“Desde el primer compás de un concierto soy capaz de adivinar qué hizo mi batería la noche anterior. Si no ha dormido no le queda nada.... las chicas siempre están ahí para arrebatarle la fuerza a los músicos. Son peligrosas. Por otro lado, son ellas quienes realmente tienen un feeling por la música. Nos hacen componer canciones de amor, todas esas canciones de amor, todas diferentes, son ellas…”
Son palabras de "El principe de las tinieblas", que es uno de los apodos con el que se conoce al gran Miles Davis, uno de los pilares indiscutibles del jazz. Su disco "Kind of blue" es el álbum más vendido de la historia del jazz. Del be bop, al jazz fusión pasando por el cool, Miles era un trompetista con una trayectoria profesional tan inclasificable como él mismo: "Rebelde y negro, inconformista, frío y con estilo, airado, sofisticado y ultra limpio, añade el rasgo que quieras: yo era todas esas cosas y más". Un genio sin duda fanfarrón y orgulloso de si mismo, cruel y vulnerable a la vez y con una única debilidad (aparte de las drogas): las mujeres. Arriba lo vemos en compañía de la enigmática Jeanne Moreau, actriz protagonista de "Ascensor para el cadalso" (1958), una buenísima película de cine negro francés dirigida por Louis Malle y para la que Davis compuso una sensacional banda sonora. En el vídeo que ponemos a continuación vemos un trocito de la película con el famoso paseo de la diva francesa con la música de Miles Davis de fondo. No cabe duda de que las mujeres son capaces de desatar la inspiración de cualquier hombre con el más sencillo de sus gestos, con tan solo andar por la calle mirando la vida a su alrededor. "Un ascenseur pour l'echafaud", si encontráis el disco con la banda sonora os encantará. Hora de ver caminar a la Moreau:
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Eso le decía Pepe Isbert al pobre verdugo encarnado por Nino Manfredi en "El verdugo", una película en la que solo de un genio como Rafael Azcona, podía surgir la idea de convertir una historia de amor imposible en un rotundo alegato contra la pena de muerte. No cabe duda de que "El verdugo", obra de José Luis Berlanga, es una de nuestras mejores películas, una comedia macabra que nos cuenta la historia de un pobre empleado de pompas fúnebres (Nino Manfredi) del que huyen las mujeres por su siniestro trabajo y que se enamora de la hija (Enma Penella) de un verdugo a la que, a pesar de estar de buen ver, no se acercan los pretendientes por el trabajo de su padre (Pepe Isbert).
Total, que se juntan el hambre con las ganas de comer y el empleado se mete a verdugo para poder casarse con aquella chica después de ser sorprendido metido en faenas horizontales con ella, y como la economía no les daba para mucho, lo convencen para tomar el puesto de su suegro que está a punto de jubilarse como verdugo. Hombre de pocas carnes, solo accede después de que le aseguren que los verdugos son una figura que prácticamente está en desuso y que con seguridad ya no tendría que ajusticiar a nadie, beneficiándose eso si del estatus de funcionario público para conseguir una vivienda. Por supuesto en una película que se llama así, los nubarrones tenían que aparecer en un momento u otro y finalmente, el pobre diablo será llamado para ajusticiar a una persona, situación que el verdugo creía descartada y para la que no está en absoluto preparado. Un trance de que intentará huir renunciando a todo si hace falta, pero al que se tendrá que enfrentar contra su voluntad con unos buenos lingotazos de coñac y llevado a empujones por los guardias hasta el garrote para cumplir con su siniestro deber.
Pocos saben que esta película rodada en 1963 (Dios sabrá como sorteó la censura) se basa en un caso real, el vivido por Antonio López Sierra, un verdugo que, si bien no era novato en su oficio como el de la película, si que se encontró con la novedad de tener que ajusticiar por garrote vil a una mujer joven, algo que nunca le había sucedido -parece que años antes había ajusticiado a otra mujer-. La mujer en cuestión era Pilar Prades, la conocida como "Envenenadora de Valencia", un angelito que para intentar medrar mataba a las señoras para las que trabajaba con veneno para hormigas. En 1957 fue condenada a muerte y en 1959, con tan solo 31 años, se cumplía la condena. Para el verdugo, el mentado Antonio López Sierra, aquello de tener que ajusticiar a una mujer nuevamente y además joven era algo para lo que no estaba preparado. Con los años contaría: “Una de las primeras condiciones que se debían poner al entrar en este destino es la de no tener que ejecutar nunca a una mujer. Ejecutar a una mujer es peor que ejecutar a treinta hombres. Tener que hacerlo con una mujer es lo más duro, y más con una muchacha joven de carnes tan blancas como aquélla”.
La autoridades intentaron darle ánimos para la ejecución a base de coñac (como en la película), pero sin el más mínimo resultado; rogaba que se esperase a que llegara un indulto para la condenada que nunca llegó, enseñaba las fotos de su familia, imploraba que se le liberara de aquel deber, mientras al final de la sala la condenada gritaba pidiendo clemencia. Una verdadera escenita.... Por últimol y ante tanta demora, al verdugo lo tuvieron que arrastrar por la sala, tal y como ocurre en la película, hasta la condenada para que cumpliera con su deber. Pasado el mal trago, Antonio López Sierra siguió dándole a la manivela durante años, hasta jubilarse en 1975. Entre los ajusticiamientos famosos "que pasaron por sus manos" figuran los de Jarabo (días después del de la envenenadora) o el de Salvador Puig Antich, ambos ciertamente dantescos por como se desarrollaron los hechos y por encontrarse al parecer bajo los efectos del alcohol.
Un abogado que había estado presente en el trance del ajusticiamiento de Pilar Prades le contó la historia de como se sucedió todo a Berlanga y este a su vez a Rafael Azcona que se encargó de realizar un maravilloso guión con aquel suceso. Para la película se ayudaron también de detalles de otros profesionales del garrote vil, y así el verdugo al que da vida Pepe Isbert se basa en el burgalés Gregorio Mayoral, al que apodaban "El abuelo", incluso el viajecito que en la película se dan a Mallorca se basa en un suceso vivido por el verdugo Florencio Fuentes que hubo de trasladarse hasta las Baleares para un ajusticiamiento.
