martes, 30 de enero de 2018

La horrenda muerte del verdadero "V" de Vendetta



Hoy, leyendo sobre Guy Fawkes, el personaje que inspiró la película  "V" de Vendetta y se convirtió en símbolo del movimiento "Anonymous", me sorprendió la brutalidad del ajusticiamiento real de este hombre. 

Retrato de Guy Fawkes
Después de que el 5 de noviembre de 1605,  pillaran a Fawkes con las manos en la masa, ultimando los preparativos para explosionar 36 barriles de pólvora bajo el Parlamento Inglés con el rey Jacobo I en su interior (buscando de alguna manera acabar con el protestantismo y facilitar el retorno del catolicismo a Inglaterra) lo sometieron a tortura -de menos a más según las instrucciones recibidas- hasta que confesó el nombre de todos los implicados en la conspiración.

Después vino la ejecución que como no podía ser de otra manera sería pública, (multitudinaria hay que concretar, no cabía un alfiler; ya se sabe... el morbo de la gente deseosa de impresiones fuertes) y por supuesto ejemplarizante, y a eso, cuando los ingleses se ponen no hay quien les iguale. 

Dejando a Guy Fawkes para el final, se ahorcaron a sus 12 compinches de forma que no perdieran la vida de inmediato y mientras aun tenían consciencia se les cortaba los genitales y se arrojaban a una hoguera haciéndoles ver durante su agonía como ardían. 

Llegado el turno de Fawkes, nuestro "V" reconvertido hoy en luchador no del protestantismo sino de un fascismo ultramoderno al estilo de "1984" que todo lo controla, una vez con la soga al cuello se tiró por la trampilla y al caer más violentamente de lo que se tenía pensado para alargar su agonía, murió al instante al partírsele el cuello, sin que pudiera sufrir todo lo que le tenían reservado. Aunque eso no fue óbice para que también le arrancarán los genitales, los echaran a la hoguera y después ante toda aquella muchedumbre deseosa de un sangriento espectáculo, a él y a los otros 12 ajusticiados, les cortaran la cabeza para clavarla sobre una pica, les arrancaran el corazón y los descuartizaran, a fin de llevar sus restos repartidos a los cuatro confines de Inglaterra, para que sirviera de advertencia a todos. 

Celebración de la "Noche de Guy Fawkes"
Tal fue el impacto de la conocida como Conspiración de la pólvora y sus consecuencias para los culpables que el 5 de noviembre se instauró la costumbre de conmemorar su fracaso en la festividad conocida como "Noche de Guy Fawkes",  en la que entre fuegos artificiales, los ingleses remedaban a Guy Fawkes con una máscara que caricaturizaba sus rasgos y que sirvió de inspiración para la creación del moderno personaje de "V" de Vendetta, que curiosamente ha tornado en un símbolo de lucha por la libertad y en contra de la opresión....

Así de poderosa puede resultar una película y el cómic de Alan Moore en que se basaba.

Y para terminar con un poquito de música una historia demasiado oscura, que mejor que la espectacular Obertura 1812 de Tchaikovsky, que tanto ayudó a popularizar la película ya citada.






Fuente: La entrada se basa en una entrada del libro "La historia del mundo sin los trozos aburridos" - Fernando Garcés Blazquez - Editorial Ariel.

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lunes, 29 de enero de 2018

Sandro "Barrilete": Un genio del Renacimiento





Sí, sonará todo lo absurdo que ustedes quieran eso de Sandro Barrilete pero ese sería el nombre literal de Botticelli si lo tradujéramos exactamente al español, si acaso solo cabría la alternativa de "tonelete", pero no creo que eso mejore mucho la cosa. Y es que las herencias de familia son algunas veces una verdadera cruz y Sandro Botticelli soportará la suya por los siglos de los siglos. 

El pintor, nacido en Florencia, se llamaba en realidad Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (1445 -1510), era el menor de cuatro hermanos y nació 25 años después que el primero de ellos, Giovanni. Suponemos que por encontrarse ya sus padres un tanto mayores, Giovanni se encargó del cuidado y educación del chico. Giovanni era bajito y fuertote y tenía una marcada afición por el vino de modo que su cuerpo con los años fue cogiendo unos kilitos de más, acercándole peligrosamente a la perfección griega del circulo,  lo que motivó que se le conociera como "Botticello" (tonel).  Por extensión aquel niño, nada gordo y de aspecto enfermizo, que siempre le acompañaba y que para muchos pasaba por ser su hijo, pasó a ser el chico de Botticello, o lo que es lo mismo, Botticelli (tonelete). En los pueblos y en no pocas ciudades españolas eso de los motes familiares es algo muy habitual (en Jerez, donde vivo, está a la orden del día) y en Italia, con la que guardamos tantas similitudes no iba a ser menos y así, Sandro quedó definitivamente bautizado para la historia como Botticelli, -tonelete- mas no por gracia de Dios sino de los hombres y sus chanzas.

Según cuenta Vasari, en su biografía de grandes artistas, Botticelli era un tanto caprichoso y excéntrico y bastante dado a las bromas, pero sobre su aspecto solo sabemos por uno de sus autorretratos que no era lo que se dice una persona obesa. De lo que si tenemos noticia es de que le encantaba comer. Botticelli era amigo intimo del joven y poderoso Lorenzo de Médici y este tenía entre sus aficiones la poesía y no dudaba, a modo de juego, en dedicar alguna letrilla humorística a sus favoritos. A Botticelli, jugando con el significado de su apodo le dedicó la siguiente:

Botticelli, cuya fama no es pequeña,
Botticelli, digo , es insaciable.
Más insistente e indiscreto que una mosca.
¡Cuántas de las locuras que ha hecho le recuerdo!
Si lo invito a cenar,
quien lo hiciera que se ande con cuidado, 
ya que no va a abrir la boca para hablar,
no, ni siquiera que lo sueñe, pues tendrá la boca llena.
Llega cual pequeña botellita, y se marcha cual botella rebosante.

Quién sabe si con los años y los banquetes, aquello de Tonelete, resultó algo más que un engaño.

La imagen que abre la entrada está considerada como un posible autorretrato de Sandro Botticelli y es un detalle de su obra "La adoración de los Reyes Magos" (1475)

Y ahora después de tanto "cachondeillo" con el bueno de Sandro dejaremos que se reivindique como lo que es, uno de los mejores pintores del renacimiento, revisando su obra:




Fuente: 
La entrada parte del libro "Vidas secretas de grandes artistas" (Elizabeth Lunday - Oceano 2010)

La imagen está tomada de la siguiente página:
https://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli#/media/File:Sandro_Botticelli_083.jpg


domingo, 28 de enero de 2018

"Literatura" (microcuento) - Julio Torri




El novelista, en mangas de camisa, metió en la máquina de escribir una hoja de papel, la numeró, y se dispuso a relatar un abordaje de piratas. No conocía el mar y sin embargo iba a pintar los mares del sur, turbulentos y misteriosos; no había tratado en su vida más que a empleados sin prestigio romántico y a vecinos pacíficos y oscuros, pero tenía que decir ahora cómo son los piratas; oía gorjear a los jilgueros de su mujer, y poblaba en esos instantes de albatros y grandes aves marinas los cielos sombríos y empavorecedores. La lucha que sostenía con editores rapaces y con un público indiferente se le antojó el abordaje; la miseria que amenazaba su hogar, el mar bravío. Y al describir las olas en que se mecían cadáveres y mástiles rotos, el mísero escritor pensó en su vida sin triunfo, gobernada por fuerzas sordas y fatales y, a pesar de todo, fascinante, mágica, sobrenatural.

