sábado, 22 de enero de 2022

Invitación a nuestro nuevo blog con cientos de nuevas anécdotas



Ya hay más de 700 nuevas anécdotas publicadas en el blog que sustituye a este:

Por motivos varios que no vienen al caso, ya hace un tiempo que decidimos trasladar toda la ilusión que volcamos en este blog, que fue mucha, a uno nuevo, eso si, con clara vocación de continuación de lo que aquí contábamos, pero intentando mejorar y dar un nuevo aire. El nombre ya indica el espíritu continuista: "Anécdotas de Cine, Música y arte", osea mucho cine, mucha música y pinceladas de todas las demás artes, tratadas siempre de forma ligera y desde el terreno de la anécdota enriquecedora y divertida que logre dar una visión diferente sobre todo aquello que nos gusta.

Esperamos y deseamos veros por allí (no pondremos problemas para entrar como los de la foto) y gracias por todo el apoyo que disteis a esta pizca de nosotros.

Link al nuevo BLOG: →

viernes, 1 de marzo de 2019

Viggo Mortensen, "Green Book" y la vida real de su personaje Tony "Lip" Vallelonga



Pregunta de Trivial: ¿Qué actor estuvo en "El Padrino", "Tarde de Perros", "Toro Salvaje", "Uno de los nuestros", "Donnie Brasco" y "Los Soprano"?...... tic tac, tic tac.... Seguro que no lo aciertan. Os lo cuento unos renglones más adelante. El caso es que después de mi cara de póquer tras ver "Roma" del enrachado Alfonso Cuarón, por fin logré ver "Green Book" y cambiar de expresión. Tal y como me pronosticaban salí francamente contento del cine después de disfrutar una película que dosificaba en su justa medida los toques de humor con la crítica social de unos tiempos difíciles para la raza negra en Estados Unidos. No le fue necesario a Peter Farrelly, su director, cargar las tintas ni ponerse melodramático; muy al contrario puso su justa dosis de azúcar y humor aquí y allá en una historia perfectamente predecible, pero tan bien confeccionada que con su esperanzador mensaje de concordia y entendimiento, funciona de cara al espectador como el mejor de los relojes suizos. Comprendí por fin los méritos de Mahershala Ali para llevarse el Oscar al mejor actor secundario y me llevé las manos a la cabeza comparando la sensacional actuación de Viggo Mortensen, en un rol con puntuales tintes de comedia muy raros en el, con la solvente pero insuficiente actuación de Rami Malek en la para mi sobrevalorada "Bohemian Rapsody". Ya se que esto es meterse en camisa de once varas, que los últimos minutos son geniales con un Malek muy inspirado y la música de The Queen resucita a un muerto, pero para mí lo mejor es sobre todo eso, la música, y hablando de una película eso es poco. 

Pero más allá de la pequeña crítica cinematográfica que pueda dar este conquistado espectador de "Green Book", de quien quería hablar es del verdadero Tony "Lip" Vallelonga, ese personaje al que Viggo Mortensen, con sus evidentes kilos de más para acercarse al original, llena de matices. Tal como se cuenta en la película, Vallelonga fue portero del  famoso "Copacabana" durante 12 años (este nightclub parece que era propiedad del mafioso Frank Costello hombre de confianza del todopoderoso Lucky Luciano), algo para lo que no todo el mundo tiene las "habilidades" necesarias: músculo y un piquito de oro para llevarse al huerto a los clientes díscolos, y para nuestro protagonista ya sabemos, con su sobrenombre "Lip", que eso no era ningún inconveniente y podía convencerte de lo imposible con su palabrería, o hasta hacerte comer pollo frito en el coche vestido de punta en blanco. Lo haría bien, pues de portero, paso a maître y después a supervisor. Lo que no cuenta la película, cuyo guión esta escrito en parte por el hijo de Vallelonga, es que nuestro "Lip" fue un actor con un elenco de películas verdaderamente impresionante y con una marcada tendencia a dar vida en las mismas a personajes de mafiosos. Y es que todo apunta a que el tipo tenía que ser de cuidado. Sus padres eran de origen calabrés y vivían en el barrio neoyorkino del Bronx donde eran casi vecinos del mafioso John Gotti. En el Copacabana conoció a personajes como Frank Sinatra y toda su troupe así como a muchas otras estrellas del cine y la canción; también a Francis Ford Coppola que fue quien le dio su primer papel en el cine, con una pequeña aparición en "El Padrino", película en la que tuvo presencia más de un "chico duro" en la vida real. Más tarde aparecería de policía en "Tarde de perros" o de dueño de un club nocturno en "Toro Salvaje", encontrando sitio también como chico "malote" en otros films como "Uno de los nuestros" donde encarna al delincuente Guissupe Manzo o "Donnie Brasco" en el que da vida al colega del anterior Philip Giaccone. Finalmente dio la campanada durante varias temporadas en el papel del mafioso Carmine Lupertazzi en la serie "Los Soprano" rol en el que lo podemos ver en la foto de arriba a la izquierda. Y por supuesto, en uno de sus descansitos del Copacabana, acompañó como chofer-guardaespaldas al pianista Don Shirley durante bastante más de dos meses como aparece en la película, haciéndose muy amigo suyo a pesar de las diferencias iniciales. Todo un personaje el señor Vallelonga. A mi juicio Viggo Mortensen se debería de haber llevado el Oscar, pero al menos queda el consuelo de que se lo haya llevado la película, una absoluta singularidad en la carrera de Peter Farrelly, que después de títulos de inspiración muy similar como "Los tres chiflados", "Dos tontos muy tontos" o "Vaya par de idiotas" aun debe estar pellizcándose.


