Nueva York, "la diosa del amor", la maravillosa Rita Hayworth (Margarita Carmen Cansino Hayworth). Hoy habría cumplido 100 años. De ascendencia española, esta actriz de 1’68 metros que comenzó como bailarina con su padre, se hizo mundialmente famosa con su papel en la mítica “Gilda”. Se casó hasta en cinco ocasiones, destacando entre sus maridos Orson Welles y el Principe Ali Khan (fue princesa antes que Grace Kelly) y tuvo dos hijas. Entre sus películas sobresalen: “Solo los ángeles tienen alas” (1939), “Sangre y arena” (1941), “Bailando nace el amor” (1942), “Las modelos” (1944), Gilda (1946), "La dama de Shanghai" (1947) y “Pal Joey” (1957) entre otras. No ganó premios cinematográficos importantes lo que no le impidió quedar en la memoria de todos. Murió el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer
“Los errores y miserias que acompañan al artista son su mayor fuente de energía creativa”
Hoy Monty, que es como apodaban a Edward Montgomery Clift, habría cumplido 98 años. Este portento de la actuación medía 1’78 metros y nació en 1930 en Omaha (Nebraska). Estudió en el Actors Studio, del que era uno de sus alumnos más destacado y son numerosas sus películas destacables, entre ellas: “Los ángeles perdidos” (1948), “La heredera” (1949), “Un lugar en el sol” (1951), “Yo confieso” (1953), “De aquí a la eternidad” (1953), “El árbol de la vida” (1957), “De repente el último verano” (1959), “Vidas rebeldes” (1961),“Vencedores y vencidos” (1961)…. Llego a tener cuatro nominaciones al Oscar, en 1948, 1951, 1953 y 1961. Era un actor con una personalidad muy torturada, sobre todo tras un grave accidente de tráfico en 1956 mientras rodaba “El árbol de la vida” del que fue salvado in extremis por Liz Taylor y que le desfiguró un poco la cara; desde entonces entró en una espiral de autodestrucción con el alcohol y las drogas que se ha dado en llamar “El suicidio más largo de la historia”. Montymurió el 23 de julio de 1966, a los 45 años de un infarto de miocardio. No se casó ni tuvo hijos.
Y ahora suponiendo que los dos estuvieran en su momento de mayor esplendor, tanto Rita como Monty, y fueras invitado a su cumpleaños, uno de esos en los que el anfitrión está dispuesto a contarte todo lo que quieras sobre él y su obra, ¿a cuál de los cumpleaños irías si te invitaran?
Y si después pudieras ir a una película con él o ella, de estas que se estrenaron en el pasado tal día como hoy, 17 de octubre ¿Qué película elegirías?
"Promesas del Este" - (Eastern Promises - 2007) - (7'4/10) - Director: David Cronenberg - Reparto:Viggo Mortensen, Naomi Watts, Vincent Cassel, Armin Mueller-Stahl, Sinead Cusack, Donald Sumpter, Jerzy Skolimowski, Josef Altin, Mina E. Mina, Aleksandar Mikic, Tatiana Maslany
"Almas desnudas" - (The reckless moment - 1949) - (7'3/10) - Director: Max Ophüls - Reparto: James Mason, Joan Bennett, Geraldine Brooks, Henry O'Neill, Shepperd Strudwick, David Bair, Roy Roberts
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Ya voy tarde para la despedida de la gran Monserrat Caballé que se nos marchó hace un par de días, una de las grandes divas de la ópera que ha dado este país, del que ha sido una magnifica embajadora y que junto a otros grandes como Domingo, Carreras, Victoria de los Ángeles, Kraus, Pilar Lorengar, Arteta y otros tantosayudaron a hacer ver al mundo que aquí no solo había toros y flamenco. En este muy breve recuerdo debería poner una de las arias más famosas del repertorio operístico, la maravillosa "Oh Mio babbino caro" que ella cantó como nadie, pero como también fue una infatigable defensora del repertorio español no puedo resistirme a poner una pieza de "El niño judío" (Antonio Paso y Enrique García Álvarez, y música del maestro Pablo Luna) que también ella cantó de forma insuperable y cuyo espíritu y mensaje mantuvo incluso en tiempos recientes en el que ese orgullo de ser española se lo echaban un poco en cara en su Cataluña natal que tanto quiso y tan magníficamente representó. Ya saben esa pieza que dice:
"De España vengo, soy Española, En mis ojos me traigo luz de su cielo Y en mi cuerpo la gracia de la Manola! De España vengo, de España soy Y mi cara serrana lo va diciendo. Y mi cara serrana lo va diciendo. Que ha nacido en España por donde voy"
"Somos un globo lleno de emociones, en un mundo lleno de alfileres"
Eso mantiene una de esas frases lapidarias que nos muestra este internet nuestro por sus rincones, pero el caso es que hoy en día son los globos los que se han convertido en alfileres para nuestro planeta, acosado a diestro y siniestro por los plásticos (entre otras tantas amenazas surgidas de nuestro modo de vida). Ahora empezamos a concienciarnos de que un globo, por muy encantador que parezca, no deja de ser un plástico más, que no pocas veces, en esas espectaculares sueltas de globos masivas tan socorridas para llenar de color y fiesta un determinado acontecimiento terminan copando el cielo de etéreas motitas de color que se elevan al cielo de forma ciertamente inspiradora, pero que tarde o temprano volverán a caer a tierra, o lo que es más probable al mar, y se convertirán, muy a nuestro pesar, en una amenaza más para los animales y el medio ambiente. Supongo que no podremos negarle un globo a un niño, esta claro que con eso no salvaremos el planeta y además perderíamos historias tan sugerentes como aquellas que nos ofrecía la película "El globo rojo" (1956) de Albert Lamorisse que recomiendo a todos y a la que pertenece la imagen de entrada; pero puede que si podamos buscar otras alternativas a los actos multitudinarios que no fuera la suelta masiva de globos, algo estéticamente muy vistoso pero también muy dañino. Algo seguro que podrá idearse que no cause tantos problemas, ya hay países como Reino Unido que han prohibido estas sueltas masiva de globos. Es un pequeño detalle, pero como decía años atrás la querida Carmen Maura: "Tacita a tacita...."
