Piazzolla, Yo-Yo Ma y "Libertango"

"Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos"

Esa es la idea rupturista que tenía en la cabeza el gran Astor Piazzolla, desde mucho antes de componer "Libertango" allá por 1974, una pieza que en su nombre declaraba sus intenciones y anhelos, la necesaria libertad a la hora de concebir una nueva forma de hacer tango. Piazzolla había estado tentando de convertirse en compositor de música clásica, pero en el curso de sus estudios con Nadia Boulanger esta le convenció, tras tocar Piazzolla uno de sus tangos, de que no renunciase a sus raíces:  "No abandone jamás esto. Ésta es su música. Aquí está Piazzolla". Y así nació una nueva forma de entender el tango que recibía con él influencias de la música clásica y hasta del jazz. En el mismo cóctel de su música quedaban mezcladas las influencias de tangueros como Gobbi y Pugliese con músicos barrocos como Bach o contemporáneos como Bartok, aderezado todo ello con unas gotitas de Gershwin y media rodaja de Stravinsky; todo en su justa medida, mezclado y no agitado, hasta conseguir una música totalmente nueva y maravillosa. No fue bien recibido; se le tachó de snob, de rupturista y fue muy criticado por los ortodoxos del tango que lo consideraban un hereje. Tan solo en sus últimos años de vida empezó a recibir el reconocimiento que merecía, hasta llegar a ser considerado hoy en día uno de los músicos más importantes en la historia de Argentina.

Y quizás sea un poco incomprensible el homenajear a Astor Piazzolla sin verlo a él directamente ejecutar "Libertango", pero ciertamente no hay grandes vídeos para hacerlo -ya lo haremos más adelante con esa otra maravilla que es "Adios Nonino". En cambio si tenemos a Yo-Yo Ma, uno de los mejores violonchelistas de la historia, que borda una versión extraordinaria de "Libertango" en lo que muchos consideran: “el mejor disco de música de Piazzolla sin Piazzolla”. 

Espero que a mi hijo Alejandro, que no para de tararearla, le guste la versión.

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Al Pacino, las mujeres y el Oscar

Al Pacino es uno de los grandes actores de su generación. Durante su carrera ha acumulado la nada despreciable suma de ocho nominaciones al Oscar pero tan solo logró llevarse el premio en una ocasión cuando en realidad lo hubiera merecido con creces por la trilogía de "El padrino" o por "Serpico", "Tarde de Perros" o "Scarface". El Oscar le llegó en 1993, y tras recibir el premio le ocurrió una divertida anécdota que nos cuenta el mismo:  

"Cuando gané el Oscar, yo estaba en shock y también abrumado por todo lo que pasaba. Entonces cogí un ascensor que iba hacia abajo con un montón de gente, todos muy juntos, como sardinas enlatadas. Y yo llevaba mi Oscar conmigo. Entonces una actriz muy conocida que estaba justo delante de mi en el ascensor que estaba bajando, comenzó a retorcerse un poco. Y entonces me di cuenta de que la cabeza de mi Oscar estaba en su... le estaba tocando a ella por detrás. Ya sabes... Y yo pensé... ¡Oh Señor! ¡esto es muy extraño! Retiré mi Oscar. Lo llevé hacia atrás. Y entonces me incliné un poco hacia delante, al oído de ella, y le dije: "perdona, eso no era yo, era mi Oscar".

Por supuesto el Oscar fue por "Esencia de Mujer", un título que sabida la anécdota no deja de tener su miga. Gracias a Dios que no se le ocurrió empezar a hablar con su Oscar y repetir en el ascensor aquel pequeño monólogo que soltaba en la película como el Coronel Frank Slade:

“Mujeres, ¡hum! que puedo decir. Dios debía ser un jodido genio. El pelo, dicen que el pelo lo es todo. ¿Alguna vez has enterrado la nariz en un monte de rizos y has querido dormirte para siempre?. Sus labios cuando han tocado los tuyos es como ese primer trago de vino después de haber cruzado el desierto. Las tetas. ¡buf!, grandes, pequeñas, los pezones mirándote como si fueran reflectores secretos. Y las piernas, no importa si son columnas griegas o vulgares palos de escoba. Lo que hay entre ellas es el pasaporte al cielo. Necesito otra copa.” 

Y al finalizar soltara uno de aquellos sonoros "¡Juaaaaah!" que tanto usaba en la película. Ya sabéis que el, en la película, aconsejaba que ante la duda....

Al Pacino contando la anécdota:

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Las "maldades" de Picasso

Picasso era un pintor que, consciente de su fama mundial y del elevado valor que de inmediato adquiría cualquier cosa que saliera de sus manos, tenía a veces comportamientos que cuando menos se pueden tachar de "singulares". En los años cincuenta, Picasso, que por entonces vivía en el sur de Francia, tenía la costumbre de tomar baños en el mar. Cierto día encontrándose en la playa fue reconocido por una familia, y viendo esta como Picasso jugueteaba con unos niños, mandaron a su hijo con una hoja de papel a pedirle "un dibujito". El artista no quería que los padres se llevaran un "Picasso" sin pagar un céntimo mediante aquella artimaña de mandar a su inocente hijo, pero a la vez no deseaba desairar al pequeño, así, tras tirar la hoja que le traía, puso al pequeño de espaldas y aprovechó el lienzo que le ofrecía el propio cuerpo del niño para pintar en el una hermosa paloma. El niño corrió contentísimo a mostrárselo a sus padres, mientras Picasso le comentaba a sus amigos: "Me pregunto cuándo bañaran al pobre niño".

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¿Cuántos guerreros iban dentro del Caballo de Troya?

Ayer me tocó volver a ver a Brad Pitt luciendo musculitos y cabellera dorada como Aquiles en "Troya" (2004 - Wolfgang Petersen), y no solo para contentar a mis hijos, lo cierto es que es una película que aborda muy decentemente el épico relato de Homero y que no me desagrada. El caso es que siempre que he visto la película he pensado en cuántos serían en realidad los guerreros que entraron dentro del dichoso caballo de madera con el que los griegos engañaron a los troyanos para entrar en la ciudad y vencerlos. Espoleado por la curiosidad, me pongo a investigar un poco y pronto te das cuenta que no has sido ni de lejos el único que se ha hecho la misma pregunta y que la respuesta no es nada fácil.

El caballo, construido con madera por Apeo, el mejor carpintero de los que se encontraba junto al ejercito griego, parece que medía 11 metros de altura (el empleado en la película de Petersen, también de madera, medía 11'5 metros y pesaba 11 toneladas). En realidad, el caballo no debía de albergar muchos guerreros, los suficientes para abrir desde dentro las puertas de la ciudad de Troya, pero el número de integrantes de este "comando de fuerzas especiales" de la antigüedad es fuente de mucha controversia.

En algunas fuentes se afirma que "La Odisea" de Homero cifra en cien los guerreros que iban en el caballo (pasaje que no logro encontrar). En "La Eneida de Virgilio, el relato más amplio sobre el suceso, se citan expresamente a nueve guerreros aparte de Sinón que les facilita la salida del caballo. Para Apolodoro la cantidad llegaba hasta los cincuenta, Quinto de Smirna da los nombres de treinta de sus integrantes y para Tzetzes eran veintitrés. La lista con los potenciales ocupantes del caballo, según las distintas fuentes asciende a cuarenta, que no citaremos para no recordar aquella listita de los reyes godos, pero entre los cuales por supuesto se encontraba Ulises. 