El trailer:


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domingo, 18 de noviembre de 2018

"El camino del parque" - Henri Manguin



El cuadro tiene por título "El camino del parque" (1905) y es obra del pintor fauvista Henri Manguin (1874-1949) un artista francés que en el jardín de su casa construyó un taller que fue muy frecuentado por artistas como Matisse y Marquet con los que había compartido estudios en la École des Beaux-Arts, así como Derain, Camoin y Puy, convirtiéndose este en un lugar principal dentro del nacimiento del movimiento fauvista. Muchas de sus pinturas son de paisajes mediterráneos; de hecho cuando en 1904 fue invitado por Signac a visitar Saint Tropez, quedó atrapado por su luz y tras varias visitas terminaría quedándose a vivir allí.  El cuadro se expone en la Pinakothek der Moderne de la ciudad de Munich

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miércoles, 17 de octubre de 2018

17 de Octubre - Rita Hayworth Vs Montgomery Clift (Efemérides)


“Todos los hombres que conozco se acuestan con Gilda, pero se levantan conmigo” 

Tal día como hoy, en 1918, nacía en Nueva York, "la diosa del amor", la maravillosa Rita Hayworth (Margarita Carmen Cansino Hayworth). Hoy habría cumplido 100 años. De ascendencia española, esta actriz de 1’68 metros que comenzó como bailarina con su padre, se hizo mundialmente famosa con su papel en la mítica “Gilda”. Se casó hasta en cinco ocasiones, destacando entre sus maridos Orson Welles y el Principe Ali Khan (fue princesa antes que Grace Kelly) y tuvo dos hijas. Entre sus películas sobresalen: “Solo los ángeles tienen alas” (1939), “Sangre y arena” (1941), “Bailando nace el amor” (1942), “Las modelos” (1944), Gilda (1946), "La dama de Shanghai" (1947) y “Pal Joey” (1957) entre otras. No ganó premios cinematográficos importantes lo que no le impidió quedar en la memoria de todos. Murió el 14 de mayo de 1987, a los 68 años de edad a causa de la enfermedad de Alzheimer


“Los errores y miserias que acompañan al artista son su mayor fuente de energía creativa” 


Hoy Monty,  que es como apodaban a Edward Montgomery Clift, habría cumplido 98 años. Este portento de la actuación medía 1’78 metros y nació en 1930 en Omaha (Nebraska). Estudió en el Actors Studio, del que era uno de sus alumnos más destacado y son numerosas sus películas destacables, entre ellas: “Los ángeles perdidos” (1948), “La heredera” (1949), “Un lugar en el sol” (1951), “Yo confieso” (1953), “De aquí a la eternidad” (1953), “El árbol de la vida” (1957), “De repente el último verano” (1959), “Vidas rebeldes” (1961),“Vencedores y vencidos” (1961)…. Llego a tener cuatro nominaciones al Oscar, en 1948, 1951, 1953 y 1961. Era un actor con una personalidad muy torturada, sobre todo tras un grave accidente de tráfico en 1956 mientras rodaba “El árbol de la vida” del que fue salvado in extremis por Liz Taylor y que le desfiguró un poco la cara; desde entonces entró en una espiral de autodestrucción con el alcohol y las drogas que se ha dado en llamar “El suicidio más largo de la historia”. Monty murió el 23 de julio de 1966, a los 45 años de un infarto de miocardio. No se casó ni tuvo hijos.

Y ahora suponiendo que los dos estuvieran en su momento de mayor esplendor, tanto Rita como Monty, y fueras invitado a su cumpleaños, uno de esos en los que el anfitrión está dispuesto a contarte todo lo que quieras sobre él y su obra, ¿a cuál de los cumpleaños irías si te invitaran?



Y si después pudieras ir a una película con él o ella, de estas que se estrenaron en el pasado tal día como hoy, 17 de octubre ¿Qué película elegirías?

"Promesas del Este" - (Eastern Promises - 2007) - (7'4/10) - Director: David Cronenberg - Reparto: Viggo Mortensen,  Naomi Watts,  Vincent Cassel,  Armin Mueller-Stahl, Sinead Cusack,  Donald Sumpter,  Jerzy Skolimowski,  Josef Altin,  Mina E. Mina, Aleksandar Mikic,  Tatiana Maslany

"Almas desnudas" - (The reckless moment - 1949) - (7'3/10) - Director: Max Ophüls - Reparto: James Mason,  Joan Bennett,  Geraldine Brooks,  Henry O'Neill,  Shepperd Strudwick, David Bair,  Roy Roberts

"El perro rabioso" - (Nora Inu - 1949) - (7'5/10) - Director: Akira Kurosawa - Reparto: Toshirô Mifune,  Takashi Shimura,  Keiko Awaji,  Eiko Miyoshi,  Noriko Sengoku...


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martes, 9 de octubre de 2018

Monserrat Caballé y su "De España vengo, soy española"



Ya voy tarde para la despedida de la gran Monserrat Caballé que se nos marchó hace un par de días, una de las grandes divas de la ópera que ha dado este país, del que ha sido una magnifica embajadora y que junto a otros grandes como Domingo, Carreras, Victoria de los Ángeles, Kraus, Pilar Lorengar, Arteta y otros tantos ayudaron a hacer ver al mundo que aquí no solo había toros y flamenco. En este muy breve recuerdo debería poner una de las arias más famosas del repertorio operístico, la maravillosa "Oh Mio babbino caro" que ella cantó como nadie, pero como también fue una infatigable defensora del repertorio español no puedo resistirme a poner una pieza de "El niño judío" (Antonio Paso y Enrique García Álvarez, y música del maestro Pablo Luna) que también ella cantó de forma insuperable y cuyo espíritu y mensaje mantuvo incluso en tiempos recientes en el que ese orgullo de ser española se lo echaban un poco en cara en su Cataluña natal que tanto quiso y tan magníficamente representó. Ya saben esa pieza que dice: 

"De España vengo, soy Española, En mis ojos me traigo luz de su cielo Y en mi cuerpo la gracia de la Manola! De España vengo, de España soy Y mi cara serrana lo va diciendo. Y mi cara serrana lo va diciendo. Que ha nacido en España por donde voy"


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domingo, 7 de octubre de 2018

Los globos que sueltas no van al cielo



"Somos un globo lleno de emociones, en un mundo lleno de alfileres"

Eso mantiene una de esas frases lapidarias que nos muestra este internet nuestro por sus rincones, pero el caso es que hoy en día son los globos los que se han convertido en alfileres para nuestro planeta, acosado a diestro y siniestro por los plásticos (entre otras tantas amenazas surgidas de nuestro modo de vida). Ahora empezamos a concienciarnos de que un globo, por muy encantador que parezca, no deja de ser  un plástico más, que no pocas veces, en esas espectaculares sueltas de globos masivas tan socorridas para llenar de color y fiesta un determinado acontecimiento terminan copando el cielo de etéreas motitas de color que se elevan al cielo de forma ciertamente inspiradora, pero que tarde o temprano volverán a caer a tierra, o lo que es más probable al mar, y se convertirán, muy a nuestro pesar, en una amenaza más para los animales y el medio ambiente. Supongo que no podremos negarle un globo a un niño, esta claro que con eso no salvaremos el planeta y además perderíamos historias tan sugerentes como aquellas que nos ofrecía la película "El globo rojo" (1956) de Albert Lamorisse que recomiendo a todos y a la que pertenece la imagen de entrada; pero puede que si podamos buscar otras alternativas a los actos multitudinarios que no fuera la suelta masiva de globos, algo estéticamente muy vistoso pero también muy dañino. Algo seguro que podrá idearse que no cause tantos problemas, ya hay países como Reino Unido que han prohibido estas sueltas masiva de globos. Es un pequeño detalle, pero como decía años atrás la querida Carmen Maura: "Tacita a tacita...."  




