El difícil debut de Billie Holiday

“Una puta puede echarse 1.500 polvos al día, pero no le gusta que nadie la viole. Es lo peor que puede ocurrirle a una mujer. Y a mí me estaba ocurriendo a los 10 años”

Así de rotunda se expresaba Billie Holiday cuando recordaba su niñez. Y es que en 1930, con tan solo 14 o 15 años ya podía contar como había limpiado escaleras hasta el agotamiento, que había sido violada, había sufrido las injusticias de un correccional y la cárcel y por último como tuvo que claudicar y iniciarse en el mundo de la prostitución para poder llevarse algo a la boca.

Así de vapuleada tenía la vida a aquella adolescente Billie Holiday que por aquel entonces era todavía solo Eleanora Fagan, cuando se encaminó a buscar trabajo por los bares y garitos de Nueva York a donde se había trasladado con su madre, solo 13 años mayor que ella. Necesitaba desesperadamente conseguir dinero para que no la echaran de la pensión donde vivía y espoleada por aquella situación se presentó en un tugurio de la Calle 133 de Harlem llamado "Pod's and Jerry's" con la intención de divertir a los asistentes como bailarina. El intento fue un verdadero desastre y a la chica estuvieron a punto de sacarla por las orejas del local cuando el pianista le preguntó si sabía cantar, dándole con ello una segunda oportunidad. La chica recordó todas aquellas letras que ya de muy pequeña escuchaba en la gramola del burdel de Alice Dean, en el que accedía a limpiar gratis si le dejaban escuchar a sus admirados Armstrong o Bessie Smith. La música se le había calado en el alma y le dijo al pianista que la acompañara con el tema "Travellin' all alone". La letra, tenía miga y empezaba diciendo más o menos: "Estoy tan cansada y sola, cansada como una piedra pesada". Cuando terminó de cantar, la gente que allí estaba  quedó boquiabierta, maravillada y puede que no tanto por el talento vocal de aquella chica, sino por la singular  y profunda emoción que era capaz de transmitir al cantar con aquella desgarrada voz suya. Alguien diría que cantaba como si le apretasen los zapatos, aunque más bien lo que le apretaba era el corazón y la vida, de hecho solía afirmar que había vivido en sus carnes no pocas de aquellas tristes y descarnadas canciones. Billie decía de aquella actuación suya en sus memorias: "Si a alguien se le hubiera caído un alfiler, habría sonado como una bomba. Cuando finalicé, todos aullaban y levantaban sus vasos de cerveza". Curiosamente Ella Fitzgerald en su primera actuación, en su debut en un concurso del Teatro Apollo también en el Harlem neoyorkino cuatro años mas tarde, pretendía actuar como bailarina y solo el miedo escénico la lanzó a cantar para salvarse del ridículo. Ganó el concurso y se convirtió en la única cantante capaz de discutirle a "Lady Day" el trono de la mejor cantante de jazz de la historia. 

El dueño del local vio negocio en la pequeña Holiday y la contrató por 18 dólares a la semana, un dinero que daba para muy poco y que había que estirar mucho para poder malvivir. Las propinas eran parte de la solución y para conseguir alguna más solía improvisar en las canciones para alargarlas y conseguir más dinero. Pero no era un garito fácil aquel; los clientes solían dejar las monedas de propina para las cantantes encima de las mesas y estas debían recogerlos con sus genitales para regocijo de los rijosos clientes. Billie Holiday podía haber sido prostituta, podía contonearse un poco por las mesas sabedora de donde estaba y de que iba la cosa, aguantar el piropo de algún que otro borracho baboso, pero sabía muy bien que era la dignidad, de modo que, a pesar de la necesidad, se negaba a recoger las monedas de propina de aquella forma tan humillante. Se hizo respetar y cuando un cliente empezó a entregárselas en mano supo que había ganado aquella partida. Desde aquel día sus compañeras empezaron a llamarla "Lady", "una dama" que por su afición a adornar su pelo con un par de blancas gardenias bien podría haber sido "La dama de las gardenias", aunque sería el gran saxofonista Lester Young, "el Presidente" (Pres)  junto al que tantas maravillas grabaría, el que le completó el apodo con el final de su nuevo nombre artístico -Billie Holiday- convirtiéndola ya para siempre en "Lady Day". "Billie" le venía de su padre que de pequeña la llamaba Bill, como si fuera un chico, cosa que a ella no le importaba por que le recordaba a su admirada Billie Dove, una actriz de la época; el resto de su nombre artístico tenía evidentemente mucho de festivo. Poco a poco Billie fue llamando la atención con su peculiar forma de cantar y no tardó en descubrirla un cazatalentos llamado John Hammond que la presentó a Benny Goodman de cuya Big Band terminó por formar parte durante un tiempo.... Había nacido una estrella, aunque no por eso la vida dejaría de golpearla inmisericordemente.

Fuentes:
https://elpais.com/diario/2009/11/21/babelia/1258765960_850215.html
https://elhedonista.es/pasiones/musica/100-anos-de-billie-holiday-en-mas-de-35-anecdotas-49167/

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El día que Freddie Mercury dominó a Darth Vader

"Siempre supe que era una estrella, ahora parece que el mundo está de acuerdo conmigo".

Son palabras de Freddie Mercury, un personaje que a día de hoy es ya un mito, un icono de toda una época, como bien lo pueden ser Superman o Darth Vader a los que gustaba poner a su servicio y que lo llevaran a hombros. 

Y es que los conciertos de Queen eran todo un espectáculo en los que Freddie Mercury cuidaba hasta el más pequeño detalle de sus puestas en escena para que sus fans disfrutaran de cada segundo; así en los últimos años 70 y principios de los años 80 el vocalista de Queen tenía la costumbre de finalizar sus conciertos subido a hombros de algún personaje de ciencia ficción mientras cantaba el "We will rock you"; un giro glam de lo que en España hacían los toreros en las plazas de toros al final de una tarde triunfal mientras sonaba un pasodoble. 

Freddie Mercury empezó a montarse primero sobre los hombros de Santa Claus, continuó sobre los fornidos hombros de Superman, pero como buen friki de la recién estrenada por entonces "Star Wars" no tardó en ser atraído por el lado oscuro de la fuerza y decidió asentar sus "reales" posaderas sobre el mítico Darth Vader. 

La cosa quedaba de lujo mientras el entonaba el "We will rock you", pero a George Lucas, el director de "La guerra de las galaxias" no le hizo gracia el asunto, máxime cuando se encontraba defendiendo a capa y espada los derechos de merchandising de la saga que tantos beneficios le estaban reportando, así que ni corto ni perezoso denunció Queen por el uso sin autorización de Darth Vader. El malo más malo de la galaxia no podía estar al sumiso servicio de una estrella de rock en la que parecía que "la fuerza" era más poderosa que en él mismo.

La cosas no llegó a juicio. Bastó que se pusieran de acuerdo, que Freddie se comprometiera a que Darth Vader no lo llevara más sobres sus hombros "en papahuevos" como decimos por aquí y seguramente con alguna compensación económica por los daños a la imagen del temible Darth Vader con el que no era de recibo que se jugara asi. Freddie Mercury y Queen siguieron en cualquier caso llevando su música hasta el último rincón de la galaxia, desde Endor, a Geonosis, pasando por Naboo y  Tatooine camino de Coruscant. 