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En estos días que se han filtrado las primeras imágenes de Joaquin Phoenix dando vida al nuevo Joker, todo son comparaciones y comentarios acerca de si el look que presenta está a la altura de las caracterizaciones que en su día tuvo el personaje con Heath Ledger, Jared Leto o Jack Nicholson.
Ya el maquillaje de Heath Ledger fue un tanto conceptual y a mi juicio toda la fuerza del personaje vino de la vida que supo darle el actor, de la contradictoria sombra con la que supo vestirlo. A ese respecto no me cabe duda de que Joaquin Phoenix tiene los recursos actorales de sobra para no andar "En la cuerda floja" con este Joker y sentirse "Cómodo" en su piel. Pero hoy de quien quería hablar era del Joker de Nicholson, que para no pocos "Jokermaníacos" es la mejor de las caracterizaciones de este personaje hasta ahora, en dura competencia con Ledger, todo hay que decirlo. Y es que si alguien pudo reírse a gusto con este papel hasta desencajar la mandíbula fue él. De hecho todavía tiene que estar riéndose.
Ya tenía Nicholson dos Oscar cuando le ofrecieron meterse en el traje del Joker. Por aquel entonces, su cache como actor, el salario que demandaba en cada película, era imposible de asumir por los productores, que a pesar de ello sentían que era el actor adecuado para dar fuerza a la película "Batman" (1989 - Tim Burton) con su histrionismo a veces desbocado. Solo quedaba buscar un acercamiento. Un yo te doy tu me das. Así, después de duras negociaciones, y de ir en contra del consejo de sus propios abogados, Nicholson siguiendo su instinto, accedió a rebajar sustancialmente su salario inicial, pero con unas condiciones algo inusuales. No solo quería poder decidir sobre la hora a la que comenzaba a rodar cada día o tener libre los días que jugara su equipo de baloncesto, Nicholson se aseguró por contrato un 10% sobre de los beneficios que pudiera arrojar no solo esa película, sino también sobre sus posibles secuelas y su merchandising.
Su corazonada le salio redonda. "Batman", una película que sentaría las bases del cine de superhéroes, costó solo 40 millones de dólares pero recaudó diez veces más, lo que provocó que cuando la película se retiró de la cartelera, Nicholson ya había ganado la friolera de entre 50 y 60 millones de dólares. Y todavía quedaban por estrenarse "Batman Returns" (Tim Burton - 1992), "Batman Forever" (1995 - Joel Schumacher) además de "Batman y Robin" (1997 - Joel Schumacher), que aun cuando Nicholson ya no actuara en ellas, seguían rindiéndole beneficios. Las películas, aunque no tanto como la primera, funcionaron de maravilla en taquilla, lo que hizo a nuestro Joker inmensamente rico con bastante más de 100 millones de dólares en su bolsillo por la astucia y acierto que tuvo a la hora de firmar el contrato de marras. Ahora uno entiende a la perfección como podía presentar aquella sonrisa tan amplia. Sin duda, este astuto Joker ya sabía lo que iba a pasar.
Seguro que por mucho que cobre Joaquin Phoenix, se sentirá mal pagado en comparación.
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"Se resistían a hablar de sí mismos, y tardé un tiempo prolongado y tedioso en reunir incluso los contornos de sus historias. Es cierto que me aceptaron enseguida en la vida del circo, pero nunca sentí que perteneciera del todo a su ambiente, como si el pacto mediante el cual ellos se sentían obligados a cuidarme no exigiera nada más allá de lo esencial".
Las palabras pertenecen al libro "Regreso a Birchwood" (1973), obra del escritor irlandés John Banville (Premio Booker en 2005 por "El mar"). Por su parte la imagen, titulada "Dos payasos entre bastidores" (1940), corre a cargo del fotógrafo estadounidense, de origen alemán, John Gutmann(1905-1988) que obtuvo cierta fama por su forma de captar la vida cotidiana de la gente durante la Gran Depresión de los años 30. Perteneció en su juventud al grupo expresionista "Die Brücke" (El puente) que pretendía romper con todo el azúcar de la trasnochada Belle Époque y hubo de marchar de Alemania en 1933 por su condición de judío. Otro fichaje más para los Estados Unidos. La música que cierra este triángulo corre a cargo de la voz perlina de Luciano Pavarotti que canta, como no puede ser de otra manera en esta entrada, la famosa aria "Vesti la giubba" de la opera "Pagliacci" de Leoncavallo, un pieza maravillosa en la que se cuenta el momento en que un payaso, a pesar de encontrarse totalmente derrumbado tras descubrir la infidelidad de su esposa, ha de ponerse el traje de payaso y pintar su cara de blanco para hacer reír al publico que le espera bajo la carpa del circo: "Ponte el traje y empólvate el rostro. La gente paga y aquí quiere reír, y si Arlequín te roba a Colombina, ¡ríe, Payaso, y todos te aplaudirán! Transforma en bromas la congoja y el llanto; en una mueca los sollozos y el dolor".