Este microcuento titulado "Literatura" es obra del escritor mexicano Julio Torri Maynes (1889-1970), miembro de la Academia Mexicana de la Lengua. De este autor desconocido por mí hasta ahora leo: 

"Entre la diversidad de opiniones sobre la obra de Julio Torri destacan como características principales y muy relacionadas entre sí la brevedad, la mezcla de géneros, el humor, la ironía, lo fantástico, la calidad literaria y el esteticismo de su prosa, el estilo pulcro y perfecto de su escritura, su preferencia por la prosa (así se llame poética), su exigencia y rigor ante lo que escribe, la innegable relación de sus textos con otros de diferentes culturas y autores; pero, a nuestro juicio, lo sobresaliente es la apreciación que se tiene sobre la originalidad y actualidad de la obra de Torri. Esta idea de lo original se pasea por toda su prosa (...) De esta idea sobre la originalidad —no en el sentido de lo propio, de lo que más se parece a mí, sino en el sentido de aporte, de novedad y con carácter de universal, como bien es explicado por sus críticos— se desprende su estilo, sus aportes en la creación literaria, así como su criterio editorial. Ser original es la preocupación de Torri, ambición estrechamente relacionada con su idea de perfección; no sólo rigor, sino que su escritura, cerrada en sí misma por sus propias exigencias, sea única y a la vez universal." (Palabras que calan: la escritura de Julio Torri - Francisco Beltrán, Cynthia Ramírez y Marco Urdapilleta - Revista La Colmena nº 79)

Las imágenes han sido tomadas de la siguientes páginas:
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sábado, 27 de enero de 2018

Historia de una mentira: Napoleón cruzando los Alpes



Napoleón acababa de hacerse con el poder en Francia (1799)  cuando se encaminó hacia Italia con la idea de liberar a Génova de las tropas austriacas. Para conseguirlo pensó en llegar al lugar al estilo de Aníbal, osea a través de los Alpes, (el camino más corto pero también el más peligroso e inesperado)  lo que le daría la ventaja de la sorpresa, y de paso lo equipararía al mítico general cartaginés. 

La jugada le salió bien y pronto su audacia y sabiduría como estratega en el campo de batalla resultaron incuestionables a los ojos de todos. Aquel paso por los Alpes a través del puerto de montaña del Gran San Bernardo es el que se plasma en este famoso cuadro del que hay hasta cinco versiones.

Nada importaba que Napoleón hubiese cruzado realmente los Alpes en una pequeña mulilla, resguardándose del frio con su abrigo y ropa corriente de montaña (tal y como lo representó Paul Delaroche en el cuadro que podemos ver a la derecha) y dos semanas después que su ejército que aprovechando el buen tiempo se había adelantado. Aquella victoria debía de representarse de forma gloriosa y el pintor Jacques-Louis David se encargaría de ello. La nueva escena poco o nada tiene que ver con la realidad y Napoleón aparece lleno de dinamismo y determinación, vestido con uniforme de General en Jefe, con un bicornio ribeteado en oro, un historiado fajín y un precioso sable de estilo mameluco. El brazo en alto dirigiendo el avance de sus tropas, y él mirando descaradamente al espectador mientras el viento mueve su espectacular capa y las frondosas crines de su brioso caballo de batalla que controla con su otra mano que viste un precioso guantelete. En cuatro de las copias del cuadro es "Marengo", el famoso caballo de Napoleón, el que aparece y en el restante, la versión de Charlottenburg, es la yegua parda "Belle" la que lleva a Napoleón.  

La pose recuerda mucho a la imagen de Alejandro Magno montando a Bucéfalo en el sarcófago que lleva su nombre (Museo Arqueológico de Estambul), también tiene ecos de la estatua ecuestre que Falconet hizo de Pedro I el Grande (San Petersburgo) y yo personalmente le veo mucho parecido con el retrato ecuestre del Conde Duque de Olivares obra de Velázquez (Museo del Prado). Abajo a la derecha.

Pero Napoleón tenía muy claro a quien quería emular con aquella gesta y por eso el pintor dejo grabado en las rocas de la montaña los nombre de Aníbal, Carlo Magno y del propio Napoleón, haciendo alusión a que este último era el sucesor natural de aquellos dos genios militares.

La primero de las cinco copias, la que abre esta entrada, fue encargada por nuestro rey Carlos IV, en un acto de casi servil peloteo (que no evitaría la posterior entrada de las tropas napoleónicas en España) y durante un tiempo estuvo expuesto en Madrid hasta que José Bonaparte se lo llevó al tener que partir de España por la puerta de atrás. Hoy el cuadro está expuesto en la Malmaison. 

No lo tuvo fácil David para hacer el cuadro ya que Napoleón no sabía estarse quieto y no se prestaba a posar. David tuvo que conformarse con los apuntes que años atrás había hecho del militar tras lograr que posara tres insuficientes horas para un retrato que quedó incabado, de un busto y de sus ropas militares. Para la pose a caballo el pintor hubo de ayudarse de su propio hijo subido a una escalera adoptando el ademán que vemos en el cuadro. Desde luego no me imagino a Napoleón de semajante guisa ni siquiera un minuto. En cualquier caso, cuando David insistía a Napoleón sobre la necesidad de que posara este le respondía así:

- ¿Posar? ¿Para qué? ¿Cree que los grandes hombres de la Antigüedad de quien nosotros tenemos imágenes posaron?

- Pero Ciudadano Primer Cónsul, le pinto para su siglo, para los hombres que le han visto, que le conocen, ellos querrán encontrar una semejanza.

- ¿Semejanza? No es la exactitud de los rasgos, una verruga en la nariz lo que da la semejanza. Es el carácter el que dicta lo que debe pintarse... Nadie sabe si los retratos de los grandes hombres se les parece, basta que sus genios vivan allí"

Las Cinco versiones son: En cabecera del artículo.-1ª versión de 1800 y original expuesto en el Palacio de la Malmaison.- A la derecha en fotos pequeñas se empieza con la 2ª version - 1801 - Expuesta en el Palacio berlines de Charlottenburg. Sigue hacia abajo la 3ª versión y primera de las del Palacio de Versalles, pintada en 1802, le sigue la versión de 1802 expuesta en Museo Belvedere de Viena, y por último y a la derecha la 5ª y última versión de 1804 y conocida como segunda versión del Palacio de Versalles

La imagen se hizo tremendamente popular y se convirtió en un recurso perfecto para cantar las victorias de Napoleón. La propaganda y el marketing ya hacían de las suyas.