De hecho, cuentan las malas lenguas que Chewbacca y Han Solo no podían pilotar el Halcon Milenario si no sonaban a toda pastilla las canciones de Queen en la cabina.  Algo como lo que me pasa a mi con el blog... así que os dejo con el "We will rock you":

Amigo, eres un hombre viejo, pobre hombre 

Suplicando con tus ojos, 

lograrás algo de paz algún día 

Estás cubierto de mierda

Gran desgracia

Mejor que alguien te ponga en tu lugar

Te vamos a hacer temblar 

Cántalo 

Te vamos a hacer temblar 

Todo el mundo 

Te vamos a hacer temblar 

Te vamos a hacer temblar

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"Te quiero a las diez de la mañana" - Jaime Sabines Vs "Y sin embargo" - Joaquin Sabina

Te quiero a las diez de la mañana, y a las once, y a las doce del día. Te quiero con toda mi alma y con todo mi cuerpo en las tardes de lluvia. Pero a las dos de la tarde, o las tres, cuando me pongo a pensar en nosotros dos, y tú piensas en la comida o en el trabajo diario, o en las diversiones que no tienes, me pongo a odiarte sordamente, con la mitad del odio que guardo para mí. 

Luego vuelvo a quererte, cuando nos acostamos y siento que estás hecha para mí, que de algún modo me lo dicen tu rodilla y tu vientre, que mis manos me convencen de ello, y que no hay otro lugar en donde yo me venga, a donde yo me vaya mejor que tu cuerpo. Tú vienes entera a mi encuentro, y los dos desaparecemos un instante, nos metemos en la boca de Dios, hasta que yo te digo que tengo hambre o sueño. 

Todos los dias te quiero y te odio irremediablemente. Y hay días también, hay horas, en que no te conozco, en que me eres ajena como la mujer de otro. Me preocupan los hombres, me preocupo yo, me distraen mis penas. Es probable que no piense en ti durante mucho tiempo. Ya ves. ¿Quien podría quererte menos que yo, amor mío?

"Te quiero a las diez de la mañana" es obra del poeta mexicano Jaime Sabines (1920-1999) y lejanamente me ha recordado al tema  "Y sin embargo" de Joaquín Sabina y perteneciente al álbum "Yo, me , mi, contigo" (1996):

"Porque una casa sin ti es una embajada

El pasillo de un tren de madrugada

Un laberinto sin luz, ni vino tinto

Un velo de alquitrán en la mirada"

La fotografía que abre la entrada, titulada "Le baiser blotto" (1950) es obra de Robert Doisneau.

Fuente: https://www.poemas-del-alma.com/te-quiero-a-las.htm

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Hitchcock, Grace Kelly y el sexo

Grace Kelly y el fauno de Gary Cooper, ya entraditos en años, compartieron, parece ser, algo más que rodaje en "Solo ante el peligro", al menos eso se desprende de aquellas picantes declaraciones en las que Cooper decía de ella:

"Parece fría como un témpano, pero le bajas las bragas y se convierte en un volcán en erupción" 

Unas palabras que parecen reafirmar como Grace Kelly, tan inmaculadamente bella y aparentemente distante, servía a la perfección a las teorías de Alfred Hitchcock sobre el erotismo, la belleza y el sexo en el cine. Nos lo contaba en su libro-entrevista con François Truffaut:

"François Truffaut: Fue en "Atrapa a un ladrón" cuando los periodistas se interesaron por su concepción de la heroína cinematográfica. Usted ha declarado en varias ocasiones que Grace Kelly le interesaba porque, en ella, el sexo era “indirecto”.

Alfred Hitchcock: Cuando abordo cuestiones sexuales en la pantalla no olvido que, también ahí, el suspense lo es todo. Si el sexo es demasiado llamativo y evidente, no hay suspense. ¿Por qué razón elijo actrices rubias y sofisticadas? Buscamos mujeres de mundo, verdaderas damas que se transformarán en prostitutas en el dormitorio. La pobre Marilyn Monroe tenía el sexo inscrito en todos los rasgos de su persona, como Brigitte Bardot, lo que no resulta muy delicado.

François Truffaut :Es decir, usted desea ante todo conservar una paradoja: ¿mucha reserva aparente y mucho temperamento en la intimidad? 

Alfred Hitchcock :Sí, y creo que las mujeres más interesantes, sexualmente hablando, son las británicas. Creo que las mujeres inglesas, las alemanas y las escandinavas son más interesantes que las latinas, las italianas o las francesas. El sexo no debe ostentarse. Una muchacha inglesa, con su aspecto de institutriz, es capaz de montar en un taxi con usted y, ante su sorpresa, desabrocharle la bragueta. 

François Truffaut: Comprendo muy bien su punto de vista, pero no estoy seguro de que la mayoría comparta sus gustos. Me parece que al público masculino le gustan las chicas de aspecto muy carnal y esto queda confirmado por ciertas mujeres que llegaron a ser estrellas, aunque sólo rodaban casi siempre malos films, como Jane Russel, Marilyn Monroe, Sophia Loren, Brigitte Bardot; me parece, por tanto, que la gran masa del público aprecia el sexo evidente o, como usted dice, “inscrito en el rostro”.

Alfred Hitchcock: Es posible, pero usted mismo dice que no pueden rodar más que películas malas. ¿Por qué? Porque con ellas no puede haber sorpresa y, por tanto, buenas escenas; no se produce con ellas el descubrimiento del sexo. Observe el comienzo de Atrapa a un ladrón. Fotografié a Grace Kelly impasible, fría, y casi siempre la presento de perfil, con un aire clásico, muy hermosa y muy glacial. Pero cuando circula por los pasillos del hotel y Cary Grant la acompaña hasta la puerta de su habitación, ¿qué hace? Hunde directamente sus labios en los del hombre."

Una maravilla la Kelly, y para muestra un vídeo:

Fuentes:
01.- "El cine según Hitchcock" - François Truffaut

02.- La otra cara de Grace Kelly

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Lavoisier o como perder la cabeza de forma científica

Jean-Paul Marat, ese señor que después de ser apuñalado por Charlotte de Corday se nos muestra, gracias a la maestría del gran Jacques-Louis David, tan bellamente muerto en su bañera y casi beatificado, era un personaje que también tenía sus sombras. No es de extrañar que un personaje como él, que afirmaba:  «Quinientas o seiscientas cabezas cortadas habrían asegurado tu descanso, libertad y felicidad. Una humanidad falsa ha sostenido tus brazos y ha suspendido tus soplos; debido a esto, millones de tus hermanos perderán sus vidas», fuera conocido como "La ira del pueblo". Y desgraciadamente parece que no solo le movía la justicia, si no que a veces también lo hacía el rencor. 