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miércoles, 26 de septiembre de 2018

Jack Nicholson: El Joker que ríe primero ríe mejor



En estos días que se han filtrado las primeras imágenes de Joaquin Phoenix dando vida al nuevo Joker, todo son comparaciones y comentarios acerca de si el look que presenta está a la altura de las caracterizaciones que en su día tuvo el personaje con Heath Ledger, Jared Leto o Jack Nicholson.

Ya el maquillaje de Heath Ledger fue un tanto conceptual y a mi juicio toda la fuerza del personaje vino de la vida que supo darle el actor, de la contradictoria sombra con la que supo vestirlo. A ese respecto no me cabe duda de que Joaquin Phoenix tiene los recursos actorales de sobra para no andar "En la cuerda floja" con este Joker  y sentirse "Cómodo" en su piel. Pero hoy de quien quería hablar era del Joker de Nicholson, que para no pocos "Jokermaníacos" es la mejor de las caracterizaciones de este personaje hasta ahora, en dura competencia con Ledger, todo hay que decirlo. Y es que si alguien pudo reírse a gusto con este papel hasta desencajar la mandíbula fue él. De hecho todavía tiene que estar riéndose.

Ya tenía Nicholson dos Oscar cuando le ofrecieron meterse en el traje del Joker. Por aquel entonces, su cache como actor, el salario que demandaba en cada película, era imposible de asumir por los productores, que a pesar de ello sentían que era el actor adecuado para dar fuerza a la película "Batman" (1989 - Tim Burton) con su histrionismo a veces desbocado. Solo quedaba buscar un acercamiento. Un yo te doy tu me das. Así, después de duras negociaciones, y de ir en contra del consejo de sus propios abogados, Nicholson siguiendo su instinto, accedió a rebajar sustancialmente su salario inicial, pero con unas condiciones algo inusuales. No solo quería poder decidir sobre la hora a la que comenzaba a rodar cada día o tener libre los días que jugara su equipo de baloncesto, Nicholson se aseguró por contrato un 10% sobre de los beneficios que pudiera arrojar no solo esa película, sino también sobre sus posibles secuelas y su merchandising. 

Su corazonada le salio redonda. "Batman", una película que sentaría las bases del cine de superhéroes, costó solo 40 millones de dólares pero recaudó diez veces más, lo que provocó que cuando la película se retiró de la cartelera, Nicholson ya había ganado la friolera de entre 50 y 60 millones de dólares. Y todavía quedaban por estrenarse "Batman Returns" (Tim Burton - 1992), "Batman Forever" (1995 - Joel Schumacher) además de "Batman y Robin" (1997 - Joel Schumacher), que aun cuando Nicholson ya no actuara en ellas, seguían rindiéndole beneficios. Las películas, aunque no tanto como la primera,  funcionaron de maravilla en taquilla, lo que hizo a nuestro Joker inmensamente rico con bastante más de 100 millones de dólares en su bolsillo por la astucia y acierto que tuvo a la hora de firmar el contrato de marras. Ahora uno entiende a la perfección como podía presentar aquella sonrisa tan amplia. Sin duda, este astuto Joker ya sabía lo que iba a pasar. 

Seguro que por mucho que cobre Joaquin Phoenix, se sentirá mal pagado en comparación.



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lunes, 24 de septiembre de 2018

Imágenes Vs Palabras: Los payasos



"Se resistían a hablar de sí mismos, y tardé un tiempo prolongado y tedioso en reunir incluso los contornos de sus historias. Es cierto que me aceptaron enseguida en la vida del circo, pero nunca sentí que perteneciera del todo a su ambiente, como si el pacto mediante el cual ellos se sentían obligados a cuidarme no exigiera nada más allá de lo esencial"

Las palabras pertenecen al libro "Regreso a Birchwood" (1973), obra del escritor irlandés John Banville (Premio Booker en 2005 por "El mar"). Por su parte la imagen, titulada "Dos payasos entre bastidores" (1940), corre a cargo del fotógrafo estadounidense, de origen alemán, John Gutmann (1905-1988) que obtuvo cierta fama por su forma de captar la vida cotidiana de la gente durante la Gran Depresión de los años 30. Perteneció en su juventud al grupo expresionista "Die Brücke" (El puente) que pretendía romper con todo el azúcar de la trasnochada Belle Époque y hubo de marchar de Alemania en 1933 por su condición de judío.  Otro fichaje más para los Estados Unidos. La música que cierra este triángulo corre a cargo de la voz perlina de Luciano Pavarotti que canta, como no puede ser de otra manera en esta entrada, la famosa aria "Vesti la giubba" de la opera "Pagliacci" de Leoncavallo, un pieza maravillosa en la que se cuenta el momento en que un payaso, a pesar de encontrarse totalmente derrumbado tras descubrir la infidelidad de su esposa, ha de ponerse el traje de payaso y pintar su cara de blanco para hacer reír al publico que le espera bajo la carpa del circo: "Ponte el traje y empólvate el rostro. La gente paga y aquí quiere reír, y si Arlequín te roba a Colombina, ¡ríe, Payaso, y todos te aplaudirán! Transforma en bromas la congoja y el llanto; en una mueca los sollozos y el dolor"

Freddie Mercury hubiera dicho "The show must go on"

"Vesti la giubba" con subtítulos en español:


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sábado, 15 de septiembre de 2018

Gal Gadot: Una maravilla de mujer


No cabe duda de que este bellezón moreno de 178 centimetros que es Gal Gadot siempre fue para todos una maravilla de mujer, una modelo de cautivadora sonrisa que  llegó a representar a su Israel natal en el concurso de Miss Universo de 2004.

Lo que nadie podía prever es que después de pasar por el ejercito Israelí durante dos años, cambiara las palabras de sitio y se convirtiera en "La mujer Maravilla" del Universo DC, la Princesa Diana de Themiscyra, líder de las Amazonas e hija de Zeus a la que todos conocemos simplemente como "Wonder woman". No resulta nada fácil recrear un personaje femenino dotado de superpoderes y que aune belleza y credibilidad en la proporción adecuada para lograr una película ciertamente entretenida y que convenza a los seguidores del personaje. No cabe duda de que esta preciosa heroína no necesita hacer uso de su lazo de la verdad para que todos le confesemos nuestra admiración, más aun cuando sabemos que alguna escena que hubo de regrabarse de la película de "Wonder Woman" la rodó embarazada de 5 meses y ayudada por supuesto de esos truquillos de filmación que hoy abundan.