Lo que no queda tan claro es que en el grupo estuviera Aquiles, por mucho que en la película le reserven una plaza en el caballo en zona VIP; de hecho parece más probable que entrara en la ciudad una vez abiertas las puertas para acudir a una cita que tenía con Paris, aunque hay quien mantiene que no participó en la batalla final y que murió con anterioridad.

Virgilio, en su Eneida, narraba así la salida de los guerreros del caballo:

"... a favor del silencio y de la protectora luz de la luna, y apenas la real encendió una hoguera en su popa para dar la señal, cuando Sinón, defendido por los hados de los dioses, crueles para nosotros, abre furtivamente a los Griegos encerrados en el vientre del coloso su prisión de madera; devuélvelos al aire libre el ya abierto caballo, y alegres salen del hueco roble, descolgándose por una maroma, los caudillos Tesandro y Stenelo y el cruel Ulises, Acamante, Toas y Neptolemo, nieto de Peleo, y Macaón el primero, y Menelao, y el mismo Epeos, artífice de aquella traidora máquina. Invaden la ciudad, sepultada en el sueño y el vino, matan a los centinelas, abren las puertas, dan entrada a todos sus compañeros, y se unen a las huestes que los esperan para dar el golpe."

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01.-  https://www.pinterest.es/pin/519391769521547944/ -- Imagen de la película "Troya"

02.-  https://www.pinterest.es/pin/457678380860536786/ -- El caballo de la película "Troya"

Puccini, las costureras y "La Bohéme"

Hubo una época en la que Giaccomo Puccini estaba muy lejos de ser ese acomodado y reconocido compositor de ópera que derrochaba dinero en coches y mujeres, de hecho, en su juventud estuvo mucho más cerca de las estrecheces que vivían los protagonistas de su obra "La Bohème", una ópera maravillosa que ahora es profusamente representada pero que en su estreno, allá por 1896, resultó un absoluto fracaso. 

"La Bohème" puede que sea la obra más bella y convincente de Puccini, que no es decir poco en un autor que también nos regaló óperas del calibre de Tosca, Madame Butterfly o Manon. En "La Bohème" no se nos muestran grandes gestas o mitificadas leyendas, nos habla de la vida misma iluminada por el resplandor de las pequeñas cosas, "Piccole cose" que decía Puccini; no hay tampoco héroes, reyes o seres legendarios, tan solo un par de pobres enamorados, el poeta "Rodolfo" y la modistilla "Mimí" que viven en una muy modesta buhardilla del barrio latino de París, acosados por el frió y la escasez durante una nochebuena. Puede que sea ese acercamiento a la vida real y a las privaciones que cualquiera puede padecer lo que hiciera de esta opera, pasado el tiempo, una obra de tanto éxito. Puccini y los libretistas Giacosa e Illica trabajaron denodadamente durante tres años para adaptar la novela folletinesca de Murger "Escenas de la vida Bohemía" hasta llevar a la desesperación al empresario Ricordi: "Os confieso que por este continuo rehacer, retocar, añadir, corregir, cortar, pegar, hinchar aquí para desinflar allá, estoy exhausto".

Puccini no pudo evitar introducir en esta opera algunos guiños a su propia vida y a las experiencias de su época de estudiante en el conservatorio de Milán, tiempo en el que compartía piso con Mascagni, otro gran compositor de operas. De hecho la escena en la que estando ya Mimí muy enferma y Colline, un filósofo amigo de la pareja de enamorados, marcha a vender su abrigo para poder comprarle medicinas (Vecchia zimarra, senti / "Viejo abrigo, escucha"), estaba inspirada en un recuerdo de juventud de Puccini, quien al parecer tuvo una novia costurera (como Mimí) y no teniendo dinero, empeño su abrigo para poder invitarla a cenar una noche. Con los años comentaba de esta anécdota: "A la mitad del invierno ya había roto con ella; pero sin abrigo tuve que estar todo aquel invierno". Seguro que fue una cena maravillosa.

Seguro que hay otras versiones mejores, con Pavarotti y Mirella Freni por ejemplo, pero aquí, y primando la calidad del vídeo y los subtítulos, os dejo con dos de las mejores arias de esta preciosa opera interpretadas por Rolando Villazón y Anna Netrebko (en la foto de cabecera como Rodolfo y Mimí)), dos grandes cantantes que están de moda desde hace unos años: 

"Che gelida manina"  

"Si, mi chiamo Mimí"

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Praxíteles, Friné y la Afrodita de Cnido

"Pero Friné era realmente más hermosa en las partes que no se le veían (…) En las fiestas de las Eleusinias y en la de Poseidón, tras quitarse el manto y dejar sueltos sus cabellos se metió en el mar, a la vista de todos los griegos. A partir de ella pintó Apeles su Afrodita Anadiomene. Y Praxiteles, el escultor, su amante, modeló su Afrodita Cnidia según su imagen". 

Son palabras del cronista clásico Ateneo de Naucratis. Y es que hay bellezas que de alguna forma tienen que quedar inmortalizadas para salvarlas del olvido y algo así paso con Friné, gracias al amor que le profesaba Praxíteles, uno de los grandes escultores de la antigüedad. Al igual que Goya pintó una Maja desnuda y otra vestida, Praxíteles esculpió a la vez una Afrodita con ropas y otra que resultó ser la primera representación del cuerpo completamente desnudo de una mujer. Todo hay que decirlo, también fue pionera "La Maja" de Goya en el arte de la pintura, ya que tenía el honor de ser el primer desnudo en mostrar sin tapujos el vello púbico de la mujer y de mostrar además su desnudez sin excusas mitológicas. Para el más frondoso Coubert aún quedaban décadas.  Pero volviendo a nuestra Afrodita... el caso es que Praxíteles tenía como musa, modelo y amante a una de las hetairas más famosas de la antigüedad, a la bella Friné y a ella dedicó esta sensacional escultura, famosa desde su creación. Ya contaba Plínio acerca de la obra:

"Hemos mencionado en [el arte de] la estatuaria la época de Praxíteles, quien se superó en la gloria del mármol. Sus obras se encuentran en Atenas, en Cerámico, pero por encima de todas las obras, no solamente de Praxíteles sino de toda la tierra, está la Venus; muchos han viajado a Cnido para contemplarla"

Praxíteles decidió presentar sus dos Afroditas a la vez y con el mismo precio. Según sigue contando Plinio, la ciudad de Cos se hizo con la versión en la que la diosa aparecía vestida al pensar que la desnudez de la otra escultura resultaba indecente y no representaba a la ciudad. Los compradores de la ciudad de Cnido no dudaron en hacerse con la escultura desnuda a la que incluso instalaron en un templo dedicado a la Diosa Afrodita, que rápidamente se hizo famosa por su belleza y hizo que el culto ganara muchos adeptos. No he logrado imágenes de la copia vestida y ni siquiera sé si ha llegado hasta nuestros días copia de aquella escultura. Plinio lo contaba así:

"Praxíteles de hecho hizo dos estatuas que puso a la venta al mismo tiempo. Una de ellas estaba cubierta, y como lo estaba fue la elegida por la gente de Cos, quienes tenían preferencia en la elección de las esculturas (las cuales se ofrecían al mismo precio). Pensaron que era la decisión correcta. Sin embargo, la estatua que rechazaron fue escogida por la población de Cnido, y fue esta escultura la que se hizo célebre. Más tarde el rey Nicomedes [de Cos] trató de comprársela a los cnidios, prometiéndoles liberarlos de su enorme deuda estatal. Pero los cnidios se mantuvieron firmes en su decisión sobre la estatua y de forma acertada, ya que fue el trabajo de Praxíteles el que hizo famosa a Cnido"

Frine, una mujer de armas tomar que incluso supero un juicio hacia su persona por impiedad (al pretender en su hermosura asemejarse a una diosa) con el simple alegato de la belleza de su desnudez, debía sentirse sumamente orgullosa del eco que estaba tomando aquella escultura y Alcifrón en su obra "Diálogo de las cortesanas" recoge este posible comentario de Frine a Praxíteles:

"...no temas; has creado una obra de arte muy bella, como nadie, de hecho, ha visto nunca antes entre todas las cosas creadas por la mano del hombre: has instalado una estatua de tu propia amante en el recinto sagrado...Y no me envidies este honor. Porque es a Praxíteles a quien la gente alaba cuando me observan a mí..."

La escultura original data del 360 a. C. aproximadamente y fue realizada en mármol de Paros. Se cree que el original se perdió durante el incendio del un palacio de Constantinopla en el año 475, pero perduraron muchísimas copias de la obra. La obra representa a Afrodita, la diosa griega del amor, con la clásica postura de contraposto y la sensual curva praxitélica marca de la casa, en el momento de ir a tomar el baño ritual de las Eleusiadas con el que restauraría su pureza, desponjándose de sus ropas con una mano y dejándolas caer lánguidamente sobre una especie de ánfora, mientras con la otra, con pudoroso gesto, intenta cubrir su pubis, casi como si hubiera sido sorprendida en un momento de intimidad. La copia original estaba delicadamente policromada según el gusto de entonces y con ella Práxiteles asentó el canon para la estatuaria femenina, un ideal cuya influencia ha resistido milenios. A pesar de la gran cantidad de copias existentes solo podemos hacernos una ligera idea del original pues todas ellas guardan pequeñas diferencias entre sí y por supuesto no parten de la mano de un genio como Praxíteles.

Sobre la relación entre el escultor y Friné, existe una famosa anécdota en la que el artista agradecido por los servicios de la hetaira, le dijo a esta que podía escoger la escultura que más le gustara de entre las que estaban en su taller. Friné, que a pesar de su escultural cuerpo no sabía nada de escultura, si que tenía más kilómetros que el baúl de la Piquer, como se dice por aquí, y preparó una cena al escultor, compinchándose antes con un sirviente para que en un momento determinado de la cena alertara con gran alarma de un incendio en el taller de Praxíteles. Cuando el escultor se levantó presa del miedo exclamando "¡Mi Eros, salvad mi Eros!", la astuta Friné supo que escultura debía elegir. Supongo que por aquel entonces no estaban en su taller el famoso Hermes, el Apolo Sauroctono o su Dionisios que a mi parecer son muy superiores. Habría que ver la cara de Praxíteles cuando Friné le contó la artimaña y le dijo: "Ahora ya sé qué obra debería escoger: ese Cupido al que tanto hubieras lamentado perder". Seguro que bastó una sonrisa para que la perdonara.

Finalmente y para cantar por ultima vez la belleza de la escultura os dejos las palabras con las que Luciano de Samósata describía a la escultura en su obra "Amores":

"Cuando agotamos los encantos de estos lugares entramos en el templo. En el centro del mismo se ubica la diosa, una hermosa estatua realizada en mármol de Paros con sus labios ligeramente separados por una sonrisa altiva. Sin ropa que la cubra, toda su belleza se descubre y expone, excepto en la medida en que ella usa discretamente una mano para ocultar sus partes privadas. La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades"

Contamos la historia de Friné en este enlace: 
Friné, la diosa Afrodita de Praxíteles y el juicio a la belleza

Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas:

1.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Palazzo Altemps: Wikimedia Commons

2.- Afrodita de Cnido - Museo Pío Clementino - Venus Colonna: https://www.pinterest.es/pin/433612270365761083/

3.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Museo Británico - Coleccion Townley - Wikimedia Commons

4.- Afrodita de Cnido - Copia romana - Colección del Louvre - Wikimedia Commons

5.- Afrodita de Cnido - detalle Copia romana -  Copia romana - Palazzo Altemps: Wikimedia Commons

Thomas Mann y la falsa humildad

"El escritor es aquel al que escribir le resulta más difícil que a las demás personas"

Eso decía Thomas Mann, sabedor de que lograr la excelencia en algo que en principio puede hacer todo el mundo es ciertamente muy complicado. En cierta ocasión este escritor alemán, autor de obras como "La muerte en Venecia", "Los Buddenbrook" o "La montaña mágica" y Premio Nobel de Literatura en 1929, conoció a otro escritor de obra mucho menos reconocida y valorada que la suya pero que tenía a su propia persona y a sus libros en el epicentro de su conversación y que no dejaba de mostrarse ciertamente pedante. Ante Thomas Mann este escritor no dejaba de empequeñecerse, pero no de manera puntual y humilde, si no de forma persistente, de modo que cada poco intercalaba en la conversación frases del tipo: "Yo no soy sino un pobre principiante", "A mí, que todavía nadie me conoce", "Mi nombre no puede compararse con el suyo"....  Mann terminó hastiado del escritor y en cuanto pudo zafarse de su presencia y en el tono cáustico que solía utilizar frecuentemente en sus afirmaciones le comentó a la persona que le acompañaba:

"Ese hombre no tiene derecho a empequeñecerse de esta forma. Para tener ese derecho, hay que ser bastante más importante de lo que él es"

Y leyendo esta anécdota no pude evitar acordarme de aquel adagio que en cierta ocasión le escuché a un amigo y que tanto me gustó: "No seas tan humilde que no eres tan grande", frase que en algunos sitios se atribuye a la estadista israelí Golda Meir.

La imagen, de los fondos de LIFE, ha sido tomada de la siguiente página:
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Stan Getz: "The Sound"

"Mi vida es la música y de alguna manera vaga, misteriosa y subconsciente, siempre he sido movido por un resorte interno que me ha impulsado a alcanzar casi compulsivamente la perfección en la música, a veces, es mas, casi siempre, a expensas de todo lo demás en mi vida" (Stan Getz)

En cierta ocasión alguien le preguntó a Duke Ellington si era posible hacer buena música y ser mala persona a la vez. Duke lo pensó un instante y dijo "Stan Getz". Siempre que he escuchado la maravillosa música de Getz, tal y como la estoy disfrutando ahora, me he preguntado la razón de que señalara especialmente a Getz. Es cierto que este músico con cara de no haber roto un plato en su vida tuvo sus más y sus menos con las drogas, que era ciertamente de trato difícil con los demás artistas, que no le tenían mucho aprecio,  y que era prodigo en actos violentos en su vida personal y familiar, que su adicción le llevó a cometer algún atraco como aquel asalto a una farmacia de Seattle con una pistola de juguete que le llevó a la cárcel. Pero no he encontrado noticia concreta de algo que realmente le hiciera acreedor, por encima de todos los demás y en aquel mundo plagado de drogas, del titulo de mala persona por excelencia. Creo que hay una biografía editada que es muy reveladora respecto a esos interrogantes pero hoy es prácticamente inencontrable.

