Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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domingo, 30 de junio de 2013

Susan Hayward


"Nunca me ví a a mí misma como una estrella de cine. Yo soy sólo una chica trabajadora. Una chica trabajadora que trabajó su camino hacia la cima y nunca se cayó.

                        SUSAN HAYWARD (30 de junio de 1917 – 14 de marzo 1975)







Susan Hayward, de nombre auténtico Edythe Marrenner, nació el 30 de junio de 1917 en Brooklyn, Nueva York (Estados Unidos).
En su época de instituto comenzó a trabajar en el negocio de la imagen como modelo fotográfico.

En 1937 llegó a Hollywood para intentar hacerse con el papel de Escarlata O'Hara en "Lo que el viento se llevó". No pudo alcanzar su propósito, pero sí logró aparecer en su primer y breve papel debutante, "Hollywood Hotel" (1937), un musical dirigido por Busby Berkeley.

No fue hasta el rodaje de "Beau Geste" (1939), una película dirigida por William Wellman con Gary Cooper y Ray Milland como protagonistas masculinos, cuando Susan Hayward logró interpetar un papel de cierta relevancia.

Las décadas siguientes fueron extraordinarias para el desarrollo del talento interpretativo, especialmente dramático, de la pelirroja intérprete neoyorquina.

Durante los años 40 intervino en "Me casé con una bruja" (1942), con Veronica Lake y Fredric March, "Piratas del mar Caribe" (1942), con Ray Milland y Paulette Goddard, "Juventud ambiciosa" (1943), en donde compartió piso con William Holden, o "Tierra generosa" (1946) con Dana Andrews, antes de alcanzar el estrellato por su retrato de una mujer alcohólica en "Una mujer destruida" (1947), actuación por la que fue nominada al Oscar por primera vez en su carrera.

Después de “Una mujer destruida” protagonizó títulos como "They won't believe me" (1947) de Irvin Pichel, "Sed de dominio" (1948) de Claude Binyon, "Odio entre hermanos" (1949) de Joseph L. Mankiewicz, o "My foolish heart" (1949), un film dirigido por Mark Robson por el que volvió a ser nominada al premio Oscar.

Susan Hayward era una de las intérpretes femeninas más respetadas tanto por la crítica como por el público cuando dio comienzo la década de los 50.
  

"Lusty Men" (1951) y "Las nieves del Kilimanjaro" (1952) fueron los preludios para una nueva candidatura al Oscar por "With a song in my heart" (1952), un musical de Walter Lang basado en la vida de Jane Froman.

  

Con títulos como "Demetrius y los gladiadores" (1954), "Mañana lloraré" (1956), film en el que volvía a encarnar a una sufridora mujer que le llevó a competir de nuevo por el Oscar, "Cita en Hong-Kong" (1955), "Caravana hacia el sur" (1955), o "El conquistador de Mongolia" (1956), película que le emparejó con John Wayne, avanzaba la década hasta que llegó "Quiero vivir" (1958), una película sobre la pena de muerte dirigida por Robert Wise por la que consiguió finalmente la estatuilla.

Con el título de Wise alcanzó la cima de su carrera. A partir de esa fecha sus películas perdieron calidad, optando Susan finalmente por abandonar el cine a finales de los años 60 tras su aparición en "El valle de las muñecas" (1967) de Mark Robson.

Cinco años después regresó a la gran pantalla para interpretar junto a William Holden y Ernest Borgnine "Los vengadores" (1972), un film dirigido por Daniel Mann que supuso su última intervención cinematográfica.

La gran mayoría de los intérpretes, entre ellos el citado John Wayne, que aparecieron en "El conquistador de Mongolia" (1956), rodaje llevado a cabo en Utah, cerca de donde había realizado prácticas nucleares, padecerían con posterioridad diversos tipos de cáncer.
Susan desarrolló un tumor cerebal que le llevó a la muerte el día 14 de marzo de 1975. Tenía 56 años.

