Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 8 de febrero de 2013

Un tranvía llamado deseo (fragmentos del guion)




"¿Recta? ¿Qué entiendes por recta? Una línea puede ser recta, o una calle ¿Pero el corazón de un ser humano? "

“Sea usted quien sea siempre he creído en la bondad de los desconocidos”

“No hay nada más lejos de la muerte que el deseo”.

“Blanche : -Bueno, pongamos las cartas sobre la mesa. Eso me conviene.  Sé que soy bastante embustera. Después de todo, la seducción en una mujer se compone en un cincuenta por ciento de ilusión. Pero cuando se trata de algo importante digo la verdad y la verdad es ésta: yo no he estafado a mi hermana ni a usted ni a nadie en mi vida.”

"Stella: A duras penas soporto que pase afuera toda una noche. Y si es semana estoy a punto de volverme loca. Y cuando vuelve, lloro sobre su pecho como una criatura.

Blanche: Supongo que eso es lo que llaman estar enamorada."



“Stanley : -Tengo la camisa pegada al cuerpo. ¿Hay inconveniente en que me ponga cómodo?

Blanche : -Hágalo, por favor.

Stanley: -Estar cómodo. Tal es mi lema y el de mi pueblo.

Blanche: -El mío también.  Cuesta trabajo conservarse fresco cuando hace calor. No me he lavado ni empolvado, siquiera... y... ¡Ya está usted a sus anchas!

Stanley : -Como sabrá, uno se puede resfriar si se queda sentado con la ropa húmeda puesta, sobre todo después de un ejercicio violento como los bolos. Usted es maestra... ¿verdad?

Blanche : -Sí.

Stanley: -¿Qué enseña?

Blanche: -Inglés.

Stanley: -Yo nunca fui un buen alumno de inglés. ¿Cuánto tiempo piensa quedarse, Blanche?”

“Blanche: -Usted es sencillo, franco y honrado. Un poco primitivo, diría yo. Para interesarlo, una mujer tendría que...


Stanley : -Tendría que jugar a cartas vistas.

Blanche: -Pues a mí nunca me ha gustado la gente ambigua. Por eso, cuando usted entró aquí anoche, me dije: «¡Mi hermana se ha casado con un hombre!» Naturalmente, eso fue todo lo que se me ocurrió pensar de usted en ese momento.”



“Stanley: -En el estado de Louisiana existe algo que se llama el Código Napoleón, de acuerdo con el cual todo lo que le pertenece a la esposa le pertenece al marido y viceversa.

Blanche: -¡Caramba! ¡Su aire impresiona, señor Kowalski! ¡Parece usted un juez!”



"Blanche: -Todo lo que tengo en el mundo está en ese baúl. ¿En que está pensando, por amor de Dios? ¿Qué hay en el fondo de su cerebro infantil? ¡Permítame que lo haga yo, será más rápido y más sencillo! Generalmente tengo mis documentos en esta caja de latón.

Stanley : -¿Qué hay ahí debajo?

Blanche: -Cartas de amor.  Amarillas de vejez, y todas del mismo. ¡Devuélvamelas!

Stanley: -Primero, les echaré una miradita.

Blanche : -¡El contacto de su mano es un insulto para esas cartas!

Stanley (mirándolas): -¡Déjese de farsas!

Blanche (forcejeando para arrebatárselas): -¡Ahora que las ha tocado, las quemaré!


Stanley: -¿Qué son?

Blanche : -Poemas. Los escribió un joven que ha muerto. ¡Lo herí como querría herirme usted a mí, pero no puede hacerlo! Ya no soy joven y vulnerable. Pero mi joven marido lo era, y yo... Bueno, qué más da. ¡Devuélvamelas!"





Klaus Kinski.- Yo necesito amor (autobiografía)




"Soy yo. ¡Yo! Soy yo el único motivo por el que me abandonará. ¡El problema no es como soy, sino que existo!"
-"Siento el mismo dolor que debe de sentir un preso cuando ponen en libertad a un compañero de celda y él tiene que quedarse."
-"Me siento como si no fuera yo el que está refunfuñando y aullando. Como si me viera a mí mismo refunfuñar y aullar y vomitar las más desagradables expresiones e insultos. Como en las fantasías de los sueños, o como en las películas donde, por medio de efectos especiales, se muestra a un yo separándose del otro. El bueno separándose del malo. Un cuerpo astral surge del cuerpo físico y se sitúa junto a su propia persona."

"Sería una verdadera indecencia que alguien se enterara de lo que estoy pasando. Me siento como un leproso en la Edad Media, o como el Hombre Elefante que se cubre para no provocar el asco de la gente."

