Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 16 de noviembre de 2012

Pablo Picasso y el Minotauro




Ningún artista plástico ha convertido en símbolo tan recurrente la imagen del minotauro como el pintor malagüeño Pablo Picasso. Este animal híbrido aparece en muchos de sus trabajos, especialmente en los que corresponden a la década del `30. En algunos es retratado como un ser perverso, que viola y mata, pero en otros cuadros se lo muestra más como un amante que como un monstruo, en una relación consensuada con una mujer. Algunos críticos sugieren que Picasso utiliza al minotauro para plasmar la fuerza incontenible de sus impulsos sexuales. De esta manera, el minotauro se convertiría en una especie de “alter ego” del artista, por medio del cual éste retrata los avatares de su vida íntima.



Cabe destacar que la identificación del pintor con figuras de sus lienzos es común: en su “época rosa” proyectaba sus experiencias en el personaje del “arlequín”, mientras que en los años `50 se identifica con el protagonista de la serie de El pintor y la modelo. Según Paloma Esteban leal, la bestia cretense bicorne está cargada de una simbología evidente, que es inseparable de los otros motivos taurinos picasianos, el mundo español y la religión minoica.  Como precedente es necesario mencionar el culto persa de la deidad Mitra; se han conservado motivos iconográficos que la muestran sacrificando a un toro.

El semi-toro, como personaje, aparece por primera vez en el lienzo de Picasso hacia el año 1933, mostrando su sexo desinhibidamente y un cuchillo. Siempre se lo retrata con un carácter hedonista, obsceno, soberbio, orgiástico.  En los grabados donde se lo representa como un animal ciego, se combina la mitología minoica con el mito griego, en especial la historia de Antígona, hija de Edipo. Los críticos la han interpretado como una “ficcionalización plástica” de Marie-Thérèse, la mujer con quien Pablo Picasso engañó a su esposa Olga Koklova.


Cuando la historia se encamina a la eclosión de la Guerra Civil española, hacia 1936, el minotauro es paradójicamente dotado de colores, cromatismos, dinamismo... Se lo retrata con diferentes materiales: gouache, lápiz, óleo, tinta china, entre otros. Entonces hace su aparición la figura repetitiva del caballo, y Dora Maar es la dama que reemplaza a Marie-Thérèse en la representación del minotauro como símbolo de pasiones incontenibles e irracionales. Nuevamente, obra y biografía parecen ir de la mano.

Mención aparte merece el minotauro dolorido retratado en el mural Guernica, cargado de simbología ideológica y de denuncia social.




William Holden




«Supongo que soy la clase de persona con la que cualquier otro hombre de a pie puede identificarse. Se preguntan, 'si Holden lo hace, yo también puedo hacerlo: estrangular al villano, conseguir a la chica, cualquier cosa'»

WILLIAM HOLDEN (17 de abril de 1918 - 16 de noviembre de 1981)




William Holden (de nombre real William Franklin Beedle Jr.) fue una de las más rutilantes estrellas masculinas del cine de Hollywood de los años 40, 50 y 60.

Nació en el seno de una acaudalada familia dedicada a la industria química el 17 de abril de 1918 en la localidad de O'Fallon, estado norteamericano de Illinois.

En su infancia se trasladó con sus padres a California, concretamente a la ciudad de Pasadena, en donde comenzó estudios universitarios de Química.

Al poco tiempo de iniciar la carrera se interesó vivamente por las actuaciones teatrales desarrolladas en la universidad y tras participar en una de ellas fue tentado por un ojeador de la Paramount para que se incorporase a su estudio en 1937.

William Holden no se lo pensó demasiado. Abandonó los estudios y se desplazó a Hollywood, trabajando en sus inicios para la Paramount y la Columbia.

Después de debutar en "Prison Farm" (1938), un film de Louis King, Holden se convirtió en estrella con su primer papel protagonista en la película dirigida por Rouben Mamoulian "Sueño dorado" (1939).

Durante la etapa entre "Sueño dorado" y su incorporación al ejército estadounidense en la Segunda Guerra Mundial, William destacó en títulos como "Arizona" (1940) de Wesley Ruggles, "Sinfonía de la vida" (1940) de Sam Wood, y "Texas" (1941), un film dirigido por George Marshall. En "Juventud Ambiciosa" (1943), comedia dramática con un grupo de jóvenes viviendo juntos en Nueva York con la esperanza de convertirse en actores, compartió créditos con Susan Hayward.
  

La entrada de los Estados Unidos en el conflicto bélico supuso la ausencia de Holden de las pantallas cinematográficas durante un largo periodo de cuatro años. Cuando regresó retomó su carrera y conoció los mejores momentos de su trayectoria como intérprete.