Sobre la motivación de su personaje decía: "Quería demostrar que las mujeres son poderosas y fuertes, y no tienen que ser salvadas por algún héroe masculino, ellas pueden cuidar de si mismas usando su inteligencia y su poder". Yo, sin ser mujer, ya tengo claro que si me veo en alguna situación comprometida prefiero ser salvado por ella que por el musculitos de Batman. Y es que hay algunas mujeres que son de armas tomar. En 2019 nos llegará la segunda entrega de la mujer maravilla con "Wonder Woman 1984" , aunque supongo y espero que en breve empezaremos a verla y a disfrutarla más frecuentemente en otro tipo de roles.

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jueves, 16 de agosto de 2018

Ha fallecido Aretha Franklin


Pienso (Think) que hoy es día de decir una pequeña oración (I Say a little prayer) por ella, por Aretha Franklin, de mostrarle nuestro respeto (Respect); de no hacerlo seríamos una interminable cadena de necios (Chain of fools) insensibles a la valía de una persona prácticamente insustituible en el mundo de la canción. Le debemos reconocer como nos ha hecho sentir que una mujer natural (You make me feel like a Natural Woman), sin artificios ni otras armas que sus canciones y la grandeza de su persona ayudaron más a los derechos de las personas de color y a la igualdad de la mujer, que otras batallas más sangrientas e inútiles. Hoy se marcha la que hasta hoy ha sido la indiscutible Reina del Soul, una cantante que con el timbre de su voz nos conquistó a todos y nos deja un 16 de agosto, la misma fecha en la que se fue Elvis Presley,  el rey del Rock, y aunque este fuera mucho más festivo, pienso que es más encomiable la labor como cantante desarrollada por Aretha Franklin, de hecho, el papel jugado por ella en la música norteamericana, desde el Gospel, pasando por el R&B, el jazz o el soul no tiene apenas parangón. A pocas cantantes las canciones parecían brotarle directamente de su alma como ocurría con Aretha.

"Ser cantante es un don natural. Significa que estoy utilizando en el mayor grado posible el don que Dios me dio para usar. Estoy feliz con eso." 

La humilde hija de un predicador (Son of a preacher man)  que llegó a ser reconocida por todos como Lady Soul, aprendió primero a llenar de luz las iglesias con sus canciones y luego el resto del mundo. No dudo que ahora tendrá la increíble gracia (Amazing Grace) de encontrarse al lado de su Precioso Señor pidiéndole que la tome de la mano (Precious Lord take me hand) para cantar en su coro, después de haber cruzando el puente sobre aguas turbulentas (Bridge over troubled waters) que separa esta vida de la inmortalidad. 

Think




I say a little prayer




Respect




Chain of fools





You make me feel like a natural woman





Son of a preacher man





Precious Lord






Bridge over troubled waters



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domingo, 5 de agosto de 2018

Eartha Kitt: La "Catwoman" que cantaba jazz



"Estoy aprendiendo todo el tiempo; la lapida va a ser mi diploma" (Eartha Kitt)

Puede que para muchos Eartha Kitt más que una maravillosa cantante de jazz solo sea aquella actriz que hizo de Catwoman -Gatúbela-  en 1964 sustituyendo a Julie Newmar en la tercera temporada de la serie televisiva Batman;  una catwoman que evidentemente era menos rotunda y curvilínea que la Newmar pero un poquito más seria y despiadada, lo que con tanto amorío previo de la Newmar era de agradecer. El hecho de que fuera negra la hizo durar solo tres capítulos, aunque dejó en la memoria de los aficionados a la serie su singular sonrisa y su áspero rugido. Ya vendría Halle Berry con el tiempo a reivindicar las uñas para las mujeres de color en una película ciertamente mala en la que solo se salvan los andares y las curvas de la Berry, la prescindible "Catwoman" de 2004. 

Pero esta gatita de Eartha Kitt era mucho más que eso y si de arañar se trataba ella lo hacía de verdad. Al parecer en 1968 fue invitada a la Casa Blanca por Lyndon B. Johnson y cuando la esposa del presidente le preguntó su opinión sobre la guerra del Vietnam Eartha decidió ser poco diplomática y decir lo que sentía: "Ustedes están enviando a los mejores de este país a que les maten de un tiro". La Primera dama se echó a llorar por el arañazo verbal recibido y Eartha fue vetada de inmediato en todos los espectáculos, tanto que tuvo que exiliarse durante unos años al extranjero. Solo diez años después Jimmy Carter le perdonaría que alguien dijera la verdad en la Casa Blanca.

Y si hasta ahora se ha hablado de Eartha Kitt en su faceta actoral y por mucho que llegara a actuar con actores de la talla de Orson Welles o Sidney Poitier y en decenas de montajes teatrales, a mi particularmente la que más me interesa es su faceta como maravillosa cantante de jazz. 

La madre de Eartha Kitt era negra con una parte de sangre cheroqui y quedó embarazada tras ser violada por un hombre de raza blanca, uno de los amos de la granja en la que trabajaba en Carolina del Sur. La infancia de nuestra futura gatúbela, como se puede imaginar no debió ser nada fácil, al parecer incluso ella fue entregada como esclava durante su niñez. No tengo claro como logró escapar a esta situación, pero con 16 años ya estaba en Nueva York y poco después cantando y bailando en París donde conocería a Orson Welles.

Todo este cúmulo de circunstancias no la amilanó, más bien forjaron un caracter indómito, una personalidad totalmente decidida a conseguir sus objetivos fuese como fuese. Consciente de su exótica belleza, sus actuaciones como cantante estaban cargadas de erotismo, sin un asomo de miedo al escándalo, de hecho explotaba al máximo la atracción que provocaba en los hombres: "Para mí los hombres son los animales de rapiña más bellos y peligrosos del mundo" decía y como en sus canciones sabía introducir pequeñas insinuaciones sexuales a modo de jadeos o gestos pronto empezó a ser conocida como la "jadeante gata montesa" algo que ella misma ayudó a popularizar. Por ese abuso de la sensualidad, de jugar con el deseo de los hombres para lograr el triunfo ella misma llegó a definirse como "la primera -material girl-" mucho antes de que a Madonna se le pasara por la cabeza la idea.

Su voz es inconfundible y siempre me alegra cuando aparecen sus canciones en las selecciones que me acompañan en el coche, sobre todo con temas como: "Let's do it", "C'est Si Bon", "Santa Baby", "My heart belongs to daddy" (ambas muy relacioandas con Marilyn Monroe), "Hesitating blues", la exótica "Uska dara" o las más moderna "This is my life" o "Where is my man". Incluso cantó muy bien en español aquel famoso "Angelitos negros" de Machín.