"Es cosa natural. Los gusanos salen de la tierra, de la putrefacción de los seres vivos y las plantas. El animal que se come los gusanos acaba pudriéndose también, y de la putrefacción salen otra vez gusanos. Pero también nuevas plantas y flores. De la putrefacción surge vida nueva."

Imagen: Klaus Kinski, por Beat Presser




Jack Lemmon


"No me retiraré hasta que me atropelle un camión, un productor o un crítico." JACK LEMMON

 (8 de febrero de 1925 - 27 de junio de 2001)



 

Actor de cine estadounidense, uno de los grandes talentos de la historia del cine y uno de los más queridos por el público, recordado especialmente por papeles cómicos en películas como El apartamento o Con faldas y a lo loco, pese a que también destacó en el género dramático.


John Uhler Lemmon III, después conocido como Jack Lemmon, nació el 8 de febrero de 1925 en Boston, Massachusetts. Todas sus biografías añaden que «prematuramente», dado que su madre, Mildred LaRue Noël, se dirigía al hospital Newton-Wellesley para un nuevo control de rutina de su embarazo de siete meses, y no le dio tiempo de llegar a la consulta: dio a luz en el ascensor. Hoy el artefacto exhibe una placa que reza: «Aquí nació Jack Lemmon».

Los Lemmon tenían un muy buen pasar. Hijo del presidente de la Doughnut Corporation, la fábrica de Donuts, Jack se educó en la escuela de Rivers County, en Chestnut Hill, donde, pese a una salud delicada en la infancia (tuvo que someterse a varias operaciones de amigdalitis y mastoiditis), destacó como un buen deportista. Así, hacia los trece o catorce años ostentó el récord de las dos millas de Nueva Inglaterra.

Continuó su formación en la Academia Phillips (en 1945 ingresó en la marina estadounidense, de la que llegó a ser oficial de comunicaciones) y en la Universidad de Harvard, donde se licenció en arte dramático en 1947, después de haber formado parte del Club de Teatro de la institución.

Con un préstamo de su padre, Lemmon se fue a Nueva York y comenzó a ganarse la vida en el Old Nick Saloon, un local de la Segunda Avenida donde acompañaba al piano la proyección de películas mudas -cuando no cantaba o bailaba-, antes de trabajar como actor en la radio y, casi enseguida, en la televisión.

Entre 1948 y 1952 participó en casi todos los shows televisivos de la época (Robert Montgomery Presents, Danger, The Goodyear TV, Playhouse, Kraft Television Theater, Studio One, Suspense, The Frances Langford-Don Ameche Show) e intervino en más de quinientos episodios de comedias en serie que se emitían en directo (That wonderful guy, 1949; Toni Twin time, 1950; The Ad-libbers, 1951; Heaven for Betsy, 1952). En una de ellas formó pareja con la actriz Cynthia Stone, con quien se casó en 1950 y cuatro años después tuvieron a su primer hijo, Christopher.

Cuando llevaba poco más de un año en los escenarios de Broadway, Harry Cohn, el «zar» de la Columbia Pictures, lo llamó a los estudios de Hollywood y le extendió su primer contrato cinematográfico. Le sugirió que cambiara las emes de su apellido, que remitían al cítrico, por enes (lo que daba lugar a «Lennon»). Sin embargo, el actor fue firme en su negativa. En cambio, estuvo de acuerdo en llamarse Jack en lugar de John. (La anécdota cobra mayor sentido hoy, porque de haber sucedido lo opuesto, habría habido un primer John Lennon famoso anterior al integrante de los Beatles.)

Esta entereza despertó la admiración de Cohn, quien unos días después le daba un papel junto a Judy Holliday en La rubia fenómeno (1954), de George Cukor. No podía haber tenido un mejor comienzo. La primera vez que se puso ante la cámara y dijo sus frases del modo que mejor sabía, el que aprendió en las tablas, Cukor exclamó: «Ha estado magnífico, señor Lemmon; repetiremos la toma y ahora trate de actuar un poco menos». Al cabo de una docena de repeticiones y otras tantas idénticas recomendaciones del director, Lemmon se enfadó: «Como siga así, acabaré por no actuar». Y Cukor, con una sonrisa, le respondió: «Pues de eso se trata, señor Lemmon... Veo que nos vamos entendiendo». El actor debió de grabarse a fuego esa lección magistral, porque a partir de entonces supo refrenar esa propensión al histrionismo sin quitar un ápice de su exuberante gestualidad, pero sin dar jamás la impresión de estar actuando.

Así lo entendió la Academia de Hollywood, que le otorgó el Oscar al mejor actor de reparto por su primer papel importante, el del alférez en Escala en Hawai (1955), una pieza teatral de Joshua Logan que llevó a la pantalla John Ford y acabó de dirigir Mervyn LeRoy. La popularidad que le dio el premio lo convirtió en un actor imprescindible para las comedias de la época.

Uno de sus más finos realizadores, Richard Quine, contó con él para seis de sus películas. Y el célebre Billy Wilder -del que protagonizó siete obras brillantes a lo largo de veintidós años- escarbó más en el personaje y, detrás de ese don innegable, esa mímica y esos característicos tics, encontró al alter ego del estadounidense medio y del hombre común de cualquier gran ciudad, hasta el punto de que los estudios lo promocionaron, por entonces, con el eslogan: «El tipo que les va a caer bien»... Desde luego, no se equivocaban.


Wilder utilizó las dos vertientes en las dos primeras películas en que lo dirigió, las inolvidables Con faldas y a lo loco (1959), junto a Marilyn Monroe y Tony Curtis, y El apartamento (1960), junto a Shirley MacLaine, y ambas llevaron al actor a sendas candidaturas al Oscar. Pero Lemmon escondía aún otras sorpresas, y las puso al descubierto Blake Edwards al darle el primer papel realmente dramático de su carrera en Días de vino y rosas (1962), que le valió una nueva nominación. Más tarde, Wilder iba a revelar nuevas facetas del intérprete, de nuevo junto a Shirley MacLaine, en Irma la dulce (1966), un musical en clave de vodevil que constituyó uno de los grandes éxitos de la época.

Antes, hacia 1956, cuando las mieles de Hollywood empezaron a endulzar su trayectoria, su vida familiar comenzó a tambalearse y muy pronto se resolvió en divorcio. En agosto de 1962, ya consagrado para siempre como uno de los intérpretes más dotados del cine, volvió a contraer matrimonio con otra actriz, la delicada y poco prodigada Felicia Farr, madre de sus hijos Courtney y Denise y fiel compañera durante los cerca de cuarenta años de vida que le quedaban al actor. Así es que todavía había mucho por hacer. Entre otras cosas, conocer a su «extraña pareja», Walter Matthau, y formar uno de los grandes binomios cómicos de la historia del cine.

Fue Lemmon quien lo impuso a Wilder. Acababa de ver a Matthau en Broadway en una comedia de Neil Simon, La extraña pareja, que protagonizaba con Art Carney y que estaba dirigida por Mike Nichols (más tarde sería uno de los éxitos del tándem Lemmon-Matthau en la versión cinematográfica de Gene Saks). Para Lemmon no había nadie mejor para ese papel, que el veterano realizador pensaba destinar a Frank Sinatra.


Wilder accedió a regañadientes; luego el éxito del filme le llevó a reunirlos en otras dos películas: el segundo remake de Primera plana (1969) y la producción con la que decidió cerrar su fecunda filmografía, Aquí un amigo (1981). Sin embargo, los actores llegaron a protagonizar juntos otros cinco títulos más. El último fue La extraña pareja, otra vez (1998), que dirigió Howard Deutch. Sin la batuta de Wilder, no importaba demasiado el director: allí estaban ellos, dos setentones más ágiles y vivos que nunca, en un nuevo intento de revitalizar esa experiencia conjunta que en la vida real los llegó a convertir en grandes amigos.

Matthau adoraba a Lemmon y le estaba infinitamente agradecido. Era el responsable de su tardío triunfo cinematográfico, algo que entonces ya no esperaba. Y fue también el actor que aquél eligió -además de a su propia esposa, Felicia Farr- para su debut como realizador: Kotch (1971), un papel que le valió la primera candidatura al Oscar como protagonista. Walter Matthau murió justo un año antes que Lemmon, el 1 de julio de 2000. Billy Wilder, en plena lucidez a sus noventa y cinco años, pudo asistir a ambos entierros.


Lemmon fue uno de los tres únicos actores nominados al Oscar en ocho ocasiones. Lo obtuvo en dos, la segunda como protagonista por Salvad al tigre (1973), de John G. Avildsen. También fue el único estadounidense que ganó dos veces casi consecutivas la Palma de Oro en Cannes con dos papeles dramáticos, los de El síndrome de China (1979), de James Bridges, y Desaparecido (Missing, 1981), de Constantin Costa Gavras, y Venecia lo premió por Glengarry Glen Ross (1992). Fue, asimismo, varias veces reconocido con los premios Emmy televisivos -el último, un año antes de su muerte, por Los martes con Morrie (1999)- y contaba en su haber con cuatro Globos de Oro.