Freddie Mercury hubiera dicho "The show must go on"
"Vesti la giubba" con subtítulos en español:
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No cabe duda de que este bellezón moreno de 178 centimetros que es Gal Gadot siempre fue para todos una maravilla de mujer, una modelo de cautivadora sonrisa que llegó a representar a su Israel natal en el concurso de Miss Universo de 2004.
Lo que nadie podía prever es que después de pasar por el ejercito Israelí durante dos años, cambiara las palabras de sitio y se convirtiera en "La mujer Maravilla" del Universo DC, la Princesa Diana de Themiscyra, líder de las Amazonas e hija de Zeus a la que todos conocemos simplemente como "Wonder woman". No resulta nada fácil recrear un personaje femenino dotado de superpoderes y que aune belleza y credibilidad en la proporción adecuada para lograr una película ciertamente entretenida y que convenza a los seguidores del personaje. No cabe duda de que esta preciosa heroína no necesita hacer uso de su lazo de la verdad para que todos le confesemos nuestra admiración, más aun cuando sabemos que alguna escena que hubo de regrabarse de la película de "Wonder Woman" la rodó embarazada de 5 meses y ayudada por supuesto de esos truquillos de filmación que hoy abundan.
Sobre la motivación de su personaje decía: "Quería demostrar que las mujeres son poderosas y fuertes, y no tienen que ser salvadas por algún héroe masculino, ellas pueden cuidar de si mismas usando su inteligencia y su poder". Yo, sin ser mujer, ya tengo claro que si me veo en alguna situación comprometida prefiero ser salvado por ella que por el musculitos de Batman. Y es que hay algunas mujeres que son de armas tomar. En 2019 nos llegará la segunda entrega de la mujer maravilla con "Wonder Woman 1984" , aunque supongo y espero que en breve empezaremos a verla y a disfrutarla más frecuentemente en otro tipo de roles.
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Pienso (Think) que hoy es día de decir una pequeña oración (I Say a little prayer) por ella, por Aretha Franklin, de mostrarle nuestro respeto (Respect); de no hacerlo seríamos una interminable cadena de necios (Chain of fools) insensibles a la valía de una persona prácticamente insustituible en el mundo de la canción. Le debemos reconocer como nos ha hecho sentir que una mujernatural (You make me feel like a Natural Woman), sin artificios ni otras armas que sus canciones y la grandeza de su persona ayudaron más a los derechos de las personas de color y a la igualdad de la mujer, que otras batallas más sangrientas e inútiles. Hoy se marcha la que hasta hoy ha sido la indiscutible Reina del Soul, una cantante que con el timbre de su voz nos conquistó a todos y nos deja un 16 de agosto, la misma fecha en la que se fue Elvis Presley, el rey del Rock, y aunque este fuera mucho más festivo, pienso que es más encomiable la labor como cantante desarrollada por Aretha Franklin, de hecho, el papel jugado por ella en la música norteamericana, desde el Gospel, pasando por el R&B, el jazz o el soul no tiene apenas parangón. A pocas cantantes las canciones parecían brotarle directamente de su alma como ocurría con Aretha.
"Ser cantante es un don natural. Significa que estoy utilizando en el mayor grado posible el don que Dios me dio para usar. Estoy feliz con eso."
La humilde hija de un predicador (Son of a preacher man) que llegó a ser reconocida por todos como Lady Soul, aprendió primero a llenar de luz las iglesias con sus canciones y luego el resto del mundo. No dudo que ahora tendrá la increíble gracia (Amazing Grace) de encontrarse al lado de su Precioso Señor pidiéndole que la tome de la mano (Precious Lord take me hand) para cantar en su coro, después de haber cruzando el puente sobre aguas turbulentas (Bridge over troubled waters) que separa esta vida de la inmortalidad.
Think
I say a little prayer
Respect
Chain of fools
You make me feel like a natural woman
Son of a preacher man
Precious Lord
Bridge over troubled waters
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Tod Browning es el genio que está detrás de títulos icónicos del primer cine, como el "Drácula" de 1931 con Bela Lugosi en el papel del vampiro, de "Garras humanas" (1927) con Alonzo (Lon Chaney) el lanzador de cuchillos sin brazos enamorado de una caprichosa chica del circo, de "Muñecos infernales" (1936) o de la sensacional y controvertida "La parada de los monstruos" (1932) con su circo de seres deformes que tanto revuelo formó, pero que solo mostraba en la pantalla unas personas que con sus singularidades físicas eran muy habituales en los espectáculos de aquellos años y que fueron la raíz del hasta hace poco más famoso de los circos mundiales, el Ringling Brothers and Barnum & Baily, circo en el que por cierto llegó a trabajar el propio Browning como payaso. En no pocas de sus películas el circo tiene un papel principal y a su alrededor creaba sus tramas llenas de fantasía, miedo y misterio.