En cuanto a su vida amorosa, William se casó en 1941 con la actriz Brenda Marshall, vista en películas como "El halcón del mar" (1941) junto a Errol Flynn, o "La ninfa constante" (1943), título dirigido por Edmund Goulding.

Después de concluir los años 40 con películas como "Cerco de odio" (1948) de Robert Siodmak, "Apartamento para Peggy" (1948) de George Seaton, "El hombre del Colorado" (1948) de Henry Levin, o "Vuelve a amanecer" (1948) de Norman Foster, Holden protagonizó "El crepúsculo de los dioses" (1950) de Billy Wilder, y "Nacida ayer" (1950) de George Cukor, películas que elevaron su cotización como actor, ya que generalmente y con anterioridad se le había catalogado como el usual chico guapo de escaso talento interpretativo.

Por su actuación en "El crepúsculo de los dioses" fue nominado al Oscar, un premio que terminó consiguiendo José Ferrer por su interpretación en la película "Cyrano de Bergerac".

En los años 50 y 60 Holden alcanzó sus mayores logros gracias a su participación en películas tan importantes como "Traidor en el infierno" (1953) y "Sabrina" (1954), ambas dirigidas por Billy Wilder, "Fort Bravo" (1953) de John Sturges, "Los puentes de Toko Ri" (1954) de Mark Robson, "La angustia de vivir" (1954) de George Seaton, "La torre de los ambiciosos" (1954) de Robert Wise, "Picnic" (1955) de Joshua Logan, "La colina del adiós" (1955) de Henry King, "El puente sobre el río Kwai" (1957) de David Lean, "Misión de audaces" (1959) de John Ford, "Espía por mandato" (1962) de George Seaton o "Grupo salvaje" (1969), western dirigido por Sam Peckinpah.

El Oscar que no pudo lograr por "El crepúsculo de los dioses" lo obtuvo en 1953 por su actuación en "Traidor en el infierno".

Los otros candidatos a la estatuilla eran Montgomery Clift por "De aquí a la eternidad", Marlon Brando por "Julio César", Richard Burton por "La túnica sagrada" y Burt Lancaster por "De aquí a la eternidad".

Después de treinta años de matrimonio, William Holden, que mantuvo sonados romances con Grace Kelly y Capucine, se divorció de Brenda e inició una convivencia sentimental con la actriz Stefanie Powers, conocida por la serie televisiva "Hart to hart", con quien compartía el gusto por la naturaleza y los animales.

Este afecto animal le llevó a crear una reserva en Kenia, lugar en donde Holden pasó buena parte de su tiempo a partir de los años 60. También trasladó su residencia, por motivos de impuestos, a Suiza.

Durante los años 70 apareció en la pantalla en varias producciones, algunas muy interesantes como "Dos hombres contra el oeste" (1971) de Blake Edwards, "Network, un mundo implacable" (1973) o "Fedora" (1978), su reencuentro con Billy Wilder tras veinticuatro años sin colaborar juntos.

Su última película fue "S.O.B., sois honrados bandidos" (1981), una comedia realizada por su amigo Blake Edwards.

"Netword, un mundo implacable" le valió su tercera nominación al Oscar. Su triunfo de "Traidor en el infierno" no se repitió, pues el ganador de la estatuilla en esta ocasión fue su compañero de reparto Peter Finch, quien había fallecido unos meses antes de la ceremonia de entrega.

William Holden murió a la edad de 63 años el 16 de noviembre de 1981 a causa de problemas de salud derivados de un accidente doméstico. (Fuente:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article327.html )





Sunset Boulevard, o Sunset Blvd.,es una película estadounidense de cine negro estrenada en 1950 y dirigida por Billy Wilder, quien fue también coautor del guion. Su título original proviene de la célebre avenida que atraviesa Los Ángeles y Beverly Hills. En castellano se estrenó con distintos nombres dependiendo de los países: como EL CREPUSCULO DE LOS DIOSES (España), El ocaso de una vida (Argentina y México), o El ocaso de una estrella (Argentina).
La película narra la historia de una antigua estrella del cine mudo, Norma Desmond (interpretada por Gloria Swanson), quien, incapaz de aceptar que sus días de gloria pasaron, sueña con un retorno triunfante a la gran pantalla, para el cual espera contar con la ayuda de Joe Gillis (William Holden), un guionista al que convierte en su amante. Otros intérpretes destacados son Erich von Stroheim, como el mayordomo de la estrella, y Nancy Olson. Varias figuras destacadas de Hollywood hacen cameos en la película: el director Cecil B. DeMille, la famosa columnista de cotilleos Hedda Hopper y tres celebridades del cine mudo, Buster Keaton, H. B. Warner y Anna Q. Nilsson.