Pero no solo la realidad inspiró una película, puede que la película también inspirara a un personaje real. Y es que con los años y con posterioridad a la película se dio un caso muy parecido en la persona de José Moreno Moreno (para otros José Monero Renomo), que se metió a verdugo en 1972 para sustituir la vacante dejada por un verdugo fallecido. Vendedor de libros, Moreno vio en el puesto de funcionario una oportunidad para prosperar, pensando además que nunca tendría que ejercer su oficio, parecía claro que el garrote vil había pasado de moda y la verdad es que casi acierta. La mala suerte quiso que le llamaran para realizar el ajusticiamiento de Heinz Ches (acusado de la muerte de un guardia civil), la última muerte por garrote efectuada en España y coincidente en el día con la de Salvador Puig Antich, al que ajustició el ya nombrado Antonio López Sierra, inspirador de la película, de modo que curiosamente parecía cerrarse un círculo. Cuando a Moreno le llegó la orden de que se presentara para el ajusticiamiento quiso rechazarla y solo después de muchas amenazas se decidió a cumplir con su deber, ocultándolo eso si a su familia, a la que dijo que debía desplazarse fuera por un viaje de negocios. Por su impericia, la ejecución fue ciertamente aberrante. No advirtió el muchachito la falta de un poste al que fijar las palomillas que debían sujetar el garrote, teniendo que ajustar el anillo de hierro al cuello del reo mediante el uso de cuerda y tela de saco. El mecanismo era tan improvisado e ineficaz y el verdugo tan inexperto que tuvo que repetir la ejecución en tres ocasiones, llegando a recibir hasta algún pescozón de los carceleros, desesperados con su falta de buen hacer y por el dantesco sufrimiento que estaba causando al condenado y a todos los presentes. Tal fue el horror que sobre el suceso se impuso la ley de silencio. Al abolirse la pena de muerte en 1977, Moreno fue despedido sin contemplaciones y sin previa notificación. Solo hizo un ajusticiamiento, pero dada la forma en la que fue despedido, demandó al Estado y obtuvo una pequeña indemnización por los años de servicios prestado. ¡Unos personajes, estos, nuestros "queridísimos verdugos"! como diría Basilio Martín Patino.
Título original: El verdugo
Año: 1963 Duración: 90 min.
País: España
Dirección: Luis García Berlanga
Reparto: José Isbert, Nino Manfredi, Emma Penella, José Luis López Vázquez, Ángel Álvarez, María Luisa Ponte, María Isbert, Julia Caba Alba, Guido Alberti, Erasmo Pascual, Xan das Bolas, José Orjas, José María Prada, Félix Fernández, Antonio Ferrandis, Lola Gaos, Alfredo Landa, José Sazatornil, Agustín González, Chus Lampreave, José Luis Coll, José Cordero, Pedro Beltrán, Dolores García, Emilio Laguna, Enrique Tusquets, Enrique Pelayo
Guion: Rafael Azcona, Luis Gª Berlanga, Ennio Flaiano
Música: Miguel Asins Arbó
Fotografía: Tonino Delli Colli (B&W)
Productora: Coproducción España-Italia; Naga Films / Zabra Films
Premios: 1963: Festival de Venecia: Premios FIPRESCI
“—Muy bien —replicó el visitante—. Lanyon, recuerda tu juramento. Lo que vas a ver debe quedar bajo el secreto de nuestra profesión. Y ahora, tú que durante tanto tiempo has mantenido las opiniones más estrechas de miras, tú que has negado la existencia de la medicina transcendental, tú que te has reído de los que te superaban en saber, ¡mira!
Y diciendo esto se llevó el vaso a los labios y se bebió el contenido de un golpe. Dejó escapar un grito, giró sobre sí mismo, dio un traspié, se aferró a la mesa y allí quedó mirando al vacío, con los ojos inyectados en sangre y respirando entrecortadamente a través de la boca abierta. Y mientras le miraba, me pareció que empezaba a operarse en él una transformación. De pronto comenzó a hincharse, su rostro se ennegreció y sus rasgos parecieron derretirse y alterarse. Un momento después yo me levantaba de un salto y me apoyaba en la pared con un brazo alzado ante mi rostro para protegerme de tal prodigio y la mente hundida en el terror. —¡Dios mío! ¡Dios mío! —repetí una y mil veces, porque allí, ante mis ojos, pálido y tembloroso, medio desmayado y tanteando el aire con las manos como un hombre resucitado de la tumba, estaba Henry Jekyll.”
"El extraño caso del Doctor Jekyll y el Señor Hyde" fue escrita en 1886 por Robert Louis Stevenson y más allá de considerandos psiquiátricos, de identidades múltiples o del trastorno disociativo de identidad, habla sobre todo del bien y el mal que anida en cada uno de nosotros, un tema sobre el cual, Stevenson estaba especialmente interesado y sobre el que buscaba la forma de unir esa dualidad que vive en todo ser humano en una misma historia.
Sobre la génesis de la obra, la señora Stevenson contaba:
"A altas horas de la mañana fui despertada por gritos de horror de Louis. Pensando que tenía una pesadilla le desperté. Él me dijo furioso '¿Por qué me has despertado? Estaba soñando un dulce cuento de terror.' Yo le había despertado en la escena de la primera transformación".
Y su hijastro Lloyd Osbourno daba algunos detalles más:
"No creo que haya habido antes una hazaña literaria como la escritura de Doctor Jekyll. Recuerdo su primera lectura como si fuera ayer. Louis bajó enfebrecido, leyó casi la mitad del libro en voz alta; y luego, cuando todavía estábamos jadeando, él ya estaba otra vez lejos ocupado en la escritura. Dudo que la primera versión le llevara más de tres días".
La obra fue un éxito inmediato, que pronto llegaría a los teatros y con el tiempo al cine.
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Nada descubrimos con los beneficios que la música puede reportar al espíritu, ya lo sabía bien nuestro Felipe V cuando se hacía acompañar de los trinos del gran Farinelli, el rey de los castrati, para atenuar su entonces llamada "melancolía" y que probablemente hoy sería diagnosticada como depresión. No es nada nuevo, la cosa viene incluso de los tiempos de Pitágoras, Platón o Aristóteles; de hecho todos ellos hablaban de la influencia de la música en el ánimo. Musicoterapia lo llaman y no sé a ustedes pero a mi ciertamente hay momentos en que la música me infunde ánimos. Otra cosa bien distinta es el tema del controvertido "Efecto Mozart". Parece que Albert Einstein, gran aficionado a la música clásica y violinista en sus momentos de ocio matemático, comentó que durante el tiempo en el que estuvo ideando su famosa teoría de la relatividad tenía especial predilección por la Sonata para dos pianos K 448 de Mozart de la que llegó a decir "es una de las más profundas y maduras de todas las composiciones escritas por el compositor” y parece ser que era la banda sonora habitual de sus pensamientos en aquella época. De hecho Einstein, mantenía que mientras Beethoven creó su música, la de Mozart"era tan pura, que parecía haber existido en el universo desde siempre, esperando a ser descubierta por su dueño", algo así como las leyes que gobiernan ese universo, como una música de las esferas en forma de números.