Eartha Kitt murió en 2008 a la edad de 81 años.

Let's do it


My heart belongs to daddy:



Ces`t si bon




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lunes, 30 de julio de 2018

Yoruba: El arte olvidado



"Santa mujer negra, con sus siete rayas en la cara, Reina Adivina, recibe el saludo, Madre dueña de todos los mares..."

Así comienza una oración yoruba, quien sabe si por casualidad dirigida a la mujer que aparece en la maravillosa escultura que abre esta entrada, un busto que es todo un desafío a los convencionalismos que solemos tener sobre el arte en el oeste africano. Podemos transigir con los egipcios, tan cercanos a la cuna de la civilización, pero nadie se atrevía a pensar hasta bien entrado el siglo XX, que Nigeria escondiera estos tesoros.

Y es que los europeos cuando miramos el arte, pensamos muy equivocadamente que todo se acaba en nuestras fronteras, en Florencia y sus genios, en nuestras catedrales, en las esculturas griegas y romanas, en el impresionismo, cubismo y demás ismos y territorios trillados hasta el infinito, pero con el tiempo nos damos cuenta (quien lo hace) que hay otras muchas cosas que la Gioconda o el Apolo Belvedere, y que no necesariamente han de estar en China, la India o Thailandia.


Para mí este busto de la cultura nigeriana de Ife, perteneciente al denominado arte Yoruba es tan impactante y bello como el busto de Nefertiti, por cierto con unos labios tan sensuales como esta, y sin embargo no es tan reverenciada ni ocupa tanto espacio en los medios. Esta escultura, encontrada en 1938 y de un tamaño algo inferior al de una cabeza real, fue realizada entre el siglo XIV y XV d.C (en lo que sería el apogeo de nuestro renacimiento), y por los círculos concéntricos de la parte superior de la corona se entiende que podría ser la representación de un miembro femenino de la dinastía gobernante. 

Trabajaban en terracota, como en la cabeza que se ve a la derecha, con bronce e incluso en alguna ocasión utilizaron la técnica de fundición con cera perdida, resultando tal el grado de excelencia de algunas de las esculturas del arte Yoruba, que muchos no pueden evitar encontrar ecos del arte griego y buscar mil explicaciones para posibles contactos con occidente que aclararan la perfección de sus creaciones. Incluso se elucubraba que debían pertenecer a la desaparecida Atlántida. Hasta ese punto de negar la originalidad absoluta y excelencia fuera de nuestro entorno ha llegado nuestro soberbio etnocentrismo y ese afán de creernos el ombligo del mundo. ¿Cómo se iban a tallar esas maravillas en la atrasada África profunda?

Las vanguardias europeas supieron ver la tremenda fuerza de este arte africano y fue un ingrediente importante en la evolución del arte del siglo XX. En 1830 el pintor Delacroix hizo un viaje por el norte de África y en las cartas que escribía a sus amigos sentenciaba que había encontrado allí a los auténticos griegos y no en los cuadros de David y sus seguidores. Y es que la calidad en el arte puede aflorar en el sitio más insospechado. A Picasso, las mascaras africanas le parecieron una maravilla y le sirvieron de base para revolucionar el mundo del arte.





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sábado, 28 de julio de 2018

El luchador que inspiró "Shrek"



Pocas películas de animación han tenido más aceptación que "Shrek" en 2001, aquella historia de un ogro de color verde, que de principio no quedaba muy claro si era un bonachón o un solemne cascarrabias, que vivía un tanto solitario en un pantano que de pronto encuentra invadido de personajes de cuentos de hadas y que ha de "sufrir" en sus aventuras la compañía de un burro que habla. 

En principio su nombre nos recuerda de inmediato al actor que dio vida a Nosferatu, el misterioso Max Schreck, pero la cosa parece que no va más allá de la mera coincidencia. Pero si que hay alguien con quien el ogro de color verde guarda un gran parecido, quien sabe si casual o no, Dreamworks sabrá, y es con Maurice Tillet, un luchador francés nacido en los Urales rusos  conocido como "El ángel francés" pero también como "El monstruoso ogro del cuadrilatero", un verdadero as de la lucha libre que llegó a ser campeón mundial de los pesos pesados y que gustaba terminar sus combates con el famoso "abrazo del oso".  En la película, tal y como vemos en el vídeo que dejamos al final de la entrada podemos ver a Shrek en un cuadrilatero haciendo lucha libre de forma muy parecida a como se movía Maurice Tillet.

Su apariencia le puede hacer parecer un ser embrutecido, pero la realidad era muy distinta. El bueno de Tillet hablaba catorce idiomas y hacía sus pinitos como poeta y como actor. Su vida había sido más o menos normal hasta los 20 años, edad a la que se le diagnosticó acromegalia, una enfermedad que provoca un crecimiento anormal de los huesos de la cabeza y que le deformó el cuerpo, sufriendo el rechazo de muchos por su aspecto , lo que le empujo a marchar a Estados Unidos, encontrando en la lucha libre un refugio en el que sus deformaciones resultaban una ventaja por el temor que inspiraban en sus adversarios. En el cuadrilatero se convirtió en una verdadera estrella, su sensacional éxito hizo que incluso surgieran imitadores, pero su vida social no era nada fácil, de hecho vivía casi en reclusión y si visitaba a algún amigo era para jugar al ajedrez durante largas horas. El bueno de Maurice Tillet murió en 1954, a la edad de 50 años por complicaciones cardíacas. Aunque no he logrado encontrar el dato de si llegó a casarse espero que encontrara a su Fiona y fuera al menos "una pizca" feliz.



Shrek en el cuadrilatero y avanzando el vídeo se puede ver a Maurice Tillet luchando:


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sábado, 21 de julio de 2018

¿Cuántos guerreros iban dentro del Caballo de Troya?



Ayer me tocó volver a ver a Brad Pitt luciendo musculitos y cabellera dorada como Aquiles en "Troya" (2004 - Wolfgang Petersen), y no solo para contentar a mis hijos, lo cierto es que es una película que aborda muy decentemente el épico relato de Homero y que no me desagrada. El caso es que siempre que he visto la película he pensado en cuántos serían en realidad los guerreros que entraron dentro del dichoso caballo de madera con el que los griegos engañaron a los troyanos para entrar en la ciudad y vencerlos. Espoleado por la curiosidad, me pongo a investigar un poco y pronto te das cuenta que no has sido ni de lejos el único que se ha hecho la misma pregunta y que la respuesta no es nada fácil.