Susan se casó en dos ocasiones. La primera en 1944 con el actor Jess Barker, visto en películas como "Las modelos" o "Perversidad". Jess y Susan se divorciaron diez años después. La pareja tuvo gemelos.
Su segundo marido fue Floyd Eaton Calkley, con quien contrajo matrimonio en 1957 y del que quedó viuda en el año 1966.

Susan Hayward murió a la edad de 57 años en marzo de 1975, a causa de complicaciones de una neumonía relacionada con su cáncer cerebral, habiendo superado las expectativas de vida que los médicos le habían pronosticado. Fue sepultada cerca de su segundo y último esposo, Eaton Chalkley, con quien se había convertido al catolicismo, en Carrollton, Georgia. Le sobrevivieron sus dos hijos.

(Fuemte: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article305.html y Wikipedia)






With a Song in My Heart (CON UNA CANCION EN MI CORAZON) es un drama musical dirigido por Walter Lang en  1952 y protagonizada por Susan Hayward.Obtuvo varios galardones:

    1952: Oscar: Mejor bso (Musical). 5 nominaciones
    1952: Globos de Oro: Mejor película y actriz (Susan Hayward) - Comedia o Musical







                                   


¡QUIERO VIVIR! es una película estadounidense de 1958, del género cine negro, dirigida por Robert Wise y protagonizada por Susan Hayward,que consiguió el Oscar a la Mejor Actriz.

El guion está basado en los artículos escritos por el periodista Ed Montgomery, basados en las cartas escritas por Barbara Graham, convicta y condenada a muerte por homicidio.

sábado, 29 de junio de 2013

Carta de Fernando Arrabal a Franco

 
 
París, 18 de marzo de 1971
Don Francisco Franco
Palacio de El Pardo
España

Excelentísimo Señor:

Le escribo esta carta con amor.

Sin el más mínimo odio o rencor, tengo que decirle que es usted el hombre que más daño me ha causado. Tengo mucho miedo al comenzar a escribirle: temo que esta modesta carta (que me conmueve de pies a cabeza) sea demasiado frágil para llegar hasta usted; que no llegue a sus manos.

Creo que usted sufre infinitamente; sólo un ser que tanto sufre puede imponer tanto dolor en torno suyo; el dolor preside, no sólo su vida de hombre político y de militar, sino incluso sus distracciones; usted pinta naufragios y su juego favorito es matar conejos, palomas o atunes.

En su biografía, ¡cuántos cadáveres! en África, en Asturias, en la guerra civil, en la postguerra... Toda su vida cubierta por el moho del luto. Le imagino rodeado de palomas sin patas, de guirnaldas negras, de sueños que rechinan la sangre y la muerte.

Deseo que usted se transforme, cambie, que se salve, sí, es decir, que sea feliz por fin, que abandone el mundo de represión, odio, cárcel, buenos y malos que hoy le rodea.

Quizás haya una remota esperanza de que me oiga: siendo niño me llevaron a un acto oficial que usted presidía. Al llegar usted, entre ovaciones, las autoridades le agasajaron.
Entonces una niña, preparada para ello, se acercó a usted y le tendió un ramo de flores. Luego comenzó a recitar un poema (mil veces ensayado)... Pero, de pronto, presa de emoción, se puso a llorar. Usted le dijo, acariciándole la mejilla:
–No llores, yo soy un hombre como los demás.
¿Es posible que hubiera en sus palabras algo más que el cinismo?

Yo no formo parte de esa legión de españoles que al finalizar la guerra civil cruzaron los Pirineos cubiertos de nieve. Como mi amigo Enrique que tenía entonces once meses. Las barrigas secas, el espanto a borbotones buscaban la cima y huían del fondo de la furia.
¡Cuánto heroísmo anónimo!
¡Cuántas madres, a pie, con sus hijos en brazos!