Puede que por ello, esta sonata, compuesta por Mozart a los 25 años, fuera la pieza elegida para realizar algunos experimentos relacionados con la inteligencia y cuyos resultados llegaron a publicarse en la revista científica "Nature" en 1993. Según estas pruebas, a cargo de la psicóloga Frances Rauscher y su equipo, se tomó un grupo de 36 universitarios que se dividió en tres grupos; al primero se le exponía a la referida sonata para dos pianos, al segundo a instrucciones de relajación y al tercero al silencio. Posteriormente se les sometía a unas pruebas de razonamiento espacial en las que tenían que averiguar que forma tendrían unos pedazos de papel tras ser doblados y cortados. El caso es que el grupo que escuchaba a Mozart lograba unos resultados realmente sorprendentes al predecir en un 62% más las formas que surgirían del papel que cuando habían estado con la relajación o en silencio. Lo malo es que esos efectos no eran duraderos y se reducían a los 10-15 minutos posteriores a la estimulación musical.
No sé si la teoría de la relatividad estará muy influenciada por las notas musicales de Mozart, pero el estudio sonaba tan bien, que no fueron pocos los avispados comerciantes que inundaron el mercado con discos de Mozart, amparados en aquel supuesto "efecto" milagroso que nos haría a todos más inteligentes aunque fuera por 10 minutos. Los niños empezaron a escuchar a Mozart antes de nacer e incluso hubo equipos de rugby que escuchaban a Mozart durante sus entrenamientos... sería para entender mejor las jugadas. Un verdadero sinsentido.
No cabe duda que la estructura de la sonata de Mozart, realmente ágil e imaginativa, puede estimular sensorialmente a una persona (como tantas otras) y predisponer nuestra mente para lograr unos mejores resultados a continuación -como el que hace un calentamiento antes de una competición deportiva- pero de ahí a pensar que la audición de una pieza musical concreta va ha convertirnos en personas más inteligentes hay un trecho demasiado largo. De hecho estudios posteriores han sido muy críticos con el efecto Mozart aunque alguno se mantiene todavía en sus trece y sostiene que escuchar la mentada sonata incluso puede ser beneficioso para las personas que padecen epilepsia y reduciría la frecuencia de los episodios de crisis.
La pieza, Sonata para dos pianos K 448, es la única compuesta por Mozart para dos pianos, data de 1781 y tiene tres movimientos (Allegro con spirito, Andante y Molto Allegro) repletos de melodías entrelazadas, resultando al oído juguetona, chispeante y amable, como solía ser mucha de la música de Mozart. Y aunque pudiera ser que no nos haga más inteligentes desde luego escucharla en las manos de Daniel Barenboim y Martha Argerich no nos va a hacer ningún mal, así que estimulémonos un poco:
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"Si no cometes errores es que no lo estás intentando en serio" Coleman Hawkins
"No toques el saxofón. Deja que él te toque a ti" "Tienes que aprender a tocar tu instrumento. Después debes practicar, practicar y practicar. Y después, cuando finalmente estás en el escenario, olvídalo todo y sopla." Charlie Parker
Aunque empecemos con frases de nuestros protagonistas, hay veces que una imagen vale más que mil palabras y hoy nuestra entrada tiene como protagonista un vídeo de 1950 en el que se enfrentan dos formas muy diferentes de entender el saxofón y el mismo jazz en sí y que sin embargo coexisten en esta pieza en una sugerente armonía.
Un estilo baladista el de Coleman Hawkins (el de la foto de la izquierda) con sus notas alargadas y aterciopeladas frente al saxofón más agresivo y punzante de Charlie Parker (en la foto de cabecera retratado por Herman Leonard), que si bien en este vídeo se muestra un tanto mesurado para no desentonar del todo con el bueno de Hawkins, siempre parecía luchar por tocar dos notas a la vez, tal y como se nos contaba en aquella esplendorosa película "Bird" que Clint Eastwood le dedicó a Parker. Esa idea de velocidad nos la transmite en toda su pureza en la segunda parte del vídeo en el que nos ofrece el frenesí característico de su be bop más genuino, con un soberbio Buddy Rich a la batería, completando el cuadro Hank Jones al piano y Ray Brown al contrabajo.
Una delicia en blanco y negro:
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No busquen ideas retorcidas en el logo de los Rolling Stones, esa boca irreverente con la lengua fuera. Su diseño fue idea del propio Jagger jugando con uno de sus gestos habituales en concierto, ya se sabe que su boca es de armas tomar y en concierto su lengua parece a menudo la de la Diosa Kali, siempre desafiando al mundo. Jagger encargó el diseño de su idea a John Pascher, un joven diseñador inglés que tan solo cobró 50 libras por uno de los logos más famosos de la música del siglo XX. Pero eso de mezclar lenguetazos con aquello del "(I Can't Get No) Satisfaction" tiene su miga. "Satisfaction" es un tema compuesto por Mick Jagger y Keith Richards en 1965 y que sin duda resultó crucial en la historia del grupo tal y como comentaba el propio "Morritos Jagger"
"Fue la canción lo que realmente hizo a los Rolling Stones, pasamos de ser una banda más a ser una inmensa, monstruosa banda... Tiene un título cautivador. Tiene un riff de guitarra cautivador. Tiene un gran sonido de guitarra, que era original en aquella época. Y capta el espíritu de los tiempos, lo que es muy importante en este tipo de canciones... que era la alienación." Durante la tercera gira en los Estados Unidos, en 1965, Richards ideó el riff de guitarra de la canción. Los Stones se hospedaban en el hotel Fort Harrison en Clearwater, Florida como parte de su gira. Una noche Richards se despertó de repente, encendió la grabadora de casete y tocó el riff que abre «Satisfaction» antes de volver a la cama. Más tarde la describiría como: "2 minutos de Satisfaction y 40 minutos de mis ronquidos".
Más tarde, Richards lo llevó al estudio donde los Stones estaban grabando. A Jagger le gustó el riff inmediatamente, pero Richards pensaba que se parecía demasiado a la canción «Dancing in the Street» de Martha & The Vandellas. En una entrevista, Jagger comentó: "Creo que Keith pensaba que el riff era un poco básico. Estaba muy enganchado a él y le parecía un tipo de riff tonto". Jagger escribió la letra para el riff intentando hacer una denuncia sobre el comercialismo salvaje que la banda británica había visto en América con tanto anunció por todos lados invitándote a consumir buscando una satisfacción que nunca llega. Richards, refiriéndose al proceso de escritura de la letra para la canción, declaró: «Mick escribió todas las palabras que dicen algo y yo escribí el gancho, me levanté de la cama con este riff y me dije 'tengo que escribir esto».
Richards describió luego su opinión sobre "Satisfaction": "Sólo era un riff... Me desperté en medio de la noche, lo grabé en un casete y pensé que era bueno. Fui a dormir y cuando me levanté parecía tan útil como cualquier otra canción de álbum. Lo mismo pasó con Mick al mismo tiempo, ya sabes, las cosas van da-da, da-da-da...y las palabras que escribí fueron «I can't get no satisfaction». Pero igualmente podría haber sido "Auntie Millie's Caught Her Left Tit in the Mangle" ("la tía Millie se pilló la teta izquierda con el rodillo")."