No son de extrañar estas influencias del circo en su obra, de hecho, a los diecieseis años, años antes de dedicarse al cine, un joven Tod Browning se enamoraría de la bailarina de un circo ambulante que estaba de paso por su Louisville natal -puede que el Manhattan Fair and Carnival Company- y ni corto ni perezoso decidió ir en contra de los consejos de su acomodada familia y abandonando sus estudios se fue con la exótica bailarina a beber los vientos de los caminos. En el circo comenzaría un rosario de pintorescos oficios y así trabajaría de contorsionista, mago, bailarín, de payaso, jockey y según se cuenta hasta de cadáver viviente, un número que después tendría un eco evidente en su Drácula.
En el número en cuestión, el joven Browning era sometido a hipnosis y así se le inducida aparentemente la muerte, la cual era certificada por un supuesto doctor. Tras este artificio era enterrado vivo a la vista de todos durante 24 horas que Browning lograba salvar gracias a un camuflado sistema de ventilación en el ataúd que le procuraba oxigeno. Allí permanecía hasta el día siguiente, alimentándose con pequeñas bolitas de leche malteada y pensando o ideando quien sabe que historias futuras. No debía ser Browning nada claustrofóbico aunque en cierta ocasión comentó acerca de este numero: “La primera vez fue la peor. Cuando sentí la arena golpeando contra el ataúd empecé a sentir pánico. Pero horas después me invadió una profunda calma, como si realmente hubiera muerto”
Pasadas las 24 horas (a veces el doble), se procedía a desenterrar el ataúd y con poderes mágicos e hipnosis procedían a "resucitar" al muerto viviente ante los atónitos ojos de todos los espectadores. Por supuesto no tenía colmillos, pero del hambre bien le podría pegar un mordisco a cualquiera. Por aquella época se asoció con el mago Leon Herrmann que actuaba con un austero traje de etiqueta negro y una capa, algo que evidentemente pudimos disfrutar posteriormente en el "Drácula" de Lugosi, que con aquellos dedos en forma de garras inducía por hipnosis la dominación de sus víctimas, la misma hipnosis que supuestamente causaba la muerte y la resurreción de Browning en su macabro espectáculo
Otro de los espectáculos que tenían mucha fama por entonces era el que ofrecían los denominados "Geek", una especie de experto en devorar cosas repugnantes para el común de los mortales. En algunas de estas actuaciones el "Geek" aparentaba ser "el eslabón perdido" y solía ser algún alcohólico en horas bajas el que se atrevía a comer ante el público pollos vivos u otras "delicatessen". Se cuenta que Tod Browning habría llegado a realizar este tipo de funciones con el sobrenombre de "Bosco, el devorador de serpientes".
Puede que sea todo una exageración, una leyenda más acerca de los comienzos del genial Tod Browning, pero ya saben lo que se decía en una de las grandes películas de John Ford, la sensacional "El hombre que mató a Liberty Valance":
"Cuando la leyenda se convierte en hecho, se imprime la leyenda"
Tod Browning en el centro, con algunos de los protagonistas de "Freaks" (La parada de los monstruos")
“No les hemos mentido, amigos. Les dijimos que teníamos monstruosidades vivientes. Se rieron de ellos, se estremecieron, incluso, por un accidente de nacimiento, podrían ser igual que ellos. No pidieron que les trajeran al mundo, pero al mundo vinieron. Tienen su propia ley. Si ofendes a uno, ofendes a todos. Ahora, amigos, si vienen por aquí, presenciarán la más asombrosa, la más increíble monstruosidad viviente de todos los tiempos…” (Así comienza "Freaks")
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Fellini siempre me ha llamado mucho la atención en un sentido, este hombre, adorador de las carnosidades, de la abundancia en la mujer, de los grandes pechos y traseros que tan bien han quedado reflejados en películas como Amarcord, resulta que se casa y hace protagonista de algunas de sus mejores películas, a todo lo contrario de esas Venus que adoraba, a una muchachita pequeñísima, escurridísima de carnes, pero de cara simpática y gestos chaplinescos, a un duendecillo llamado Giulietta Masina. Curiosamente en “La Strada” (carretera en italiano), cuando Zampanó(Anthony Quinn) y Gelsomina (Giuletta Masina) ¿podrían encontrarse mejores nombres para unos personajes circenses? comen por primera vez juntos en una especie de venta, Zampanó no puede resistirse a la rotunda carnosidad de una morena, que no tiene mayores atributos que una obesidad contenida aun en los limites de las formas de una mujer, olvidándose por completo de Gelsomina ¿podría ser aquí Zampanó un alter ego de Fellini o al menos de sus sueños?. Recuerdo que en “Las noches de Cabiria” una de las prostitutas que acompañaban a Cabiria, era también una mujer de esta índole, de carnosidades fellinianas. Parece que de algún modo, indirecto, introducía estos guiños a sus obsesiones en estas películas, aún cuando la protagonista fuera su esposa, la discreta Giuletta.