Luego, a lo largo de estos años, de estos últimos lustros, ¿cuántos huyeron? ¿Cuántos emigraron? Hace siglos, en tiempos de la Inquisición, vivía en Ávila una niña de ocho años. Un día tomó a su hermanito por la mano y se escapó de su casa. Recorrieron campos y montañas.
Por fin su padre consiguió dar con ella. Le preguntó:
–¿Por qué te has escapado?
–Quería irme de España.
–Pero ¿por qué?
–¡Para conquistar gloria!
–Lo mismo que dijo esta niña –Santa Teresa– hubieran podido decir tantos que se fueron: cientos de miles.

Y también los Goya, los Picasso, los Buñuel... Lo mismo hubiéramos podido decir los que en 1955 salimos de su España negra. Para conquistar gloria, en el sentido más fascinante de la palabra.

Esa niña que se escapaba en busca del apoteosis, más tarde iba a sufrir en su carne y en su alma los golpes de la intolerancia de entonces: la Inquisición. No vea en mí ningún orgullo. No me siento de ninguna manera superior a nadie y menos que nadie a usted. Todos somos los mismos.

Usted debe escuchar esta voz que le viene volando por encima de media Europa, bañada de emoción. Lo que le voy a escribir en esta carta podrían decírselo la mayoría de los hombres de España si no tuvieran sus bocas lacradas, es lo que dicen en privado los poetas. Pero no pueden proclamar en voz alta lo que les grita el corazón. Arriesgan la cárcel. Por eso tantos se fueron. Su régimen es un eslabón más dentro de una cadena de intolerancias que comenzaron en España hace siglos.

Quisiera que usted tomara conciencia de esta situación. Y, gracias a ello, quitara las mordazas y las esposas que encarcelan a la mayoría de los españoles. Este es el propósito de mi carta: Que usted cambie. Usted merece salvarse como todos los hombres: desde Stalin hasta Gandhi. Usted merece ser feliz: ¿cómo puede serlo sabiendo el terror que su régimen ha impuesto e impone?

Mucho tiene usted que sufrir para crear en torno a usted la intolerancia y el castigo. Usted también merece salvarse, ser feliz. España tiene por fin que cesar de emponzoñar a su pueblo. ¡Cuánta ceniza, cuántas lágrimas, cuánta muerte lenta entre funerales de chatarra al son de campanas podridas!

Este país era España. Sus reyes se llamaban, por ejemplo, Alfonso X el Sabio o Fernando III el Santo. Este monarca se proclamó el “Rey de las tres religiones”. (Me siento orgulloso de llevar su nombre.) Imagínese la España de hoy aceptando las tres corrientes de pensamiento más populares en el país y apadrinándolas en toda libertad: la democracia, el marxismo y la religiosidad. Si usted delegara su poder al pueblo, ¡qué felicidad! Qué felicidad para usted. Qué felicidad para todos los españoles.

Pero la tolerancia constructiva que impregnó la Edad Media iba a cesar brutalmente. Los Reyes Católicos llegaron, expulsaron dos de las tres religiones, proclamaron el cristianismo religión obligatoria, por la sangre y por el fuego intentaron exterminar al judaísmo y al mahometanismo.

La noche más negra de la historia comenzaba en España, los quemaderos de la Inquisición se encendieron y sus intolerancias siniestras aún no se han extinguido. Y hasta hoy reina un silencio de flores calcinadas, de interminables rejas, como un sordo enjambre de arañas en nuestros sesos. Aún en la España de hoy se sigue pudriendo en las mazmorras por delitos de opinión.

Por proclamar en alta voz el idealismo que abrasa el corazón, por pedir de la forma más sincera y pura un sistema diferente.


Esta carta, obra de Fernando Arrabal, se publicó inicialmente en Paris en una edición bilingüe en 1972. La carta estuvo prohibida en España durante casi siete años hasta que se vio la luz en 1978.

La fotografía es de Agustí Centelles y fue tomada tras los bombardeos de la ciudad de Lerida.