Se ha sugerido que el título pudo salir de una línea del sencillo de 1955, «30 Days» de Chuck Berry("I don't get no satisfaction from the judge"), pero esto no ha sido confirmado, aunque en una entrevista hecha a Jagger en 1995, él indicó que "inconscientemente" Richards pudo haber tomado el título de esa línea.
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Esta fotografía de Joseph Goebbels, ministro de propaganda nazi, fue tomada por el fotógrafo Alfred Eisenstaedt durante una reunión de la Liga de Naciones (antecedene de la ONU) celebrada en Genova en el año 1933. Goebbels fue uno de los personajes más siniestros de la Segunda Guerra Mundial y uno de los más fieles y eficaces colaboradores de Hitler, junto al que se mantuvo hasta su final en el Bunker, cuando ya sin salida decidió suicidarse junto a su mujer Magda y lo que es más terrible junto a sus seis hijos. El día de su suicidio el Vicealmirante Voss le ofreció una escapatoria a Goebbels momento del que contaba: "(...) mientras me despedía, le pedí a Goebbels que se uniera a nosotros. Pero él respondió: “Un capitán nunca abandona su barco que se hunde. He pensado en todo y decidimos permanecer aquí. No tengo adónde ir, porque con los niños pequeños no podré escapar, sobre todo con una pierna como la mía...” No tardarían mucho en tomar el mismo camino el propio Hitler y su recién estrenada esposa Eva Braun. Curiosamente a Goebbels se deben muchas de las técnicas publicitarias actuales y la parafernalia nazi tiene mucho que ver con él.
Cuenta la leyenda que Goebbels era desconocedor del origen judío de Eisenstaedt, que además era alemán, y por ello en unas fotos previas se mostraba risueño y distendido, tal como se aprecia en la foto de la izquierda, pero no paso demasiado tiempo en que fuera advertido por alguno de sus acompañantes de los orígenes del fotógrafo, por lo que su disposición para las fotos cambio radicalmente. El título estaba cantado: "Los ojos del odio". El propio Eisenstaedt nos habla de la foto:
"Lo encontré sentado al lado de una mesa plegable en el jardín del hotel. Lo fotografié desde una distancia sin que se diera cuenta. Como un reportaje documental, la foto puede tener algo de valor: sugiere lo huraño y retraído que era. Después, lo encontré en esa misma mesa, rodeado de ayudantes y guardaespaldas. Goebbels parecía tan pequeño, mientras que sus guardaespaldas eran enormes. Me acerqué, y le tomé una foto. Fue horrible. Me miró con una expresión llena de odio. El resultado, sin embargo, fue una fotografía mucho más fuerte. No hay un sustituto para el contacto personal cercano, la involucración con el sujeto, sin importar lo desagradable que sea. (…) Me miró con sus ojos de odio y esperó a que retrocediera. Pero no retrocedí. Si tengo una cámara en las manos, no conozco el miedo."
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La "Prima ballerina" Anna Pavlova (en la foto con su cisne Jack) era toda pasión por la danza, tanto es así que en cierta ocasión un acaudalado aristócrata ruso le propuso matrimonio siempre y cuando aceptara dejar el ballet. Como era de esperar en un amor que pone condiciones ganó el ballet, pero también es cierto que uno de los números más celebrados de la Pavlova y del ballet en general, está relacionado con este pretendiente. En una visita que la Pavlova hizo a la casa de campo de este potentado pudo observar la agónica muerte de un cisne herido en uno de los estanques de la propiedad.
El impacto que le produjo la visión de la muerte de tan bella ave fue sumamente intenso, tanto que se puso en contacto con el extraordinario coreógrafo y bailarín Michel Fokine expresándole lo mucho que deseaba poder reproducir aquel instante a través del baile. Era por ellos conocida la pieza "El cisne" perteneciente a "El carnaval de los animales" de Camille Saint-Saëns, un corto pero bellísimo tema que iba como anillo al dedo a los sentimientos que deseaban volcar en el nuevo ballet, y que nada tiene que ver con la obra "El lago de los cisnes" de Tchaikovsky. Así, con estas influencias además de la de un poema de Alfred Tennyson("El cisne moribundo"), nació la coreografía de "La muerte del cisne" que usaba como base la pieza de Saint-Saëns.
Fokine hizo un trabajo soberbio que cambiaría el mundo de la danza para siempre introduciendo en él las miniaturas como esta que brillaban con luz propia, al margen de los grandes ballets. Tras el estreno, Anna Pavlova exclamó: "Tenía la impresión, mientras bailaba, de que también yo estaba agonizando". Esta coreografía, de pocos minutos de duración ha sido visitada por todas las grandes bailarinas, especialmente Galina Ulanova, Alicia Markova, Yvette Chauviré, Alicia Alonso, Margot Fonteyn, Natalia Makarova y sobre todo Maya Plisetskaya que con unos majestuosos y delicados movimientos de brazos hizo suya la pieza y de quien ya hablaremos otro día, aunque no me resisto a dejaros su interpretación -maravillosa- de esta pieza:
Y para los curiosos historicistas, os dejo la original, por Anna Pavlova
Ana Pavlova bailando "La muerte del cisne"
Esta entrada se publicó originalmente en 2013 en este mismo blog y ha editada y republicada a fin de adaptarla al nuevo estilo de la página.
Fuente: A partir de: "Anécdotas de la Historia" (2012) de Pancracio Celdrán Gomáriz Las imágenes han sido tomadas de las siguientes páginas: https://www.pinterest.es/pin/476677941800137451/ https://www.pinterest.es/pin/439452876130284200/
"That's Life" fue compuesta por Dean Kay y Kelly Gordon y fue grabada por primera vez por Marion Montgomery en 1963. Frank Sinatra no se adueñaría de ella -con todo éxito- hasta 1966, fecha en la que la incluyo en el álbum del mismo título. No eran buenos tiempos para Sinatra. Ya sabía el cantante de los vaivenes de la fama y el éxito y por supuesto de los golpes del amor, pero ahora se veía de nuevo ante un divorcio, esta vez con Mia Farrow y además sufría los embates de otros cantantes que aspiraban a destronarle.
Cuando el tema le fue presentado, Sinatra quedó encantado y le resultó una válvula de escape que estaba deseando cantar a todos. Ese "Asi es la vida" que tantas veces expresa un lamento de fracaso, él lo volvió del revés y le dio un color más positivo, una aceptación de los revolcones que da la vida, la antesala de un nuevo triunfo. Pero era necesario darle el acento necesario al tema para que agarrara con la fuerza necesaria en los oídos de todos y equivocadamente Sinatra lo veía casi como una balada. Su productor Kelly Gordon, que ya había logrado introducir el sonido de un órgano hammond que daba un toque algo sucio pero espectacular a aquel blues, sabía que el tono tenía que ser mucho más enérgico, y que Sinatra debía mostrarse soberbio, descarado, casi enojado ante aquellas adversidades que le acosaban y a las que había decidido dar carpetazo imponiendo él mismo un cambio de su suerte.