Giulietta Masina es maravillosa, podría hacer la película entera sin hablar y decirlo todo con sus gestos, que si bien a veces son excesivos nunca pierden su encanto y seducción. Ya le dice en la película uno de los protagonistas, el loco al que da vida Richard Basehart: - ¿Pero tú que eres una mujer o un repollo?- No, Giulietta Masina no tiene atractivos de mujer si lo que buscamos es voluptuosidad, erotismo o carnosidad, pero tiene una mirada y unos ojos realmente fascinantes y expresivos como pocos, un alma que le rebosa por ellos y una gestualidad que crea complicidad y ternura. Es difícil no querer a Gelsomina o a Cabiria, con su ingenuidad, con su vitalidad, con sus historias tan desdichadas. Giulietta Masina dejó el cine pronto, aunque tuvo alguna reaparición. Cuando visitaba a su marido en los estudios de Cinecittá, los trabajadores rompían a aplaudir y el rodaje quedaba detenido hasta que por arte de magia aparecía un ramo de flores que le era entregado y ella tomaba asiento para ver el rodaje. Se ganó el cariño de todos. Cuando murió su marido, sólo le sobrevivió cuatro meses. Era tierna hasta para morir.
Anthony Quinn hace un papel apoteósico, brutal y en su deshumanización muy humano, pues es esta la naturaleza de muchos seres, refleja a la perfección a determinado tipo de personas, que en la necesidad, en la lucha por sobrevivir, no ven más allá de si mismos y ni tan siquiera atienden a sus sentimientos, sólo tienen una pulsión irrefrenable para subsistir en la cuasi-animalidad, para salir adelante como sea. Curiosamente Anthony Quinn contó en su autobiografía que el personaje de Zampanó se acercaba mucho a su propio carácter. En la película, termina por parecer Zampanó, con su número circense repetido hasta la saciedad en los más ínfimos detalles, un animal enjaulado que repite sistemáticamente el mismo movimiento una y otra vez en la jaula, teniendo una única meta, seguir adelante, aunque sea malviviendo. El final lo dotará de un atisbo de conciencia que humanizará definitivamente el personaje.
La fotografía en blanco y negro resulta maravillosa, y refleja de forma magistral un ambiente que recuerda terriblemente a nuestra España de los cincuenta. ¡Son tan pocas y a la vez tantas las cosas que nos acercan y separan de Italia!
En definitiva ¿quién podrá olvidar el rostro pintado de Gelsomina o la brutalidad de Zampanó después de ver la película? Una delicia.
Ficha de la película
Título Original: La strada Año: 1954 Duración: 103 min. País: Italia
Director: Federico Fellini
Reparto: Giulietta Masina, Anthony Quinn, Richard Basehart, Aldo Silvani, Marcella Rovere
Productora: Ponti de Laurentiis
Premios:
1954: Venecia: León de Plata
1956: Oscar: Mejor película de habla no inglesa. 2 nominaciones
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"Estoy aprendiendo todo el tiempo; la lapida va a ser mi diploma" (Eartha Kitt)
Puede que para muchos Eartha Kitt más que una maravillosa cantante de jazz solo sea aquella actriz que hizo de Catwoman -Gatúbela- en 1964 sustituyendo a Julie Newmar en la tercera temporada de la serie televisiva Batman; una catwoman que evidentemente era menos rotunda y curvilínea que la Newmar pero un poquito más seria y despiadada, lo que con tanto amorío previo de la Newmar era de agradecer. El hecho de que fuera negra la hizo durar solo tres capítulos, aunque dejó en la memoria de los aficionados a la serie su singular sonrisa y su áspero rugido. Ya vendría Halle Berry con el tiempo a reivindicar las uñas para las mujeres de color en una película ciertamente mala en la que solo se salvan los andares y las curvas de la Berry, la prescindible "Catwoman" de 2004.
Pero esta gatita de Eartha Kitt era mucho más que eso y si de arañar se trataba ella lo hacía de verdad. Al parecer en 1968 fue invitada a la Casa Blanca por Lyndon B. Johnson y cuando la esposa del presidente le preguntó su opinión sobre la guerra del Vietnam Eartha decidió ser poco diplomática y decir lo que sentía: "Ustedes están enviando a los mejores de este país a que les maten de un tiro". La Primera dama se echó a llorar por el arañazo verbal recibido y Eartha fue vetada de inmediato en todos los espectáculos, tanto que tuvo que exiliarse durante unos años al extranjero. Solo diez años después Jimmy Carter le perdonaría que alguien dijera la verdad en la Casa Blanca.
Y si hasta ahora se ha hablado de Eartha Kitt en su faceta actoral y por mucho que llegara a actuar con actores de la talla de Orson Welles o Sidney Poitier y en decenas de montajes teatrales, a mi particularmente la que más me interesa es su faceta como maravillosa cantante de jazz.
La madre de Eartha Kitt era negra con una parte de sangre cheroqui y quedó embarazada tras ser violada por un hombre de raza blanca, uno de los amos de la granja en la que trabajaba en Carolina del Sur. La infancia de nuestra futura gatúbela, como se puede imaginar no debió ser nada fácil, al parecer incluso ella fue entregada como esclava durante su niñez. No tengo claro como logró escapar a esta situación, pero con 16 años ya estaba en Nueva York y poco después cantando y bailando en París donde conocería a Orson Welles.