El indomable Will Hunting (Gus Van Sant, 1997)



"Nosotros escogemos a quién dejamos entrar en nuestro mundo."

"-Si te pregunto algo sobre arte me responderás con datos sobre todos los libros que se han escrito, Miguel Ángel, lo sabes todo, vida y obra, aspiraciones políticas, su amistad con el Papa, su orientación sexual, lo que haga falta... Pero tu no puedes decirme como huele la Capilla Sixtina, nunca has estado allí y has contemplado ese hermoso techo. No lo has visto…

Si te pregunto por las mujeres supongo que me darás una lista de tus favoritas, puede que hayas echado unos cuantos polvos, pero no puedes decirme que se siente cuando te despiertas junto a una mujer y te invade la felicidad...
Eres duro. Si te pregunto por la guerra probablemente citarás algo de Shakespeare: "De nuevo en la brecha amigos míos" Pero no has estado en ninguna, nunca has sostenido a tu mejor amigo entre tus brazos esperando tu ayuda mientras exhala su último suspiro.
Si te pregunto por el amor, me citarás un soneto, pero nunca has mirado a una mujer y te has sentido vulnerable, ni te has visto reflejado en sus ojos. No has pensado que Dios a puesto un ángel en la tierra para ti, para que te rescate de los pozos del infierno, ni qué se siente al ser su ángel y darle tu amor y darlo para siempre y pasar por todo, por el cáncer. No sabes lo que es dormir en un hospital durante 2 meses cogiendo su mano porque los médicos vieron en tus ojos el que término horario de visitas no iba contigo. No sabes lo que se significa perder a alguien, porque sólo lo sabrás cuando ames a alguien más que a ti mismo. Dudo que te hayas atrevido a amar de ese modo.
Te miro y no veo a un hombre inteligente y confiado. Veo a un chaval creído y cagado de miedo. Eres un genio Will eso nadie lo niega. Nadie puede comprender lo que pasa en tu interior. En cambio presumes de saberlo todo de mí porque viste un cuadro y rajaste mi puta vida de arriba a abajo. Eres huérfano, ¿verdad? ¿Crees que sé lo dura y penosa que ha sido tu vida, cómo te sientes, quién eres por haber leído Oliver Twist?, ¿un libro basta para definirte? Personalmente eso me importa una mierda porque ¿sabes qué? No puedo aprender nada de ti ni leer nada de ti en un maldito libro.
Pero si quieres hablar de ti, de quién eres... Estaré fascinado, a eso me apunto, pero no quieres hacerlo tienes miedo, te aterroriza decir lo que sientes… Tu mueves chaval. "

"No sabes lo que se siente al perder a alguien, porque sólo lo sabrás cuando ames a alguien más que a tí mismo."

"He lamentado cosas, pero ni un sólo día de los que pasé con ella."

Audrey Hepburn ante el espejo



"Soy todo lo contrario a una belleza e incluso a una mujer guapa. De perfil soy horrible, tengo la nariz muy larga, orejas grandes, huesos en los hombros y la espalda, apenas tengo busto… En resumen: soy un esparrago anguloso y no hay nada que los espectadores y productores detesten tanto"
 
Así de dura se mostraba consigo misma Audrey Hepburn en una entrevista que le realizaron en 1967. Evidentemente otras personas pensaban de forma totalmente diferente. Algunos ejemplos:

Billy Wilder: "Esta jovencita logrará convencer al mundo entero de que los grandes senos y pronunciadas curvas son un inútil vestigio del pasado".

Terence Moix: "Hollywood nunca había conocido a alguien como ella. La primera impresión fue que algo sano, incontaminado, acababa de entrar en el mundo del cine: como un terremoto provisto de estela purísima".

Judith Kranz: "Bajo su inmaculado y cultivado estilo descubrimos a alguien increíblemente frágil, alguien que, por razones que desconozco, parece necesitarnos".