En el momento de su estreno, Sunset Boulevard recibió grandes elogios de la crítica. Fue nominada a once Premios Óscar, aunque ganó solamente tres. Hoy día es considerada un clásico, y a menudo se la cita como una de las obras más relevantes del cine estadounidense. En 1989 fue incluida en la primera selección de filmes estadounidenses considerados dignos de ser preservados por el National Film Registry. En la lista del American Film Institute de las 100 mejores películas del cine de los Estados Unidos, hecha pública en 1998, figuraba en el duodécimo puesto, aunque en una edición más reciente de dicha lista, de 2007, ha descendido al decimosexto.

Virginia Woolf.- A las mujeres




“Debería imploraros que recordéis vuestras responsabilidades, la responsabilidad de ser más elevadas, más espirituales; debería recordaros que muchas cosas dependen de vosotras y la influencia que podéis ejercer sobre el porvenir. (...) Sólo se me ocurre decir, breve y prosaicamente, que es mucho más importante ser uno mismo que cualquier otra cosa. No soñéis con influenciar a otra gente, os diría si supiera hacerlo vibrar con exaltación:  Pensad en las cosas en sí” .

“Porque yo creo que si vivimos aproximadamente otro siglo –me refiero a la vida común, que es la vida verdadera, no a las pequeñas vidas separadas que vivimos como individuos- y si cada una de nosotras tiene quinientas libras al año y una habitación propia; si nos hemos acostumbrado a la libertad y tenemos el valor de escribir exactamente lo que pensamos; si nos evadimos un poco de la sala de estar común y vemos a los seres humanos no siempre desde el punto de vista de su relación entre ellos, sino de su relación con la realidad; si además vemos el cielo, y los árboles, o lo que sea, en si mismos; si tratamos de ver más allá (...), porque ningún humano debería limitar su visión; si nos enfrentamos con el hecho, porque es un hecho, de que no tenemos ningún brazo al que aferrarnos, sino que estamos solas, y de que estamos relacionadas con el mundo de la realidad y no sólo con el mundo de los hombres y las mujeres, entonces, llegará la oportunidad (...). Extrayendo su vida de las vidas de las desconocidas que fueron sus antepasadas, (...), nacerá. (...) yo sostengo que vendrá si trabajamos por ella, y que hacer este trabajo, aun en la pobreza y la oscuridad, merece la pena”

Imagen.- Vladimir Bazan

La Biblioteca Central de la UNAM (México)




La Biblioteca Central de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM) es el principal recinto bibliográfico de dicha universidad. Es una biblioteca general que cuenta con acervos multidisciplinarios abiertos para toda la comunidad universitaria, en igualdad de circunstancias. Está ubicada en la ciudad de México, en Ciudad Universitaria de la UNAM (CU). Poseé uno de los acervos bibliográficos más grandes en México. El exterior está decorado con el mural Representación histórica de la cultura, que realizó el artista mexicano Juan O'Gorman. En 2007 la UNESCO la declaró Patrimonio cultural de la Humanidad, junto con otros edificios de Ciudad Universitaria.
Dentro de Ciudad Universitaria, la Biblioteca Central ocupa un lugar preponderante, además de que corona la obra arquitectónica de todo el campus sin perder la escala humana. Se ha convertido en el emblema visual de la UNAM y de la cultura en México. Es uno de los elemento urbanos más fotografiados de CU  y de la ciudad de México.

Las cuatro fachadas del bloque superior de la biblioteca conforman una sola obra artística de 4 000 metros cuadrados: el mural “Representación Histórica de la Cultura” que diseño y realizó el artista mexicano Juan O’Gorman.

Carlos Lazo, el responsable del proyecto de la Ciudad Universitaria, sugirió a O'Gorman la realización de los murales que adornan las cuatro fachadas. Lazo estaba muy interesado en la propuesta de O’Gorman de hacer un mural conformado exclusivamente por piedras de colores, algo nunca antes realizado a tal escala. La idea original provino de un trabajo en que participaron Diego Rivera y Juan O’Gorman para la construcción del museo Anahuacalli, donde Rivera almacenaría su colección prehispánica. La técnica de mosaico con piedras garantizaría la permanencia de los colores ante las inclemencias de la intemperie. Los bocetos del proyecto completo fueron elaborados por O’Gorman en poco tiempo. De la idea original, sólo se modificaron pequeñas variaciones en el proyecto final, como la elección del material para el color azul: ya que ningún tono en las piedras le satisfacía al creador del mural, decidió emplear vidrio coloreado

Todo el mural está armado como un códice: los símbolos y las figuras son las que hablan. Para Juan O’Gorman, quien era un profundo y entusiasta conocedor de la historia mexicana, era importante plantear las representaciones visuales artísticas a modo de oposición, en dualidades, como un juego de fuerzas que conforman el espíritu y la historia del pueblo de México. El sol y la luna son siempre los dos polos, y al cobijo de éstos se desarrollan las ideas, la historia y los personajes que luchan por su verdad. El sustento visual e ideológico de todo el mural fue la cultura prehispánica, pues O’Gorman sentía admiración por ella.
Este mural, a diferencia de otros suyos de carácter didáctico, busca el intercambio de ideas, y hasta la polémica, con la comunidad universitaria.