Lo que es incontestable es su talento con el saxofón, para no pocos, Stan Getz es sin duda el mejor de los saxofonistas blancos. Con claras influencias de Lester Young, su tono era hermosamente cálido, con una sonoridad muy especial y de indiscutible belleza en sus fraseos. De hecho, desde que grabó aquel famoso tema con Woody Hermann titulado "Early Autumn" fue conocido como "The Sound" y se ganó un puesto entre los mas grandes. Puede que fuera creador del Cool incluso antes que Miles Davis con aquel álbum "Four brothers" de 1947 junto a Jimmy Giuffre, Herbie Stewart y el sensacional Zoot Sims. Para el gran público es principalmente conocido por sus inmersiones en la fusión del jazz con la música brasileña, sobre todo con la bossa nova. Su colaboración con Charlie Byrd le mostró el camino con el disco "Jazz Samba" y él después se encargó de romper todos los moldes con sus colaboraciones con Joao  y Astrud Gilberto y demás compañía. ¿Quién no ha escuchado su saxofón en "La chica de Ipanema"? Y al final eso es lo que cuenta, los soberbios temas que dejó como legado este, como tantos otros, maldito del jazz, uno de esos seres que iban dejando un rastro de incontestable belleza mientras galopaban desaforadamente hacia su autodestrucción. Stan Getz murió en 1991 por un cáncer de hígado.

"Admitámoslo, a todos (los saxófonistas) nos gustaría tocar como él lo hace, si pudiéramos" (John Coltrane sobre Stan Getz)

"Desafinado" con Charlie Byrd:

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Stephen Hawking y los universos para "lelos"

No cabe duda de que el físico Stephen Hawking era una personaje excepcional, no solo por su capacidad intelectual o su resistencia y lucha contra una enfermedad cruel durante 55 largos años cuando la esperanza de vida era extraordinariamente menor. Vivir durante tanto tiempo sufriendo un deterioro lento e inexorable debe ser terrible y sin embargo Hawking era poseedor de un gran sentido del humor. El mismo decía: "No puedes permitirte estar discapacitado en espíritu a la vez que físicamente". Me encantaba verlo aparecer de vez en cuando en "Big bang theory" riéndose un poco de si mismo y hoy me ha vuelto a regalar una sonrisa con la siguiente anécdota:

Hawking resultó ser un gran divulgador científico y logró hacer un poco más accesibles los misterios del universo al gran público con libros como "Breve historia del tiempo". En cierta ocasión un periodista le preguntó:

"Afirma usted que puede haber millones de universos paralelos casi idénticos, con pequeñas diferencias. ¿Quiere decir que existe un universo donde yo soy más inteligente que usted?"

Y después de una pausa, una voz metálica que prestaba eco a los pensamientos de Hawking le contestaba:

"Sí, y también uno donde usted es gracioso".

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Marlene Dietrich se da un capricho: John Wayne

"A los 20 años no era nada. A los 80 soy una vieja vulgar. Entre medias he sido actriz"

Esas fueron las últimas palabras a la prensa de una diosa del cine que como alguien dijo tenía un nombre que parecía una suave caricia: "Marlene" y un apellido que se asemejaba a un latigazo: "Dietrich". Así de inclasificable era la actriz, una "femme fatale" que pasó a conquistar Hollywood con aquellas piernas de "Angel azul" y su descarada ambigüedad; un angelito que fue modelado hasta en los más ínfimos detalles por su pigmalión, el director Josef von Sternberg, con el fin  de hacerla parecer una diosa. 

El escritor Ernest Hemingway, al que la Dietrich llamaba "Papá" en las cartas que se escribían decía de ella: "Podía romperte el corazón solo con la voz" y ciertamente rompió muchos corazones tanto a hombres como a mujeres. No se podía esperar otra cosa de una mujer insaciable que además afirmaba: "A cualquier mujer le gustaría ser fiel, lo difícil es hallar el hombre al que serle fiel".  

Después de darle la espalda a Hitler, acompañó al ejercito americano en su campaña europea durante la Segunda Guerra Mundial animando a las tropas en la primera linea, de hecho no tenía miedo al peligro e incluso estuvo a punto de morir en un bombardeo. Hay quien cuenta que su relación con el general Patton avanzó con tanta intensidad y rapidez como la división de tanques del famoso militar marchaba hacia Alemania. Observen lo entregada que era la actriz a la hora de animar a la tropa en la imagen de la derecha. 

Uno de sus amantes fue el rudo John Wayne, quien en sus inicios, justo después de aparecer en "La Diligencia" (1939 - John Ford) parecía la opción ideal para rodar junto a la Dietrich la película "De isla en isla" (Seven sinners - 1940). El director, Tay Garnett no sabía como convencer a la actriz para que aceptara rodar junto a un actor aun casi desconocido y para ello apeló al instinto sexual de la actriz. De forma totalmanente premeditada colocaron los arrolladores 192 centímetros de John Wayne en la barra de un restaurante charlando animosamente con dos o tres risueñas y bellísimas jovencitas. 

Cuando Marlene entró en el restaurante y según se acercaban a su mesa, Marlene focalizó rápidamente el corpachón de Wayne y le dijo a Garnett "¡Oh, papi, comprame eso!". No tardó Wayne en unirse al grupo y por supuesto en hacer la película con Marlene junto a la cual rodaría dos películas más: "Forja de corazones" (1941 - Lewis Seiler) y "Los usurpadores" (1942 - Ray Enright). La relación parece que duró unos tres años y a pesar de ser Wayne un hombre ciertamente discreto respecto a sus romances, cuando un amigo le presionó un poco para saber más sobre su romance dijo como si de un telegrama se tratara: "Roma. El hotel Excelsior. Dietrich. Lo hicimos en la escalera". En otra ocasión y siendo un poquito más lenguaraz dijo de ella: "El mejor polvo de mi vida" y eso que después tendría otra relación con una pelirroja de ensueño, la maravillosa Maureen O'Hara, la única mujer capaz de hacer perder la tranquilidad a cualquier hombre, pero esa es otra historia que ya se contará.

Marlene decía: "Las mujeres tienen una edad en que necesitan ser bellas para ser amadas, y otra en que necesitan ser amadas para ser bellas". Cuando de una manera u otra sintió que había perdido aquel imán que siempre la acompañó se recluyó en su casa y pasó los últimos doce años de su vida en la cama, minada por el alcoholismo y casi sin poder andar con unas piernas muy débiles que ya no eran ni un asomo de lo que fueron.  Celosa de mantener su imagen de diosa, terminó recluida durante todos esos años, como una de sus rumoreadas amantes, la divina Greta Garbo. Falleció a la edad de 91 años.

Como cantante era una verdadera delicia. Siempre he preferido dejar de lado sus muchas canciones en inglés y he rebuscado con fruición sus temas en alemán, resultando uno de mis preferidos este "Untern linden" que os dejo más abajo en un vídeo con imágenes de la actriz.

Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas:
1.- http://www.doctormacro.com/Movie%20Summaries/S/Seven%20Sinners%20(1940).htm
2.- https://www.pinterest.es/pin/402298179190741274/
3.- https://i.pinimg.com/originals/ba/57/d0/ba57d023a5af28862fded2f581853746.jpg

La campana de Kiri Te Kanawa

Entre las grandes voces de las últimas décadas ha sobresalido con una luz muy especial Dame Kiri Te Kanawa, una maravillosa soprano lírica que siempre ha sido muy cuidadosa a la hora de elegir las operas que iba a cantar, buscando siempre roles que su voz pudiera asumir con garantías y así porder dar lo mejor de si. Tan cuidadosa y exigente ha sido con su voz que hace unos meses, despues de décadas en primera linea (desde 1971) anunció su retirada manifestando: "No quiero escuchar mi voz. Es el pasado. Cuando enseño a jóvenes cantantes y oigo sus voces frescas y preciosas, no quiero poner la mía cerca". Kiri Te Kanawa, que se llamaba en realidad Claire Mary Teresa Rawstron, tiene en su ser una curiosa mezcla de culturas, y a pesar de no haber conocido a sus padres biológicos y haber sido criada por una familia maorí, por sus venas corre sangre irlandesa, neozelandes y por supuesto también maorí. Curiosamente su padre adoptivo le puso el apodo de Kiri, que en maorí significa "campana" (también "piel") -Kanawa es un apellido- y no cabe duda de que su voz fue uno de los más bellos tañidos que pudo escucharse durante años en los teatros de todo el mundo; resultando memorables sus interpretaciones de heroínas como la Arabella de Strauss, la Doña Elvira o la Condesa Almaviva de Mozart (ahora mismo estoy escuchandola en el "Exultate Jubilate" de Mozart y es una verdadera maravilla) sin olvidar por supuesto su Violetta de Verdi o la Tosca de Puccini. 

Entre el gran público logró gran notoriedad después de cantar en la boda de Lady Diana con el Principe Carlos la maravillosa pieza de Haendel "Let the bright seraphim", una pieza que apartó de su repertorio trás la muerte de la Princesa en muestra de duelo; al respecto decía: "Su fallecimiento y todo lo que le rodeó fue tan terrible que no he querido oírla otra vez". En algunos conciertos  Kiri Te Kanawa lograba reunir más público que los mismisimos Rolling Stones y en 1990, en un concierto al aire libre que dio en la ciudad de Auckland llegó a reunir a nada menos que 140.000 personas.

Vocalise op. 34 nº 14 de Sergei Rachmaninov:

Y no me resito a dejar uno de los fragmentos del "Exultate Jubilate" K 165 de Mozart: el  "Alleluia"

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Las amistades de Groucho Marx

Tengo la sensación de que tenía que ser muy difícil crecer riendo con las películas de los Hermanos Marx y después ya adulto, si tenías la oportunidad de conocer a uno de ellos no quererlo de forma irremediable. 

Algo de eso le tuvo que suceder a Alice Cooper (en la foto de la derecha), cantante de hard rock, heavy metal y referente de personajes tan extremos como Marilyn Manson, cuando conoció a Groucho Marx, alguien tan genial como para manifestar que cuando fuera enterrado, por favor lo hicieran encima de la curvilinea Marilyn, esta vez supuesto la Monroe. El caso es que tras coincidir ambos en una fiesta de Frank Sinatra y saberse vecinos en Beverly Hills se hicieron amigos. Groucho llamaba a Alice Cooper "Coop" tal y como llamaba en el pasado a Gary Cooper, algo supongo que a Alice le encantaría, al igual que a buen seguro, su amigo Elton John recibiría con cariño aquella manía de Groucho de llamarle John Elton. Al fin y al cabo Groucho pensaba en estos músicos como en compañeros de profesión dada las excentricidades que hacían en el escenario y sus disfraces; de hecho a los conciertos de Alice Cooper los comparaba con el vodevil. 

Freddie Mercury también se hizo muy amigo de Groucho e incluso la banda llegó a titular un par de álbumes con nombres de películas de los Hermanos Marx: "Una noche en la opera" y "Un día en las carreras". Ante tal fijación, Groucho le dijo a Mercury -por si quería utilizarlo de nombre para su siguiente disco- que su próxima película se titularía: "Los éxitos de los Rolling Stones".... 

Pero volvamos con Alice Cooper. El caso es que Groucho ya con una edad muy avanzada tenía insomnio y cogió la costumbre de llamar a su vecino "Coop" a las una de la madrugada para que le diera algo de compañía, a veces daban un paseo otras veían películas. Lo cuenta el propio Alice Cooper:

"Tenía una silla junto a su cama con un paquete de seis de Budweiser, y nos sentábamos a ver películas antiguas. Luego, muy pronto, después de que habían terminado dos películas, miraba hacia otro lado y él, que estaba con su boina y su cigarro, finalmente se iba a dormir. Yo solía ​​apagar su cigarro, apagaba las luces y me iba a casa. Y a la noche siguiente, a la una de la madrugada: "Hola amigo, no puedo dormir, ven".

Y siendo Groucho.... quien podría negarse.

Fuente: A partir de:
http://theoldhollywood.com/how-alice-cooper-and-groucho-marx-got-to-be-midnight-buds/

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Ivie Anderson, la duquesa del jazz

Entre las cantantes de jazz que no forman parte de la primerísima línea de figuras archiconocidas ocupa un lugar muy destacado Ivie Anderson, una cantante sensible, llena de musicalidad y swing que dio lo mejor de sí misma en la esplendorosa orquesta de Duke Ellington. Duke, con el que Ivie aparece arriba, siempre pudo presumir de un maravilloso talento e intuición para descubrir músicos talentosos que hicieran de su orquesta una de las más poderosas y afinadas maquinas de hacer jazz que se hayan formado jamás, pero esa singular habilidad le fallaba notablemente a la hora de buscar una vocalista que estuviera a la altura de sus compañeros. Sin duda Ivie Anderson fue la excepción a esta regla, y acompañó exitosamente a la mejor banda de la historia entre 1931 y 1942. Suyas son las interpretaciones míticas de "I got it bad" o "It don't mean a thing", dos de los grandes temas que cualquier aficionado al jazz sabe que para disfrutarlos verdaderamente debe buscarlos en la voz de Ivie. Duke era totalmente consciente de la calidad de Ivie y no dudo en calificarla como la mejor vocalista que jamás tuvo.

La cantante que nació en el estado de California en 1904, recibió su primera educación musical en un convento, entre los nueve y los trece años de edad. Su primer contrato profesional lo firmo en Los Ángeles antes de enrolarse con una serie de compañías de music hall y viajar a Nueva York, para cantar en el "Cotton Club". Hizo algunas giras como bailarina-cantante, luego, solo como cantante en una etapa en la trabajo con diversas big bands y trabajo con Earl Hines antes de unirse a la formación de Duke Ellington. Tras los doce años en los que acompaño a Duke y aquejada de problemas respiratorios abrió un restaurante en Los Ángeles, aunque durante un tiempo siguió cantando regularmente en la Costa Oeste hasta que sus ataques de asma restringieron sus actuaciones totalmente. Falleció en 1949.