David Niven: "Es la mejor imagen que tiene Hollywood, no habiendo nunca sido un producto de Hollywood. Audrey es siempre Audrey y tiene el don de hacer que a todos los que la conocemos se nos quede un poco de ella".

Su hijo Sean Ferrer: "Ella creía que lo barato termina saliendo caro y lo caro termina siendo barato. Es mejor comprar un buen par de zapatos que usarás mucho tiempo que comprar varios pares baratos que durarán poco. Cuida tu ropa porque es la primera impresión que das".

Elizabeth Taylor: "Audrey era una dama con elegancia y un estilo que no se podía igualar, excepto por su amor a los niños necesitados de todo el mundo. Dios tiene ahora el más bello ángel a su lado que sabrá exactamente lo que hay que hacer en el cielo".

Willian Holden: "Ella fue el amor de mi vida".

Hubert de Givenchy: "Extendió su naturalidad a su forma de vestir. Siempre daba a los vestidos creados para ella un toque personal que todo lo realzaba, no sólo la elegancia, sino el diseño entero".

Sean Connery: "Era absolutamente adorable".

Renoir y las modas



En cierta ocasión le preguntaron Pierre-Auguste Renoir, el famoso pintor impresionista, sobre cuáles eran sus predilecciones a la hora de reflejar la moda en sus obras pictóricas y el artista se limitó a señalar:

"La única moda que no pasa de moda"

La respuesta evidentemente despertó la curiosidad de su interlocutor que rápidamente le demandó que aclarara sus palabras. Renoir finalizó diciendo:

"Le estoy hablando del desnudo"

Renoir pintó una gran cantidad de desnudos entre los que sobresalieron los del ciclo de las bañistas. El cuadro que acompaña la anécdota tiene por título "Standing bather" y fue realizado por Pierre-Auguste Renoir en 1887. Actualmente pertenece a una colección privada.

viernes, 28 de junio de 2013

Milan Kundera.- La broma



"Sí, de repente lo ví así: la mayoría de la gente se engaña mediante una doble creencia errónea: cree en el eterno recuerdo (de la gente, de las cosas, de los actos, de las naciones) y en la posibilidad de reparación (de los actos, de los errores, de los pecados, de las injusticias). Ambas creencias son falsas. La realidad es precisamente al contrario: todo será olvidado y nada será reparado. El papel de la reparación (de la venganza y del perdón) lo lleva a cabo el olvido. Nadie reparará las injusticias que se cometieron, pero todas las injusticias serán olvidadas."

Imagen: Rodrigo Fiotto.- el hombre que olvidó quién era, pero que quiere saber quién es

F. Scott Fitzgerald.- Suave es la noche



“De algún modo se había acostumbrado a que fuera él el que pensara por todos y,  en sus ausencias,  antes de dar el menor paso siempre pensaba automáticamente en lo que él hubiera hecho;  por eso ahora no se sentía preparada para oponer su propia voluntad a la de él. Y, sin embargo, tenía que pensar por sí sola.
Por fin se había aprendido el horrible número de la puerta que llevaba al mundo de los sueños, el umbral de una salida que no era tal salida. Sabía que el mayor pecado que podía cometer tanto en aquél momento como en el futuro era engañarse a sí misma. Le había costado mucho aprenderse aquella lección, pero al fin la había aprendido. Si te niegas a pensar, otros tienen que pensar por ti y les cedes el poder,  dejas que perviertan y reglamenten tus condiciones naturales, que te civilicen y te estirilicen.”