Todo este cúmulo de circunstancias no la amilanó, más bien forjaron un caracter indómito, una personalidad totalmente decidida a conseguir sus objetivos fuese como fuese. Consciente de su exótica belleza, sus actuaciones como cantante estaban cargadas de erotismo, sin un asomo de miedo al escándalo, de hecho explotaba al máximo la atracción que provocaba en los hombres: "Para mí los hombres son los animales de rapiña más bellos y peligrosos del mundo" decía y como en sus canciones sabía introducir pequeñas insinuaciones sexuales a modo de jadeos o gestos pronto empezó a ser conocida como la "jadeante gata montesa" algo que ella misma ayudó a popularizar. Por ese abuso de la sensualidad, de jugar con el deseo de los hombres para lograr el triunfo ella misma llegó a definirse como "la primera -material girl-" mucho antes de que a Madonna se le pasara por la cabeza la idea.
Su voz es inconfundible y siempre me alegra cuando aparecen sus canciones en las selecciones que me acompañan en el coche, sobre todo con temas como: "Let's do it", "C'est Si Bon", "Santa Baby", "My heart belongs to daddy" (ambas muy relacioandas con Marilyn Monroe), "Hesitating blues", la exótica "Uska dara" o las más moderna "This is my life" o "Where is my man". Incluso cantó muy bien en español aquel famoso "Angelitos negros" de Machín.
Eartha Kitt murió en 2008 a la edad de 81 años.
Let's do it
My heart belongs to daddy:
Ces`t si bon
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"La commedía all'italiana terminó cuando los directores dejaron de tomar el autobús"
Nombrar a Mario Monicelli es lo mismo que decir "Commedia all'italiana", evidentemente con mayúsculas; de hecho suyas son algunas de las más geniales creaciones dentro de este género del gran cine italiano de los años 50 y 60. No sé durante cuanto tiempo utilizaría Don Mario el transporte urbano, pero no debió ser poco. Era aquel un cine para el que resultaba esencial estar con la gente, en la calle, en el mercado, en la plazas, en los bares y empaparse de todo para después poder reírse con propiedad de aquella caótica realidad italiana. Monicelli empezó en el mundo del cine como guionista, llegando a estar nominado al Oscar en dos ocasiones en esta categoría, pero lo que de verdad lo elevó al altar cinematográfico fueron sus películas.
Monicelli encontraba en la comedia la esencia de la realidad, de la propia vida diaria y era un gran admirador de Buster Keaton y de Charles Chaplin, cómicos a los que consideraba: "la voz de los perdedores que se eleva contra las normas sociales". Con estas premisas, Monicelli necesitaba su propio personaje cómico para sus películas, y así surge Totó, con el que hizo ocho películas. Totó, tan poquita cosa físicamente y con ese nombre tan escueto ya llamaba a la risa, sobre todo cuando su nombre real era: Antonio Focas Flavio Angelo Ducas Comneno di Bisanzio De Curtis Gagliardi. De este cómico decía Monicelli: "Era muy particular. Un gran mimo, movía todo el cuerpo además de la cara. Los grandes actores recitan con el cuerpo, trabajan la entonación y el cuerpo...".
Monicelli empieza a dar muestras de su talento con obras como "Vida de perros" o "Guardias y ladrones" con ese policía gordinflón, el sargento Bottoni (Aldo Fabrizi) que persigue incansablemente al pobre y delgado Totó en una película que sería premiada en Cannes. Eran como ll gordo y el flaco pero a la italiana. Pero el verdadero boom llega con "Rufufú" en 1958, una verdadera delicia de película donde con un humor e imaginación increíbles, parodia casi paso por paso la película de Jules Dassin titulada "Rififi" una de las cumbres del cine a mi entender, donde se planea y lleva a cabo un robo totalmente milimetrado, pero que en Rufufú se desarrolla con las connotaciones propias de los italianos, falta de medios, muchas pretensiones, improvisación, y ese estilo chapuza puro y duro que a veces gastamos los latinos. La referencia española podría ser "Atraco a las tres" con Gracita Morales de Femme Fatale... con eso está dicho todo.
El resultado es una película esplendorosa y tan buena como aquella sobre la que se quería ironizar. Si uno ha visto previamente Rififi, aún disfruta más de Rufufú. Es comparar a las claras como es la idiosincrasia de los franceses, ingleses o alemanes con la de los italianos y españoles -sí, tenemos mucho en común españoles e italianos, por eso nos reconocemos tan fácilmente en sus comedias-. Monicelli siempre se rodeó de buenos actores y en esta película por ejemplo se ayudó de talentos como: Vittorio Gassman al que con esta película invitó a mostrar su insospechada vis cómica, el omnipresente Marcello Mastroianni, Totò y la espectacular Claudia Cardinale.
Sobre la película recordaba Monicelli: "Nuestra mirada era así. Sarcasmo, ironía. El humor es la forma más penetrante de mirar. Un bisturí que va al fondo de las cosas. La comedia a la italiana surgió al contar argumentos muy dramáticos con humor".
Después vendría la que para muchos es su obra maestra "La gran guerra" (1959) donde muestra bien a las claras lo absurdo de la guerra, lo cobardicas que algunas veces pueden llegar a ser los italianos cuando no entienden el porqué de una guerra, pero también su capacidad para un último gesto honorable. Monicelli decía del film: "Pusimos un espejo delante de los italianos para reflejar su lado más innoble". Y es que los inmensos Alberto Sordi y Vittorio Gassman buscaban cualquier excusa para justificar su miedo:
-Esta no es mi guerra- dice Busacca (Gassman)- Mi guerra es contra los aprovechadores, los embaucadores, las malas bestias. Y a esos se les puede encontrar tanto en Alemania como en Austria, en todos sitios.