Fuente: Entrada realizada a partir del artículo publicado en el nº 599 de la Revista "Historia y Vida"

Las imágenes han sido tomadas de Wikimedia Commons en las siguientes páginas:
01.- https://commons.wikimedia.org/wiki/File:David_-_Napoleon_crossing_the_Alps_-_Malmaison1.jpg
02.-https://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_cruzando_los_Alpes#/media/File:Paul_Delaroche_-_Napoleon_Crossing_the_Alps_-_Google_Art_Project_2.jpg
03.- https://es.wikipedia.org/wiki/Sarc%C3%B3fago_de_Alejandro#/media/File:Alexander_Sarcophagus.jpg
04.- https://es.wikipedia.org/wiki/Gaspar_de_Guzm%C3%A1n,_conde-duque_de_Olivares,_a_caballo#/media/File:Count-Duke_of_Olivares.jpg
05.- https://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_cruzando_los_Alpes#/media/File:Jacques-Louis_David_007.jpg
06.-https://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_cruzando_los_Alpes#/media/File:David_-_Napoleon_crossing_the_Alps_-_Versailles_3rd_version.jpg
07.-https://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_cruzando_los_Alpes#/media/File:Napoleon_at_the_Great_St._Bernard_-_Jacques-Louis_David_-_Google_Cultural_Institute.jpg
08.- https://es.wikipedia.org/wiki/Napole%C3%B3n_cruzando_los_Alpes#/media/File:Napoleonpic.jpg

viernes, 26 de enero de 2018

Los comienzos de Ingrid Bergman



"Puedo hacer todo con facilidad en el escenario, mientras que en la vida real me siento muy grande y torpe. Así que no he elegido actuar. Ella me eligió."

Son palabras de la actriz sueca Ingrid Bergman y aunque ella dijera que no eligió actuar lo cierto es que en 1933, cuando tenía tan solo 18 años se presentó a las exigentes pruebas del Royal Dramatic Theather School de Estocolmo donde ya había estudiado Greta Garbo. Fueron cientos los alumnos que se presentaron a las pruebas. La joven Ingrid, como las demás aspirantes, debía preparar tres piezas distintas, después de lo cual los jueces seleccionaban dos de ellas y valoraban la actuación. A los admitidos le entregaban el placet con un sobre blanco, mientras que los rechazados recibían un sobre marrón. Ingrid Bergman, una actriz que con el tiempo supimos que era principalmente una actriz dramática se presentó con una comedia y a sus ojos sentía como los miembros del jurado parecían no prestarle mucha atención y mucho menos lograba arrancarles la mas mínima sonrisa. Acababa de terminar la primera representación cuando sin dejarle emprender la segunda que obligatoriamente debía representar le pidieron que se retirara sin darle más explicación. Ingrid Bergman se sintió totalmente hundida y fracasada y sin esperar a recoger el sobre que ella daba por seguro sería marrón se marchó del lugar. Muchos años después, las actriz recordaba aquel momento crucial de su carrera de la siguiente forma: 

"Cuando abandonaba el escenario estaba de luto, me encontraba en un funeral. El mío. Era la muerte de mi yo creativo. Tenía el corazón roto de veras. Al salir a la calle, Estocolmo, que siempre me había parecido tan hermoso, ya no lo era, y los actores y actrices que esperaban a recoger su sobre, se reían y burlaban de mi, ¨¿Por qué no lo has cogido?" me preguntaban entre risas. Cada vez me sentía peor. Aunque casi no veía nada porque tenía los ojos llenos de lágrimas. Cuando llegué a casa, me estaban esperando mis primas, me dijeron que había llamado un actor amigo de ellas que había participado en las pruebas. Él había conseguido un sobre blanco y preguntó que por qué yo no había recogido el mío. Le pregunté si sabía de qué color era mi sobre. Me dijo que era blanco. Salí volando. Corrí todo el rato hasta recoger mi sobre blanco. Estaba entusiasmada. Llevada por la agitación, rompí el papel de dentro al abrir el sobre. Años después conocí a uno de los miembros del jurado y le pregunté por qué habían interrumpido mi lectura tan pronto. Él me dijo: “Nos encantó su seguridad y su impertinencia. Hablamos y no vimos ninguna necesidad de perder el tiempo. Sabíamos que era fabulosa y tenía un talento innato. Su futuro como actriz estaba asegurado”. Aquella noche, cuando me enteré de lo del sobre blanco, fue la noche que cambió mi vida."

Poco después, en 1937, rodaría su primera película, "Munkbrogreven"  en la que daba vida a "Elsa Edlund" un personaje de nombre muy parecido al que le daría fama mundial en "Casablanca": "Ilsa Lund". La Bergman siempre buscó la excelencia en sus trabajos tanto que el director Alfred Hitchcock que la tuvo a sus órdenes en dos trabajos: "Recuerda" (1945) y "Encadenados" (1946) dijo de ella:

 "El problema de Ingrid Bergman era que sólo quería hacer obras maestras"

Tres premios Oscar lo avalan.




Fuente: A partir de una anécdota leída en la revista "Historia y Vida"

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lunes, 22 de enero de 2018

El soldado que salvó la Torre de Pisa de las bombas



No fue cosa fácil la toma de la ciudad de Pisa por las tropas norteamericanas durante la Segunda Guerra Mundial. Corría julio de 1944 y hacía poco que se había tomado la ciudad de Roma sin mayor problema al ser declarada ciudad abierta, pero al aproximarse a Pisa el ejército norteamericano estaba recibiendo fuego enemigo con demasiada precisión causándole numerosas bajas, algo extraño en una zona llana y costera, por lo que pensaron que los alemanes debían de contar con un puesto privilegiado de observación desde el que controlar el campo de batalla y dar instrucciones a sus artilleros sobre donde apuntar con el nuevo arma del mariscal de campo Kesselring, el lanzacohetes Nebelwerfer, capaz de lanzar hasta 20 misiles en rápida sucesión desde un camión adaptado.

Los analistas militares fueron desechando las posibles cotas que pudieran servir a tal fin y al final como principal sospechosa quedó una torre de mármol de casi 60 metros desde encima de la cual se dominaba perfectamente toda la campiña. Era la Torre de Pisa. El ejército Norteamericano ya había tenido que reducir a escombros el artístico monasterio de Montecasino pocas semanas antes por la resistencia ofrecida desde el mismo por los alemanes y ahora,  la famosa Torre, no iba a constituir un freno para su avance. Ante este panorama el Coronel Woods del ejército de EEUU mandó a un jovencito sargento de 23 años llamado León Weckstein junto al operador de radio Charles King, a observar la conocida "Piazza dei Miracoli" donde se ubica la marmórea e inclinada torre, esperando su confirmación vía radio para que la zona fuera bombardeada. Parece que al llegar a las cercanías de la plaza y ver por primera vez aquellas maravillas arquitectónicas para el desconocidas, el sargento Weckstein se quedó totalmente prendado de ellas y sofocado al más puro estilo del síndrome de Stendhal, sentía que aunque quería cumplir la orden era a la vez totalmente incapaz de dar comunicado alguno a sus superiores para que la zona fuera bombardeada. Lo cuenta el propio Weckstein en sus memorias:

León Weckstein en Florencia
"Primero me centré en el punto más alto, el amplio campanario circular de la torre. Podía distinguir fácilmente la silueta sombría de las viejas campanas, ahora tranquila, pero nada se movía. Me tomé mi tiempo buscando lentamente, abajo, y cruzando cada balaustrada elaboradamente adornada, tratando de discernir cualquier cosa que pueda estar escondida dentro de esos recovecos y arcos negros ".... ¡Termina el maldito trabajo! Anhelé volarlo en mil pedazos, pero hasta ahora no había visto nada moverse. Ni una maldita cosa se movió"

Weckstein pensaba en sus compañeros muertos por los proyectiles alemanes, se imaginaba que el mismo era un soldado enemigo agazapado en una de las plantas circulares de la torre riéndose de sus víctimas, buscaba con ello algo que le ayudara a superar el bloqueo en el que se encontraba y dar la orden al operador de radio que esperaba sus indicaciones. Cuando el sargento se lo dijera el operador solo tenía que decir seis palabras "This is Able George One. Fire"; pocos segundos más tarde, una división de infantería con baterías de cañones de 155 mm y un destructor fondeado en el mar cercano habrían destruido la torre y las maravillas que la rodean hasta convertirlo todo en polvo. Pero Weckstein no se decidía a dar luz verde, pasaban los segundos y los minutos y la indecisión era cada vez mayor. Providencialmente recibieron fuego enemigo desde otra posición y no les quedó otra que retirarse a toda prisa del lugar sin haber dado el comunicado en cuestión. Cuando llegaron al campamento, puede que por presiones de las autoridades italianas, los generales decidieron reconsiderar su decisión y no destruir la torre, que se había librado in extremis por el oportuno silencio del sargento Weckstein, quien con los años manifestaría en una entrevista que estaba seguro de que la Torre se encontraba en aquellos momentos ocupada por tropas alemanas.  


Un motivo más para que este famoso enclave, con su Baptisterio, el Duomo y su torre inclinada sea conocida y esta vez no por sus delicias arquitectónicas, como la Plaza de los Milagros.



Fuentes:
01.- http://darozhistoriamilitar.blogspot.com.es/2015/08/o-sargento-que-salvou-torre-de-pisa.html
02.- https://www.theguardian.com/theguardian/2000/jan/13/features11.g23

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domingo, 21 de enero de 2018

Genios y artistas infravalorados



El devenir de algunas de las mentes más preclaras de la historia de la humanidad o de algunos artistas famosos no siempre fue tan claro como sus logros finales demostraron. No pocos de ellos fueron etiquetados como personas del montón que poco o nada tenían que aportar. Por supuesto a los genios y a los artistas poco les importa la opinión que de ellos se pueda tener y por eso, por su singular forma de ver las cosas, sus ideas o forma de hacer y la inquebrantable fé en si mismos llegan a las cotas de excelencia que están totalmente vedadas para los simples mortales.

A Enrico Caruso hay quien le recomendó dejar las clases de tenor porque literalmente: "Usted no tiene suficiente voz para el canto", afortunadamente no le hizo caso y hoy todavía resuena el eco de sus "do de pecho".

De Albert Einstein se dice que sacaba malas notas, algo que no es del todo cierto si tenemos en cuenta la forma de calificar en aquella época. Sacaba muchos "6", pero olvidamos que donde el vivía esa era la más alta calificación. Lo que si parece cierto es que era incapaz de leer hasta los siete años y más tarde no se le apreció el nivel suficiente para ingresar en la Escuela Politécnica de Zurich, incluso su tesis doctoral fue rechazada de plano por la Universidad de Berna por considerarla de escaso interés. Tras empezar a trabajar como simple empleado de la Oficina de Patentes de Berna se desmarcó del todo el mundo, con tan solo 26 años, con la Teoría de la Relatividad Especial y el famoso  E=mc².

Thomas Alva Edisón tuvo que sufrir a unos profesores que le decían -y no era para motivarle- que era demasiado tonto para aprender. Su madre desesperada con el chico tomó la determinación de sacarlo de la escuela y enseñarle en casa.

Charles Darwin, un creyente que se convirtió en el azote de las ideas creacionistas con su Teoría de la evolución y de la selección natural, contaba en su biografía: "Mis profesores y mi padre me consideraban un chico común, más bien por debajo del nivel común del intelecto".

Fred Astaire, el más elegante de los bailarines que dio Hollywood, y un gran cantante tal y como reconocía Cole Porter, tuvo que soportar, en sus inicios ante las cámaras, el juicio de uno de los expertos de los estudios RKO que en una de las pruebas iniciales sentenció en su informe:  "No sabe cantar. No sabe actuar. Tiene bastantes entradas. Sabe bailar un poco". Un magnífico ojo clínico sin duda.

A Elvis Presley, le pusieron la cruz de forma rotunda a su incipiente carrera como cantante, cuando el mánager del famoso programa radiofónico de música "Grand Ole Opry" le dijo: "Hijo, no vas a llegar a ninguna parte. Te recomiendo que vuelvas a conducir un camión". No tardaría en llegar el tema "Heartbreak Hotel", los movimientos espasmódicos de cadera y toda aquella legion de jovencitas mochales por el del tupé. Elvis no solo fue el Rey del Rock'n Roll, además grabó éxitos country a porrillo.

A León Tolstoi, el famoso escritor ruso famoso por obras tan famosas como "Guerra y paz"o "Anna Karénina" fue expulsado de la escuela "por no tener capacidad ni voluntad para el aprendizaje"

Se cuenta -tengo mis dudas- que el famoso general Douglas MacArthur fue rechazado dos veces en su intento por ingresar en la Academia Militar de West Point, donde terminó sacando una notas espectaculares solo superadas por otros dos alumnos en toda su historia, uno de ellos el General Lee. Y decía que tenía mis dudas porque MacArthur como hijo de un condecorado con la Medalla de Honor tenía plaza gratuita en West Point.

El padre del maravilloso escultor Auguste Rodin decía de este: "Tengo un hijo idiota", despues de los tres intentos de ingreso de Rodin en la Escuela de Bellas artes de Paris"

Clint Eastwood, el ya más valorado como director que como actor y ya es decir, tuvo que aguatar el chaparrón cunaod uno de los ejecutivos de la Universal Pictures le soltó -sin anestesia-: "Usted no triunfará en el cine, tiene una patata en los dientes, su nuez de Adán sobresale demasiado y habla excesivamente lento". Yo, de ser Clint le hubiese hecho un visita durante el rodaje de "Harry el sucio".... "Sin perdón"

Woody Allen sigue incansablemente puntual con su entrega anual de un nuevo film que es esperado con impaciencia por legiones de seguidores (entre los que me incluyo), pero hubo un día en el que fue reprobado en la Escuela de Producción Cinematográfica de la Universidad de Nueva York. El City College pensó que tampoco daba la talla.

A Marilyn Monroe, antes de ser la tentación rubia e imagen icónica de todo un siglo, escuchó de Emmeline Snively, directora de la agencia de modelos neoyorkina Blue Book: "No tienes futuro como modelo ni actriz. Te recomiendo que aprendas secretariado o... '¡casate!"

Rudyard Kipling, el escritor de "El libro de la Selva", "Kim" o "Gunga Din" leía en una nota del director del San Francisco Examiner como se rechazaba su obra de este modo: "Señor Kipling, lo siento, pero usted no sabe usar el idioma inglés"

De Clark Gable, el rey de Hollywood, escuchó de uno de los ejecutivos de la Warner Brothers durante una prueba de cámara: "Sus orejas son muy grandes y además parece un mono".... por supuesto Clark Gable empezó aquí a ensayar aquella frase que tan famosa se haría con el tiempo y por lo "bajini" pudo responderle "Francamente querido,-su opinión- me importa un bledo"


Y es como decía el ensayista norteamericano Elbert Hubbard:
"Existe algo mucho más escaso, fino y raro que el talento. Es el talento de reconocer a los talentosos"


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viernes, 19 de enero de 2018

El etéreo pijama de Marilyn Monroe




Son muchas las mujeres que para adornar momentos privados buscan ligerísimas o sensuales prendas intimas con las que hacer volar la imaginación de los hombres. Marilyn Monroe logró el más etéreo y volátil de esos atuendos e hizo que nuestra imaginación alcanzara cotas inimaginables, pues según sus propias palabras para ir a la cama no necesitaba más prendas que unas gotas de Chanel nº 5, resultando este comentario la mejor propaganda que jamás tuvo un perfume. En la sensacional foto que acompaña el texto podemos ver a Marilyn preparándose para ir a quien sabe que sarao, y supongo que por si acaso dormía fuera de casa se llevaba el pijama puesto.  









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jueves, 18 de enero de 2018

"Dos cuerpos" - Octavio Paz



Dos cuerpos frente a frente
son a veces dos olas
y la noche es océano.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces dos piedras
y la noche desierto.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces raíces
en la noche enlazadas.

Dos cuerpos frente a frente
son a veces navajas
y la noche relámpago.


El poema "Dos cuerpos", fechado en 1944, es obra del poeta mexicano Octavio Paz, Premio Nóbel de Literatura en 1990. El poema aparece en "Libertad bajo palabra 1935-1957":  "Bajo tu clara sombra 1935-44", apartado "Condición de nube" (1944).


Acerca del amor, el mismo Octavio Paz decía:

 "El amor es una de las respuestas que el hombre ha inventado para mirar de frente a la muerte"


En la imagen que abre la entrada podemos disfrutar de la increíble sensación de carnalidad que se puede conseguir en la piedra en un detalle de la maravillosa escultura "El rapto de Proserpina" obra de Bernini y que se encuentra expuesta en la Galeria Borghese en Roma.

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miércoles, 17 de enero de 2018

La verdadera historia del "Libre" de Nino Bravo



Por casualidad supe  del verdadero mensaje de la canción "Libre" de Nino Bravo y el caso es que aun siendo antes muy apreciada por mí, desde entonces me gusta más si cabe.  Si no conoces la historia y sigues leyendo tampoco será la misma canción para ti cuando termines. 

La canción "Libre" está inspirada en la historia de Peter Fechter, un jovencito de poco más de 18 años, "casi veinte", que fue el primer alemán que intentó saltar en 1962 el recién estrenado muro de Berlín. Llegó al muro acompañado de un amigo, Helmut Kubelik, que por suerte si llegó rebasarlo, pero Peter, una vez que "extendió sus alas" y se encaramó al mismo, recibió el alto de los soldados soviéticos, pero como dice la canción "marchaba tan feliz que no escuchó la voz que le llamó" y de esta manera, al no ser atendido el alto, dispararon sobre el joven que fue alcanzado por varios disparos y cayó del muro en lo que se denominaba "zona de nadie". Allí quedó tendido a la vista de todos, ciudadanos, periodistas y militares, pidiendo auxilio mientras se desangraba a borbotones, sin poder moverse por la seriedad de las heridas, y sin nadie que se atreviera a recogerlo. Los occidentales tenían miedo de recibir disparos en aquella nueva situación y tan solo se atrevieron a lanzarle un botiquín, que de nada sirvió a un Peter Fechter casi moribundo y a cada minuto con menos vida. Los rusos a los que pertenecía la zona muerta aguardaron unos interminables 50 minutos de agonía del joven hasta que procedieron a recogerlo, momento que queda recogido en la foto que acompaña el texto. 

El pueblo berlinés que presenciaba la escena gritaba a ambos bandos que remediaran la muerte de aquel jovencito, pero nadie hizo nada, incluso las fuerzas occidentales impidieron que ningún civil acudiera a ayudarlo. Al final, en el lugar del suceso solo quedaron flores que fueron lanzadas por los indignados berlineses. 

No sería el último en morir en el muro, aun vendrían 260 más. El último fallecido de esta larga lista fue Chris Gueffroy, en 1989, que curiosamente tenía tambien veinte años… Hoy en día hay un monumento en el lugar en el que cayó Peter y también hay una canción cuya letra viene bien releer desde esta nueva óptica. Nino Bravo la escribió tras la impresión que le provocaron las imágenes que del suceso salieron en la prensa mundial y accesibles desde el buscador de google y que hoy os adjuntamos a esta entrada.


La canción que todos hemos canturreado alguna vez decía:

Tiene casi veinte años y ya está 
cansado de soñar; 
pero tras la frontera está su hogar, 
su mundo y su ciudad. 
Piensa que la alambrada sólo 
es un trozo de metal 
algo que nunca puede detener 
sus ansias de volar.

Libre, 
como el sol cuando amanece yo soy libre, 
como el mar. 
Libre, 
como el ave que escapó de su prisión
y puede al fin volar. 
Libre, 
como el viento que recoge mi lamento y mi pesar, 
camino sin cesar, 
detrás de la verdad, 
y sabré lo que es al fin la libertad.

Con su amor por bandera se marchó 
cantando una canción; 
marchaba tan feliz que no escuchó
la voz que le llamó
y tendido en el suelo se quedó,
sonriendo y sin hablar;
sobre su pecho, flores carmesí 
brotaban sin cesar.

Y ahora que la cante Nino Bravo que es el que sabe darle toda su dimensión:




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martes, 16 de enero de 2018

"La oveja feroz" - Microcuento



"Una oveja decidió disfrazarse de lobo, para confundir a su habitual enemigo, y se encontró con un lobo que había recurrido a su vieja costumbre de vestirse de oveja. En medio de la confusión que ocasionó el encuentro, todos pudieron presenciar cómo, por primera vez en la historia, la oveja feroz devoraba al lobo indefenso."

Este microcuento titulado "La oveja feroz" y que en la imagen de cabecera luce como "carnero feroz", es obra del escritor colombiano Jaime Alberto Vélez (1950 - 2003), y pertenece a su obra "Bajo la piel del lobo" (2002). Tras leerlo pensaba que a veces el habito puede hacer al monje y es que en este mundo nuestro sólo hay que armarse un poco de valor, creérselo, sacar las uñas y dientes que siempre se llevan escondidos para que los gallitos que a veces nos rodean no tengan nada que hacer y muestren que no pocas veces sólo son globos llenos de aire, aunque lo más habitual sea lo contrario, vestirse de lobo como recurso para no mostrar la propia pequeñez. De los lobos con piel de cordero ya ni hablamos....


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lunes, 15 de enero de 2018

"Vissi D'arte" y la muerte de María Callas

María Callas retratada por Terry O'Neill

El ser humano se llamaba Ana María Cecilia Sofía Kalogeropoulos, mientras que la diosa, la diva por excelencia era conocida y adorada por todos como María Callas. Ambas vivían en el mismo ser, hasta que el cuerpo mortal se despidió un 16 de septiembre de 1977 en la completa soledad de su piso de la Avenida Georges Medel, muy cerca del parisino Arco del Triunfo. Fue la suya una soledad agriada por el deterioro de su privilegiada voz y por el desamor, la ingratitud y los sufrimientos con los que le había pagado el soberbio Onassis que la dejó de mala manera para irse con Jacqueline Kennedy. Se habló de suicidio, que su cadáver había sido incinerado con demasiada premura, casi con urgencia, sin tiempo para hacer una autopsia que diera algunas respuestas que en realidad ya no servían para nada que no fuera el último renglón de una torpe biografía. La mujer tenía solo tenía 53 años, la diosa, la diva, liberada ya del cuerpo de aquel ser sufriente viviría ya para siempre convertida en mito. No es de extrañar que la propia Callas dijera en una ocasión: 

"La muerte no existe, existe solo la vida. Yo no moriré nunca".  

La Callas sabía escenificar maravillosamente sus interpretaciones y con sus gestos, sus ademanes, su maquillaje, sus vestidos, lograba acercarse de forma inaudita a sus personajes hasta sentirlos en sus propias carnes, por eso podría ser, o así me gusta imaginarlo, que entre aquellas grabaciones de su época de esplendor que escuchaba en la soledad de su piso, sonará en el momento de su muerte, "Vissi D'arte", una de las arias que la harían famosa, perteneciente a la ópera Tosca de Puccini, la última que cantó en plenitud. La letra del aria parece el lamento de la propia María Callas:


He vivido del arte, he vivido del amor,
¡nunca le he hecho mal a nadie...!
Con mano furtiva
cuantas miserias he conocido, he socorrido...
Siempre, con fe sincera,
mi plegaria
en los santos templos, elevé.
Siempre, con fe sincera,
he llevado flores al altar.
En la hora del dolor,
¿por qué, por qué Señor, por qué
por qué me pagas de esta manera?
He dado joyas
para el manto de la Señora,
y he dado mi canto a las estrellas,
que brillaban tan radiantes.
En la hora del dolor, ¿por qué,
por qué Señor, por qué
me pagas de esta manera?



María Callas cantando "Vissi d'arte"



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domingo, 14 de enero de 2018

James Stewart & Anthony Mann: Una historia del Western

James Stewart en una imagen promocional de "Winchester 73"

"Dadle a Mann un paisaje, una montaña y un itinerario. Y ya tendremos una obra maestra".

Eso decía el sabio André Bazin acerca de la pericia del director Anthony Mann con las películas del Oeste. Y es que si bien no se equivocaba John Ford cuando se definía personalmente como un hombre que hacia western -magníficos por cierto-, no habría faltado a la verdad tampoco Anthony Mann si se hubiese presentado de la misma forma, reconociendo por supuesto la maestría de ambos directores en otros géneros.

James Stewart y Anthony Mann durante un rodaje
Mann decía acerca del western:

"El western es el género más popular, y otorga más libertad que los otros para poner en escena todo tipo de pasiones y acciones violentas. Creo que es también el género que envejece de forma menos rápida, porque resulta esencialmente primitivo. No tiene ninguna regla y todo es posible. De él, sobre todo, surge la leyenda, y es la leyenda lo que ofrece un cine mejor, lo que excita la imaginación”.

“El western goza de tanto éxito porque en él un hombre dice: voy a hacer algo, y lo hace. Todos queremos ser héroes. Esto es el drama. Esto es de lo que trata el cine”.

"¡Nunca entendí porqué todos los westerns están rodados en paisajes desiertos! John Ford, por ejemplo, adora Monument Valley, pero yo conozco Monument Valley muy bien y no todo el Oeste es así. De hecho, el desierto sólo representa una parte del Oeste americano. Yo quería mostrar las montañas, las cataratas, las áreas boscosas, las cumbres nevadas: […] los personajes emergen más detalladamente en un entorno así. En ese sentido, el rodaje de The naked Spur (Colorado Jim) me dio verdaderas satisfacciones"

James Stewart recibiendo instrucciones de A. Mann
Mann nació en 1906 y se llamaba en realidad Emil Anton Bundsman. Intentó hacer sus pinitos como actor pero pronto le atrajo más colocarse detrás de la cámara. No le fue mal con el cine negro durante los años cuarenta con películas como "Desesperado", "La brigada suicida", "El reinado del Terror" o "Border Incident" y más tarde, durante los 60, poco antes de morir, logró dos exitazos tremendos dentro del cine épico con "El Cid" o "La caída del imperio Romano", pero fue sin duda la etapa intermedia en la que se volcó en el género del western la que más alegrías le reportó.

Su primer western fue "La puerta del diablo" (1950) donde ya marcaba la sensibilidad con la que afrontaría el género, resultando patente su crítica del racismo y la intolerancia y esbozando una visión más humanizada del pueblo indio, tradicionalmente tan maltratado por Hollywood. Y aunque hizo otros wester con actores como Glenn Ford en "Cimarron", Gary Cooper en "El hombre del oeste"Henry Fonda en "Cazador de forajidos", parece que lo tenía muy claro y pronto eligió a su héroe particular, al que sería el protagonista regular de sus aventuras, el larguirucho James Stewart, al que le vino de perillas convertise en el actor fetiche de Mann y darle así un giro a su carrera que peligraba con encasillarse en el territorio de la comedia romántica y en otros filmes en los que era especialista en dar el tipo perfecto del americano medio. Martin Scorsese decía:

“Si el Stewart de antes de la Guerra representaba algo esencialmente Norteamericano, el Stewart de la posguerra representó algo completamente universal. Es difícil pensar de otra estrella americana que rehiciera su propia imagen tan a fondo, con tanta valentía”

James Stewart y Ruth Roman en "Tierras lejanas"
No era previsible que Stewart diera tan bien el tipo para este tipo de películas, pero es que sus andares deslabazados a veces y hasta el sombrero vaquero terminaron por sentarle bien. Con el tiempo todos llegamos a saber que Stewart era capaz de dar vida a cualquier tipo de personaje con solvencia y una naturalidad apabullantes. 

La historia empezó tras la mencionada "La puerta del diablo", momento en el que James Stewart le pidió a Mann que dirigiese la fenomenal "Winchester 73"  (1950) con él como actor y con este trabajo empezaría una colaboración fantástica que uniría a director y actor en otros siete films, entre los que se cuentan 5 obras cumbres del western: el ya mentado "Winchester 73", "Horizontes Lejanos" (1952), Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1953) y la fantástica "El hombre de Laramie" (1955). 

Anthony Mann y Sara Montiel
Curiosamente James Stewart no rodó su mejor western con Mann, para ello hizo una excursión a los territorios del gran John Ford y nos regaló la sensacional película: "El hombre que mató a Liberty Valance". Fue una infidelidad consentida y dado lo maravilloso del resultado, no creo que Mann le guardara rencor. Las otros tres trabajos que Stewart hizo con Mann fueron: La película de aventuras "Bahía negra",  el entretenido musical "Música y lágrimas" en la que da vida al director de big band Glenn Miller y la bélica "Strategic Air Command" género en el que Mann también dejo perlas como "La colina de los diablos de acero" o su último trabajo, la entretenida "Los héroes de Telemark". A Mann le daba igual el género, era un todo terreno que igual hacía un peliculón de cine negro, aventuras, drama (como "La pequeña tierra de Dios"), musical, peplum, épicas... era sin dudas un director total.

Durante el rodaje del drama sobre un aspirante a tenor "Dos pasiones y un amor"(1956), conoció a nuestra "Saritísima" que trabajaba en este film como secundaria. Por aquella epoca Sara Montiel, un verdadero bellezón, era un valor en alza en Hollywood y Mann se enamoró de ella. No tardaría en abandonar a su primera esposa, Mildred, con la que tenía una hija, y se acabaría casando con Sara Montiel, pero a su manera y así se unió a la actriz española "en articulo mortis", porque el realizador había sufrido un infarto, y los médicos temían por su vida. Pero sobrevivió... y estuvieron casados durante 6 años. En 1967 otro infarto acabó su vida.


Y a pesar de tantas maravillas que salieron de su buen hacer, decía:

"No soy un genio, solo un trabajador"




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viernes, 12 de enero de 2018

Federico Fellini en cápsulas


Si, cinco Oscar llegó a acumular Federico Fellini en su casa para adornar el saloncito, cuatro a la mejor película extranjera por "La Strada" (1954), "Las noches de Cabiria" (1957), "8½" (1963) y "Amarcord" (1975) -nadie ha ganado tantos como él en este apartado- y en 1993 le concedieron el repoker con un Oscar honorífico en reconocimiento a su trayectoria profesional, un premio mercidísimo para una de las personalidades más ricas e impredecibles que se han paseado por la historia del cine y por supuesto pilar indispensable del cine europeo. Es por ello por lo que todo lo que nos pueda contar Fellini acerca de su visión del mundo, el cine y la gente es siempre de interés, aunque no sepamos, en un mentiroso compulsivo como el mismo se definía, si aquello que nos cuenta se ciñe realmente a la verdad o es lo que se le pasó por cabeza en aquel momento. Aquí quedan algunas perlas suyas recogidas de entre las muchas entrevistas que dio:

Sobre las prostitutas:
"La prostituta es el contrapunto esencial de una madre a la italiana. No se puede concebir una sin la otra. Y así como la madre nos ha nutrido y vestido, con la misma fatalidad, hablo por lo menos de mi generación, la puta nos ha iniciado en la vida sexual. Todos les estamos agradecidos a esas mujeres que han realizado nuestros deseos, nuestras esperanzas y fantasías, y las han transformado en algo casi siempre pobre y mezquino pero de todas formas fantástica. Es por lo que la prostituta, criatura infernal, conserva a pesar de ello el poder y la fascinación de aquello que parece evocado de un modo ultraterreno. No es comprensible y, por ello mismo, es inmensa e inasible, omnisciente e ingenua. Exactamente como nuestras fantasías, de las cuales es no sólo ladrona sino realizadora".

Sobre la política:
"El compromiso y la militancia política creo que impiden el desarrollo integral de las personas. Mi antifascismo es biológico. No podré olvidar jamás el aislamiento en que estuvo Italia durante veinte años. Hoy tengo una profunda aversión -y en este punto sé que soy vulnerable- hacia todas las ideas que pueden traducirse en fórmulas políticas. Estoy comprometido con la independencia respecto a los partidos. Y eso que me encanta comprometerme a fondo con las cosas frívolas y de hecho me comprometo muy a fondo con todo lo que hago".

Sobre la televisión:
"¿Ha pasado alguna vez toda una tarde de domingo delante del televisor? A través de las diversas emisiones circula una atmósfera de relajo dominical llena de buena voluntad, una especie de ambiente de fiesta. Pero todo eso subraya ejemplarmente el carácter lúgubre, depresivo e hipnótico que caracteriza a todos los espacios televisivos. Y el telespectador cae en un tipo de distracción propio de un atardecer irreal y tonto, como el que se vive en las salas de conversación de los asilos, los hospitales, los hospicios y los demás sitios en los que la vida ha quedado en cierto modo interrumpida, alienada, decepcionada, ausente. La televisión añadió caos visual y confusión. La televisión es el espejo donde se refleja la derrota de todo nuestro sistema cultural".

Sobre "Ocho y medio":
"Pensaba que mis ideas estaban claras. Quise hacer un film honesto, sin mentiras en absoluto. Pensé que tenía algo que decir... así de sencillo. Un film que podría ser útil para todos, que ayudase a enterrar para siempre todas esas cosas muertas que todos llevamos dentro. Sin embargo, soy el primero que no tiene valor para enterrar nada. Ahora tengo la cabeza llena de confusión, tan grande como una torre. No tengo nada que decir, pero a la vez quiero decirlo todo".

Sobre el Neorrealismo:
"Para mi el neorrealismo es una manera de ver la realidad sin prejuicios, sin convicciones entre ella y yo, afrontarla sin ideas preconcebidas, mirándola de forma honesta, sea la realidad que sea. No solo la social, sino también la espiritual y la metafísica, en resumen: Todo lo que hay en el interior del hombre".

Sobre "La dolce vita":
"Comprendo que 'La dolce vita' constituyó un fenómeno que trascendió la película en sí. El título de la película no tenía ninguna intención moralista ni denigrante. Sólo significaba que, a pesar de todo, la vida tiene su dulzura profunda de la que no se puede renegar. Creo que jamás tuve la intención lúcida de denunciar, criticar, fustigar, satirizar. No me enardecía la intolerancia ni el desdén ni la rabia. No quería acusar a nadie. No hay un fin. No hay un comienzo. Sólo hay la infinita pasión de la vida".

Sobre el fascismo:
"El fascismo es el entorpecimiento de la inteligencia, un condicionamiento que sofoca la imaginación y cualquier tipo de autenticidad. La forma de ser un fascista, tanto psicológica como emocionalmente, es ser una persona violenta, ignorante, exhibicionista y pueril. Yo considero al fascismo como una degeneración a nivel histórico de una temporada individual (que es la adolescencia), donde el joven se corrompe a si mismo y prolifera con la habilidad de evolucionar y convertirse en adulto. El fascista existe en todos nosotros. No podemos combatir en su contra sin identificarnos con nuestro ignorante, insignificante e impulsivo ser".

Sobre "Amarcord":
"La historia sucede en lo que podría ser cualquier región de Italia en los treinta, bajo el control de la Iglesia y el Fascismo. Es el relato de la floja, impenetrable y encerrada existencia de las provincias italianas; de las perezozas, las poco visionarias y más bien ridículas aspiraciones enterradas ahí; la fascinante contemplación del mítico Rex mientras navegaba, inaccesible y inútil; el cine norteamericano con sus falsos prototipos; del 21 de abril, el nacimiento de Roma. La película quiere ser el retrato de esa provincia italiana y es por eso que el elemento que caracteriza más íntimamente el episodio del 'Federale' (el jerarca fascista) es el condicionamiento bufonesco, de teatralidad, de infantilidad, de sujeción a un poder titiritesco, a un mito ridículo, es justo el centro de la película, su clímax. El fascismo ha sido un modo de ver la vida desde un punto de vista no personal sino colectivo y, en cuanto motivo colectivo, la visita del 'Federale' es, independientemente de lo anecdótico e histórico, el verdadero fondo de toda la historia".

Sobre el cine:
"No voy nunca al cine. Pero cuando voy, sólo me interesa la historia de fondo. Nunca presto atención a los movimientos de la cámara, a los primeros planos, a los 'travellings'. No conozco los clásicos del cine: Murnau, Dreyer, Eisenstein; vergonzosamente nunca los vi. Al cine no iba mucho de niño. Muchas veces no tenía dinero, no me lo daban. Una vez que llegué a Roma, empecé a ir más al cine. Cuando no sabía adónde ir, siempre estaban las películas próximas al espectáculo de variedades. Los preliminares del espectáculo siempre me emocionaron, como el circo. El desbarajuste que precede al espectáculo de variedades, los directores que llegan a la orquesta, los acordes, la voz del cómico y los pasos de las chicas detrás del telón. Me gustaba ir por el ambiente: el ruido de la sala, el olor a pipí de niño, la salida de emergencia y el momento en que la gente, después de la película, llegaba a la calle. Ver a los hombres y las mujeres aturdidos todavía por el espectáculo y sorprendidos por el frío, alguien que canturrea el motivo de una película, risotadas, en cierto ambiente de fin del mundo, de desaire".

Sobre Luis Buñuel:
"Me habían dicho que hablaba y era sordo cuando me lo presentaron en Cannes, en 1960. Buñuel me gustó enseguida, totalmente, a causa de su pinta de zapatero, de marionetista, de minero contento porque le ha salido bien una huelga. Y cuando luego se alejó, vi que su manera de andar era la de un obrero cansado arrastrando mucho peso o tirando de una carretilla".

Sobre los diálogos:
"En el cine los diálogos no son importantes para mí. La utilidad del diálogo es únicamente facilitar información a los espectadores, y creo que en el cine es mejor utilizar otros elementos para eso, como la iluminación, los objetos, el decorado en que se produce la acción, porque contienen mucha más carga de expresión que una serie de páginas y más páginas de diálogos".

Sobre las películas:
"Creo que hago películas porque no sé hacer otra cosa. Desde que grité por primera vez: '¡Cámara! ¡Acción! ¡Corten!', me pareció que lo había estado haciendo siempre, que no hubiera podido hacer otra cosa y que aquello era yo y aquella era mi vida. Por eso, al hacer cine no me propongo otra cosa que seguir esa inclinación natural de contar historias que me gustan. No podría haber vivido sin hacer películas. Si hay que tener remordimientos (cosa que, entre paréntesis, no creo), yo tengo el remordimiento de no haber hecho más películas. Quisiera haber hecho de todo lo que se mira: documentales, anuncios publicitarios, emisiones infantiles, funciones de marionetas en los jardines públicos...".

Sobre los productores: 
"La imbecilidad y la mediocridad de los productores de cine me han ayudado, en definitiva, a tomar conciencia sobre la naturaleza y la importancia de mi trabajo y a buscar un equilibrio sin el cual habría caído en un idealismo, en un desconocimiento de los problemas prácticos de cada día, a veces muy tontos, que constituyen la realidad del cine".

Sobre la fantasía e imaginación:
"El 'Diccionario Palazzi' dice lacónica y textualmente de la fantasía: 'Facultad imaginativa del hombre'. Entonces pensé consultar qué decía de la imaginación, pese a que según mi opinión ambas cualidades se diferencian notablemente o, mejor dicho, son dos fases, dos momentos distintos de una misma función. A mí me parece que la imaginación, la imagen, es un producto psíquico, la materia prima del subconsciente, que éste libera y envía a la superficie, de acuerdo con ritmos, temperaturas y exigencias individuales. El 'Palazzi' añade a la palabra 'imaginación' una larga y sugestiva lista de sinónimos, derivados y consanguíneos: fantasía, alucinación, rareza, capricho, concepción, conjetura, contemplación, castillos en el aire, delirio, desvarío, ficción, extravagancia, idea, ilusión, invención, hipótesis, inspiración, espejismo, pensamiento, percepción, presentimiento, extrañeza, suposición, e incluso antojo. Puede que la fantasía sea una especie de limbo, de frontera, de zona, de dimensión propiamente fantástica donde hacemos vivir lo que deseamos. O también, la fantasía es una atmósfera impalpable e indefinible, una gran pantalla en la cual viven y se componen historias, personajes y sueños".

Sobre el hombre creativo:
"Un hombre creativo es aquél que se coloca entre los cánones consoladores, reconfortantes, de la cultura consciente y el inconsciente, el magma original, la oscuridad, la noche, el fondo del mar. Son estas llamadas, esta mediumnidad, las que hacen al hombre creativo. Un hombre creativo habita, se sitúa, vive en esa zona, para operar una transformación, símbolo de vida; y lo que pone en juego es su propia vida o su salud mental".

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