El gran científico Antoine-Laurent de Lavoisier, fue acusado directamente, junto a otros científicos, por el Señor Marat, parece que con cargos ciertamente ridículos (asuntos de recaudación de impuestos) y que difícilmente podían ocultar el rencor que Marat, científico también, guardaba hacia Lavoisier por haberle desaprobado una de sus invenciones, que además fue tachada como ridícula. No le costó mucho al Sr. Marat  que Lavoisier fuera condenado a la guillotina y a ser enterrado en una fosa común. De poco sirvió que se alegaran sus méritos científicos y los proyectos en los que se encontraba aun inmerso. Uno de sus jueces sentenció:

“La República no necesita ni científicos ni químicos, el curso de la justicia no puede ser detenido”

De forma que aproximadamente a las cinco de la tarde del jueves 8 de mayo de 1794 el bueno de Lavoisier fue ejecutado y decapitado. El matemático Lagrange, amigo de Lavoisier sentenció: 

“Un segundo bastó para separar su cabeza del cuerpo, pasarán siglos para que una cabeza como aquella vuelva a ser llevada sobre los hombros de un hombre de ciencias”

Para entender la infinita curiosidad de personas como Lavoisier por el avance del conocimiento es ciertamente ilustrativa la forma en la que Lavoisier se enfrentó a su muerte. Supongo que ante tanta actividad de la guillotina se hablaría mucho en el Paris de entonces de hasta cuanto tiempo después de ser cortada la cabeza de una persona esta mantenía la consciencia, por ello Lavoisier acordó con un amigo que tan pronto le fuera cortada cogiera su cabeza y le mirara fijamente a los ojos. Si el continuaba todavía con un hálito de vida en aquel cerebro separado de su cuerpo intentaría parpadearle todo el tiempo que pudiera para demostrárselo. Su amigo contaba que Lavoisier consiguió parpadear alrededor de 15 veces.

Hay cosas que no se pueden arreglar con un poquito de "loctite" y por supuesto, después vendrían los arrepentimientos y las esculturas, como la de la derecha, en el Hotel Ville de París. 

Se habla de otros casos en los que se intentó repetir el experimento de Lavoisier sin obtener resultados positivos. Sin embargo según el testimonio del médico francés Dr. Gabriel Beaurieux que recogió por escrito lo presenciado por él durante la decapitación de Henri Languille en Junio de 1905, si que sería posible aquellos parpadeos de Lavoisier, y según figura en los Archivos de Antropología criminal de aquel año contaba:  

"He aquí lo que pude apreciar inmediatamente después de la decapitación: los párpados y los labios del guillotinado se movieron en contracciones irregularmente rítmicas durante unos cinco o seis segundos… Yo esperé varios segundos más. Los movimientos espasmódicos cesaron. La cara se relajó, los párpados se cerraron a medias sobre los globos oculares, no dejando visible más que el blanco de la conjuntiva, exactamente como en los moribundos a los que tengo ocasión de ver todos los días en el ejercicio de nuestra profesión, o como en aquellos que acaban de morirse. Fue entonces cuando llamé con voz fuerte y aguda: “¡Languille!” Y vi que los párpados se alzaban lentamente, sin ninguna contracción espasmódica… Luego los ojos de Languille se fijaron en los míos con toda claridad y centrando las pupilas… Varios segundos después los párpados volvieron a cerrarse, de un forma lenta y tranquila, y la cabeza volvió a adquirir la misma apariencia que tenía antes de que la hubiese llamado. 

Y entonces le llamé de nuevo y, una vez más, sin ningún espasmo, despacio, levantó los párpados y unos ojos indiscutiblemente vivos quizá más penetrantes aún que la primera vez se fijaron en los míos. Luego los párpados volvieron a cerrarse, pero de un modo menos completo ya. Probé a realizar una tercera llamada; ya no hubo movimiento y los ojos adquirieron el tono vidrioso que tienen los muertos.Acabo de relataros con rigurosa exactitud lo que pude observar. Todo el proceso había durado de 25 a 30 segundos." La fotografía pertenece a la ficción de una película no identificada.

Estudios posteriores como el de la Universidad de Raboud en Nijmegen (Holanda) realizado con ratas indican que en su cerebro hay actividad cerebral hasta 17 segundos después de la decapitación y que estarían conscientes durante los primeros cuatro segundos. Un minuto más tarde, una onda eléctrica, lenta pero de gran tamaño, terminaba por enturbiaba sus mentes. Una onda que se conocía como "La ola de la muerte". Aún así las neuronas podrían llegar a ser reactivadas con el estímulo adecuado.

Fuentes: 
1.- Historia del Mundo sin los trozos aburridos - Fernando García Blazquez (Ariel)
2.- http://togiveinformation.blogspot.com.es/2011/11/el-cerebro-puede-vivir-cerca-de-un.html
3.- http://la-ciencibilidad.blogs.quo.es/2011/05/11/como-sabemos-si-una-decapitacion-duele/

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04.- http://la-ciencibilidad.blogs.quo.es/2011/05/11/como-sabemos-si-una-decapitacion-duele/

En busca del Yo - Norman Mailer

"A lo largo de la vida, la mayoría de nosotros construye en su intimidad mental una historia cultural de los años en los que le ha tocado vivir. A menudo concebimos esa historia como un recuerdo colectivo que otros compartirán con nosotros. Incluso nos referimos a ella como nuestro tiempo. Pero lo cierto es que se trata sólo de un tiempo personal, el tiempo social, cultural e histórico de nuestra intimidad, nuestra imagen personal de lo que ha ocurrido en el mundo. (...) Trabajamos sin cesar para lograr cierta comprensión de nuestra vida y de nuestro tiempo. De modo que revisamos permanentemente nuestra historia personal del pasado hasta incluir en ella a todos aquellos en relación con los cuales hemos reaccionado en la vida: nuestros amigos, nuestros parientes, nuestros enemigos, nuestras estrellas de cine, nuestros atletas, nuestros héroes y las figuras públicas, por no hablar de todos los grandes acontecimientos, los históricos, y también de los minúsculos, por los que hemos pasado, además de todos los libros que han permanecido con nosotros, los que han contribuido a cambiar nuestra vida."

Estas palabras del escritor estadounidense Norman Mailer en el prólogo de su obra "América" (2006) pero que yo he tomado de la entrada del muy entretenido  libro-entrevista "Sabina en carne viva" (2006 - Ediciones B), me hacen pensar en algunas personas de edad muy avanzada que dicen vivir de recuerdos, que estos son su mayor tesoro, hasta el punto que esos recuerdos terminan por definirlos y secuestrarlos. Parece que ya no quedara impulso vital para crear nada nuevo, para acometer nuevos proyectos; son todo pasado, son en esencia lo que han vivido y con sus recuerdos cargan de continuo la balanza de la vida atentos siempre a lo que marca el fiel. Y eso, gracias a Dios, cuando quedan recuerdos....

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Nina Simone: Del fracaso a la gloria

“El jazz es una palabra blanca para definir a la gente negra. Mi música es música clásica negra”

Y es que Nina Simone, además de una gran cantante - sin duda, una de las interpretes con más personalidad de la historia del jazz-, había recibido en su juventud una solida formación pianística fundamentalmente clásica, que hicieron de ella una portentosa interprete del instrumento. Con cuatro añitos ya tocaba el piano en la iglesia donde su madre predicaba y fue allí donde una profesora de piano llamada Muriel Mazzanovich la vio tocar y se le ocurrió la idea de convertirla en una verdadera pianista clásica, olvidando que aquella chiquita era mujer y a la vez negra, lo que hacía de aquel reto y en aquella época y país, un verdadero imposible. En cualquier caso aquella profesora machacó a la niña (Nina viene de ahí, de niña, y "Simone" de su admiración por el papel que Simone Signoret hizo en la película "Paris, bajos fondos". Nina Simone se llamaba en realidad Eunice Kathleen Waymon) con interminables horas de práctica al teclado, metiendo en su cabeza las intrincadas partituras de J.S. Bach o los dificilísimos ejercicios de Carl Czerny. 