-Es cierto, la patria necesita obreros, y no muertos. Y yo tengo grandes intenciones de hacer grandes cosas por la patria - afirma Jacovacci (Sordi).
-¿Qué oficio tienes? - pregunta Busacca.
-Soy peluquero.
A continuación llegaría la que para mi es una de sus mejores películas "I compagni" (Los camaradas) que para nada es una comedia y retrata los inicios de los movimientos obreros de huelga y en la que se encierra una de las actuaciones más espectaculares de Marcello Mastroianni. Peliculón del quince este (quien no la haya visto está perdiendo el tiempo). La seguirían "La armada Brancalone" (1966) o "La chica con la pistola" (1968), donde Monica Vitti se despoja de toda aquella carga dramática de Antonioni y empieza a mostrarse como una gran actriz de comedia. Se podrían citar un buen puñado más de grandes películas pero mejor parar.
La visión que Monicelli tenía del cine, de su cine, puede resumirse en sus propias palabras:
"La comedia fue para nosotros la mirada natural. Sarcasmo, ironía. El humor es la forma más penetrante de mirar. Pero para bromear sobre algo hay que conocerlo muy bien. Y hay que meditar mucho para llegar al humor. La condición humana es de los que sufren, los que pierden, los que son explotados y tratan de liberarse de su amo. No hace falta adoptar un tono serio o grave para hablar de ello: a mí me gusta la gente que batalla con alegría, con ironía, en compañía"
"No éramos conscientes de la importancia de lo que estábamos haciendo. Era una vida dura. Los horarios no son como los de ahora. Te levantabas al alba y trabajabas de siete a siete. Llevábamos pan con salami y eso comíamos. Durante 15 años fuimos el centro de la creatividad, duró un par de generaciones"
"No teníamos pretensiones, aunque es cierto que sin quererlo, hacíamos política. Pero luego llegaron los críticos y organizaron teorías, buscaron significados, intelectualizaron la comedia, lo que en sí mismo es una contradicción"
Hay quien dice que la peor herencia que puede dejar un padre a sus hijos es su propio suicidio, que estos terminarán por encontrar en él, como sus padres, la solución a los problemas, la salida a las encerronas de la vida que no supieron encontrar por otra vía. Y si bien es cierto que tardó lo suyo, Monicelli dio por terminada su vida a los 95 años, suicidándose como su padre. En 2010 se tiró de la quinta planta de un hospital en el que había sido ingresado por un cáncer de próstata en fase terminal. No es precisamente un buen final para una comedia. Y es que la vida más que una comedia, las más de las veces es todo un drama.
Un trocito de Rufufú:
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"Yo, cuando me siento demagogo, digo que erotismo es cuando lo hacen los ricos y pornografía cuando lo hacen los pobres. El erotismo es la pornografía vestida de Dior"
De no ser por la genialidad de la frase, que me recuerda aquella otra de Woody Allen en la que afirmaba que "El sexo solo es sucio si se hace bien" no traería esta manía del director por aquí, pero, sí, esa era una de las aficiones, o fijaciones si ustedes quieren, del gran Luis García-Berlanga, su pasión por el erotismo, algo que prácticamente no aparece en su cine y si acaso en "Tamaño natural", aquella película en la que Michel Piccoli aparece enamorado de una muñeca hinchable de apariencia casi real y más sumisa y dócil que su esposa o su joven amante, o en "La escopeta nacional" con aquella colección de vellos púbicos que tenía el Marqués al que daba vida Luis Escobar. Berlanga era un ser singular, sufridor de los avatares de la Segunda Guerra Mundial en el frente ruso como miembro de la División Azul, una aventura en la que se metió voluntario para evitar represalias sobre su padre que había sido Gobernador Civil de Valencia con la República. Después de tanto frió y calamidades le quedó el suficiente buen humor y talento para entregarnos un buen ramillete de películas deliciosas como "Placido" (posiblemente la mejor película del cine español), o "Bienvenido Mister Marshall", "Calabuch", "Los jueves milagro", "El verdugo", "La escopeta nacional" o "La vaquilla"... obras en las que milagrosamente lograba sortear la censura e introducir una buena dosis de crítica al régimen. De hecho la manía más reconocible de Berlanga era la de incluir en todas sus películas, sin venir a cuento, la palabra "austrohúngaro".... lo que provocaba que ante cualquier nuevo estreno de una película suya todo el mundo estuviera atento a ver en qué momento y de qué forma aparecía nuevamente la palabreja.
Así podemos ver como en "El verdugo", durante la boda, el organista pregunta al cantante si esa noche estrenaban "El idilio austrohúngaro", o en "La vaquilla", al comienzo, se anuncia por el altavoz de las fiestas del pueblo que durante el baile se podría disfrutar del pasodoble “Suspiros austrohúngaros” en clara alusión a "Suspiros de España". En "La boutique" dos hombres se disponen a comprar un barco y uno le dice al otro “¡Éste cacharro está hecho un trasto, debió pertenecer al imperio austrohúngaro!”. En la deliciosa "Bienvenido Mister Marshall" se dice “Es un mapa tan antiguo que todavía existe el imperio austro-húngaro”... y así en todas ellas, de una manera u otra salía la palabrita.
Era una manía más, un fetiche que el pensaba que le traía suerte además de una manera de reírse de si mismo y de su arte. Recordemos que Berlanga, cuando le preguntaron si se reía de todo contestó que el solo se reía de lo importante, y evidentemente para él nada más importante que sus películas. Me gustaría saber como se ponía de acuerdo con Rafael Azcona, el genial guionista con el que tantas colaboraciones hizo, para incluir estos juegos en la trama.
El gran actor Luis Ciges, compañero en la División Azul de Berlanga comentaba así estas manías y su participación en "Plácido" (en la foto de la izquierda en su papel de pobre):
"Berlanga no va de director. Va de no decirte nunca que has estado bien. Te partes un pie, pasa a tu lado y ni te pregunta. Pero te deja improvisar. Siempre que sepas las palabras clave berlanguianas, astrolabio, austrohúngaro y rotoprint, puedes meter tu chorrada. Austrohúngaro la pone en todas. Hitchcock sale, Berlanga mete austrohúngaro”.”Para Plácido me dijo que no daba el tipo de pobre (en esa época me llamaban maricón de playa, era un hombre de gimnasio, me llevaba a las chicas de calle y daba unas hostias…). Yo le dije: “Lo daré”. Me fui al ilustre Iranzo, peluquero de Barcelona, y le pedí que me hiciera un corte bueno para pasear, pero que con un golpe se escoñara. Me compré una gabardina, la llevé un mes, me metí bocadillos de chorizo y de tortilla en los bolsillos para que chorrearan bien, y me presenté a él.
-¿Qué pobre hago? ¿El que engaña, el que se guarda la comida o el vago?
-No me des el coñazo, Luis, que tú eres el actor.
-Ah, bueno. Hacemos el pobre que salga, entonces."
Jugando con el misterio de la palabreja, en el siguiente vídeo se hace un simpático homenaje al cine de Berlanga:
En la foto pequeña de la derecha se puede ver a Berlanga junto a dos de los grandes actores del cine español José Luis López Vázquez disfrazado de Groucho y al piano Pepe Isbert.
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"Santa mujer negra, con sus siete rayas en la cara, Reina Adivina, recibe el saludo, Madre dueña de todos los mares..."
Así comienza una oración yoruba, quien sabe si por casualidad dirigida a la mujer que aparece en la maravillosa escultura que abre esta entrada, un busto que es todo un desafío a los convencionalismos que solemos tener sobre el arte en el oeste africano. Podemos transigir con los egipcios, tan cercanos a la cuna de la civilización, pero nadie se atrevía a pensar hasta bien entrado el siglo XX, que Nigeria escondiera estos tesoros.
Y es que los europeos cuando miramos el arte, pensamos muy equivocadamente que todo se acaba en nuestras fronteras, en Florencia y sus genios, en nuestras catedrales, en las esculturas griegas y romanas, en el impresionismo, cubismo y demás ismos y territorios trillados hasta el infinito, pero con el tiempo nos damos cuenta (quien lo hace) que hay otras muchas cosas que la Gioconda o el Apolo Belvedere, y que no necesariamente han de estar en China, la India o Thailandia.
Para mí este busto de la cultura nigeriana de Ife, perteneciente al denominado arte Yoruba es tan impactante y bello como el busto de Nefertiti, por cierto con unos labios tan sensuales como esta, y sin embargo no es tan reverenciada ni ocupa tanto espacio en los medios. Esta escultura, encontrada en 1938 y de un tamaño algo inferior al de una cabeza real, fue realizada entre el siglo XIV y XV d.C (en lo que sería el apogeo de nuestro renacimiento), y por los círculos concéntricos de la parte superior de la corona se entiende que podría ser la representación de un miembro femenino de la dinastía gobernante.
Trabajaban en terracota, como en la cabeza que se ve a la derecha, con bronce e incluso en alguna ocasión utilizaron la técnica de fundición con cera perdida, resultando tal el grado de excelencia de algunas de las esculturas del arte Yoruba, que muchos no pueden evitar encontrar ecos del arte griego y buscar mil explicaciones para posibles contactos con occidente que aclararan la perfección de sus creaciones. Incluso se elucubraba que debían pertenecer a la desaparecida Atlántida. Hasta ese punto de negar la originalidad absoluta y excelencia fuera de nuestro entorno ha llegado nuestro soberbio etnocentrismo y ese afán de creernos el ombligo del mundo. ¿Cómo se iban a tallar esas maravillas en la atrasada África profunda?
Las vanguardias europeas supieron ver la tremenda fuerza de este arte africano y fue un ingrediente importante en la evolución del arte del siglo XX. En 1830 el pintor Delacroix hizo un viaje por el norte de África y en las cartas que escribía a sus amigos sentenciaba que había encontrado allí a los auténticos griegos y no en los cuadros de David y sus seguidores. Y es que la calidad en el arte puede aflorar en el sitio más insospechado. A Picasso, las mascaras africanas le parecieron una maravilla y le sirvieron de base para revolucionar el mundo del arte.
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