Imagen: Man Ray

jueves, 27 de junio de 2013

Óscar Wilde.- el hombre y sus máscaras



"El hombre es menos él mismo cuando habla en su propia persona. Dadle una máscara, y os dirá la verdad." (Óscar Wilde)

Imagen: Otto Steinert.- las dos máscaras de Pierrot

Platon.- El Banquete



"Así pues, como hijo de Poro y Penía, el Amor quedó de esta suerte: en primer lugar es siempre pobre y mucho le falta para ser delicado y bello como el vulgo cree; por el contrario, es seco y miserable, y descalzo y sin morada, duerme siempre en el suelo y carece de lecho, se acuesta al aire libre ante las puertas y los caminos, todo ello porque tiene la naturaleza de su madre, compañero siempre de la carencia. Pero, con arreglo a su padre, está siempre al acecho de lo bello y bueno, y es valeroso, resuelto y diligente, temible cazador, que siempre urde alguna trama, y deseoso de comprender y poseedor de recursos, durante toda su vida aspira al saber, es terrible hechicero y mago y sofista; y su modo de ser no es ni "inmortal" ni "mortal", sino que en el mismo día tan pronto florece y vive -cuando tiene abundancia de recursos- como muere, y de nuevo revive gracias a la naturaleza de su padre, y lo que se procura siempre se le escapa de las manos, de modo que ni Amor carece nunca de recursos ni es rico, y está en medio entre la sabiduría y la ignorancia. Pues la cosa es así: de los dioses, ninguno aspira a la sabiduría ni desea ser sabio -pues lo son ya- , y si algún otro hay que sea sabio, ese tal no aspira a la sabiduría; ni tampoco los ignorantes aspiran a la sabiduría ni desean llegar a ser sabios; pues en eso precísamente es lamentable la ignorancia: en, no siendo bello ni bueno ni sensato, parecer a sí mismo que se es todo lo que se tiene que ser. En modo alguno desea el que no cree carecer aquello de lo que no cree carecer. "

Imagen: Frederic Leighton.

Francisco Bejarano - Poemas



Francisco Bejarano, nacido en 1945 en Jerez de la Frontera, es un gran poeta y escritor, reconocido como una de las voces fundamentales de la generación del 70. Para muchos, su obra viene determinada por la musicalidad de su verso y un justo equilibrio entre la belleza poética y la emoción. La desilusión del amor, la infancia, el marchar del tiempo, la melancolía y el "yo" mismo forman parte de los temas abordados en sus versos por los que recibió el Premio Nacional de la Crítica en 1989, en concreto por su obra "Las Tardes", una obra que si bien es definida como un libro crepuscular y elegíaco o lo que es lo mismo un libro de amor a la vida, el propio autor declararía sobre la misma: "Las tardes está escrito con ironía y humor. Antes escribía seriamente y tomarse las cosas en serio no es serio, no es creíble".

Francisco Bejarano desarrolla también una solida e interesante labor como articulista lo que le vale la consecución de los premios "Julio Camba" y el "José María Pemán". Él mismo definió su obra hace tiempo como "Un conjunto de grandes silencios y grandes charlatanerías", y al que el ejercicio de escribir le resulta una válvula de escape a sus propias inquietudes: "He intentado siempre que la vida y la literatura en mí no se entremezclen, aunque inevitablemente tengan que ver". Como podremos ver en los poemas que añadimos al final de esta pequeña semblanza hay una veta personal de gran calado que habla a flor de piel del propio autor.

Acabo de leer su obra "Manual del lector y del escritor modernos" (Editorial Renacimiento -1999), un libro que aborda con fino humor todo lo concerniente al mundo del libro y en el que abundan las frases e ideas luminosas, aderezadas con una visión muy particular del universo literario que sin duda conoce a la perfección, resultando un verdadero deleite su atenta lectura. Como el mismo dice: "leer es una fiesta, con sus riesgos, o no es nada". En cualquier momento pondremos algunos fragmentos realmente interesantes.

Para terminar os dejo unas líneas que aparecen en la contraportada de "Las tardes": "Si es cierto que las cosas que le ocurren a un hombre les ocurren a todos los hombres, no es menos cierto que son muy pocos los hombres que alcanzan a comunicarnos con belleza esas cosas. Francisco Bejarano es uno de ellos".