Para conseguir enfadarlo se cuenta que terminada la sesión de grabación del disco, que fue agotadora, y una vez un cansado Sinatra se disponía a arrancar su coche y marchar, Bowen el productor corrió desesperadamente en su búsqueda y le convenció de que todavía le quedaba por grabar el sonido de "That's life". Sinatra se encendió y tras regalarle algunas palabras nada suaves, salió del coche y se encaminó nuevamente al estudio para grabar el tema en el que se nota ese puntito de enfado que tanto agradece la canción y que buscaba Bowen. Por supuesto Sinatra volvió a la cima con este tema. ¡Asi es la vida!
De la foto de cabecera contar que en 1938, un Sinatra de tan solo 23 añitos fue arrestado en el condado de Bergen (Nueva Jersey) acusado de "Seducción y adulterio". Parece que bajo la promesa de matrimonio, Sinatra convenció a una chica para que tuviera relaciones sexuales con él, una joven que aparentemente era todo virtud. Los cargos fueron desestimados cuando se supo que la chica estaba casada en el momento de los hechos. No cabe duda de que Sinatra era todo un personajillo que supo ser un títere, un mendigo, un pirata, un poeta, un peón y un rey, que estuvo arriba y abajo, enfrete y afuera.....
"Así es la vida"
Eso es lo que todo dice todo el mundo...
"Estás en la cima en abril, te derrumban en mayo"
Pero sé bien que yo voy a cambiar esa melodía...
cuando vuelva a triunfar en junio.
Digo: "Así es la vida"
y por mas gracioso que parezca
alguna gente se divierte pisoteando sueños.
Pero yo no voy a dejar que eso me desanime
porque este maravilloso y viejo mundo sigue dando vueltas.
He sido un títere, un mendigo, un pirata, un poeta, un peón y un rey.
He estado arriba y abajo, enfrete y afuera.
Y hay algo que sé
cada vez que he caído de cara al suelo
me levanté y seguí en la carrera.
"Así es la vida", te digo
y no puedo negarlo:
Pensé en renunciar, cariño, pero mi corazón no me dejó.
Y si no creyera que vale la pena intentarlo
me subiría a un pájaro gigante y saldría volando de aquí.
He sido un títere, un mendigo, un pirata, un poeta, un peón y un rey
He estado arriba y abajo, enfrente y afuera
Y hay algo que sé
Cada vez que he caído caído de cara al suelo
me levanté y seguí en la carrera.
"Así es la vida"
Muchas veces pensé en renunciar, pero mi corazón no me dejó
Pero si no aparece nada emocionante para julio
me voy a enrollar hasta formar una gran bola...
Y morir. Oh si....
Hora de verlo cantar:
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Y no le faltaba un ápice a la verdad la gran Bette Davis, quien tuvo que soportar que después de hacer películas de la calidad de "Jezabel", "La solterona", "La carta", "La loba" o "La extraña pasajera" se le hiciera ver que era perfectamente prescindible para su Estudio, la Warner Brothers.
El conflicto llegó en 1949 con el film "Más allá del bosque" de King Vidor. Bette Davis no estaba para nada conforme con el guión del film e intentó modificarlo y darle más fuerza, pero se topó frontalmente con la negativa de Jack Warner de acceder a sus peticiones y la obligó a cumplir su contrato y a terminar la película tal cual estaba diseñada. El encontronazo fue de órdago. Me imagino a la Davis, todo carácter, echando todo el agua al molino para conseguir sus propósitos y al todopoderoso Jack Warner en frente decidido a meter en cintura a una estrella que nunca fue especialmente guapa, a la que los años se le venían encima y que no había tenido demasiada fortuna en los últimos estrenos.
Bette Davis decidió no seguir trabajando para la Warner Brothers a la que tantos éxitos y beneficios había dado durante más de una década y orgullosa como ella sola pidió carta de libertad a un Jack Warner que no dudo en concedérsela, eso si, para cuando estuviera terminada la película. La actriz podía tener un carácter endemoniado pero también era una profesional de marca mayor y se enfrentó al rodaje con la intención de hacerlo lo mejor posible, a pesar de verse rodeada de lobos resabiados que habían sufrido su perfeccionismo y afilado carácter durante años y que sabían que ahora la actriz estaba en horas bajas y ese era su canto del cisne entre ellos y seguramente en el mundo del cine.
King Vidor decía al respecto: "(Bette Davis) Acabó lo que faltaba de la película con la profesionalidad que la caracterizaba. Súbitamente comprendí cuánto valía aquella mujer. Dejó de resultarme antipática".
Por supuesto en una actriz como ella no era de recibo que se le notara que por su enfado sería capaz -de querer permitírselo- de echar humo por las orejas, llegando a decir tiempo después que si pudiera quemaría con sus propias manos todas las copias de aquella su última película en la Warner Brothers. En el libro "Eva al Desnudo" de Charles Higham se nos cuenta como fue el último día de Bette en los Estudios:
"El día que Bette (Davis) dejó la Warner después de permanecer allí unos trece años, nadie, de Jack Warner para abajo, le dijo adiós. No hubo fiesta de despedida. Se sentó en un banco con los técnicos y almorzó el contenido de una fiambrera. Luego tomó el coche y se fue a casa"
Ciertamente no fueron muy delicados ni agradecidos en la Warner con una actriz para ellos tan rentable y parte fundamental de su historia. Fuera, los carroñeros de la prensa se dispusieron a hacer su agosto con el árbol supuestamente caído y mientras la viperina Hedda Hopper sentenciaba: "Si Bette pretende destruir su carrera deliberadamente, no pudo encontrar un método más apropiado que este", otras, como Dorothy Manners desde "The Angeles Examiner" daba ya por concluida su carrera: "Un final desafortunado para su brillante carrera".
Pocos imaginaban el golpe de efecto que Bette Davis daría a su carrera. Al año siguiente el productor Darryl F. Zanuck le ofreció el papel de su vida, interpretar para la 20th Century Fox a una actriz teatral ya entrada en años, Margo Channing, que ve como otra actriz más joven, Eva Harrington(Anne Baxter) pretende, poco a poco y a pesar de parecer "una mosquita muerta", quitarle su puesto como actriz principal. La película por supuesto es la maravillosa "Eva al Desnudo" (1950), uno de esos títulos en los que uno, después de ver, un tanto hastiado, los insustanciales estrenos de cada año cargados de superhéroes y tiroteos acrobáticos, recuerda con gran satisfacción qué es el cine de verdad y que es ser una verdadera actriz. Su director Joseph L. Mankiewicz, comentó que Bette Davis estuvo "perfecta" y fue "el sueño del director: la actriz dispuesta".