El caballo, construido con madera por Apeo, el mejor carpintero de los que se encontraba junto al ejercito griego, parece que medía 11 metros de altura (el empleado en la película de Petersen, también de madera, medía 11'5 metros y pesaba 11 toneladas). En realidad, el caballo no debía de albergar muchos guerreros, los suficientes para abrir desde dentro las puertas de la ciudad de Troya, pero el número de integrantes de este "comando de fuerzas especiales" de la antigüedad es fuente de mucha controversia.

En algunas fuentes se afirma que "La Odisea" de Homero cifra en cien los guerreros que iban en el caballo (pasaje que no logro encontrar). En "La Eneida de Virgilio, el relato más amplio sobre el suceso, se citan expresamente a nueve guerreros aparte de Sinón que les facilita la salida del caballo. Para Apolodoro la cantidad llegaba hasta los cincuenta, Quinto de Smirna da los nombres de treinta de sus integrantes y para Tzetzes eran veintitrés. La lista con los potenciales ocupantes del caballo, según las distintas fuentes asciende a cuarenta, que no citaremos para no recordar aquella listita de los reyes godos, pero entre los cuales por supuesto se encontraba Ulises

Lo que no queda tan claro es que en el grupo estuviera Aquiles, por mucho que en la película le reserven una plaza en el caballo en zona VIP; de hecho parece más probable que entrara en la ciudad una vez abiertas las puertas para acudir a una cita que tenía con Paris, aunque hay quien mantiene que no participó en la batalla final y que murió con anterioridad.

Virgilio, en su Eneida, narraba así la salida de los guerreros del caballo:
"... a favor del silencio y de la protectora luz de la luna, y apenas la real encendió una hoguera en su popa para dar la señal, cuando Sinón, defendido por los hados de los dioses, crueles para nosotros, abre furtivamente a los Griegos encerrados en el vientre del coloso su prisión de madera; devuélvelos al aire libre el ya abierto caballo, y alegres salen del hueco roble, descolgándose por una maroma, los caudillos Tesandro y Stenelo y el cruel Ulises, Acamante, Toas y Neptolemo, nieto de Peleo, y Macaón el primero, y Menelao, y el mismo Epeos, artífice de aquella traidora máquina. Invaden la ciudad, sepultada en el sueño y el vino, matan a los centinelas, abren las puertas, dan entrada a todos sus compañeros, y se unen a las huestes que los esperan para dar el golpe."

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jueves, 31 de mayo de 2018

La campana de Kiri Te Kanawa




Entre las grandes voces de las últimas décadas ha sobresalido con una luz muy especial Dame Kiri Te Kanawa, una maravillosa soprano lírica que siempre ha sido muy cuidadosa a la hora de elegir las operas que iba a cantar, buscando siempre roles que su voz pudiera asumir con garantías y así porder dar lo mejor de si. Tan cuidadosa y exigente ha sido con su voz que hace unos meses, despues de décadas en primera linea (desde 1971) anunció su retirada manifestando: "No quiero escuchar mi voz. Es el pasado. Cuando enseño a jóvenes cantantes y oigo sus voces frescas y preciosas, no quiero poner la mía cerca". Kiri Te Kanawa, que se llamaba en realidad Claire Mary Teresa Rawstron, tiene en su ser una curiosa mezcla de culturas, y a pesar de no haber conocido a sus padres biológicos y haber sido criada por una familia maorí, por sus venas corre sangre irlandesa, neozelandes y por supuesto también maorí. Curiosamente su padre adoptivo le puso el apodo de Kiri, que en maorí significa "campana" (también "piel") -Kanawa es un apellido- y no cabe duda de que su voz fue uno de los más bellos tañidos que pudo escucharse durante años en los teatros de todo el mundo; resultando memorables sus interpretaciones de heroínas como la Arabella de Strauss, la Doña Elvira o la Condesa Almaviva de Mozart (ahora mismo estoy escuchandola en el "Exultate Jubilate" de Mozart y es una verdadera maravilla) sin olvidar por supuesto su Violetta de Verdi o la Tosca de Puccini. 

Entre el gran público logró gran notoriedad después de cantar en la boda de Lady Diana con el Principe Carlos la maravillosa pieza de Haendel "Let the bright seraphim", una pieza que apartó de su repertorio trás la muerte de la Princesa en muestra de duelo; al respecto decía: "Su fallecimiento y todo lo que le rodeó fue tan terrible que no he querido oírla otra vez". En algunos conciertos  Kiri Te Kanawa lograba reunir más público que los mismisimos Rolling Stones y en 1990, en un concierto al aire libre que dio en la ciudad de Auckland llegó a reunir a nada menos que 140.000 personas.

Vocalise op. 34 nº 14 de Sergei Rachmaninov:



Y no me resito a dejar uno de los fragmentos del "Exultate Jubilate" K 165 de Mozart: el  "Alleluia"



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miércoles, 2 de mayo de 2018

Ivie Anderson, la duquesa del jazz



Entre las cantantes de jazz que no forman parte de la primerísima línea de figuras archiconocidas ocupa un lugar muy destacado Ivie Anderson, una cantante sensible, llena de musicalidad y swing que dio lo mejor de sí misma en la esplendorosa orquesta de Duke Ellington. Duke, con el que Ivie aparece arriba, siempre pudo presumir de un maravilloso talento e intuición para descubrir músicos talentosos que hicieran de su orquesta una de las más poderosas y afinadas maquinas de hacer jazz que se hayan formado jamás, pero esa singular habilidad le fallaba notablemente a la hora de buscar una vocalista que estuviera a la altura de sus compañeros. Sin duda Ivie Anderson fue la excepción a esta regla, y acompañó exitosamente a la mejor banda de la historia entre 1931 y 1942. Suyas son las interpretaciones míticas de "I got it bad" o "It don't mean a thing", dos de los grandes temas que cualquier aficionado al jazz sabe que para disfrutarlos verdaderamente debe buscarlos en la voz de Ivie. Duke era totalmente consciente de la calidad de Ivie y no dudo en calificarla como la mejor vocalista que jamás tuvo.

La cantante que nació en el estado de California en 1904, recibió su primera educación musical en un convento, entre los nueve y los trece años de edad. Su primer contrato profesional lo firmo en Los Ángeles antes de enrolarse con una serie de compañías de music hall y viajar a Nueva York, para cantar en el "Cotton Club". Hizo algunas giras como bailarina-cantante, luego, solo como cantante en una etapa en la trabajo con diversas big bands y trabajo con Earl Hines antes de unirse a la formación de Duke Ellington. Tras los doce años en los que acompaño a Duke y aquejada de problemas respiratorios abrió un restaurante en Los Ángeles, aunque durante un tiempo siguió cantando regularmente en la Costa Oeste hasta que sus ataques de asma restringieron sus actuaciones totalmente. Falleció en 1949.