En 1951 llegó el momento de la verdad. Ya era una consumada concertista, que por su color tenía que ponerse firme para que sus padres no tuvieran que escucharla desde la última fila -siempre fue una chica de armas tomar- cuando se presentó a las pruebas de acceso para el afamado Conservatorio Instituto Curtis de Filadelfia, siendo la primera chica afroamericana que lo intentaba, lo que no dejaba de ser un verdadero lastre. Interpretó obras de gran calado de Rachmaninov, Liszt, Czerny y por supuesto Bach, pero no fue suficiente y puede que por fortuna para la historia de música le dijeron que no era admitida. Sin duda perdimos una gran pianista clásica pero ganamos una diosa del jazz y el soul, con lo que creo que salimos ganando. Hay que decir que, por el reducido número de plazas que ofertan, es el centro de estudios de más difícil acceso del mundo, solo detrás de la Escuela Julliard de Nueva York, donde curiosamente si pudo estudiar previamente Nina Simone, estudios que hubo de interrumpir por trasladarse su familia a Filadelfia. Por el Conservatorio de Filadelfia pasaron artistas de la talla de Leonard Berstein, Samuel Barber, Jorge Bolet, Lang Lang, Hilary Hahn, Nino Rota.... Ahora supongo que se sentirán un tanto jodidos de no poder poner el nombre de Nina Simone, tan grande como el de aquellos, en la lustrosa lista de antiguos alumnos.

El caso es que había que ganarse el sustento y aquello de tocar una polonesa de Chopin estaba muy bien, pero siendo negra daba poco para llenar la despensa familiar, asi que no tuvo otra que empezar a tocar el piano en un antro de Atlantic City durante toda la noche por 90 dólares al día. No era el lugar para una chica de su formación pero daba de comer y fue el lugar en el que empezó a nacer, a formarse, una de las verdaderas estrellas del soul y el jazz, hasta llegar a ser conocida como "High Priestess of Soul", o lo que es lo mismo la "Alta Sacerdotisa del soul". Pero no crean que olvidó del todo aquellas influencias clásicas; si escuchan su gran tema "Love me or leave me" notarán en su parte central un maravilloso solo de piano, en el que es perfectamente reconocible el estilo barroco de las obras para teclado del gran Johann Sebastian Bach; es verdadera música clásica pasada ligeramente por el tamiz del jazz. La fusión algunas veces nos regala maravillas como esta. Si pudiera hacer el emoticono de la reverencia lo dejaría por aquí. 

Os dejo el vídeo de "Love me or leave me". Espero que os guste tanto como a mi:

Fuente: A partir de:  http://www.jotdown.es/2017/09/desafio-perdicion-nina-simone/

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Buñuel y Dali contra Juan Ramón Jiménez

No cabe duda de que a Luis Buñuel y Salvador Dalí, no les gustó para nada el "Platero y yo" (1914) de Juan Ramón Jiménez, al que habían conocido en la Residencia de Estudiantes madrileña. En aquellos locos años 20, Buñuel y Dalí eran dos verdaderos transgresores y aquel "Platero y yo"  les resultaba demasiado melifluo, así que en 1928, ambos artistas se decidieron a enviar una carta a la revista parisina "Cahiers d'Art" en la que se pronunciaban -desinteresadamente- muy críticos con la obra en general de Juan Ramón Jiménez y en particular con "Platero y Yo". La carta reza así:

Sr. don Juan Ramón Jiménez

Nuestro distinguido amigo:

Nos creemos en el deber de decirle -sí, desinteresadamente- que su obra nos repugna profundamente, por inmoral, por histérica, por cadavérica, por arbitraria. Especialmente: ¡¡Merde!! para su "Platero y yo", para su fácil y malintencionado "Platero y yo", el burro menos burro, el burro más odioso con que hemos tropezado.

Y para Vd., para su funesta actuación también:

¡¡¡¡Mierda!!!!

Sinceramente:

Luis Buñuel - Salvador Dalí

Cualquiera sabe la cara que pondría Juan Ramón Jiménez después de aquella andanada. Cuando ganó el Nóbel de literatura en 1956 lo hizo por el conjunto de su obra, pero se citaba muy especialmente "Platero y yo". Buñuel y Dalí filmarían un año después "Un perro andaluz" en la que curiosamente aparecen un par de burros en descomposición sobre unos pianos ¿Platero? Hay quien dice que esa imagen se inspira en la manía de Pepin Bello, amigo de ambos, de ir a los barrancos a las afueras de su pueblo para ver los cadáveres de los burros en descomposición. Cualquier cosa que pareciera contravenir la realidad, lo establecido, lo convencional les valía y atacar al establishment cultural, personificado en Falla o Juan Ramón Jiménez formaba parte del asalto al castillo. Sobre la carta contaba Salvador Dali: 

"En aquel momento queríamos mandar, para crear una especie de subversión moral, una carta a la persona más prestigiosa de España, únicamente para provocar una reacción y que la gente dijera: ¿Por qué lo han hecho?, y tal y cual. Entonces habíamos escogido dos o tres, y habíamos pensado en Falla, que tenía un gran prestigio, para decirle que era un hijo de puta, etc.: lo más que se puede decir; los pusimos en un sombrero (los nombres), y salió Juan Ramón Jiménez. Justamente acabábamos de visitar a Juan Ramón el día anterior, que nos había recibido sentimentalmente: "A ver, esa juventud maravillosa...", y dijo haber encontrado unos chicos magníficos en nuestro grupo. Entonces, sale en el sombrero y escribimos la carta, que era una carta terrible contra Platero, que el asno de Platero era un asno podrido, aquello de las estrellas era un sentimentalismo...; además, es verdad, a mí nunca me ha gustado Juan Ramón Jiménez, encuentro que es un poeta pésimo. En aquel momento de echar la carta, Buñuel tuvo una duda, pero la echó, la echamos, y al día siguiente Juan Ramón estuvo enfermo, diciendo: "No comprendo, un día antes recibo a estos chicos; me parecen... Y al día siguiente me insultan de la manera más grosera...".

¿Recuerdan el inicio de "Platero y yo"?