La película dejó algunas frases memorables como aquella de "Abróchense sus cinturones, va a ser una noche movida" y me da la sensación de que a Jack Warner tuvo que abrocharselo cuando se dispuso a visionar la película de una actriz por él descartada y que acumuló 14 nominaciones al Oscar incluida la de Bette Davis como mejor actriz (Oscar que debió ganar) y de las que se llevó 6 estatuillas. Era una película que aunque estaba plagada de buenos actores encontraba su pilar principal en una motivadisima Davis.
Puede que Margo Channing sea el personaje total, la referencia, el modelo, la meta, el rol soñado por toda actriz, y sin embargo aquel personaje tenía mucho de la propia Bette Davis y del momento por el que acababa de pasar. En uno de los pasajes de la película la escuchamos decir:
"Todos me conocen a mi, todo el mundo, yo en cambio no he conseguido conocerme todavía.
- Eres Margo, eso... Margo.
- ¿Y eso qué es? Aparte de una palabra en un letrero luminoso. Aparte de algo llamado temperamento que consiste mayormente en desmelenarme como una furia y gritar hasta el límite de mi voz. Los niños también se comportan igual que yo, se tiran al suelo y patalean. Se emborracharían si pudieran cuándo no consiguen lo que quieren, cuando se sienten faltos de apoyo o de cariño"
No sería esta la única vez que la Davis tendría que pelear como una "loba" para relanzar su carrera, para ello llegó hasta a publicar anuncios en la prensa ofreciéndose como actriz y no dudo en bordear lo grotesco para seguir en primera linea con películas como "¿Qué fue de Baby Jane?"
Que se podía esperar de una actriz que afirmaba:
"Soy la maldita mejor dama que ha existido."
"No me retiraré mientras siga manteniendo mis piernas y mi caja de maquillaje."
"La vejez no es lugar para señoritas."
"Trabajo para estar viva."
Es el momento de verla en acción:
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“El mentecato que yo interpretaba no podía mostrar mucha pericia andando con tacones. Tenía que hacerlo solo lo bastante bien como para parecer una mujer torpe”
Y es que no cabe duda de que para Jack Lemmon fue una suerte ser mujer, aunque no pareciera una Sophia Loren que digamos y andara torpemente, durante las dos horas que dura "Con faldas y a lo loco" (1959). Billy Wilder, su director, quiso para el papel de Daphne en esa película a Jerry Lewis pero al cómico no le hizo mucha gracia eso de travestirse y declinó la oferta aduciendo que no quería pasar el resto de sus días "confundido con una drag queen".
Y como la historia del cine está llena de grandes patinazos, lo que a Lewis le parecía un escalón hacia abajo en su carrera, para Jack Lemmon, su papel como la pizpireta Daphne supuso el primer peldaño de una escalera muy empinada hacia arriba. Fue en febrero de 1958, cuando un Wilder compuesto y sin Lewis se acercó a Jack Lemmon en el restaurante Dominick’s y le dijo: “Tengo una idea para una película en la que me gustaría que intervinieras”. “Siéntate”, le dijo el actor. “Ahora no tengo tiempo, pero te digo de qué trata. Son dos hombres que huyen de unos gánsteres porque corre peligro su vida, se disfrazan con ropa de mujer y se unen a una orquesta femenina”. La respuesta a un dulce como aquel solo podía ser una para Lemmon, un rotundo "Si". Ciertamente Jack Lemmon tenía muy pocos trabajos previos a "Con faldas y a lo loco" y sería vistiendo faldas junto a Tony Curtis, escondiéndose del mafioso Botines Colombo (George Raft) en una banda musical de chicas junto a Marilyn Monroe y marchando finalmente en una lancha, quien sabe si hacia el altar (una final delicioso que daría para otra película), donde se fraguaría su éxito futuro y donde empezó una muy fructífera relación con uno de los mejores directores de la historia del cine, un Billy Wilder que lo requería una y otra vez y con el que rodaría algunas de sus mejores películas: "El apartamento" (1960), "Irma la dulce" (1963), "En bandeja de plata" (1966), "¿Qué ocurrió entre mi padre y tu madre" (1972) o "Primera plana" (1974). No es de extrañar que un Jack Lemmon totalmente agradecido a los reparos de Jerry Lewis a ponerse falda, medias y sombrero le enviara una caja de bombones todos los años en la fecha justa en la que se había estrenado "Con faldas y a lo loco", película que es considerada por la mayoría como la mejor comedia de la historia del cine. Nos queda por saber si a Jerry Lewis aquellos bombones le sabían dulces... en cualquier caso no puedo evitar imaginármelo llevándose un bombón a la boca mientras decía: "Nadie es perfecto".
Fuente: A partir de una anécdota en "Historia y vida" nº 601
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Dos personas habían compartido injusta prisión durante largo tiempo en donde recibieron todo tipo de maltratos y humillaciones. Una vez libres, volvieron a verse años después. Uno de ellos preguntó al otro:
- ¿Alguna vez te acuerdas de los carceleros?
- No, gracias a Dios ya lo olvidé todo, -contestó- ¿Y tú? - Yo continúo odiándolos con todas mis fuerzas.
Su amigo lo miró unos instantes y luego dijo:
- Lo siento por ti. Si eso es así, significa que aún te tienen preso.
Este pequeño cuento oriental de autor desconocido, tiene por título "La prisión del odio"
En realidad esta pequeña historia es solo una excusa para traer a esta página la fotografía de una bella escultura que tiene por nombre "La esclava griega"(1843), obra del escultor neoclásico estadounidense Hiram Powers(1805-1873), una obra concebida como homenaje a la Venus de Medici y que en su día despertó verdadera admiración en el gran escultor danés Bertel Thorvaldsen. La escultura, plena de virtud y heroísmo, se convirtió en todo un símbolo de la lucha contra la esclavitud y copias suyas estaban presentes en muchas casas de partidarios del abolicionismo. Hoy en día la obra se exhibe en la Galería de Arte de la Universidad de Yale. El escultor, muy influenciado por la independencia griega tramó su propia historia acerca de la esclava y de ella decía:
"La esclava ha sido tomada de una de las islas griegas por los turcos en la época de la revolución de Grecia. Sus padres y tal vez toda su familia han sido destruidos por sus enemigos. Ahora se encuentra entre bárbaros extranjeros"
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"El hombre más sabio que jamás conocí, Fermín Romero de Torres, me había explicado en una ocasión que no existía en la vida experiencia comparable a la de la primera vez en que uno desnuda a una mujer. Sabio como era, no me había mentido, pero tampoco me había contado toda la verdad. Nada me había dicho de aquel extraño tembleque de manos que convertía cada botón, cada cremallera, en tarea de titanes. Nada me había dicho de aquel embrujo de piel pálida y temblorosa, de aquel primer roce de labios ni de aquel espejismo que parecía arder en cada poro de la piel. Nada me contó de todo aquello porque sabía que el milagro sólo sucedía una vez y que, al hacerlo, hablaba un lenguaje de secretos que, apenas se desvelaban, huían para siempre. Mil veces he querido recuperar aquella primera tarde en el caserón de la avenida del Tibidabo con Bea en que el rumor de la lluvia se llevó el mundo. Mil veces he querido regresar y perderme en un recuerdo del que apenas puedo rescatar una imagen robada al calor de las llamas."