Muro norte: pasado prehispánico


Esta parte del mural corresponde a la época prehispánica y a la cultura mexica. Aquí se pone en juego la dualidad de la vida y la muerte. Del lado izquierdo del eje central y separadas en tres planos, aparecen deidades y escenas asociadas al principio creador de la vida: en la esquina superior, el sol, enmarcado por el mítico Quetzalcóatl en forma de serpiente; abajo emerge la figura de Tláloc y Huitzilopochtli. En la sección central esta Tlazoltéotl, diosa de la tierra, circundada por el águila, atributo solar, y por el jaguar, símbolo de la noche, y por otros elementos relacionados con la fertilidad. En la base derecha está la representación de una ceremonia donde se habla del sentido ritual y sagrado de la guerra, siempre asociada con el sol, al día. En opinión de O'Gorman, el imperio mexica se erigió, en gran medida, por su carácter guerrero.
El lado derecho del mural representa la antítesis de la vida: el mundo del misterio, de lo oscuro, del mal y de la muerte. En la esquina superior está el conejo de la luna. Debajo aparece la serpiente de Quetzalcóatl, dibujada a base de chalchihuites y caracoles; después está Chalchiuhtlicue, diosa del agua y pareja de Tláloc; frente a ella, la hoguera donde se consume su hijo sacrificado que dará vida a la luna. A la izquierda de esta escena está representado Tezcatlipoca, el sol que se oculta, quien anuncia la oscuridad y es creador y señor de los hechiceros; está acompañado de una calavera. En la sección central domina la representación dual de Mictlantecuhtli-Quetzalcóatl. En el área inferior encontramos imágenes de guerreros con prisioneros de guerra, que complementan el pasaje relativo al sacrificio humano.
El eje central de la composición es la unión de la dualidad vida-muerte; arriba se expone a sol como Tonatiuh, fuente primigenia del ciclo vital, cuya permanencia se garantiza con los sacrificios de hombres y dioses. Al centro encontramos a Tláloc: un poco oculto, con un cuerpo formado por los canales de agua de la antigua ciudad México-Tenochtitlan. También se pueden observar veinte grifos relacionados con el tonalpohualli, el calendario ritual más importante de los mexicas, centro de sus fiestas y cálculos astronómicos. Esta sección culmina con la imagen del mito de la fundación de México-Tenochtitlan, el águila posada en un nopal devorando una serpiente.

Muro sur: pasado colonial


Esta zona aborda la cultura occidental y el carácter dual de la dominación española y de la época colonial: el aspecto piadoso y espiritual contra la conquista violenta por las armas.
Al centro del panel destacan dos círculos enormes que ilustran dos posturas antagonistas: a la izquierda está una figura circular donde se representa el sistema geocéntrico de Claudio Ptolomeo, en el cual el Sol gira alrededor de la Tierra; a la derecha está la figura circular que representa la concepción de Copérnico sobre el universo, donde la Tierra gira alrededor del Sol.

La parte izquierda del mural, dominada por la figura del sol, contiene la llamada “conquista espiritual”, relacionada con el principio cristiano del bien. Bajo el gran círculo izquierdo aparece la figura de Cuauhtémoc, ”águila que cae”, quien simboliza la derrota de la civilización mexica. La sección derecha del mural, dominada por la luna, representa la conquista por la espada. O´Gorman asocia la revolución astronómica de Copérnico con el principio cristiano del mal, basado en el hecho de que en esa época el saber científico se contraponía a las creencias religiosas.
En el centro del panel se halla la síntesis de las dos posturas y donde se resuelven las oposiciones de los flancos: la cultura criolla. En la porción central superior está el escudo de los Habsburgo, la principal casa real de la época colonial; hacia abajo siguen los símbolos masones como otro elemento del poder colonial; finalmente, en la base está un iglesia de tipo barroco, mestiza y mexicana.