Pero acaso el quinto, que no obtuvo en la ceremonia de entrega de 1998, sea más digno de mención: Lemmon era candidato por el remake de Doce hombres sin piedad (1997), de William Friedkin. El ganador fue el actor Ving Rhames, pero cuando éste fue a recoger el galardón, inesperadamente para el público, que se puso en pie para ovacionar su decisión, ofreció su trofeo a Lemmon con estas palabras: «Los jueces se han equivocado. Siendo usted candidato, todos los premios deben ser suyos. No hay nadie digno de competir con usted, maestro».

Billy Wilder, que un día declaró emocionado que trabajar con Jack Lemmon era la felicidad, decía: «Cuando cualquier actor entra en una habitación, no tienes nada, y cuando el que entra es Jack, inmediatamente tienes una situación: es casi inexplicable lo que es capaz de provocar él solo, con su veloz verborrea y sus rápidos movimientos». Probablemente recordaba En bandeja de plata (1966), en la que sólo el ingenio de un actor como él podía dotar de constante dinamismo a un personaje que permanece casi toda la película en una silla de ruedas. O quizá Wilder pensaba en cualquier otra comedia o en el drama más desolado, lo mismo da.

El talento superdotado de Lemmon valía para todo. Él definía la sensación que experimentaba cuando se iniciaba una toma y pasaba horas delante de una cámara como un tiempo mágico. Lo era porque la intensidad con que lo vivía y la pasión que ponía al entregarse al personaje no se podían medir con un reloj. Sin embargo, la verdadera magia era la suya, porque seguramente gracias a esa entrega y esa pasión lograba parecer siempre un ser humano. Un tipo creíble, casi palpable. No un personaje, sino una persona de carne y hueso.(Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/l/lemmon.htm)
 
 
 
 
 

MISSING (Desaparecido) (1982) es una película dirigida por Costa-Gavras y protagonizada por Jack Lemmon y Sissy Spacek. La película, cuyo guion está co-escrito por el director y Donald E. Stewart, está basada en el libro The Execution of Charles Horman: An American Sacrifice de Thomas Hauser. El largometraje obtuvo, entre otros premios, la Palma de Oro del Festival de Cannes y el Oscar al mejor guion adaptado





Lana Turner



"Un hombre de éxito es uno que hace más dinero del que su mujer puede gastar. El éxito de una mujer es encontrar un hombre así." 


                   LANA  TURNER (8 de febrero de 1921 - 29 de junio de 1995)






Una de las más arrebatadoras presencias femeninas de los años 40. De nombre auténtico Julia Jean Mildred Frances Turner, Lana nació el 8 de febrero de 1920 en Wallace, Idaho (Estados Unidos), pero pronto se trasladó con su familia a las soleadas costas de California.

 No demasiado buena estudiante, Lana fue descubierta para el mundo del espectáculo un día que se saltó las clases escolares que tanto aborrecía. Su belleza no pasó desapercibida y pronto se convirtió en una de las pin-ups más famosas de su tiempo (le llamaban "la chica del suéter").


 En breve dio el salto a la gran pantalla interpretando un breve papel en la película "Ha Nacido Una Estrella" (1937) de William Wellman.

 Mejores personajes logró ese mismo año con "The Great Garrick" (1937) de James Whale y "They Won't Forget" (1937) de Mervyn Leroy.

 Otras películas como "Andrés Harvey se enamora" (1938) fueron haciendo que la rubia Lana Turner consiguiera cierta notoriedad debido a su imponente físico hasta lograr el estrellato en su mejor década cinematográfica, los años 40.

 Su primer matrimonio (de los siete que contrajo) fue en el año 1940 con el músico Artie Shaw, al que conoció en el rodaje de "Dancing Co-Ed" (1939). El enlace duró poco, ya que siete meses después de la boda terminaron separándose.
 En 1942 se casó con el actor Steve Crane ("Esta Noche y Todas Las Noches") de quien se divorció un año después para volver a contraer matrimonio otra vez con el propio Crane el mismo año de la separación.

 Mientras tanto su físico brillaba en títulos importantes como "El Extraño Caso Del Dr. Jeckyll" (1940) de Victor Fleming.

 En la Metro fue acreditada al lado de destacados compañeros de reparto masculino como Clark Gable en (entre otras películas) "Quiero A Este Hombre" (1941), con Robert Taylor en "Senda Prohibida", con John Garfield en la obra maestra "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" (1946), con Van Heflin en "La Calle Del Delfín Verde" (1947) o con Gene Kelly en "Los Tres Mosqueteros" (1948).    


 Su vida amorosa siguió en ebullición e inestabilidad tras su nuevo divorcio en el año 1944 de Crane y su posterior matrimonio con el millonario Bob Topping.

 Su aparición en la citada "El Cartero Siempre Llama Dos Veces" le elevó definitivamente a estrella, un status confirmado en los años cincuenta con "Cautivos Del Mal" (1952) de Vincente Minnelli, "Vidas Borrascosas" (1957) de Mark Robson o "Imitación A La Vida" (1959) de Douglas Sirk.

 Por su papel en "Vidas borrascosas" Lana obtuvo su única nominación al Oscar (la estatuilla fue para Joanne Woodward por el drama psicológico "Las Tres Caras De Eva").
   
 Sus devaneos afectivos y problemas con la bebida seguían siendo protagonistas en las revistas sensacionalistas del momento.

 En el año 1953 se casó con el "Tarzán" Lex Barker (de quien se divorció en 1957) y en 1958 estalló el gran escándalo con el asesinato de su amante Johnny Stompanato por parte de su hija Cheryl Crane.

 El juicio contra la hija de Lana fue un acontecimiento, en especial por la publicidad de las cartas sexuales entre Lana y el gángster Stompanato en las que se ponía de manifiesto la excitada libido de la rubia actriz y su gusto por el sadomasoquismo. Su hija Cheryl (que había acuchillado a Stompanato) fue declarada inocente por homicidio justificado.

 Los años 60 comenzaron con otro cónyuge, Fred May, del que se divorció dos años después.

Su carrera cinematográfica después del escándalo tomó un camino descendente a pesar del éxito de "Imitación a la vida" (1959), ya que sus films de la década de los años 60 no estuvieron a la altura del trabajo de Sirk y tampoco fueron recibidos con alborozo en la taquilla.

 Las apariciones de Lana Turner en el cine se fueron haciendo menos regulares con el tiempo hasta su retiro definitivo a principios de los años 80.
 Lana continuó sin encontrar su pareja ideal y así fueron cayendo nuevos matrimonios con Robert Eaton (1965-1969) y el séptimo y último con Ronald Dante (1969-1972).

 Además de sus matrimonios, la fogosa Lana Turner mantuvo romances con gente tan dispar como Howard Hughes, Clark Gable, Frank Sinatra, Errol Flynn, Fernando Lamas o Tyrone Power.

 Murió el 29 de junio de 1995 en California víctima de un cáncer. Tenía 75 años.
(Fuente:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article202.html )


 




IMITACION A LA VIDA 
(Imitation of life) es una película de 1959 dirigida por Douglas Sirk, en una adaptación de la novela homónima de Fannie Hurst, producida por Ross Hunter y protagonizada por Lana Turner. Esta película supone la segunda ocasión en la que la novela es llevada al cine después que en 1934 lo hiciera el director John M. Stahl con Claudette Colbert en el papel principal. Esta versión es considerado el mejor film de Sirk.

Fernando Trueba y la belleza

Marilyn Monroe

"Toda mi vida he sido un defensor de las actrices -y los actores- guapos. Por lo que siempre he considerado que Cary Grant y John Wayne eran mejores actores (de cine) que Charles Laughton y Laurence Olivier. Y que Ginger Rogers y Marilyn Monroe eran mejores actrices (de cine) que Anna Magnani y Glenda Jackson. Siempre he creído que ésta era una de las diferencias capitales del cine con el teatro. Y pienso esto porque creo que una de las razones por las que se va al cine, por las que el cine ha sobrevivido, y lo seguirá haciendo, a todos sus competidores tecnológicos -la mayoría simples vampiros que se nutren de él-, por los siglos de los siglos, es porque al cine uno va a enamorarse. La sala oscura es el templo de la poligamia y uno de los antros mejores para pecar con el pensamiento que la mente humana ha podido concebir."

Tomado de la entrada "Belleza" de "Mi diccionario de Cine" del director Fernando Trueba. Una verdadera maravilla de libro.

Y ya puestos os dejo abajo dos estupendos videos repesando algunas de esas estrellas del cine

 
Women in film:
 
Por orden, aparecen: Mary Pickford, Lillian Gish, Gloria Swanson, Marlene Dietrich, Norma Shearer, Ruth Chatterton, Jean Harlow, Katharine Hepburn, Carole Lombard, Bette Davis, Greta Garbo, Barbara Stanwyck, Vivien Leigh, Greer Garson, Hedy Lamarr, Rita Hayworth, Gene Tierney, Olivia de Havilland, Ingrid Bergman, Joan Crawford, Ginger Rogers, Loretta Young, Deborah Kerr, Judy Garland, Anne Baxter, Lauren Bacall, Susan Hayward, Ava Gardner, Marilyn Monroe, Grace Kelly, Lana Turner, Elizabeth Taylor, Kim Novak, Audrey Hepburn, Dorothy Dandridge, Shirley MacLaine, Natalie Wood, Rita Moreno, Janet Leigh, Brigitte Bardot, Sophia Loren, Ann Margret, Julie Andrews, Raquel Welch, Tuesday Weld, Jane Fonda, Julie Christie, Faye Dunaway, Catherine Deneuve, Jacqueline Bisset, Candice Bergen, Isabella Rossellini, Diane Keaton, Goldie Hawn, Meryl Streep, Susan Sarandon, Jessica Lange, Michelle Pfeiffer, Sigourney Weaver, Kathleen Turner, Holly Hunter, Jodie Foster, Angela Bassett, Demi Moore, Sharon Stone, Meg Ryan, Julia Roberts, Salma Hayek, Sandra Bullock, Julianne Moore, Diane Lane, Nicole Kidman, Catherine Zeta-Jones, Angelina Jolie, Charlize Theron, Reese Witherspoon, Halle Berry

Musica: Johann Sebastian Bach: Preludio de la Suite para Cello No. 1 BWV 1007 interpretada por Yo-Yo Ma


Men in film

Por orden, aparecen: Douglas Fairbanks Sr., Rudolph Valentino, Charlie Chaplin, James Cagney, Spencer Tracy, Fredric March, Errol Flynn, Fred Astaire, Clark Gable, Laurence Olivier, Gary Cooper, Humphrey Bogart, James Stewart, Tyrone Power, Cary Grant, Henry Fonda, Robert Mitchum, John Wayne, Kirk Douglas, Gene Kelly, Burt Lancaster, William Holden, Marlon Brando, James Dean, Rock Hudson, Montgomery Clift, Anthony Quinn, Gregory Peck, Richard Burton, Jack Lemmon, Sean Connery, Sidney Poitier, Charlton Heston, Steve McQueen, Peter O'Toole, Paul Newman, Clint Eastwood, Robert Redford, Dustin Hoffman, Roy Scheider, Warren Beatty, Dennis Hopper, Al Pacino, Jack Nicholson, Robert De Niro, Gene Hackman, Jon Voight, Harrison Ford, Kevin Kline, Kevin Costner, Michael Douglas, Christopher Walken, Mel Gibson, Sean Penn, John Travolta, Antonio Banderas, Tim Robbins, Samuel L. Jackson, Tom Hanks, Denzel Washington, Tom Cruise, Brad Pitt, Russell Crowe, Kevin Spacey, Will Smith, Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Johnny Depp, Matt Damon, George Clooney

Música: Johan Sebastian Bach:  Allemande de la Suite para Violonchelo solo No. 3 BWV 1009. Interpretada por Antonio Meneses

James Dean





“Sueña como si fueras a vivir siempre, vive como si fueras a morir hoy.”JAMES DEAN
(8 de febrero de 1931 – 30 de septiembre de 1955)




El gran mito cinematográfico masculino de los años 50 para la juventud estadounidense, James Byron Dean personificó con sus actuaciones al joven inconformista en conflicto generacional y alienado de la sociedad.

Dean nació el 8 de febrero de 1931 en Marion, Indiana (Estados Unidos). Era hijo de un protésico dental y de una ama de casa.
En su niñez se trasladó con su familia al estado de California, estableciéndose en la ciudad de Los Ángeles.

Cuando tenía nueve años, su madre murió y al joven Jimmy le enviaron de nuevo a Indiana para residir en la granja de sus tíos, en donde estuvo la mayor parte de su juventud.

Como lo de regentar granjas no era lo suyo, James volvió al sol californiano para estudiar interpretación en la Universidad de UCLA.

Tras iniciarse en el mundo del teatro junto a James Withmore, Dean logró aparecer a principios de los años 50 en series de televisión y anuncios publicitarios, además de representar obras teatrales en Broadway, como "See The Jaguar" o "The Inmoralists", por las que recibió críticas muy favorables.

Aprovechando su estancia en Nueva York, Dean incrementó su formación interpretativa en el prestigioso Actors Studio.

Su etapa en el cine también dio comienzo en los años 50 con papeles insignificantes sin acreditación en películas como "Fixed Bayonets" (1951) de Sam Fuller, "¡Vaya Par De Marinos!" (1951), un film con Jerry Lewis y Dean Martin, "Has Anybody Seen My Gal?" (1952) dirigida por Douglas Sirk, y "Un Conflicto En Cada Esquina" (1953) de Michael Curtiz.


Esas anecdóticas apariciones fueron el preludio de su primera intervención importante que se produjo gracias a la mediación del director Elia Kazan, quien le había contemplado en sus actuaciones teatrales de Broadway.

Kazan le ofreció el papel protagonista de "Al Este del Edén" (1955), una adaptación de John Steinbeck. La impresionante interpretación de Dean asombró al público y a sus colegas, que le nominaron al Oscar (logró la estatuilla en esa edición Ernest Borgnine por "Marty").

El mismo año del estreno de “Al Este Del Edén”, James Dean protagonizó otro film en el que se acentuaba su caracterización inconformista, "Rebelde Sin Causa" (1955), una magistral película dirigida por Nicholas Ray que le confirmó definitivamente como uno de los principales ídolos de la juventud estadounidense del período.
Aprovechando la tremenda popularidad y el éxito comercial que Dean había conseguido con sólo dos películas, la Warner le incluyó en el reparto de "Gigante" (1956), título de George Stevens co-protagonizado por Elizabeth Taylor y Rock Hudson en el que Jimmy volvía a identificarse con un personaje extraño, solitario, tímido y alejado del mundo que le rodeaba.
Su actuación volvió a ser soberbia y así lo premió la Academia con otra nominación al Oscar.


Esa nominación fue póstuma, ya que el joven Dean, gran aficionado al mundo del motor y la velocidad, justo después de concluir el rodaje de "Gigante", sufrió un aparatoso accidente en Paso Robles, California, con su flamante Porsche Spyder cuando se dirigía a competir en una carrera automovilística (pocos minutos antes había sido multado por velocidad inadecuada).

Era el día 30 de septiembre de 1955 y James Dean moría en el acto sin que nadie pudiese hacer nada por salvarle.

Esta muerte, ocurrida cuando sólo tenía 24 años, supuso el abrupto final de una fulgurante y exitosa carrera cinematográfica que había durado poco más de un año, y un enorme duelo entre sus multitudinarios fans que ya le tenían idolatrado en vida.
Su temprano fallecimiento le encumbró definitivamente a los altares de la mitología del siglo XX.

Respecto a su vida sentimental, James Dean mantuvo muchas relaciones efímeras, siendo la más importante con la actriz Pier Angeli, bella intérprete de origen italiano con la que no pudo casarse debido a la tenaz oposición de la madre de Pier al no aceptar a Dean (que por esa época aún no era famoso) simplemente porque éste no era católico.
La madre, que luchó con empeño para romper esa relación, logró que su hija se casase finalmente con el también actor Vic Damone en 1954.
Pier Angeli, que nunca consiguió olvidar a James Dean, se suicidó en el año 1971.
(Fuente: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article146.html)





REBELDE SIN CAUSA es una película estadounidense de 1955, dirigida por Nicholas Ray y protagonizada por James Dean, Natalie Wood, Sal Mineo, Jim Backus, Ann Doran y Corey Allen en los papeles principales.

Es una adaptación del libro de 1944, del psiquiatra Robert M. Lindner, Rebel Without A Cause: The Hypnoanalysis of a Criminal Psychopath (Rebelde sin causa: El hipnoanálisis de un psicópata criminal). El filme mismo, sin embargo, no hace referencia alguna al libro de Lindner.

En 1990, Rebelde sin causa fue incluida entre los filmes que preserva el Registro Nacional de Filmes (National Film Registry) de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos, por ser considerada «cultural, histórica, o estéticamente significativa».

Cuenta la historia de un adolescente rebelde, recién llegado a Los Ángeles. Allí conoce a una chica, desobedece a sus padres y desafía a los caciques del instituto local.

Philip Roth y la lectura




"Cada año mueren setenta lectores y solo dos de ellos son reemplazados. Por todas partes hay indicios de que la era literaria ha tocado a su fin. La prueba es la cultura, la prueba es la sociedad, la prueba es la pantalla, la progresión de la pantalla de cine a la pantalla de televisión, y de esta al ordenador. Tenemos un tiempo y un espacio limitados, y solo existen ciertos hábitos mentales que pueden determinar cómo aprovecha la gente el tiempo del que dispone. La literatura requiere un hábito mental que ha desaparecido. Necesita silencio, alguna forma de aislamiento, y una concentración constante en presencia de algo enigmático. Es difícil comprender una novela madura, inteligente y adulta. Es difícil saber qué pensar de la literatura." 

Así se lamenta el que sin duda es uno de los grandes escritores actuales, el estadounidense Philip Roth (1933), recientemente galardonado con el premio Principe de Asturias y siempre aspirante al Nobel de Literatura. Gran parte de su obra explora la naturaleza del deseo sexual y la autocoprensión. Su ficción se caracteriza por el monólogo íntimo, pronunciado con un sentido de humor rebelde y la energía histérica a veces asociada con el héroe y el narrador de "El lamento de Portnoy" (1969), la novela que le trajo la fama.

El "El lamento de Portnoy" es un monólogo de un joven soltero judío, Alexander Portnoy, que se confesa con su psicoanalista en un lenguaje "íntimo, detallado y abusivo". Su narrador vive atormentado por los remordimientos de conciencia y su obsesión por el sexo, y es visto por Roth como el producto y la víctima de una madre judía demasiado posesiva. El personaje es considerado una de las creaciones más cómicas de la ficción moderna. La sexualidad franca de la novela y su tratamiento sarcástico de la vida judía causaron furor en círculos literarios, y lo confirmaron como un novelista original. La revista Time incluyó la novela en su lista de las 100 mejores novelas en inglés entre 1925 y 2005.

Entre sus creaciones más conocidas se encuentran, además de la obra ya citada, su "trilogía americana", publicada en los años 1990 y compuesta por las novelas "Pastoral americana" (1997), ganadora del Pulitzer, "Me casé con un comunista" (1998), y "La mancha humana" (2000). En 2001 publicó "El animal moribundo" un sensacional trabajo que fue llevado al cine con la película "Elegy" (2008) dirigida por Isabel Coixet. Es también muy conocido su colección de cuentos de 1959 "Goodbye, Columbus".

Otro tema habitual en sus obras son los problemas de asimilación e identidad de los judíos de Estados Unidos, lo cual lo vincula con otros autores estadounidenses como Saul Bellow, Premio Nobel en 1976, o Bernard Malamud, que también tratan en sus obras la experiencias de los judíos estadounidenses.

Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomiendo sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts

En un lugar solitario - 1950 - Nicholas Ray



"Nací cuando ella me besó; morí cuando me abandonó; viví unas semanas mientras ella me amó"

 Puede que esta sea una de mis frases favoritas del cine y pertenece a una película no menos notable: "En un lugar solitario", una de las obras maestras del cine negro, dirigida por Nicholas Ray en 1950 y en la que aparece una preciosa Gloria Grahame, incluso diría que es difícil verla tan guapa en otras películas, una actriz que es sin duda una de las grandes "damas negras" de ese tipo de cine y que participa en otros títulos inolvidables como "Sobornados", "Deseos humanos" o "Cautivos del mal". Le da réplica un soberbio Humphery Bogart que borda su papel de guionista un tanto venido a menos y de carácter conflictivo, cínico y un tanto agresivo, osea en la perfecta línea de lo que se espera de Bogart en una película así. El film, que nunca fue estrenado en España y en televisión apenas se ha visto, está dirigida por el solvente Nicholas Ray que cuenta con otros buenos trabajos como "Rebelde sin causa", "55 dias en Pekin" o "Johnny Guitar" y que en este título da una clase magistral sobre cómo construir una buena trama, de modo que cuando uno termina de ver el recital de Bogart y la Grahame, no puede evitar pensar donde están hoy día las películas así, o esos actores maduros que nos hablan de cosas cercanas y no siempre de juegos de adolescentes..... Yo seguramente la revisionaré esta noche. No ha empezado y ya la estoy disfrutando!!! No os perdais la crítica de Garci, más abajo.
 
Os dejo la ficha de la película tomada de filmaffinity por si alguien quiere más datos: http://www.filmaffinity.com/es/film600487.html
 

TÍTULO ORIGINAL: In a Lonely Place 
AÑO: 1950 - NOTA: 8'1/10
DURACIÓN: 91 min. PAÍS: EEUU

DIRECTOR: Nicholas Ray

REPARTO: Humphrey Bogart, Gloria Grahame, Frank Lovejoy, Robert Warwick, Jeff Donnell, Martha Stewart, Carl Benton Reid, Art Smith, Morris Ankrum, Steven Geray, William Ching

SINOPSIS: Steele, un guionista con fama de conflictivo y violento, tiene que afrontar la difícil tarea de adaptar un best-seller de nula calidad literaria. Casualmente se entera de que Mildred, la chica del guardarropa del club que frecuenta, ha leído la obra en cuestión. Decide entonces llevársela a su casa para que le cuente el argumento. Pero, a la mañana siguiente, la policía se presenta en su casa y le comunica que Mildred ha sido asesinada, y Steele se convierte en el principal sospechoso. (FILMAFFINITY)

GUIÓN Andrew Solt
MÚSICA George Antheil
FOTOGRAFÍA Burnett Guffey (B&W)
PRODUCTORA Universal Pictures
GÉNERO Intriga. Thriller. Cine negro. Drama
 
 
 
Una escena de "En un lugar solitario"

Los enlaces al programa de Garci - Para los que quieran profundizar
1.- http://www.youtube.com/watch?v=R9tZW33KGVs&feature=player_embedded

2.- http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=pDtIRWs1OoY
3.- http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=N9eqp_2c2PU
4.- http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=d1kXxJJWw6I

5.- http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=IcAnqFUrYWc
6.- http://www.youtube.com/watch?feature=player_embedded&v=Rr-wmobzX3Y