El fragmento pertenece a "La sombra del viento" (2001) de Carlos Ruiz Zafón y para ilustrarla no sé si con acierto hemos elegido un fotograma de "Killers" (Forajidos) en la que podemos ver a Burt Lancaster abrazando a Ava Gardner. Puede que no tenga nada que ver con el texto.... o si -el momento antes-, pero era una de las mejores opciones sin tener que entrar en un erotismo excesivo.
No decía palabras, acercaba tan sólo un cuerpo interrogante, porque ignoraba que el deseo es una pregunta cuya respuesta no existe, una hoja cuya rama no existe, un mundo cuyo cielo no existe. La angustia se abre paso entre los huesos, remonta por las venas hasta abrirse en la piel, surtidores de sueño hechos carne en interrogación vuelta a las nubes. Un roce al paso, una mirada fugaz entre las sombras, bastan para que el cuerpo se abra en dos, ávido de recibir en sí mismo otro cuerpo que sueñe; mitad y mitad, sueño y sueño, carne y carne, iguales en figura, iguales en amor, iguales en deseo. Aunque sólo sea una esperanza porque el deseo es pregunta cuya respuesta nadie sabe.
La fotografía, obra de Brassai y titulada "Amantes debajo de una farola" ha sido tomada de la siguiente página: https://www.pinterest.es/pin/346073552587273646/
"El hombre tiene que estimular el ánimo y el espíritu de la mujer para hacer el sexo interesante. El verdadero amante es el hombre que la emociona al tocarle la cabeza, sonreír o mirarla a los ojos"
“Los maridos no son nunca amantes tan maravillosos como cuando están traicionando a su mujer”.
“La gente comenzó a decir que yo era lesbiana. Sonreí. No hay sexo incorrecto si hay amor en el”.
“Me gusta estar totalmente vestida, o si no totalmente desnuda. No me gustan las medias tintas”.
"Un símbolo sexual es una cosa. Pero si voy a ser el símbolo de algo, prefiero que sea del sexo, quitemos lo de símbolo"
"El sexo forma parte de la naturaleza. Y yo me llevo de maravilla con la naturaleza"
“Los perros no me muerden. Sólo los seres humanos”
"Todo lo que una mujer quiere es que un hombre le demuestre que no todos son iguales"
“Soy egoísta, impaciente y un poco insegura. Cometo errores, pierdo el control y a veces soy difícil de lidiar. Pero si no puedes lidiar conmigo en mi peor momento, definitivamente no me mereces en el mejor”
"Los hombres que piensan que los amores pasados de una mujer disminuyen su amor por ellos son generalmente estúpidos y débiles. Una mujer puede brindar un nuevo amor a cada uno de los hombres que ame, siempre que no sean demasiados"
"Fácil es un adjetivo que se utiliza para describir una mujer que tiene la moralidad sexual de un hombre"
"Tengo demasiadas fantasías para ser una ama de casa. Supongo que soy una fantasía."
"Ninguna mujer depende de un hombre. Al contrario, un hombre depende de una mujer hasta para nacer"
"El peor error de un hombre es pensar que una mujer le esperará toda la vida."
"Yo sé querer y sé amar, pero tengo un gran defecto: no sé rogar"
"Siempre resulta más sencillo cambiar de hombre que cambiar a un hombre"
"Cuando una chica va a una fiesta, siempre aparecen esos tipos con una sonrisa de qué-guapo-soy-ninguna-se-me-puede-resistir. Una chica puede prescindir olímpicamente de ellos. Sin embargo, aquellos de gafas gruesas que se esconden tímidamente en las esquinas… esos resultan irresistibles para las chicas."
"Si te hizo feliz no cuenta como error"
"Una mujer inteligente besa sin enamorarse, escucha pero no cree y abandona antes de ser abandonada"
"La felicidad esta dentro de uno, no al lado de nadie."
"Alguien que te trata bien solo cuando está a punto de perderte no merece que regreses"
"No me importa vivir en un mundo de hombres, siempre que pueda ser una mujer en él"
"No es cierto que no tuviese nada puesto. Tenía puesta la radio." Hablando sobre su desnudo en la revista Playboy.
"No creo que un hombre valga tanto como para tener dos mujeres, ni que una mujer valga tan poco como para ser la segunda"
"La imperfección es belleza, la locura es genio y es mejor ser absolutamente ridículo que absolutamente aburrido"
"Cásate con el que sepa lo ridícula que puedes llegar a ser y aún así te ame"
"Prefiero la tranquilidad de la soledad que la decepción de una mala compañía"
"Una carrera es una cosa maravillosa, pero no sirve para acurrucarse contra ella en una noche fría"
"Una mujer inteligente prefiere estar sola a estar con cualquiera"
"El amor no necesita ser perfecto, solo necesita ser verdadero."
"No presumas de haber sido el primero en mi corazón, si no fuiste lo bastante inteligente para ser el último."
"Una sonrisa es el mejor maquillaje que cualquier chica puede llevar"
"Ninguna mujer debe olvidar nunca que ella no necesita a nadie que no la necesite a ella"
"Tu ropa debería ser lo suficientemente apretada como para demostrar que eres una mujer pero también lo suficientemente holgada como para demostrar que eres una dama"
"Dale a una mujer los zapatos correctos y conquistará el mundo"
"Las desilusiones te hacen abrir los ojos y cerrar el corazón."
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Aunque es perfectamente discutible, no creo exagerar demasiado cuando digo que la Romanza del Concertino para guitarra op. 72 de Salvador Bacarisse es una de las piezas musicales más hermosas que se hayan escrito jamás y a la vez es también una de las obras maestras más olvidadas y desconocidas; como suele ocurrir con este patrimonio cultural nuestro que los españolitos tan dados somos a olvidar y enterrar. Por eso mismo hay que ser un poco vehemente a la hora de defenderlo, igual que con indudable acierto hacen otros países.