"Platero es pequeño, peludo, suave; tan blando por fuera, que se diría todo de algodón, que no lleva huesos. Sólo los espejos de azabache de sus ojos son duros cual dos escarabajos de cristal negro. Lo dejo suelto y se va al prado, y acaricia tibiamente con su hocico, rozándolas apenas, las florecillas rosas, celestes y gualdas... Lo llamo dulcemente: '¿Platero?', y viene a mí con un trotecillo alegre que parece que se ríe, en no sé qué cascabeleo ideal... Come cuanto le doy. Le gustan las naranjas mandarinas, las uvas moscateles, todas de ámbar; los higos morados, con su cristalina gotita de miel... Es tierno y mimoso igual que un niño, que una niña...; pero fuerte y seco por dentro, como de piedra... Cuando paso sobre él, los domingos, por las últimas callejas del pueblo, los hombres del campo, vestidos de limpio y despaciosos, se quedan mirándolo: - Tiene acero... Tiene acero. Acero y plata de luna, al mismo tiempo"

Fuente: http://olahjl.blogspot.com.es/2006/01/contra-juan-ramn.html

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El español que inspiró "La bella y la bestia"

Todos nos hemos emocionado con la película de "La bella y la bestia" y hemos sufrido por aquel ser que se encontraba atrapado por una maldición en un cuerpo de animal. La historia nos fue contada por Gabrielle-Suzanne Barbot de Villenueve en su cuento de hadas titulado "La belle et la bëte" (1720), cuya versión más larga fue luego reescrita y publicada en 1756 por Jeanne-Marie Leprince de Beaumont, convirtiéndose esta en la versión más conocida. Hay quien dice que la historia podría encontrar inspiración en el cuento "Cupido y Psique" recogido en "El asno de oro" de Apuleyo, pero no son pocos los que mantienen que la historia tiene como inspiración a un ser real, Pedro Gonzalez, un tinerfeño que llegó a ser conocido como el "Salvaje Gentilhombre de Tenerife" o "El Hombre Lobo Canario"

En 1537, poco despues de ser ocupadas las Islas Canarias por la Corona Española, nacía en Tenerife, Pedro González (con el tiempo conocido como Petrus Gonsalvus), hijo de menceyes guanches y afectado por una rara enfermedad llamada hipertricosis que hacía que su cuerpo estuviera recubierto de pelo, incluido su rostro. En aquel tiempo aquello constituía toda una atracción y pronto, cuando tan solo contaba con 10 años se le dio el destino de servir como presente regio y así por orden de Carlos V fue trasladado de Canarias a Bruselas para que sirviera de regalo a su tía, por entonces gobernadora de los Países Bajos. Parece que en el camino, el barco pudo ser atacado por corsarios franceses y el pobre niño fue llevado entonces a la corte de Enrique II, Rey de Francia.

"La bella" Catherine

En Francia, donde estaba de moda el mito del "Hombre salvaje", causó sensación y el Rey lo tenía por un presente extraordinariamente valioso en aquella época en que a los poderosos les gustaba alardear de aquello que era sumamente extraño. El rey que sabía español pudo comunicarse con Petrus Gonsalvus  y al saber de su talante afable e instruido, lo tomó bajo su directa protección, le instruyó en humanidades y le enseñó idiomas reservados a las clases altas como el latín, le concedió el honor de usar el Don ante su nombre dado su origen noble entre los guanches y además le  otorgó el puesto de "sommelier de panneterie bouche du roy" (servicio de boca del rey), puesto reservado para los nobles de mayor rango y con un sueldo de 240 libras anuales. Creando todavía más contraste entre los exquisitos modales y conversación del joven y su perturbadora presencia.

Para las personalidades que se acercaban a la corte parisina era toda una atracción y asi Giulo Alvarotto enviado diplomático del rey de Italia en la corte francesa en esas fechas, lo describía así:

"Su cara y su cuerpo esta recubierta por una fina capa de pelo, de unos cinco dedos de largo (9 cm.) y de color rubio oscuro, mas fina que la de una "marta cibellina" y de olor bueno, si bien la cubierta de pelo no es muy espesa, pudiéndose apreciar bien los rasgos de su cara".

Al fallecer en un torneo Enrique II, Pedro González paso a depender de su esposa, la reina Catalina de Medicis, supongo que pensando que no es bueno que un hombre esté solo lo caso con una joven y bellísima parisina, al parecer dama de la Reina, Catherine (La bella) con la que tuvo nada menos que seis hijos, cuatro de los cuales heredaron la enfermedad de su padre.

Pedro González murió en Capodimonte en 1618 a la muy avanzada edad para aquella época de 80 años, no sin antes haber pasado el y toda su familia por la corte de Flandes, al ser regalados a Margarita de Austria, gobernadora de Flandes y duquesa de Parma, y posteriormente fueron heredados por el hijo de ésta, Alejandro Farnesio. 

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Cuando el ladrón es un fan más - Federico Chueca y los Ratas

Joaquín Sabina ya contaba en su canción "Pacto entre caballeros" como tres "raterillos" que no pasaban de los veinte,  mientras le estaban robando, cambiaron totalmente de actitud al reconocer a quien le estaban aplicando "el impuesto municipal". Algo así, pero con más gracía, le pasó al madrileño Federico Chueca (1846-1908) uno de los grandes compositores de zarzuela, autor de "La Gran Vía", su obra más conocida y uno de los títulos señeros de este género, mal llamado chico. Pero no es "La Gran Vía" la única obra importante del maestro Chueca, que contaba en su repertorio con otros títulos tan importantes como: "Cádiz", "Agua, azucarillos y aguardiente", "La alegría de la huerta" y "El bateo", obras en las que normalmente contaba con la ayuda de Joaquin Valverde.

Centrándonos en el motivo de esta entrada contaremos que uno de los números más recordados y simpáticos de "La Gran Vía" era la "Jota de los Ratas", un número en el que con buen humor retrataba a los carteristas y rateros que eran tan habituales en las calles madrileñas de la época. Una letrilla que empezaba con el inolvidable "Yo soy el rata primero, y yo el segundo, y yo el tercero…." El tema obtuvo el aplauso del público y se hizo muy popular, por ello cuando al Maestro Chueca le fue sustraída la cartera en un tranvía madrileño, por un "rata" que aprovechó hábilmente la coyuntura y el despiste del que para el carterista no era sino un viajero más, la prensa no tardó en hacerse eco de la noticia y con un poco de sorna recordar el número que le había dedicado a aquellos que ahora le hacían objetivo de sus habilidades.

Pero tal y como ocurrió con los mafiosos que se sintieron orgullosos del retrato que de ellos se hacía en "El padrino", los rateros se sentían orgullosos de la letrilla, que con ellos como protagonistas corría de boca en boca. Por ello, tal y como se enteraron de que aquella cartera era propiedad del Maestro Chueca, le mandaron la cartera acompañada de la siguiente nota: 

“Al saber por los periódicos que la cartera sustraída hace unos días en el tranvía del Este, a las seis y media de la noche, pertenece al señor Chueca, el gremio acordó, en Junta General, devolverle dicha cartera con los tres billetes de Banco, y cinco duros más de gratificación por parte nuestra, como prueba de respeto y admiración, al guripa de más pupila y más salero de España. Como verá usted, no nos quedamos con nada de lo que contenía la cartera, más que con el retrato, como recuerdo para esta "Academia". Dios guarde a usted muchos años y le conceda salud para que se ocupe de nosotros en el escenario”

Firmado: "El rata primero", "El rata segundo", "El rata tercero"

Visto Bueno: "La Chata". "La Pelos"

¡Todo un detalle!

Y ahora que menos que escuchar la pieza que motivo esta simpática anécdota:

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Woody Allen Vs Charlize Theron en "La maldición del escorpión de jade"

W.Allen - ¿Eh, como ha entrado aquí?
Ch. Theron- No ha sido muy difícil
W.A - ¿Cómo lo ha hecho? ¿Su padre le ha comprado el edificio?
Ch.T - Ha bastado con unos centavos al portero
W.A - Para vd. quizás si, si yo le doy unos centavos me escupe los zapatos
Ch.T - He traído un vodka ruso carísimo, de 120 grados.
W.A - Que no se le caiga, ¡podría volar el edificio entero!.
Ch.T - Me aburría esperando, solo hay revistas de detectives y listas de carreras de caballos.
W.A - Pues tengo una baraja de cartas con mujeres desnudas. Podría verlas...
Ch.T - Deje que adivine... ¿Las usa para hacer solitarios?
W.A - Eh... estuve saliendo con la del seis de picas.
Ch.T - Me encanta donde vive. Exactamente como la imaginaba, una ratonera cochambrosa.
W.A - Ah gracias!  Le diré a mi decorador su opinión. Es el efecto que buscábamos.
Ch.T - ¿Se muere de ganas de ver mi lunar?
W.A - Si está en el mismo sitio que estaba esta tarde me gustaría echarle el ojo.
Ch.T - Esto si que es nuevo para mi. Estoy acostumbrada a castillos y yates, guapos amantes europeos que se echan a mis pies y me compran regalos. Sin embargo me parece extrañamente excitante estar aquí en... un repugnante cuchitril con un empleaducho de  de seguros miope
W.A - Se que en el fondo de esas palabras hay un piropo aunque no se donde está. Va a... quitarse esa gabardina. En fin este apartamento hace veinte años que no llueve. (Ella se quita la gabardina debajo de la cual no lleva ropa, Allen la mira asombrado): !Vaya!
Ch.T - ¿Que te parece?
W.A - Si... si..me muero mientras estemos haciendo algo dígale al embalsamador que me deje la sonrisa puesta.

Una escena maravillosamente humorística, erótica y elegante a la vez de "La maldición del escorpión de jade" (2001 - Woody Allen). Ese es el talento del amigo Woody (no le conozco pero me ha hecho reír más que otros amigos más cercanos, así que...). Ambientada en los años cuarenta, Woody hace de una especie de investigador de una compañía de seguros -C.W. Briggs-, al más puro estilo de su soñado Humphrey Bogart y con evidentes ecos de dos grandes peliculas de Billy Wilder: "El apartamento" (1960) y  "Perdición" (1944) y por supuesto tenemos una femme fatale, -Laura Kessington- encarnada por una preciosa Charlize Theron, peinada a lo Veronica Lake y rol a lo Lauren Bacall que es capaz de descorchar el champán sin tocarlo. Para rematar podemos disfrutar de una "mágica" trama de amor-odio entre el flacucho pero echado "palante" C.W. Briggs y Betty Ann (Helen Hunt), una "dura" ejecutiva, enrollada con el jefe de Allen, que va a poner orden en la compañía y le sobran los arcaicos métodos del investigador. Allen juega de maravilla con los equívocos que provoca un hipnotizador entre él y la ejecutiva  y logra firmar una deliciosa comedia de esas que hoy se echan de menos. Si no la habéis visto ya estáis tardando. La clave está en Madagascar y Constantinopla.

Ficha de "La maldición del escorpión de jade"

Título original: The Curse of the Jade Scorpion
Año: 2001
Duración: 103 min.

País: Estados Unidos 

Dirección: Woody Allen

Guión: Woody Allen

Reparto: Woody Allen,  Helen Hunt,  Dan Aykroyd,  Charlize Theron,  Brian Markinson, David Ogden Stiers,  Elizabeth Berkley,  John Doumanian,  Wallace Shawn, John Tormey,  Philip Levy,  Dan Moran,  John Schuck,  Kaili Vernoff,  Peter Gerety

Fotografía: Zhao Fei

Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Dreamworks Pictures / Gravier / Perido Productions

Y como no encuentro vídeo de la escena con la que abríamos la entrada os dejo este otro con un dialogo igualmente chispeante:

Ch. T - Vd. es uno de esos mugrientos detectives privados, ¿verdad? Husmeadores los llaman. Rastreador, sabueso....
W.A -  No, yo, yo soy un mugriento investigador de seguros, los sabuesos son románticos. Yo solo soy mugriento.
Ch. T - Y le pone a cien acariciar zapatos de mujer
W.A - No, de cuando en cuando acariciar a la mujer entera
Ch. T - Tiene una lengua insolente. No se si me gusta
W.A - La gente me coge cariño. Mire podemos vernos después y podrá cogerme lo que quiera.
Ch. T - No le veo muy duro para perseguir delincuentes
W.A - En serio, si le diera unos cuantos cachetes cambiaría de opinión.
Ch. T - Se los podría devolver
W.A - Esto empieza a parecer divertido. ¿Le ponemos un poco de música?
Ch. T - ¿Por qué está fisgoneando?
W.A - Vd. es Laura Kensington ¿verdad?
Ch. T - Si, exacto. Y tengo un lunar en el muslo que lo demuestra. Le gustaría verlo.
W.A - Quizás, después, cuando haga la visita completa
Ch. T - Ja, a mi novio podría no gustarle
W.A - ¿sí, a cuál?

(...)
Ch. T - Así que es C.W. Brigs. Dicen que es un investigador muy sagaz con un historial impresionante. Tenía ganas de conocerle
W.A - Dicen que siempre cazo a mi presa
Ch. T - Yo también
W.A - ¡Ah. Ya!  Me alegra de que hayamos estado charlando. Lastima que esto esté lleno de gente (están solos en una habitación)
Ch. T - ¿A donde vamos esta noche, eh. A Chinatown o a Harlem? ¿Prefiere el jazz o el opio?
W.A - Prefiero la alfombra frente a mi chimenea
Ch. T - ¡Uhmmm directamente a su apartamento eh! ¿Siempre empieza por el postre?
W.A - Bueno... depende del menú
Ch. T - Será un experimento muy interesante para mi. Suelo preferir hombres más atractivos, atléticos y musculosos.
W.A - Quizá pueda marcarme unas flexiones antes de que usted llegue. ¿Y que me dice de su novio?
Ch. T - Si usted no le invita yo tampoco

-Helen Hunt - Voy a desmayarme.
-Allen - Calma, calma. A veces provoco eso en las mujeres.
-Helen Hunt - Necesito apoyar mi cabeza en tu hombro.
-Allen - Tengo que acordarme del champú que utilicé esta mañana...

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¿Qué haría Marlon Brando con los patos?

Las estrellas de cine nunca dejan de sorprendernos y siempre hay historias a su alrededor con las que hay que ser prudentes. Marlon Brando tiene un buen catálogo de historias de este tipo y hoy según leo se suma una más. Parece que cuando se hospedaba en el Hotel Castellana Hilton de Madrid (hoy Hotel InterContinental Madrid), y según contaba el ya fallecido Enrique, uno de los antiguos maîtres del hotel, Marlon Brando a su paso por el mismo, tenía la rara costumbre de pedir que le subieran diariamente a su suite uno o dos patos:

—¿Cómo los quiere? —le preguntaban— ¿En confit, a la naranja…?

—No, no —interrumpía Brando—. Vivos, los quiero vivos.

Si se tiene un cliente como Marlon Brando y quiere patos vivos se le llevan y punto. A la mañana siguiente, cuando llegaba el momento de arreglar la habitación, las camareras se encontraban un paisaje un tanto dantesco: los patos aparecían degollados sobre el suelo en medio de un charco de sangre y algo desplumados. Qué parte del método Stanislawsky entrenaba Brando con los patos es un absoluto misterio. Vete tú a saber las excentricidades de estas estrellas. Igual ensayaba la escena de un asesinato en un film noir....  En cualquier caso y para evitar comentarios, los trabajadores de un hotel tienen clara la consigna: "el silencio es oro", o bien se podría decir como en aquella mítica película del actor: impera "La ley del silencio" y el chisme quedaba dentro del Hotel. Solo había que tener una cosa en mente: tener preparados dos nuevos patos "vivos" para el día siguiente. 

Fuente: La anécdota aparece en un artículo del Diario "El País Semanal" del día 03/02/2018 titulado "Las juergas de Ava Gardner, Frank Sinatra y Marlon Brando en Madrid" - de Germán Pose - Link: https://elpais.com/elpais/2018/01/26/eps/1516968839_702342.html

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"Los dos reyes y los dos laberintos" - Microcuento - Jorge Luis Borges

Cuentan los hombres dignos de fe (pero Alá sabe más) que en los primeros días hubo un rey de las islas de Babilonia que congregó a sus arquitectos y magos y les mandó a construir un laberinto tan perplejo y sutil que los varones más prudentes no se aventuraban a entrar, y los que entraban se perdían. Esa obra era un escándalo, porque la confusión y la maravilla son operaciones propias de Dios y no de los hombres. Con el andar del tiempo vino a su corte un rey de los árabes, y el rey de Babilonia (para hacer burla de la simplicidad de su huésped) lo hizo penetrar en el laberinto, donde vagó afrentado y confundido hasta la declinación de la tarde. Entonces imploró socorro divino y dio con la puerta. Sus labios no profirieron queja ninguna, pero le dijo al rey de Babilonia que él en Arabia tenía otro laberinto y que, si Dios era servido, se lo daría a conocer algún día. Luego regresó a Arabia, juntó sus capitanes y sus alcaides y estragó los reinos de Babilonia con tan venturosa fortuna que derribo sus castillos, rompió sus gentes e hizo cautivo al mismo rey. Lo amarró encima de un camello veloz y lo llevó al desierto. Cabalgaron tres días, y le dijo: “Oh, rey del tiempo y substancia y cifra del siglo!, en Babilonia me quisiste perder en un laberinto de bronce con muchas escaleras, puertas y muros; ahora el Poderoso ha tenido a bien que te muestre el mío, donde no hay escaleras que subir, ni puertas que forzar, ni fatigosas galerías que recorrer, ni muros que veden el paso.” Luego le desató las ligaduras y lo abandonó en la mitad del desierto, donde murió de hambre y de sed. La gloria sea con aquel que no muere.

FIN

Este microcuento es obra del escritor argentino Jorge Luis Borges y aparece en su obra "El Aleph" (1949). 

Como curiosidad os diré que cualquier laberinto tiene un truco para salir de el, basta con colocar una de las manos sobre uno de los muros desde la entrada al laberinto, por ejemplo el de la derecha, y sin levantarla para tomar otra opción, seguir indefinidamente ese mismo muro, y de esa forma tarde o temprano daremos con la salida, evitando dar vueltas sin sentido. Evidentemente en un desierto no hay paredes sobre las que poner ninguna mano....

Fuente: http://ciudadseva.com/texto/los-dos-reyes-y-los-dos-laberintos/

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"Un perro andaluz": Cortando con la realidad

Posiblemente la imagen más famosa de toda la filmografía de Luis Buñuel es aquella de "El perro Andaluz" (1929), obra que hizo junto a Dalí, en la que podemos ver como una cuchilla de afeitar corta el ojo de una mujer, de la misma forma que después una nube afilada pasa por delante de la luna cortándola igualmente. Ya en 1920, Lorca (compañero de Buñuel y Dalí en la Residencia de Estudiantes) escribía en "Canción para la luna": 

“Luna dormida, ¡qué lentamente caminas! Cerrando un párpado de sombras, miras cual arqueológica pupila. Que quizás sea (Satán es tuerto) una reliquia”. 

El título del filme es el mismo que el de un poemario anterior de Buñuel, y se trata de una posible alusión al propio Federico García Lorca -que era andaluz-, al menos este estaba totalmente convencido que «el perro andaluz» era él, tal como explicó el propio Buñuel en 1975:

"Cuando en los años treinta estuve en Nueva York, Ángel del Río me contó que Federico, que había estado también por allí, le había dicho: -Buñuel ha hecho una mierdecita así de pequeñita que se llama Un perro andaluz; y ese perro andaluz soy yo.-" Esta creencia de Lorca se podría justificar en la profunda enemistad que existía entre el poeta y Buñuel en aquel momento, aunque este último siempre negó cualquier referencia a Lorca en la película.

La escena del ojo cortado parece haber sido ideada por Buñuel y en su simbolismo querría señalar que se ha cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior que era precisamente lo que promovía el Surrealismo. El propio Buñuel lo explicaba así:

"Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz." 

La escena tenía evidentemente su truco y lo que se cortaba con la cuchilla era en realidad el ojo de una ternera muerta que previamente había sido depilado para asemejar uno humano. No creo que sean pocas las pesadillas provocadas por la escenita, que a pesar de su primitivo montaje y del paso de los años sigue tan inquietante como el día de su estreno. Pero más allá del tajo que da la navaja, también se quedó en nuestro recuerdo ese rostro de ojos desafiantes que se enfrentaba sin miedo a la mutilación de su mirada. Pocos sabrán que aquella actriz se llamaba Simone Mareuil (1903-1954) y si bien participó en otros filmes, fue este trabajo el que le reportó fama. Al concluir la Segunda Guerra Mundial regreso a su ciudad natal, Perigueux, víctima de una profunda depresión que no pudo superar y que la llevó a suicidarse de forma trágica, se roció con gasolina y se prendió fuego "a lo bonzo" en una plaza pública. Curiosamente su compañero en la película, Pierre Batcheff había muerto también, años antes por una sobredosis de veronal. No creo que Dali o Buñuel, tan arriesgados a la hora de imaginar lo inimaginable, hubieran sospechado un final así para los protagonistas de su película.

Tuvo como título provisional "Peligroso asomarse al interior" lo que sin duda abre más la curiosidad. Por allí veréis manos de las que surgen hormigas, dos burros muertos sobre sendos pianos, o un personaje que va en bicicleta que cuando deja de pedalear, se cae. Unas tetas se convierten en un culo y el vello de un sobaco en un erizo; una puerta de una habitación que lleva a la playa... y muchas otras imágenes curiosas que sólo pueden pertenecer al reino de los sueños. Surrealismo puro y duro. No cabe duda de que los sueños tuvieron mucho que ver en la creación de la película, sueños sobre los que Buñuel opinaba así:

“Si me dijeran: te quedan veinte años de vida, ¿qué te gustaría hacer durante las veinticuatro horas de cada uno de los días que vas a vivir?, yo respondería: dadme dos horas de vida activa y veinte horas de sueños, con la condición de que luego pueda recordarlos; porque el sueño sólo existe por el recuerdo que lo acaricia.”

Aprovechando la anécdota os dejo la película completa, que a pesar de ser muy cortita, resulta siempre interesante:

Buñuel sobre el surrealismo: “A veces digo que el surrealismo triunfó en lo accesorio y fracasó en lo esencial… Reconocimiento artístico y éxito cultural que eran precisamente las cosas que menos nos importaban a la mayoría. Al movimiento surrealista le tenía sin cuidado entrar gloriosamente en los anales de la literatura y la pintura. Lo que deseaba… era transformar el mundo y cambiar la vida. En ese punto –el esencial– basta echar un vistazo alrededor para percatarnos de nuestro fracaso.” – Cita de "Mi último suspiro"

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La horrenda muerte del verdadero "V" de Vendetta

Hoy, leyendo sobre Guy Fawkes, el personaje que inspiró la película  "V" de Vendetta y se convirtió en símbolo del movimiento "Anonymous", me sorprendió la brutalidad del ajusticiamiento real de este hombre. 

Retrato de Guy Fawkes

Después de que el 5 de noviembre de 1605,  pillaran a Fawkes con las manos en la masa, ultimando los preparativos para explosionar 36 barriles de pólvora bajo el Parlamento Inglés con el rey Jacobo I en su interior (buscando de alguna manera acabar con el protestantismo y facilitar el retorno del catolicismo a Inglaterra) lo sometieron a tortura -de menos a más según las instrucciones recibidas- hasta que confesó el nombre de todos los implicados en la conspiración.

Después vino la ejecución que como no podía ser de otra manera sería pública, (multitudinaria hay que concretar, no cabía un alfiler; ya se sabe... el morbo de la gente deseosa de impresiones fuertes) y por supuesto ejemplarizante, y a eso, cuando los ingleses se ponen no hay quien les iguale. 

Dejando a Guy Fawkes para el final, se ahorcaron a sus 12 compinches de forma que no perdieran la vida de inmediato y mientras aun tenían consciencia se les cortaba los genitales y se arrojaban a una hoguera haciéndoles ver durante su agonía como ardían. 

Llegado el turno de Fawkes, nuestro "V" reconvertido hoy en luchador no del protestantismo sino de un fascismo ultramoderno al estilo de "1984" que todo lo controla, una vez con la soga al cuello se tiró por la trampilla y al caer más violentamente de lo que se tenía pensado para alargar su agonía, murió al instante al partírsele el cuello, sin que pudiera sufrir todo lo que le tenían reservado. Aunque eso no fue óbice para que también le arrancarán los genitales, los echaran a la hoguera y después ante toda aquella muchedumbre deseosa de un sangriento espectáculo, a él y a los otros 12 ajusticiados, les cortaran la cabeza para clavarla sobre una pica, les arrancaran el corazón y los descuartizaran, a fin de llevar sus restos repartidos a los cuatro confines de Inglaterra, para que sirviera de advertencia a todos. 

Celebración de la "Noche de Guy Fawkes"

Tal fue el impacto de la conocida como Conspiración de la pólvora y sus consecuencias para los culpables que el 5 de noviembre se instauró la costumbre de conmemorar su fracaso en la festividad conocida como "Noche de Guy Fawkes",  en la que entre fuegos artificiales, los ingleses remedaban a Guy Fawkes con una máscara que caricaturizaba sus rasgos y que sirvió de inspiración para la creación del moderno personaje de "V" de Vendetta, que curiosamente ha tornado en un símbolo de lucha por la libertad y en contra de la opresión....

Así de poderosa puede resultar una película y el cómic de Alan Moore en que se basaba.

Y para terminar con un poquito de música una historia demasiado oscura, que mejor que la espectacular Obertura 1812 de Tchaikovsky, que tanto ayudó a popularizar la película ya citada.

Fuente: La entrada se basa en una entrada del libro "La historia del mundo sin los trozos aburridos" - Fernando Garcés Blazquez - Editorial Ariel.

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Sandro "Barrilete": Un genio del Renacimiento

Sí, sonará todo lo absurdo que ustedes quieran eso de Sandro Barrilete pero ese sería el nombre literal de Botticelli si lo tradujéramos exactamente al español, si acaso solo cabría la alternativa de "tonelete", pero no creo que eso mejore mucho la cosa. Y es que las herencias de familia son algunas veces una verdadera cruz y Sandro Botticelli soportará la suya por los siglos de los siglos. 

El pintor, nacido en Florencia, se llamaba en realidad Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (1445 -1510), era el menor de cuatro hermanos y nació 25 años después que el primero de ellos, Giovanni. Suponemos que por encontrarse ya sus padres un tanto mayores, Giovanni se encargó del cuidado y educación del chico. Giovanni era bajito y fuertote y tenía una marcada afición por el vino de modo que su cuerpo con los años fue cogiendo unos kilitos de más, acercándole peligrosamente a la perfección griega del circulo,  lo que motivó que se le conociera como "Botticello" (tonel).  Por extensión aquel niño, nada gordo y de aspecto enfermizo, que siempre le acompañaba y que para muchos pasaba por ser su hijo, pasó a ser el chico de Botticello, o lo que es lo mismo, Botticelli (tonelete). En los pueblos y en no pocas ciudades españolas eso de los motes familiares es algo muy habitual (en Jerez, donde vivo, está a la orden del día) y en Italia, con la que guardamos tantas similitudes no iba a ser menos y así, Sandro quedó definitivamente bautizado para la historia como Botticelli, -tonelete- mas no por gracia de Dios sino de los hombres y sus chanzas.

Según cuenta Vasari, en su biografía de grandes artistas, Botticelli era un tanto caprichoso y excéntrico y bastante dado a las bromas, pero sobre su aspecto solo sabemos por uno de sus autorretratos que no era lo que se dice una persona obesa. De lo que si tenemos noticia es de que le encantaba comer. Botticelli era amigo intimo del joven y poderoso Lorenzo de Médici y este tenía entre sus aficiones la poesía y no dudaba, a modo de juego, en dedicar alguna letrilla humorística a sus favoritos. A Botticelli, jugando con el significado de su apodo le dedicó la siguiente:

Botticelli, cuya fama no es pequeña,

Botticelli, digo , es insaciable.

Más insistente e indiscreto que una mosca.

¡Cuántas de las locuras que ha hecho le recuerdo!

Si lo invito a cenar,

quien lo hiciera que se ande con cuidado, 

ya que no va a abrir la boca para hablar,

no, ni siquiera que lo sueñe, pues tendrá la boca llena.

Llega cual pequeña botellita, y se marcha cual botella rebosante.

Quién sabe si con los años y los banquetes, aquello de Tonelete, resultó algo más que un engaño.

La imagen que abre la entrada está considerada como un posible autorretrato de Sandro Botticelli y es un detalle de su obra "La adoración de los Reyes Magos" (1475)

Y ahora después de tanto "cachondeillo" con el bueno de Sandro dejaremos que se reivindique como lo que es, uno de los mejores pintores del renacimiento, revisando su obra:

Fuente: 

La entrada parte del libro "Vidas secretas de grandes artistas" (Elizabeth Lunday - Oceano 2010)

La imagen está tomada de la siguiente página:

https://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli#/media/File:Sandro_Botticelli_083.jpg