Ivie hizo muy pocas grabaciones con su propio nombre aunque hay alguna notable por ahí como el disco grabado en 1946 "Ivie Anderson & her All Stars" en el que era acompañada por músicos de primera clase como Charlie Mingus, Lucky Thompson o Willie Smith. Aun así posiblemente su mejor disco sea el titulado simplemente: "Ivie Anderson" en el que se recogen algunas canciones memorables del repertorio de Duke Ellington. Como curiosidad diremos que es la cantante que aparece en la película de los Hermanos Marx titulada "Un día en las carreras"

"I got it bad"




Y la maravillosa "It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing)", algo asi como: "No significa nada, si no tiene swing" , y no cabe duda que ella sabía dárselo:



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martes, 1 de mayo de 2018

"Moby Dick" (Fragmentos) - Herman Melville



"Llamadme Ismael. Hace unos años -no importa cuánto hace exactamente-, teniendo poco o ningún dinero en el bolsillo, y nada en particular que me interesara en tierra, pensé que me iría a navegar un poco por ahí, para ver la parte acuática del mundo. Es un modo que tengo de echar fuera la melancolía y arreglar la circulación. Cada vez que me sorprendo poniendo una boca triste; cada vez que en mi alma hay un nuevo noviembre húmedo y lloviznoso; cada vez que me encuentro parándome sin querer ante las tiendas de ataúdes; y, especialmente, cada vez que la hipocondría me domina de tal modo que hace falta un recio principio moral para impedirme salir a la calle con toda deliberación a derribar metódicamente el sombrero a los transeúntes, entonces, entiendo que es más que hora de hacerme a la mar tan pronto como pueda. Es mi sustituto de la pistola y la bala. Catón se arroja sobre su espada, haciendo aspavientos filosóficos; yo me embarco pacíficamente. No hay en ello nada sorprendente. Si bien lo miran, no hay nadie que no experimente, en alguna ocasión u otra, y en más o menos grado, sentimientos análogos a los míos respecto del océano. "

“Me parece que lo que llaman mi sombra aquí en la tierra es mi verdadera sustancia. Yo pienso que, al observar las cosas de manera espiritual, nos parecemos mucho a las ostras mirando el sol desde el mar y creyendo que la densa agua es la más fina de las atmósferas. Yo creo que mi cuerpo no es nada más que la escoria de mi mejor ser. De hecho, que se lleven mi cuerpo, quienquiera que vaya a hacerlo, digo, ése no soy yo.”

“Hay ciertos raros momentos y ocasiones en los que este extraño y enrevesado asunto al que llamamos vida, en el que un hombre toma todo de este universo como una broma pesada, y aunque sólo llega a discernir su gracia vagamente, tiene más que sospechas de que la broma no es a expensas de nadie, sino de él mismo. De cualquier manera, nada descorazona y nada parece cuestionable. Él engulle todos los acontecimientos, todos los credos, todas las convicciones, todas las cosas duras, visibles e invisibles, sin importarle nunca lo nudosas que sean; como un avestruz de poderosa digestión que engulle las balas y pedernales.”

"¿Qué son los derechos humanos y las libertades del mundo sino peces sueltos? ¿Qué son las ideas y opiniones de los hombres sino peces sueltos? ¿Qué es el principio de la creencia religiosa sino un pez suelto? ¿Qué son los pensamientos de los pensadores para los literatos palabreros, contrabandistas y ostentosos? ¿Qué es el mismo gran globo sino un pez suelto? ¿Qué eres tú, lector, sino un pez suelto y también un pez sujeto?"

“¿Qué es, qué cosa innombrable, inescrutable y sobrenatural, qué engañoso y escondido amo y señor, emperador cruel e inexorable me gobierna, que contra todos los naturales amores y nostalgias me mantiene empujándome, concentrándome y agolpándome todo el tiempo, haciéndome estar preparado temerariamente para hacer lo que mi propio corazón, verdadero y natural, ni siquiera me atrevería? ¿Soy yo, Dios, o quién es el que levanta el brazo este brazo? Pero si el gran sol no se mueve por sí mismo, sino que es como un chico errante en el cielo; y si ni una sola estrella puede moverse, si no es por algún poder invisible, ¿cómo entonces late este pequeño corazón y este único y pequeño cerebro tiene pensamientos, si no es Dios quien lo hace latir, lo hace pensar y vivir, no yo?”


"Pasead en torno a la ciudad en las primeras horas de una soñadora tarde de día sabático. Id desde Corlears Hook a Coenties Slip, y desde allí, hacia el norte, por Whitehall. ¿Qué veis? Apostados como silenciosos centinelas alrededor de toda la ciudad, hay millares y millares de seres mortales absortos en ensueños oceánicos. Unos apoyados contra las empalizadas; otros sentados en las cabezas de los atracaderos; otros mirando por encima de las amuradas de barcos arribados de la China; algunos, en lo alto de los aparejos, como esforzándose por obtener una visión aún mejor hacia la mar. Pero ésos son todos ellos hombres de tierra; los días de entre semana, encerrados entre tablas y yeso, atados a los mostradores, clavados a los bancos, sujetos a los escritorios. Entonces ¿cómo es eso? ¿Dónde están los campos verdes? ¿Qué hacen éstos aquí?

"Pero ¡mirad! Ahí vienen más multitudes, andando derechas al agua, y al parecer dispuestas a zambullirse. ¡Qué extraño! Nada les satisface sino el límite más extremo de la tierra firme; no les basta vagabundear al umbroso socaire de aquellos tinglados. No. Deben acercarse al agua tanto como les sea posible sin caerse dentro. Y ahí se quedan: millas seguidas de ellos, leguas. De tierra adentro todos, llegan de avenidas y callejas, de calles y paseos; del norte, este, sur y oeste. Pero ahí se unen todos. Decidme, ¿les atrae hacia aquí el poder magnético de las agujas de las brújulas de todos estos barcos?"

"¡Ah, vosotros, cuyos muertos yacen sepultados bajo la verde hierba; que, en medio de las flores podéis decir: aquí, aquí yace mi ser amado; vosotros no conocéis la desolación que se cobija en pechos como éstos! ¡Qué amargos vacíos en esos mármoles bordeados de negro que no cubren cenizas! ¡Qué mortales huecos y qué infidelidades forzosas en las líneas que parecen roer toda fe, rehusando resurrecciones a los seres que han perecido sin sitio y sin tumba! Estas lápidas podrían estar lo mismo en la cueva del Elephanta que aquí."