El Concertino y sobre todo su romanza es una obra sublime, cargada de emoción y sentimiento, un sentimiento que no sé si definir como nostalgia, felicidad, plenitud, añoranza... es tan inclasificable como el Adagio de Albinoni - Giazzoto en este particular. Solo después, cuando uno investiga un poco y sabe que su autor, el madrileño Salvador Bacarisse, ocupó cargos de índole cultural para el gobierno republicano y que en 1939, al finalizar la Guerra Civil, hubo de exiliarse forzosamente a París, como muchos otros españoles "que no usaban sombrero" y marcharon de aquí para no volver más, es cuando se alcanza a comprender un poco el verdadero significado de esta pieza musical compuesta en 1957. Y es que si solo desde el desamor se puede cantar con verdad y sentimiento sobre el amor, del mismo modo, solo desde esa impuesta lejanía de España se podía crear una obra tan rebosante de españolidad en su melodía, tan desgarradoramente bella, tan soberbiamente dolorosa y amorosa a la vez del recuerdo de lo que ya no se puede recuperar, de las raíces, de ese tiempo pasado que ya no volverá. Bacarisse ya no podría visitar su casa, ni las calles por las que andaba de niño, ni se enfrentaría de nuevo a los paisajes que ocuparon su mirada. Era sin duda el mismo sentimiento de muchos perdedores en aquellos dolorosos días. Y el caso es que la melodía de esta romanza perfectamente puede aplicarse también, no importa el momento, al recuerdo que cualquier persona guarda de los días pasados en los que fuimos felices y que ya se nos escaparon de las manos para siempre, de la niñez, tan luminosa como arriba la pinta Sorolla, de la juventud en la que derrochábamos fuerza e ilusión, quedándonos solo el recuerdo placentero de aquellos instantes que atesoramos en nuestra alma. La belleza con la que la orquesta entra en la pieza y sus violines inundan orgiásticamente el ambiente con su melodía es insuperablemente arrebatadora, tanto que casi entran ganas de llorar. Esta maravilla musical es nuestra, la melodía sabe a España, a lo nuestro y sin embargo casi nadie la conoce. El cuerpo de Salvador Bacarisse, fallecido en 1963, sigue en el exilio, enterrado en el cementerio Pére-Lachaise de París, lejos de aquí. ¡Of course, Spain is different....!
Y como la pieza fue inspirada por una determinada situación, el vídeo que corresponde necesariamente ha de ser este:
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Entre las fotos que siempre me gustaron, figura esta magnífica imagen tomada en 1949 por el fotógrafo George Rodger, cofundador de la agencia Magnun con Robert Capa, Cartier-Bresson y otros, en la que se muestra un luchador de la tribu de los Nuba, cubierto de ceniza, después de un combate del que sale orgullosamente victorioso. La imagen es apabullante, poderosa, toda fuerza. Es en sí misma la imagen de la victoria...
Para los Nuba en el deporte residen importantes significados. Si los jóvenes son fuertes, toda la comunidad lo será. La lucha incluso contiene un elemento religioso que se exterioriza en los cuerpos de los luchadores cubiertos de ceniza sagrada. Esa ceniza representa la resistencia, la virilidad e incluso la eternidad, y se considera que un nuba cubierto de ceniza adquiere un carácter sagrado y que incluso puede evitar desgracias sobre los poblados.
George Rodger se resistió a revelar a Leni Riefenstahl, la famosa cineasta y posteriormente fotógrafa, la ubicación de los asentamientos de la tribu Nuba (en Kordofan - Sudán) pero al final, 15 años más tarde, esta llegó a descubrir donde se encontraba su emplazamiento y logró un reportaje fotográfico también de alta calidad alrededor de esta tribu que fue publicado por todo el mundo.
Y entonces vino el problema. Y es que a veces la publicidad no trae nada bueno. Sus reportajes llevaron a los turistas a esas tierras, ensuciaron su cultura y después el gobierno sudanés alentó la opresión sobre la tribu, para posteriormente llevar a cabo su desplazamiento ante el temor de una posible alianza revolucionaria en torno al Movimiento de Liberación Sudanés y por último se emprendió un genocidio en toda regla contra esta poderosa tribu. Como decía el conocido escritor Bernard-Henri Lévy:
"Los Nuba, cansados de ser bombardeados, de comer saltamontes y raíces cocidas, de ver a sus hijos morir de enfermedades nuevas o, por el contrario, olvidados y sin curación posible, terminan por bajar a las llanuras y refugiarse en los "campos de paz" que, en realidad, son centros de selección de mercaderes de esclavos. Había un millón de Nubas. Sólo quedan 300.000. ¿Qué pasó con los demás? ¿Muertos, desaparecidos o víctimas de los negreros de Kordofan que les han vendido a las familias árabes de Jartum?"
Un genocidio que continua en la actualidad, que no fue ayer, que aún sangra. En realidad no todo es culpa de la foto, simplemente su territorio es rico, es allí donde se encuentran las fértiles tierras de Renk, la zona petrolífera de Bentiu y los yacimientos de níquel y uranio. En septiembre del año 2000, tras realizarse el primer envio de 30.000 barriles de petróleo a las sedientas gasolineras occidentales, los habitantes de la región denunciaron que varios helicópteros sobrevolaron y bombardearon blancos civiles sin la menor consideración, por supuesto con el silencio posterior de la comunidad internacional.
Para Abdel Asis, líder de los Nuba, es hipócrita creer que la situación regional se deba solo a problemas de índole religioso y que no estén presentes otros intereses más lucrativos y pregunta:
"¿Cómo es posible que se extermine a un pueblo, que se le ahogue así, dulcemente, sin testigos, sólo porque se encuentra en la ruta del petróleo?"
El petróleo.... como siempre....
!Ojala salgan vencedores y altivos de este combate también!
Ambas fotos son de George Rodger y han sido tomadas de las siguientes páginas: https://www.pinterest.es/pin/520517669422225983/ https://www.pinterest.es/pin/27936460159746180/
Son palabras de "El principe de las tinieblas", que es uno de los apodos con el que se conoce al gran Miles Davis, uno de los pilares indiscutibles del jazz. Su disco "Kind of blue" es el álbum más vendido de la historia del jazz. Del be bop, al jazz fusión pasando por el cool, Miles era un trompetista con una trayectoria profesional tan inclasificable como él mismo: "Rebelde y negro, inconformista, frío y con estilo, airado, sofisticado y ultra limpio, añade el rasgo que quieras: yo era todas esas cosas y más". Un genio sin duda fanfarrón y orgulloso de si mismo, cruel y vulnerable a la vez y con una única debilidad (aparte de las drogas): las mujeres. Arriba lo vemos en compañía de la enigmática Jeanne Moreau, actriz protagonista de "Ascensor para el cadalso" (1958), una buenísima película de cine negro francés dirigida por Louis Malle y para la que Davis compuso una sensacional banda sonora. En el vídeo que ponemos a continuación vemos un trocito de la película con el famoso paseo de la diva francesa con la música de Miles Davis de fondo. No cabe duda de que las mujeres son capaces de desatar la inspiración de cualquier hombre con el más sencillo de sus gestos, con tan solo andar por la calle mirando la vida a su alrededor. "Un ascenseur pour l'echafaud", si encontráis el disco con la banda sonora os encantará. Hora de ver caminar a la Moreau:
