Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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domingo, 10 de marzo de 2013

Dalí.- un olé ante la muerte de Lorca (Entrevista)




DALÍ: Yo amo más los muertos familiares.

BOSQUET: ¿Sus muertos?
DALÍ: Sí, mis cadáveres personales. Son los que poseen la mejor cualidad, los que me producen la impresión de ser eternamente culpable. El primero es Federico García Lorca. En el momento en que me enteré de su muerte experimenté una reacción de bandido. Cuando leí el diario con la noticia comprendí que había sido fusilado. Entonces grité: "Olé". Es así como se expresa en español cuando el toreador ha realizado una acción exitosa delante de la bestia ensangrentada. Me pareció que para Federico García Lorca aquella era la más bella forma de morir: muerto por la guerra civil.

BOSQUET: Me parece repugnante expresarse así del asesinato de un gran poeta.
DALÍ: ¡Sin embargo, es completamente estético! Yo fui siempre enemigo del aspecto folclórico de su poesía. Contenía una enorme dosis de romanticismo, circunstancia para mí inaceptable. Lo deslumbraban demasiado los gitanos, sus canciones, sus ojos verdes, su carne como amasada con olivas y jazmines, en una palabra, todas esas ridiculeces que los poetas gustan desde tiempos remotos. Lorca revelaba la enojosa tendencia a considerar que un gitano era más poético que una guerra civil.
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ALAIN BOSQUET, Dalí desnudado, Paidós, 1967, págs. 42-43

E.E. Cummings.- Nadie, ni siquiera la lluvia...




En algún
lugar al que nunca he viajado,
felizmente más allá de toda experiencia,
tus ojos tienen su silencio:
En tu gesto más frágil hay cosas que me rodean
o que no puedo tocar porque están demasiado cerca.

Con solo mirarme, me liberas.
Aunque yo me haya cerrado como un puño,
siempre abres, pétalo tras pétalo mi ser,
como la primavera abre con un toque diestro
y misterioso su primera rosa. O si deseas cerrarme, yo y
mi vida nos cerraremos muy bella, súbitamente,
como cuando el corazón de esta flor imagina
la nieve cayendo cuidadosa por doquier.



Nada que hayamos de percibir en este mundo iguala
la fuerza de tu intensa fragilidad, cuya textura
me somete con el color de sus campos,
retornando a la muerte y la eternidad con cada respiro.

Ignoro tu destreza para cerrar y abrir
pero, cierto es que algo me dice
que la voz de tus ojos es más profunda que todas las rosas...

Nadie, ni siquiera la lluvia tiene manos tan pequeñas.

(La imagen es obra de la fotógrafa  Tina Kazakhishvili)

"El tigre de Chamberí" - 1957



Acabo de ver esta sensacional comedia española que ya solo con su título hace esbozar una sonrisa, a mi al menos me resulta sencillamente genial el apodar, a un boxeador tan endeble como José Luis Ozores, con el rimbombante y a la vez ridículo nombre de "El tigre de Chamberí". El cine español de posguerra está repleto de ingeniosas películas que tenían que hacer tremendos esfuerzos imaginativos para sortear la censura imperante y en esta película, aunque sea solamente en tono de comedia, no deja de apreciarse una sátira del mundo del boxeo de aquellos años, aunque sin llegar a profundizar en exceso.

La película está ambientada en el Madrid de los años 50 y en ella se desarrolla la historia de Miguel Oregano a quien da vida el sensacional actor Jose Luis Ozores, por todos conocido como Peliche, su personaje en la película es un pobre diablo al que todos llaman "El tarta" por su tartamudez y que siempre se ve envuelto en lios por seguir los consejos de su amigo "Manolo" al que da vida el siempre avispado Tony Leblanc. Por puro azar "El tarta" consigue dejar k.o. a todo un campeón de boxeo otorgándole una repentina popularidad, lo que hace que su amigo "Manolo" planee una oportunista carrera como boxeador para "El tarta", embaucándolo con cantos de sirena y convirtiéndolo, de la noche a la mañana, de repartidor de publicidad enfundado en un ridículo traje metálico de astronauta en el fiero (es un decir) "Tigre de Chamberí", misión imposible para la que será ayudado, como entrenador, por el genial Antonio Garisa.

Y no es que el boxeador no se dé cuenta de que es en realidad un verdadero paquete en el cuadrilátero; simplemente está enamorado de "Marisa" encarnada por la espectacular actriz francesa Hélène Rémy, la hija de su nuevo manager, y por ella estará dispuesto a dejarse moler a golpes. Es imposible no recordar los combates cómicos de Charlot o Buster Keaton, cuando vemos a "Peliche" boxear con su particular estilo, aunque este aporta algunos gags sensacionales como "el golpe eléctrico" o ese juego de pies tan engañoso. El final de la película os lo dejo en suspense para aquellos que se decidan a verla. 

El desarrollo de la película dará para situaciones realmente divertidas y ocurrentes en las que brilla con luz propia el talento de todo su reparto, que consigue holgadamente el fin de la película, que no es otro que entretenernos y hacernos reír y que de camino nos obliga a reconsiderar (a quien lo necesite) la calidad de un cine prácticamente olvidado pero que no pocas veces nos sorprende con productos de tanta calidad como los que ofrecía la comedía italiana que tan valorada resulta. Evidentemente siempre miramos fuera…. Puede que sea una película llena de típicos tópicos, pero me ha hecho pasar un rato más entretenido que algunas de las optantes al Oscar de este año. Las cosas….

Ficha de la película:
 
EL TIGRE DE CHAMBERI - 1958 - 75' B/N

REPARTO: José Luis Ozores, Tony Leblanc, Hélène Rémy, José Marco Davó, Julia Caba Alba, Aníbal Vela, Miguel Ángel Rodríguez, Ramón Giner, Antonio Garisa

DIRECTOR: Pedro Luis Ramírez

GUIÓN: Vicente Escrivá & Vicnete Coello
MÚSICA: Federico Contreras
FOTOGRAFÍA: Federico G. Larraya (B&W)
PRODUCTORA: Aspa Producciones Cinematográficas S.A.

 

 Una escena de la película

Ben Webster & "Sweets" Edison




El saxo-tenor Ben Webster, un sensacional y profundo baladista, y el trompetista Harry "Sweets" Edison, dos veteranos de la era del swing, llevaban tiempo queriendo grabar algo juntos y gracias a los buenos hados se decidieron y no nos privaron de esta verdadera maravilla de disco. Se unieron al pianista Hank Jones, al bajista George Duvivier y al baterista Clarence Johnston logrando un quinteto soberbio. El disco se grabó en Nueva York los días 7 y 8 de junio de 1962 para el sello "Columbia" y tiene sobre todo un par de piezas soberbias en las que cobra protagonismo Webster, el delicado "My Romance" y a continuación "How Long Has This Been Going on" mientras que Harry "Sweets" se reserva el tema "Embraceable You" para su lucimiento. Los demás temas "Better go", el genial "Kitty" y "Did you call her today" son temas de mayor duración en los que ambos van compartiendo el primer plano. En comentarios os dejo un par de temas del disco, que evidentemente os recomiendo sin reservas.

 
 
"My romance"
 

"Embraceable you"
 

Gustave Flaubert y el escándalo de "Madame Bovary"



"Se repetía: “¡Tengo un amante!, ¡un amante!”, deleitándose en esta idea, como si sintiese renacer en ella otra pubertad. Iba, pues, a poseer por fin esos goces del amor, esa fiebre de felicidad que tanto había ansiado. Penetraba en algo maravilloso donde todo sería pasión, éxtasis, delirio; una azul inmensidad la envolvía, las cumbres del sentimiento resplandecían bajo su imaginación, y la existencia ordinaria no aparecía sino a lo lejos, muy abajo, en la sombra, entre los intervalos de aquellas alturas.

 (…) Además Emma experimentaba una satisfacción de venganza. ¡Bastante había sufrido! Pero ahora triunfaba , y el amor, tanto tiempo contenido, brotaba todo entero a gozosos borbotones. Lo saboreaba sin remordimiento, sin preocupación, sin turbación alguna."

 El fragmento es de "Madame Bovary", sin duda una de las mejores novelas de todos los tiempos. En ella se narra la oscura historia de Emma Bovary, una mujer infelizmente casada que ve como sus sueños chocan cruelmente con la realidad. Una novela en cuyo argumento se combinan audazmente la rebeldía, la violencia, el melodrama y el sexo, en una época en la que no estaba bien visto que una mujer se enfrentara de forma tan poco resignada a su destino. El resultado es una obra maestra, pero en su día fue un verdadero quebradero de cabeza para su autor, Gustave Flaubert ya que su idea de incluir el adulterio en la trama provocó que la obra fuera condenada como pornográfica al ser publicada en 1856 y de camino, Flaubert fue acusado de ofender gravemente la moral pública y la religión.

Llegado el tema a los tribunales estos decidieron censurar el libro y por los pelos absolvieron de los cargos al escritor. El escándalo fue beneficioso para las ventas que se contaban por millares y a pesar de ello el pobre de Flaubert solo pensaba en tener el dinero suficiente para poder comprar todos y cada uno de los libros que aun estaban en circulación y en sus palabras "arrojarlos todos la fuego y jamás oír nuevamente del libro". Gracias a los buenos hados no lo consiguió y esta joya de la literatura ha llegado hasta nuestros días.

Otro fragmento de esta obra:

"Tantas veces le había oído decir estas cosas, que no tenían ninguna novedad para él. Emma se parecía a las amantes; y el encanto de la novedad, cayendo poco a poco como un vestido, dejaba al desnudo la eterna monotonía de la pasión que tiene siempre las mismas formas y el mismo lenguaje. Aquel hombre con tanta práctica no distinguía la diferencia de los sentimientos bajo la igualdad de las expresiones. Porque labios libertinos o venales le habían murmurado frases semejantes, no creía sino débilmente en el candor de las mismas; había que rebajar, pensaba él, los discursos exagerados que ocultan afectos mediocres; como si la plenitud del alma no se desbordara a veces por las metáforas más vacías, puesto que nadie puede jamás dar la exacta medida de sus necesidades, ni de sus conceptos, ni de sus dolores, y la palabra humana es como un caldero cascado en el que tocamos melodías para hacer bailar a los osos, cuando quisiéramos conmover a las estrellas. "

 En la foto que acompaña el texto se puede ver a la actriz Isabelle Hupert que dio vida a Emma en una de las varias versiones cinematográficas realizadas de esta novela, en este caso dirigida por Claude Chabrol.


José Antonio Labordeta


                      "¡Lo que a ustedes les jode es que hoy podemos estar aquí!."
 

( J.A.Labordeta dirigiéndose a la bancada del Partido Popular en el Congreso de los Diputados de España)


JOSE ANTONIO LABORDETA(10 de marzo de 1935 – 19 de septiembre de 2010)











Labordeta, un poeta escéptico e instigador de conciencias.


José Antonio Labordeta, el autor de "Canto a la Libertad", el hombre televisivo de "Un país en la mochila", el diputado cascarrabias que mandó "a la mierda" a la bancada popular en un debate parlamentario, fue un hombre escéptico y socarrón, de mil facetas, que durante cuarenta años lanzó aldabonazos a la dignidad y a la conciencia de los aragoneses.

José Antonio Labordeta -poeta, catedrático de historia, político y sobre todo cantautor- nació en Zaragoza el 10 de marzo de 1935 y ejerció la docencia durante veinte años, tarea que compaginó con la poesía y la composición de canciones y los recitales, hasta que en 1986 pidió la excedencia para dedicarse por completo a la canción y a otras facetas artísticas y, más tarde, políticas.

Durante su etapa como profesor en el instituto Ibáñez Martín de Teruel, Labordeta, izquierdista declarado, fue profesor de personajes hoy tan conocidos como Manuel Pizarro o Federico Giménez Losantos. También atendió en sus aulas el cantautor Joaquín Carbonell, posterior compañero de discos, fatigas y escenario.

Considerado uno de los principales exponentes españoles de la canción de autor y comprometida con la sociedad en la que vivió, grabó dieciséis discos y publicó más de una veintena de libros.

En 1972, Labordeta participó en la fundación del semanario "Andalán", mítica publicación aragonesa que se opuso al régimen franquista en los años finales de la dictadura y que fue un foro de papel de primera magnitud durante la transición política.

José Antonio Labordeta, que llegó a la canción por poeta, por deseo de dar mayor audiencia a sus versos, consiguió que algunas de sus canciones, como "El canto a la libertad", "Banderas rotas" o "La albada", se convirtieran en himnos de una tierra, Aragón, a la que cantó con melancolía.

Fue un político que nunca pensó en política, un hombre de tierra adentro que cargaba las pilas junto al mar y que se definía a sí mismo como un "anarco-burgués".

Con amigos en todas las latitudes, presumía de haber fundado la "Izquierda Depresiva Aragonesa", partido político-social-imaginario al que siempre fue fiel, aunque fue candidato al Congreso por Unión Socialista en 1977; en 1979, como independiente, por el Partido Comunista de España y, en 1989, de IU al Senado por Zaragoza.

Llegó a la Cámara Alta, con las elecciones de marzo de 2000 y se convirtió en el primer representante Chunta Aragonesista, el partido de la izquierda nacionalista aragonesa, en ganar un escaño nacional.

Socarrón y descreído, tuvo un hueco destacado en los informativos de todo el país en marzo de 2003 cuando, en un debate con el entonces ministro de Fomento, Francisco Álvarez Cascos, mandó literalmente "a la mierda" a la bancada popular, que le impedía hablar y se burlaba de él, con referencias despectivas a su participación en el programa de TVE "Un país en la mochila".

Él mismo dijo en sucesivas entrevistas que ese "a la mierda", con el que sacó toda su rabia contenida, sería un estupendo epitafio.

Esta etapa la glosó en el libro "Memorias de un beduino en el Congreso de los Diputados", un texto publicado en 2009 en el que relata sus ocho años en la Cámara Baja.

Con la serie "Un país en la mochila", Labordeta se convirtió en el eterno paseante de los pueblos de España, que recorrió durante nueve años y que le sirvió para conocer a su gente en profundidad, él, que era aragonés porque se sentía español, afirmaba.

Labordeta, que ofrece 380.000 entradas en Google cuando se teclea su nombre en el buscador, se enfrentó en 2006 a un cáncer de próstata que minó su salud pero no su ánimo de vivir. Vida a la que daban luz, remarcó siempre, sus dos nietas gemelas y sus libros.

Su prolífica producción intelectual, artística y política fue recompensada en los últimos meses con la Medalla al Trabajo, o con su nombramiento doctor honoris causa de la Universidad de Zaragoza, la que más le complació.

Pocos días antes de morir, el 6 de septiembre de 2010, José Antonio Labordeta recibió en su domicilio, del que ya no salía, la Medalla de la Gran Cruz de la Orden Civil de Alfonso X el Sabio. Se la llevaron personalmente los ministros de Educación, Ángel Gabilondo, y de Defensa, Carme Chacón, y el entonces presidente aragonés, Marcelino Iglesias. El galardón le fue concedido por su "sabiduría, su pasión, sus convicciones y su defensa de la libertad y del pueblo". Fue un acto íntimo, privado. Su salud así lo exigió. Pero su voz aún pudo escucharse. "Recibir esta medalla supone un honor y significa un reconocimiento a esos años de trabajo en el ámbito cultural y a mi dedicación a la enseñaza", comentó emocionado.

En un ámbito más sentimental, en noviembre de 2009, en el Teatro Principal de Zaragoza, centenares de amigos le homenajearon en una fiesta, en la que participaron cantantes como Miguel Ríos, Ana Belén, Víctor Manuel, Rosana y Carmen París.(Fuentes:EFE y aragonradio2 )






CANTO A LA LIBERTAD
es la canción más conocida del cantautor y escritor aragonés José Antonio Labordeta. Fue compuesta en el año 1975 y es considerada por muchos aragoneses como el auténtico himno de Aragón.

El león de la Metro: Toda una estrella del cine

  
Se podría decir que la "estrella de cine" que ha aparecido en más películas es sin duda el León que sirve de cabecera a las películas de la Metro Goldwyn Mayer. El emblema del león, rodeado por una película de celuloide en que se inscribe el lema "Ars Gratia Artis" (el arte por el arte) fue ideado por Howard Dietz, director de publicidad de Goldwyn Pictures, quien mantenía que su imagen simbolizaría la fuerza y dominio de sus estudios. La idea tuvo fortuna y hoy todavía nos sigue acompañando al inicio de cada film. Desde 1924 (fecha de nacimiento de MGM, a partir de la unión del estudio de Samuel Goldwyn con la empresa de Louis B. Mayer y con la Metro Pictures de Marcus Loew) siete leones diferentes (que yo sepa) han sido utilizados en el logotipo y genéricamente a todos se les conoce como "Leo el León".

El primero, llamado "Slats", fue el único del que no pudimos escuchar su rugido, pues perteneció a la época del cine mudo, así, trabajó para la Metro durante cuatro años, desde 1924 a 1928. Era toda una estrella que recorría todo Estados Unidos promocionando los estudios y que acudía a los estrenos más señalados en su propio vehículo desde el que las personas encargadas de su cuidado repartían "autógrafos" del famoso león entre sus "admiradores". Fue un león algo gafe; el 21 de septiembre de 1927 se estrelló un avión en Arizona y se dio aviso que en el mismo viajaba una estrella cinematográfica que iba camino de Nueva York para cumplir con unos compromisos publicitarios. Los bomberos y agentes de policía quedaron boquiabiertos al descubrir que aquella estrella no era otra que "Slats" el león de la MGM que además salió indemne del accidente. Y no fue el unico percance en el que se vio envuelto. Tambien salió ileso de otros dos accidentes ferroviarios, un incendio, una inundación y un casi naufragio del barco que lo llevo desde Dublin (había nacido en el zoo de Dublín en 1917) hasta Estados Unidos. Todo un portento este leoncito.

Jackie fue el primero del que pudimos escuchar su rugido, al principio con suavidad, para después repetir tras una breve pausa, un rugido ya más convincente. Es probablemente el que aparece en la foto que encabeza esta entrada, con su micrófono delante para captar su rugido y es con seguridad el que aparece en una famosa foto con Greta Garbo que ponemos a continuación. Estuvo en activo con distintos logos desde 1928 hasta 1956.
 


 Para las primeras películas a color empezaron a aparecer otros dos leones distintos. El primer león, "Telly", aparecido en todas las películas de color de MGM hasta 1932. El segundo león, conocido como "Coffee" hizo su debut en 1932, apareciendo en películas en color hasta 1934.

Entre 1956 y 1958 habría otro león en liza y sería "George", pero probablemente "Tanner" y "Leo" (el león actual) sean los leones más conocidos de MGM. La imagen de Tanner, fue utilizada en todas las películas de Technicolor y todos los dibujos animados de MGM (incluida la serie Tom y Jerry), y conformó el logo de MGM durante 22 años. La imagen de Leo, el último león, por ahora, lleva siendo utilizada ininterrumpidamente desde 1957 (un total de 56 años). Sin embargo, la imagen de Tanner volvió a ser utilizada a partir de 1963, únicamente para Tom y Jerry, cuando el departamento de animación de la MGM (que había cerrado en 1958) reabrió para rodar nuevos cortometrajes de la citada serie. Otros de los leones se llamaba Jackie y apareció esporádicamente en películas entre 1928 y 1956.



Últimamente con la quiebra de los estudios MGM, no se sabe si volverá a rugir, pero de hacerlo seguro que habrá de hacerlo más tímidamente.

 
Ahí estan todos