Ivie hizo muy pocas grabaciones con su propio nombre aunque hay alguna notable por ahí como el disco grabado en 1946 "Ivie Anderson & her All Stars" en el que era acompañada por músicos de primera clase como Charlie Mingus, Lucky Thompson o Willie Smith. Aun así posiblemente su mejor disco sea el titulado simplemente: "Ivie Anderson" en el que se recogen algunas canciones memorables del repertorio de Duke Ellington. Como curiosidad diremos que es la cantante que aparece en la película de los Hermanos Marx titulada "Un día en las carreras"

"I got it bad"

Y la maravillosa "It Don't Mean A Thing (If It Ain't Got That Swing)", algo asi como: "No significa nada, si no tiene swing" , y no cabe duda que ella sabía dárselo:

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"Moby Dick" (Fragmentos) - Herman Melville

"Llamadme Ismael. Hace unos años -no importa cuánto hace exactamente-, teniendo poco o ningún dinero en el bolsillo, y nada en particular que me interesara en tierra, pensé que me iría a navegar un poco por ahí, para ver la parte acuática del mundo. Es un modo que tengo de echar fuera la melancolía y arreglar la circulación. Cada vez que me sorprendo poniendo una boca triste; cada vez que en mi alma hay un nuevo noviembre húmedo y lloviznoso; cada vez que me encuentro parándome sin querer ante las tiendas de ataúdes; y, especialmente, cada vez que la hipocondría me domina de tal modo que hace falta un recio principio moral para impedirme salir a la calle con toda deliberación a derribar metódicamente el sombrero a los transeúntes, entonces, entiendo que es más que hora de hacerme a la mar tan pronto como pueda. Es mi sustituto de la pistola y la bala. Catón se arroja sobre su espada, haciendo aspavientos filosóficos; yo me embarco pacíficamente. No hay en ello nada sorprendente. Si bien lo miran, no hay nadie que no experimente, en alguna ocasión u otra, y en más o menos grado, sentimientos análogos a los míos respecto del océano. "

“Me parece que lo que llaman mi sombra aquí en la tierra es mi verdadera sustancia. Yo pienso que, al observar las cosas de manera espiritual, nos parecemos mucho a las ostras mirando el sol desde el mar y creyendo que la densa agua es la más fina de las atmósferas. Yo creo que mi cuerpo no es nada más que la escoria de mi mejor ser. De hecho, que se lleven mi cuerpo, quienquiera que vaya a hacerlo, digo, ése no soy yo.”

“Hay ciertos raros momentos y ocasiones en los que este extraño y enrevesado asunto al que llamamos vida, en el que un hombre toma todo de este universo como una broma pesada, y aunque sólo llega a discernir su gracia vagamente, tiene más que sospechas de que la broma no es a expensas de nadie, sino de él mismo. De cualquier manera, nada descorazona y nada parece cuestionable. Él engulle todos los acontecimientos, todos los credos, todas las convicciones, todas las cosas duras, visibles e invisibles, sin importarle nunca lo nudosas que sean; como un avestruz de poderosa digestión que engulle las balas y pedernales.”

"¿Qué son los derechos humanos y las libertades del mundo sino peces sueltos? ¿Qué son las ideas y opiniones de los hombres sino peces sueltos? ¿Qué es el principio de la creencia religiosa sino un pez suelto? ¿Qué son los pensamientos de los pensadores para los literatos palabreros, contrabandistas y ostentosos? ¿Qué es el mismo gran globo sino un pez suelto? ¿Qué eres tú, lector, sino un pez suelto y también un pez sujeto?"

“¿Qué es, qué cosa innombrable, inescrutable y sobrenatural, qué engañoso y escondido amo y señor, emperador cruel e inexorable me gobierna, que contra todos los naturales amores y nostalgias me mantiene empujándome, concentrándome y agolpándome todo el tiempo, haciéndome estar preparado temerariamente para hacer lo que mi propio corazón, verdadero y natural, ni siquiera me atrevería? ¿Soy yo, Dios, o quién es el que levanta el brazo este brazo? Pero si el gran sol no se mueve por sí mismo, sino que es como un chico errante en el cielo; y si ni una sola estrella puede moverse, si no es por algún poder invisible, ¿cómo entonces late este pequeño corazón y este único y pequeño cerebro tiene pensamientos, si no es Dios quien lo hace latir, lo hace pensar y vivir, no yo?”

"Pasead en torno a la ciudad en las primeras horas de una soñadora tarde de día sabático. Id desde Corlears Hook a Coenties Slip, y desde allí, hacia el norte, por Whitehall. ¿Qué veis? Apostados como silenciosos centinelas alrededor de toda la ciudad, hay millares y millares de seres mortales absortos en ensueños oceánicos. Unos apoyados contra las empalizadas; otros sentados en las cabezas de los atracaderos; otros mirando por encima de las amuradas de barcos arribados de la China; algunos, en lo alto de los aparejos, como esforzándose por obtener una visión aún mejor hacia la mar. Pero ésos son todos ellos hombres de tierra; los días de entre semana, encerrados entre tablas y yeso, atados a los mostradores, clavados a los bancos, sujetos a los escritorios. Entonces ¿cómo es eso? ¿Dónde están los campos verdes? ¿Qué hacen éstos aquí?

"Pero ¡mirad! Ahí vienen más multitudes, andando derechas al agua, y al parecer dispuestas a zambullirse. ¡Qué extraño! Nada les satisface sino el límite más extremo de la tierra firme; no les basta vagabundear al umbroso socaire de aquellos tinglados. No. Deben acercarse al agua tanto como les sea posible sin caerse dentro. Y ahí se quedan: millas seguidas de ellos, leguas. De tierra adentro todos, llegan de avenidas y callejas, de calles y paseos; del norte, este, sur y oeste. Pero ahí se unen todos. Decidme, ¿les atrae hacia aquí el poder magnético de las agujas de las brújulas de todos estos barcos?"

"¡Ah, vosotros, cuyos muertos yacen sepultados bajo la verde hierba; que, en medio de las flores podéis decir: aquí, aquí yace mi ser amado; vosotros no conocéis la desolación que se cobija en pechos como éstos! ¡Qué amargos vacíos en esos mármoles bordeados de negro que no cubren cenizas! ¡Qué mortales huecos y qué infidelidades forzosas en las líneas que parecen roer toda fe, rehusando resurrecciones a los seres que han perecido sin sitio y sin tumba! Estas lápidas podrían estar lo mismo en la cueva del Elephanta que aquí."

Selección de fragmentos realizada por Celia Valdelomar

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Un joven Tom Hanks pide por carta ser descubierto

Unos años antes de que Tom Hanks empezara a conquistar la pantalla con comedias del tipo de "Big"  o "1,2,3... Splash" (hay que ver lo que se parece esta película a "La forma del agua"), era un estudiante más de interpretación que buscaba abrirse camino en el mundo del cine, y como es natural a la edad de 18 años, estaba rebosante de energía y totalmente falto de oportunidades. En 1974, cuando el director George Roy Hill se encontraba en lo más alto por el exitazo de la película "El golpe" en la que tuvo como actores a Paul Newman y Robert Redford y con la que ganó nada menos que 7 Oscar, nuestro Tom Hanks pensó que el camino más corto hacía sus sueños era escribir algo parecido a una carta a los Reyes Magos, aunque en este caso la carta la dirigiría al director George Roy Hill pidiéndole lo que más ansiaba, ser descubierto como actor. La carta es sencillamente deliciosa:

Estimado Sr. Hill:

Al ver su fantástica, entretenida y galardonada película ‘The Sting’ me he dado cuenta de que es el momento perfecto para que usted me ‘descubra’. Ahora sé lo que está pensando (¿Quién será este chico?)  y los recelos que le puedo suscitar. Sí, soy un don nadie. Nadie fuera de la Skyline High School ha oído hablar de mí. Mi apariencia no destaca. No soy un Dios griego y ni siquiera puedo dejarme crecer el bigote pero imagino que la gente podría pagar por verme.

Vamos a centrarnos en los detalles de mi descubrimiento. Podemos hacerlo de la forma en que Lana Turner fue descubierta. Sentado en el taburete de una tienda de soda, entra, me observa y ZAS ya soy una estrella.

También podemos hacerlo de otra manera. Me tropiezo en su oficina un día y le pido trabajo. Para deshacerse de mí, me da un papel suplente en su próxima película. Durante el rodaje, la estrella se rompe la pierna en el vestuario y, puesto que va por detrás del calendario previsto, me coloca arbitrariamente en su lugar y ZAS ya soy una estrella.

Todos estos planes me van bien, o podrían hacerse de la manera que usted deseara, ¡no me importaría para nada! Pero dejemos una cosa clara. Sr. Hill, no quiero ser una superestrella de Hollywood con chicas arrastrándose por mí, solo ser un muchacho americano que ha pillado la gran oportunidad, es propietario de un Porsche, y llama a Robert Redford ‘Bob’.

Respetuosamente,

Thomas J. Hanks

Alameda, California

Supongo que por aquel entonces todavía no había encontrado la maquina de Zoltar para pedir deseos que aparece en "Big". La carta fue descubierta hace poco tiempo en la biblioteca Margaret Herrick, en la Academía de Artes y Ciencias de Hollywood, a la que la familia de George Roy Hill había legado todo sus archivos a la muerte del director en 2002. No tuvo suerte Tom Hanks con su carta y tuvo que esperar un tiempo haciendo películas y obras de teatro perfectamente olvidables hasta que Ron Howard le dio la oportunidad en "1,2,3... Splash" (1984), trabajo a partir del cual nos conquistó como un candoroso actor de comedia que mutó a un solido actor dramático con "Philadelphia" (1993) por la que consiguió su primer Oscar y a la que siguieron una pléyade de maravillosas películas por todos conocidas y que han hecho de aquel soñador uno de los actores mas solventes y queridos de la historia de Hollywood. 

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El "Vals triste" de Sibelius y la muerte

El gran músico sueco Jean Sibelius encontraba principalmente su inspiración en la mitología y sobre todo en la naturaleza de la que era un rendido admirador, llegando incluso a marchar a vivir al campo, en su apacible "Ainola" (casa de Aino) en la que buscaba la paz necesaria para componer. En una de sus excursiones campestres y con el animo exultante por la belleza que le rodeaba comentó al amigo que le acompañaba: "¡No hay mejor orquesta que el armonioso canto de los pájaros!". En ese preciso instante pasó frente a ellos un cuervo graznando. Sin inmutarse lo más mínimo completó su sentencia: "Mira, ahí va un crítico"

Pero ni el más torcido de los críticos pudo poner un reparo a la absoluta belleza de una de sus más famosas piezas, el Vals triste, posiblemente el vals más conocido para el gran público después de los de la familia Strauss.

Su vals es una pieza cargada de solemnidad, de contención y melancolía, pero lo que uno no imagina es que esa música fuera concebida como el momento previo a la llegada de la muerte, como una especie de canto del cisne de una persona antes de entregarse ya irremisiblemente en los brazos de la parca. Ciertamente el "Vals triste" fue compuesto en su inicio como música incidental para una obra de teatro llamada "Kuolema" -La Muerte- (1903) obra de Arvid Järnefelt, cuñado de Sibelius, y solo posteriormente se desgajaría de esta obra teatral para tomar vida propia en solitario, resultando un éxito de público inmediato cuando, una año después, fue estrenada como tal en Helsinki. Sibelius nunca dio mucho valor a la pieza y vendió sus derechos por muy poco dinero antes de conocer el éxito que tendría entre el público, hasta convertirse en una de sus obras más famosas y representadas, circunstancia esta por la que los enormes beneficios que esta generaría nunca llegarían a manos del compositor.

El propio Sibelius explicaba la escena teatral que daba origen e inspiración a este "Tempo di valse lente - Poco risoluto" que después se transformaría en el "Valse triste op. 44.1"

"Es de noche. El hijo, que ha estado observando al lado de la cama de su madre enferma, se ha dormido de puro cansancio. Poco a poco una luz rojiza se difunde a través de la sala: Hay un sonido de una música lejana; la luz y la música se aproximan para formar los acordes de una melodía de vals que flota vagamente hacia nuestros oídos. La madre, que dormía, se despierta, se levanta de su cama y, vestida con un largo vestido blanco, que tiene la apariencia de un traje de baile, comienza a moverse en silencio y lentamente hacia adelante y hacia atrás. 

Mueve sus manos y hace señas mientras suena la música, como si estuviera convocando a una multitud de invitados invisibles. Parejas extrañas, sombras, aparecen ahora girando y deslizándose a un ritmo de vals sobrenatural. La  mujer moribunda baila con ellos y se esfuerza para que se vean a los ojos, pero los invitados evitan su mirada. Son sombras sin ojos.

Luego parece hundirse agotada en su cama y la música se interrumpe. Con las pocas fuerza que le quedan  llama a la danza una vez más. Con gestos más enérgicos que antes vuelven las sombras, girando con un ritmo salvaje, loco, y una especie de extraña  alegría llega a un clímax.

Un golpe suena en la puerta. Llaman. La madre profiere un grito desesperado. Los bailarines espectrales desaparecen. La música se desvanece. La muerte está en el umbral."

Y después de la explicación dada por el compositor solo queda escuchar la pieza con nuevos oídos y con el extra de las maravillosas evoluciones que la pareja de patinaje artístico Tessa Virtue y Scott Moir dieron a esta pieza en el Mundial de 2007. Una delicia:

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El fuego de Jean Cocteau

"La cordura es la locura vuelta del revés"

Y nadie más cuerdo en su locura, en su extravagancia vital y artística que Jean Cocteau. En aquellas ocasiones en las que el genial artista daba un recital de poesías suyas, tenía la manía de terminar siempre de la misma manera:

-"Y perdonen, se lo ruego, que esté vivo todavía"

Los presentes en seguida le preguntaban que por que decía aquello y Cocteau se explicaba:

- "Porque el público ha preferido siempre a los poetas muertos. Y considero que mi presencia aquí tiene para los que me escuchan, en este sentido, algo de decepción"

"Lo que el público te reprocha, cultívalo: eres tú."

Jean Cocteau es uno de esos personajes sin los cuales sería imposible entender las vanguardias artísticas y literarias del pasado siglo. Del cine al diseño, de la poesía a la pintura, del teatro a la novela, de la crítica a la escultura parecía querer abarcarlo todo y todo lo hacía bien.

"Un egoísta es aquel sujeto que se empeña en hablarte de sí mismo cuando tú te estás muriendo de ganas de hablar de ti"

Amigo de todos los grandes artistas de aquella dorada época, se cuenta que habiendo visitado el Museo del Prado con Salvador Dalí, un periodista le preguntó a Cocteau: "Si se hubiera quemado el Museo del Prado, ¿qué hubiera salvado usted?". Cocteau no lo dudó un momento y contestó "El fuego". Luego el periodista lanzó la misma pregunta a Dali, que después de fingir reflexionar durante unos momentos respondió eufóricamente y por supuesto en tercera persona: "Pues Dalí salvaría el aire, y específicamente el aire contenido en Las Meninas, de Velázquez, que es el aire de mejor calidad que existe". Ante tamaña genialidad, Cocteau hizo una reverencia en reconocimiento a la agudeza de Dali. Vaya par de dos. 

"Que comprenda quien pueda, soy una mentira que dice siempre la verdad"

Amigo de todos los grandes pintores de la época, el mismo no era mal pintor y sus cuadros se vendían bien (a la izquierda un autorretrato suyo) llegando incluso a pintar los frescos de una iglesia del sur de Francia. Era un quehacer que le daba muchas satisfacciones. En una exposición de pinturas suyas se encontraba sumamente alegre y le preguntaron el porqué de aquella exultante alegría. El artista contestó muy serio:

- Los pintores somos todos gente alegre, y hoy soy pintor.

- ¿Los escritores no?

- No.

- ¿Cuál es la razón?

- Que la tinta es triste; no hay otra.

En cualquier caso era muy capaz de crear belleza en el negro sobre blanco y como empezamos hablando de su poesía ahí os dejo una suya titulada "Un amigo duerme":

Tus manos por las sábanas eran mis hojas muertas. 

Mi otoño era un amor por tu verano.

El viento del recuerdo resonaba en las puertas de lugares que nunca visitáramos.

Permití la mentira de tu sueño egoísta allá donde tus pasos borra el sueño. 

Crees estar donde estás.

Qué triste nos resulta estar donde no estamos, así siempre.

Tu vivías hundido dentro de otro tú mismo, 

abstraído a tal punto de tu cuerpo que eras como de piedra.

Duro para el que ama es tener un retrato solamente.

Inmóvil, desvelado, yo visitaba estancias a las que nunca ya retornaremos.

Corría como un loco sin remover los miembros: el mentón apoyado sobre el puño.

Y, cuando regresaba de esa carrera inerte, te encontraba aburrido, con los ojos cerrados,

con tu aliento y con tu enorme mano abiertos, y tu boca rebosante de noche.

No se había dicho nada de su cine en esta entrada y el no hacerlo, aunque sea brevemente, sería dejarla coja y es que sus películas figuran entre las mejores del cine francés destacando sobre todo "La bella y la bestia" (1946) y su "Orfeo" (1950).

"No se debe confundir la verdad con la opinión de la mayoría"

En el siguiente vídeo podemos escuchar a Dalí relatando la anécdota del fuego en el Prado.

Fuente:

Antología de Anécdotas de Noel Clarasó.

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"Tira los dados" - Charles Bukowski

Si vas a intentarlo,
ve hasta el final.
De lo contrario,
no empieces siquiera.

Tal vez suponga perder
novias, esposa, familia,
trabajo…
y quizás hasta la cabeza.

Tal vez suponga no comer
durante tres o cuatro días,
tal vez suponga helarte
en el banco de un parque,
tal vez suponga la cárcel,
tal vez suponga humillación,
tal vez suponga desdén,
aislamiento.

El aislamiento es el premio,
todo lo demás es para
poner a prueba tu resistencia,
tus auténticas ganas de hacerlo.

Y lo harás…

A pesar del rechazo,
además de las ínfimas
probabilidades.

Y será mejor que cualquier cosa
que pudieras imaginar.

Si vas a intentarlo,
ve hasta el final.

No existe una sensación igual,
estarás solo con los dioses
y las noches arderán en llamas.

Hazlo, hazlo, hazlo.
Hazlo.
Hasta el final.

Llevarás las riendas de la vida
hasta la risa perfecta.
Es por lo único que vale la pena luchar.

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Zorrilla y los curiosos

"Yo no soy ya lo que fui: y viendo cuán poco soy, dejo a los que más son hoy pasar delante de mí"

Hace pocos años y con muy mala idea, le preguntaron a una actriz española muy dada a protagonizar escenas subiditas de tono si había hecho alguna vez un papel de Zorrilla. Ella, conocedora del tono humorístico en el que iba dirigida la pregunta le contestó muy resuelta: "De Zorrilla ninguno, pero de Zorra muchos". Puede que como en los versos de Zorrilla, la actriz para aceptar aquellos papeles, ya no fuera lo que fue...

Más allá de esa jocosa anécdota sobre los chistes que siempre propició el apellido de nuestro José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio tuvo en cierta ocasión la idea de alquilar una casita en las afueras de Madrid con la pretensión de relajarse con la paz del campo y allí aislado de tanto bullicio buscar inspiración para una nueva obra. Ni que decir tiene que Zorrilla prefirió mantener el anonimato entre los vecinos de aquel pueblo y que estos, acostumbrados a saber vida y milagros de todos los moradores del lugar, estaban sumamente intrigados por saber quien era y como respiraba aquel nuevo vecino venido desde la capital. No tardaría mucho uno de los vecinos en dejarse llevar por su curiosidad y decidido abrió una carta lacrada que iba destinada al escritor, buscando que su contenido le aclarara un poco el misterio de su persona. La misiva, muy escueta, decía:

"Querido José. Creo que es mejor que no mates al alcalde con veneno. Bastará que le administres un sedante. Atentamente, tu amigo JD"

Ni que decir tiene que ante tales palabras le saltaron todas las alarmas y el indiscreto personaje corrió, carta en mano, a entrevistarse con el alcalde del pueblo para ponerle al tanto de la supuesta conspiración que se estaba urdiendo en su contra.

Zorrilla fue evidentemente detenido y solo logró recobrar la libertad tras presentarse como escritor y demostrar que el alcalde al que se hacia referencia en aquella carta no era de verdad, que era solo un personaje imaginario de la obra que estaba escribiendo durante su estancia en el pueblo y sobre el que había pedido consejo a un amigo para el desarrollo de la trama.

Y es así como el pueblo supo todo de su nuevo vecino y Zorrilla tuvo algo nuevo que contar, quien sabe si para alguna de aquellas obras suyas de título tan apropiado a la situación: "A buen juez, mejor testigo", "Traidor, inconfeso y mártir" o "Para verdades el tiempo y para justicia Dios".

La foto de cabecera es obra de William Eugene Smith, reportero fotográfico estadounidense (1918- 1978) - 'Spanish Village' (1950) y forma parte de un ensayo fotográfico del pueblo extremeño de Deleitosa, en España.

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https://commons.wikimedia.org/wiki/Category:Jos%C3%A9_Zorrilla#/media/File:Jose_zorrilla.jpg