Selección de fragmentos realizada por Celia Valdelomar

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domingo, 22 de abril de 2018

Los hombres de Maria Callas



Ciertamente curiosa la foto con la que acompañamos este entrada, y en la que podemos ver a la maravillosa Maria Callas en una pose casi de pin-up junto a su marido Giovanni Meneghini en una playa de Venecia.

Parece que María Callas nunca había estado realmente enamorada de Meneghini, un industrial de la construcción treinta años mayor que ella  y su matrimonio, para algunos, podría ser calificado como de conveniencia. A pesar de eso debe decirse que Menenghini se comportó con la diva casi como un pigmalión, la ayudó para que pudiera tomar sus últimas clases de canto y se convirtió en un eficaz representante durante gran parte de su exitosa carrera. Giovanni Meneghini, junto a Tullio Serafín guiaron con acierto la carrera de la diva, de su mano hizo su debut en La Scala de Milan en 1950 con la representación de Aida, o su primera aparición en Nueva York en 1956 representando la ópera "Norma" de Bellini. Tras diez años de matrimonio, María Callas abandonó a Meneghini para unirse a Aristoteles Onasis, ese ricachoncete que tanto abusaría de ella y que para colmo la alejaría de los teatros y de su carrera. Menenghini nunca la olvidó y siempre la defendió a capa y espada, hasta quiso que a la muerte de María Callas sus cenizas quedaran en la residencia en la que habían vivido juntos, pero por expreso deseo de la familia estas fueron esparcidas en el Mar Egeo.  No podemos olvidar que tras dejar a Menenghini ella también sería abandonada por Onassis, que encontraría un nuevo amor en los brazos de Jackie Kennedy, la viuda de América

Ya sabéis que el amor es un pajarillo rebelde... y si no que os lo cante ella:



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jueves, 19 de abril de 2018

El beso de la vida




La imagen le valió un Pulitzer de fotografía en 1968  a Rocco Morabito, que captó el dramático momento cuando volvía de cubrir una huelga de ferrocarril el 17 de julio de 1967. Un aprendiz de instalador de lineas eléctricas había entrado en contacto con un cable de alta tensión recibiendo una descarga que le hace perder el conocimiento y quedar colgado, a 12 metros del suelo, tan solo de su arnés de seguridad. Su compañero, aun colgados ambos del poste, logró reanimarlo de la forma que vemos en la fotografía. A este héroe, llamado J.D. Thompson, más allá de la admiración y reconocimiento general, no sabemos que premio le dieron.  La fotografía fue titulada "El beso de la vida" por el editor del Jacksonville Journal, periódico para el que trabajaba Morabito, y se publicó en la prensa de todo el mundo. El premiado fotógrafo caminaba hacia su coche cuando oyó un fuerte sonido que lo alertó y al ver lo ocurrido tuvo la presencia de animo de saber que debía hacer primero y utilizó su radio para indicar al periódico para el que trabajaba, que llamaran a una ambulancia y después coger su cámara para realizar la fotografía. Fue entonces, con la foto hecha, cuando intuyó que tenía algo bueno y volvió a llamar al periódico, que estaba a punto de cerrar la edición, para decirles: "Es posible que deseen esperar a esto. Creo que tengo una (fotografía) muy buena"

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miércoles, 18 de abril de 2018

La vejez y los hijos: Los "fakes" de Saramago



"Frecuentemente me preguntan que cuántos años tengo… ¡Qué importa eso!. Tengo la edad que quiero y siento. La edad en que puedo gritar sin miedo lo que pienso. Hacer lo que deseo, sin miedo al fracaso, o lo desconocido. Tengo la experiencia de los años vividos y la fuerza de la convicción de mis deseos. ¡Qué importa cuántos años tengo!. No quiero pensar en ello. Unos dicen que ya soy viejo y otros que estoy en el apogeo. Pero no es la edad que tengo, ni lo que la gente dice, sino lo que mi corazón siente y mi cerebro dicte. Tengo los años necesarios para gritar lo que pienso, para hacer lo que quiero, para reconocer yerros viejos, rectificar caminos y atesorar éxitos. Ahora no tienen por qué decir: Eres muy joven, no lo lograrás. Tengo la edad en que las cosas se miran con más calma, pero con el interés de seguir creciendo. Tengo los años en que los sueños se empiezan a acariciar con los dedos, y las ilusiones se convierten en esperanza. Tengo los años en que el amor, a veces es una loca llamarada, ansiosa de consumirse en el fuego de una pasión deseada. Y otras en un remanso de paz, como el atardecer en la playa. ¿Qué cuántos años tengo? No necesito con un número marcar, pues mis anhelos alcanzados, mis triunfos obtenidos, las lágrimas que por el camino derramé al ver mis ilusiones rotas… valen mucho más que eso. ¡Qué importa si cumplo veinte, cuarenta, o sesenta!. Lo que importa es la edad que siento. Tengo los años que necesito para vivir libre y sin miedos. Para seguir sin temor por el sendero, pues llevo conmigo la experiencia adquirida y la fuerza de mis anhelos. ¿Qué cuantos años tengo? ¡Eso a quién le importa!. Tengo los años necesarios para perder el miedo y hacer lo que quiero y siento"

Este texto viene siendo atribuido erróneamente en la red al premio Nobel de literatura, José Saramago. Es este un escritor que desde su muerte en 2010 ha sido objeto de la adjudicación de obras que realmente no salieron de su pluma, como este otro: "Definición de hijo" ya desmentido hasta la saciedad por la Fundación Saramago:

"Hijo es un ser que Dios nos prestó para hacer un curso intensivo de cómo amar a alguien más que a nosotros mismos, de cómo cambiar nuestros peores defectos para darles los mejores ejemplos y de nosotros aprender a tener coraje. Sí, Eso es! Ser madre o padre es el mayor acto de coraje que alguien pueda tener, porque es exponerse a todo tipo de dolor, principalmente de la incertidumbre de estar actuando correctamente y del miedo a perder algo tan amado. Perder? cómo? No es nuestro? Fue apenas un préstamo… el más preciado y maravilloso préstamo, ya que son nuestros sólo mientras no pueden valerse por sí mismos, luego le pertenecen a la vida, al destino y a sus propias familias. Dios bendiga siempre a nuestros hijos, pues a nosotros ya nos bendijo con ellos".

Los textos están sin duda bien, pero no son de Saramago. Esa es la verdad.

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