Muro oriente: mundo contemporáneo


Aquí se repite la confrontación de elementos a ambos lados del eje central, en esta ocasión poniendo en juego la dualidad tradición-progreso, referidas a los dos aspectos del progreso social de México: la ciudad y el campo. Está representada la historia desde la Revolución Mexicana hasta la modernidad de mediados del siglo XX, representada por el átomo. Aquí está simbolizada la unión de los opuestos que construye a la nueva sociedad mexicana; así participa el fuego como energía fundamental, a lo que se suma el trabajo del hombre, la energía del conocimiento que viene por la ciencia y la tecnología; y finalmente, la fuerza del espíritu, representada por el águila ascendente.

Muro poniente: la Universidad y el México moderno


En este muro, el artista plasmó sus ideas sobre lo que deberían ser la Universidad y la cultura nacionales. buscó una síntesis definitiva de la cultura nacional. Aquí, el tema a desarrollar fueron la ciencia y la técnica, así como el papel que deben jugar los universitarios ante la sociedad mexicana. La imagen más aproximada para este propósito fue la propia actividad universitaria y, por ende, el saber en sus relaciones con la sociedad y la vida productiva. Para ello, O´Gorman dispuso en las secciones laterales motivos prehispánicos, estudiantiles y populares, sin olvidar los deportivos.
Como esta cara mira hacia la parte exterior de Ciudad Universitaria, hacia la avenida de los Insurgentes, sirve también como identificación de la Universidad y del papel que originalmente jugaría este edificio en el conjunto de inmuebles: las letras BN y HN se refieren a Biblioteca Nacional y Hemeroteca Nacional, respectivamente.

(Fuente: Wikipedia)

Clark Gable



"Querida, eres tan inmadura. Crees que al decir 'lo siento' todo el pasado puede corregirse".
CLARK GABLE  (Lo que el viento se llevó)

CLARK GABLE (1 de febrero de 1901 - 16 de noviembre de 1960)




William Clark Gable nació el 1 de febrero de 1901 en Cadiz, Ohio (Estados Unidos). Era el hijo único de Adeline Hershelman y del granjero y trabajador de una refinería de petróleo William H. Gable.

Adeline falleció cuando Clark solamente tenía siete meses de edad. Poco después su padre contrajo matrimonio con Jennie Dunlap, una mujer a la que Gable siempre adoró. Tras el enlace la familia Gable se trasladó a vivir a la localidad de Hopedale.

A Clark no le gustaba demasiado la disciplina académica, así que abandonó sus estudios cuando estaba en el instituto para intentar ganarse la vida trabajando en una fábrica de neumáticos ubicada en Akron, Ohio.

En los descansos del trabajo le gustaba pasar el tiempo contemplando obras de teatro. Tanto le agradó el mundo de las bambalinas que decidió unirse a una compañía de aficionados.

En su juventud Gable compaginó sus diversos oficios con las representaciones escénicas hasta que logró debutar en Broadway, convirtiéndose en un actor profesional gracias a la mediación de la actriz y directora de teatro Josephine Dillon, mujer mucho mayor que Gable con la que se casó en el año 1924.

Su talento natural como intérprete y las recomendaciones de Dillon le hicieron debutar a mediados de los años 20 en pequeños papeles cinematográficos, apareciendo en películas como "Forbidden Paradise" (1924) o "La Viuda Alegre" (1925), esta última dirigida por Erich Von Stroheim.

Estas primeras participaciones en la gran pantalla fueron en papeles que no lograron satisfacer su ambición como actor, provocando su regreso a las tablas de Broadway.

Un espectador de lujo quedó entusiasmado con la representación de Gable en la obra teatral "The Last Mile". Ese espectador era Lionel Barrymore, quien lo primero que hizo cuando regresó a Los Ángeles fue hablarle de Gable a Irving Thalberg, uno de los principales dirigentes de la Metro Goldwyn Mayer. La respuesta de Thalberg fue tajante tras una prueba: "¡¡Pero mira qué orejas de murciélago tiene!!"... Aún así terminó contratándole.

La década de los años 30 fue la etapa de mayor gloria cinematográfica para Clark Gable.

En el aspecto sentimental, Clark se había divorciado en 1930 de Josephine Dillon para casarse con otra mujer de más edad y también adinerada cuyo nombre era Rhea Langham.

En la Metro debutó con un personaje secundario en "El Desierto Pintado" (1931), un film dirigido por Howard Higgin. Este fue el inicio de una primera parte de decenio extraordinariamente prolífica, solamente baste decir que protagonizó once películas en el año 1931.

Sus títulos más destacados fueron "Enfermeras De Noche" (1931) de William Wellman, "Amor En Venta" (1932), película dirigida por Clarence Brown que contaba con una de sus habituales parejas femeninas, Joan Crawford, "No Man Of Her Own" (1932) de Wesley Ruggles, "Tierra De Pasión" (1932), film de Victor Fleming co-protagonizado por Jean Harlow, otra de sus partenaires más usuales, "Extraño Intervalo" (1932) de Robert Z. Leonard, "Tú Eres Mío" (1933) de Sam Wood, "Sucedió Una Noche" (1934) de Frank Capra, película con la que consiguió su definitivo asalto a estrellato y con la que ganó el premio Oscar, "El Enemigo Público Número 1" (1934), melodrama de Van Dyke con Myrna Loy y William Powell, "La Llamada De La Selva" (1935) de William Wellman, "Mares De China" (1935) de Tay Garnett, "Rebelión A Bordo" (1935), película dirigida por Frank Lloyd, "San Francisco" (1936) de Van Dyke, "Sucedió En China" (1937) de Jack Conway, y la mítica "Lo Que El Viento Se Llevó" (1939) jalonan un decenio impresionante para el intérprete de Ohio.

Tras ganar la estatuilla con "Sucedió Una Noche", Gable volvió a ser nominado al Oscar por "Rebelión A Bordo" (1935) y por "Lo Que El Viento Se Llevó" (1939).

En la película "No Man Of Her Own" (1932) Clark coincidió con una rubia actriz llamada Carole Lombard. Desde esa fecha mantuvieron flirteos hasta su vínculo marital en una boda celebrada en el año 1939 tras el divorcio de Gable con la millonaria Langham.

El feliz matrimonio acabó en tragedia ya que Carole falleció tres años después en un accidente de aviación, sumiendo a Gable en una profunda depresión que le llevó a abandonar el cine durante tres años, período en el que estuvo sirviendo en el ejército norteamericano durante la Segunda Guerra Mundial.

Gable era el actor favorito de Hitler y éste, sabiendo que Clark estaba combatiendo en el conflicto, ofreció una recompensa para el que le apresara y se lo entregasen vivo.

Por esas razones, en especial la muerte de Carole Lombard, los años 40 no fue una buena época profesional ni personal para Clark Gable, quien protagonizó pocas películas, entre ellas "Fruto Dorado" (1940), "The Hucksters" (1947) o "Quiero A Este Hombre" (1941), las tres dirigidas por Jack Conway, "Strange Cargo" (1940) de Frank Borzage, o "Sublime Decisión" (1948), un título realizado por Sam Wood.
  

Los años 50 recuperaron el atractivo comercial de Gable. Rompió el contrato con la Metro, se casó en 1949 con su cuarta mujer, Sylvia Ashley (ex esposa de Douglas Fairbanks), y se convirtió en actor freelance, apareciendo en populares films como "Mogambo" (1953) de John Ford, "No Me Abandones", película sobre la Guerra Fría con el acompañamiento de Gene Tierney, "Cita en Hong-Kong" (1955) de Edward Dmytrik, "Torpedo" de Robert Wise, o "Vidas Rebeldes" (1961), su última película a las órdenes de John Huston y con un reparto más que legendario, ya que los co-protagonistas de Gable eran Marilyn Monroe y Montgomery Clift.

Tras romper con Sylvia Ashley, Clark Gable se casó en 1955 con su última esposa, Kay Spreckles, con la que tuvo a su único hijo, John Clark Gable.

Judy Lewis, hija de Loretta Young, era hija ilegítima del actor de Ohio, quien mantuvo un tórrido romance con Loretta mientras ambos rodaron "La Llamada De La Selva" (1935). Poco antes del nacimiento de su hijo, Clark, apodado "El Rey De Hollywood", había fallecido a los 59 años el 16 de noviembre de 1960. Fue enterrado por expreso deseo al lado de su gran amor, Carole Lombard. (Fuente:www.alohacriticon.com/elcriticon/article63.html)






"It Happened One Night", conocida en castellano como Lo que sucedió aquella noche (Argentina) y SUCEDIO UNA NOCHE (España), es una película  estadounidense de 1934 con elementos de la «alocada comedia» dirigida por Frank Capra, en la que una mujer mimada de sociedad (Claudette Colbert) trata de salir de debajo del pulgar de su padre, y se enamora de un periodista pícaro (Clark Gable). La trama se basa en la historia del "Bus Nocturno" de Samuel Hopkins Adams, que proporcionó el título de disparo. Sucedió una noche fue una de las últimas películas de comedia románticas creadas antes de la MPAA la década de 1930 empezó a hacer respetar al código de producción en 1934. A pesar de su título la película tiene lugar durante varias noches, y ninguna es particularmente importante para la trama.

La película fue la primera en ganar los cinco principales premios de la Academia: (Óscar a la mejor película, Óscar al mejor director, Óscar al mejor actor, Óscar a la mejor actriz, y el Óscar al mejor guion adaptado. ), una hazaña que no sería igualada hasta el año 1975 por Alguien voló sobre el nido del cuco y más tarde por el Silencio de los Corderos en 1991. En 1993, It Happened One Night fue seleccionada para su preservación en los Estados Unidos, por la National Film Registry de la Biblioteca del Congreso como "cultural, histórica o estéticamente significativas". Fue version


El árbol de la vida (Terence Malick, 2011).- Fragmentos del guion




“Existen personas en nuestras vidas que nos hacen felices por la simple casualidad de haberse cruzado en nuestro camino.

Algunas recorren el camino a nuestro lado, viendo muchas lunas pasar, mas otras apenas vemos entre un paso y otro.
A todas las llamamos amigos y hay muchas clases de ellos.
Tal vez cada hoja de un árbol caracteriza uno de nuestros amigos. El primero que nace del brote es nuestro amigo papá y nuestra amiga mama, que nos muestra lo que es la vida. Después vienen los amigos hermanos, con quienes dividimos nuestro espacio para que puedan florecer como nosotros.
Pasamos a conocer a toda la familia de hojas a quienes respetamos y deseamos el bien.
Mas el destino nos presenta a otros amigos, los cuales no sabíamos que irían a cruzarse en nuestro camino. A muchos de ellos los denominamos amigos del alma, de corazón. Son sinceros, son verdaderos. Saben cuando no estamos bien, saben lo que nos hace feliz.
Y a veces uno de esos amigos del alma estalla en nuestro corazón y entonces es llamado un amigo enamorado. Ese da brillo a nuestros ojos, música a nuestros labios, saltos a nuestros pies.
Mas también hay de aquellos amigos por un tiempo, tal vez unas Vacaciones o unos días o unas horas. Ellos acostumbran a colocar muchas sonrisas en nuestro rostro, durante el tiempo que estamos cerca.
Hablando de cerca, no podemos olvidar a amigos distantes, aquellos que están en la punta de las ramas y que cuando el viento sopla siempre aparecen entre una hoja y otra.
El tiempo pasa, el verano se va, el otoño se aproxima y perdemos algunas de nuestras hojas, algunas nacen en otro verano y otras permanecen por muchas estaciones. Pero lo que nos deja mas felices es que las que cayeron continúan cerca, alimentando nuestra raíz con alegría. Son recuerdos de momentos maravillosos de cuando se cruzaron en nuestro camino.
Te deseo, hoja de mi árbol, paz, amor, salud, suerte y prosperidad.
Hoy y siempre…Simplemente porque cada persona que pasa en nuestra vida es única. Siempre deja un poco de si y se lleva un poco de nosotros.
Habrá los que se llevaran mucho, pero no habrá de los que no nos dejaran nada.
Esta es la mayor responsabilidad de nuestra vida y la prueba evidente de que Dos almas no se encuentran por casualidad.”


“Las monjas nos enseñaron que hay dos sendas en la vida: la de la naturaleza y la de la gracia. Hay que elegir cuál se seguirá. La gracia no trata de complacerse a sí misma. Acepta que la desaíren, que la olviden, que le tengan aversión. Acepta insultos y agravios. La naturaleza es interesada. Hace que otros la complazcan. Le gusta dominarlos. Para salirse con la suya. Encuentra razones para ser infeliz cuando el mundo brilla a su alrededor, cuando el amor sonríe a través de todo. Nos enseñaron que nadie que ama la senda de la gracia termina mal. Te seré leal. Pase lo que pase.”

“No te alejes de mí, porque la angustia está cerca.”

“No hagas lo que yo hice. Prométemelo. Soñé con ser un gran músico. Me distraje. Mientras que te quedas esperando a que algo ocurra, se te pasó. Se te pasó la vida. La viviste.”

“El Señor da y el Señor quita. Y así es Él. Envía moscas a las heridas que Él debería sanar.”

“Veo el niño que fui. Veo a mi hermano.”

“¿Qué fue lo que me enseñaste? No sabía cómo llamarte entonces. Pero veo que eras tú. Siempre me llamabas. Anhelaba que me quisieran porque yo era fantástico. Un gran hombre. No soy nada. Miren la gloria que nos rodea. Los árboles, los pájaros. Pasé la vida en la vergüenza. Lo deshonré todo y no noté la gloria. Un tonto.”

“-¿Sabes, Jack? Lo único que quise para ti fue hacerte fuerte, para que crecieras y fueras independiente. Quizá he sido duro contigo. No me enorgullezco de eso.
-Soy tan malo como tú. Me parezco más a ti que a ella.
-Ustedes mis hijos, son mi único logro en la vida. No hice nada más. Son todo lo que tengo, todo lo que quiero tener. “

“La única manera de ser feliz es amando. Si no amas, la vida se te pasará volando.”

”Eres... lo que criticas. ”

”La mediocricidad es no aceptar tu propia realidad. ”



”Por el tamaño de la respuesta que des a quien te ofenda, sabrás el tamaño de la verdad que hay en la ofensa. ”


”Todo lo que te sucede, bien o mal... sólo tú lo has permitido. ”

”No es falta de amor.... es falta de amar. ”

”En nuestras debilidades, está la fuente de nuestras fuerzas. ”

”Los problemas más difíciles... tienen las soluciones más simples. ”

”Los problemas no existen... es tu interpretación. ”

”Los grandes son los pequeños... que se corrigen. ”

”En todo hombre existe una razón... para ser lo que es. ”

”No es que los demás no te entiendan... tú no te das a entender. ”

”No es éxito ni fracaso... es tu actitud la única salida... es la salida. ”

”Madurez... es estar cada vez, más cerca de la verdad. ”

”Mientras más cerca estoy de la verdad... más dudo de mi existencia. No pidas opiniones sobre lo qué harás, que la obra terminada se expresa mejor que tú. ”

”Conócete... conociendo a lo demás. Está solo, quien se siente solo. ”

”Nada te persigue, nada te atormenta, es tu miedo... eres tú. ”

”Un hombre sin ideal... es sólo carne y hueso. ”

”Todo está en ti, tan cerca que no lo ves

TODO... está en ti.

Todo esta en ti, el camino, la solución, la vida, el paraíso y el infierno. ”

”Los problemas no existen, conócete, ser para dar más. ”

”Sólo el alma escribe, crea y compone... la razón jamás podrá hacer lo que el alma hace. ”

”La gente equivocada padece hambre, muere. La gente equivocada recibe amor. El mundo vive de las artimañas. Si quieres tener éxito, no puedes ser demasiado bueno. ”

”Ayúdense entre ustedes. Amen a todos. A toda hoja. A todo rayo de luz. Perdonen. ”

”No voy a hacer lo que me ordenes. Voy a hacer lo que yo quiera. ”

”Lo que quiero hacer, no puedo hacerlo. Hago lo que odio. ”



Párrafo de "Un mundo feliz" - Aldous Huxley



ALDOUS HUXLEY (1894-1963) Párrafo (al final de la introducción) de "Un mundo feliz" (1932)

¿Acaso puede existir un lugar en el que todo el mundo sea feliz, donde no exista el dolor ni la desgracia? Aldous Leonard Huxley intentó plasmar ese utópico lugar en "Un mundo feliz", un idílico lugar, una democracia que es, al mismo tiempo, una dictadura perfecta; una prisión sin muros ni barrotes físicos, en la que los prisioneros nunca sintien la necesidad de escapar. Una esclavitud que es endulzada por el consumismo compulsivo y el entretenimiento en masa, por la ilusión de un mundo perfecto, en la que los sometidos acaban amando su servidumbre. Es un mundo en el que no falta el trabajo, todo está limpio, la muerte nos visita plácidamente sin tener que sufrir los achaques de la vejez. El sexo y el alimento no son problemas, y se accede a ellos con facilidad y por si fuera poco, en aquellos raros casos en que algo llegara a fallar, siempre quedaría ese elixir de la "Soma" que nos devolvería de inmediato a la más completa felicidad, a la más absoluta estupidez. Es una sociedad de castas en la que algunos como los Alfa son más felices que otros como los Epsilones, pero incluso estos viven plácidamente sus vidas, dado que han sido creados en la conciencia que esa es la vida que les corresponde. Pero como siempre hay una oveja negra, alguien que no está de acuerdo con todo aquello que ve, que no quiere tanta edulcorada tranquilidad, John Savage (Juan Salvaje), quien decidirá promover una revuelta, que no irá a ninguna parte -no podía ser de otro modo.

Así cuando Savage conversa con el Controlador de Mundo Feliz se produce este curioso dialogo:

-John Savage: "Yo quiero a Dios, quiero la poesía, quiero el verdadero riesgo, quiero la libertad, quiero la bondad. Quiero el pecado"

-Controlador: "Usted reclama el derecho a ser infeliz, por no hablar del derecho a envejecer y a volverse feo e impotente, el derecho a tener sífilis y cáncer, el derecho a tener poco que comer o a ser piojoso, el derecho a no saber qué ocurrirá al día siguiente, el derecho a padecer tifus y a ser torturado"

-John Savage: "Si, eso quiero" (exclama Savage después de un largo silencio).

Y pensando en todo ello y en el mundo que vivimos, me viene a la memoria aquella frase que decía "Hay otros mundos pero estan en este"

Las cosas.....