ARIA DE BRAVURA
Yo no quise la turbia
soledad de los versos,
sino la vida clara
sin reflejarla en ellos.
Conocer las desdichas
por los libros ajenos
en la plaza y el retiro
de mis días benévolos.
No pude. Aparecía
un pájaro siniestro
y yo le hacía frente
con las armas que tengo.

(Del libro "Las tardes" 1988)


ME DICEN QUE NO ESCRIBO VERSOS. CREEN…
Me dicen que no escribo versos. Creen
que abandonado por la Poesía
en las noches estériles persigo
un fantasma que es una sombra mía.

¿Quién se atreve al dolor de hablar con alguien
si es uno mismo, tras la luna fría
de un espejo pulido al que se asoma
la imagen fiel de la melancolía?

Toda la soledad de la existencia
con los versos entró en mi casa un día.
Siempre que pude le cerré las puertas
a una visita que me malhería.

(Del libro "El regreso" 2002)

VIDA RETIRADA
Nada tengo para vosotros, nada.
¿Estos versos, quizá? No son ya míos
y no se puede dar lo que no es propio.
Qué son los versos sino la manera
de engañarnos a solas, de decirnos
que fuimos inmortales como dioses
en un reino guardado en la memoria.
No quise escribir versos porque oigo
en cada uno el nombre de una lágrima,
el nombre de una pérdida, el sonido
de una voz que deseo, como un eco
que juega con nosotros y responde
desde lejos, desde el lugar contrario
donde estuve seguro de encontrarla.
Pero una tarde me dejaron solo
con el dolor oscuro de una herida
que no podía restañar. No estaba
visible en parte alguna de mi carne,
pero sé dónde están las cicatrices:
en estos versos sin deseo escritos
en suaves palabras que no curan.

(Del libro "El regreso" 2002)


DECÍA MI PADRE
Este niño, tan triste, que se pasa los días
en silencio mirando el mar al sol poniente.
¿qué piensa, solitario, mientras van sus hermanos
-risas entre los pámpanos- a sus juegos y burlas?

Este niños si ahora la soledad conoce
y tiene esa mirada para los que lo quieren,
¿qué hará cuando esté solo, de verdad, y sin nadie
a quien pidan auxilio sus infantiles ojos?

Este niño que ha visto la vida tan temprano
-mi dolor y mi gloria-, que se aísla en los atlas
y hace listas inútiles de ciudades remotas
o árboles genealógicos de dioses y de reyes;

¿cuál será su destino, mujer, si piensa ajeno
el mundo nuestro y mira como a seres extraños
a los que somos suyos, y causa pesadumbre,
y pretende encontrar su origen en los libros?

(Del libro "El regreso" 2002)


UN JUEGO PELIGROSO
Para curarme de melancolía
escribí versos: no sirvió de nada.
Quien sufre de nostalgia se acomoda
a convivir con ella y no la vence
aunque mienta inventándome la vida.

Perdí la juventud por desdeñoso,
Despilfarré mi paz para ser sabio
Y malgasté mi ingenio en lides vanas.
Mas nada conseguí, sólo el espejo
Que guarda y que sostiene mi demonio.

Me lo acerca cruel de madrugada.
Me despierta de un sueño en el que un niño
ríe en su eternidad despreocupado.
"Mira, pues me llamaste, hasta qué extremos
de soledades te llevó tu orgullo"

(Del libro "El regreso" 2002)

CIUDAD
CUANDO un hombre maduro, con las primeras lluvias,
recorre esta ciudad que en otro tiempo viera
pasar su juventud, y reconoce en ella
-perfumada y astuta- sus eternos encantos,
puede reconciliarse con su visión hermosa.
Pero cuando comprende las sombras que en alma
le dejó su belleza, por las húmedas calles
que abrillantan la pálida luz de las farolas
-y sin dejar de amarla porque ya no es posible-,
advertido y cansado retorna a su retiro

(Del libro "Las tardes" 1988)


Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomendamos sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts

miércoles, 26 de junio de 2013

Agatha Christie: La reina del crimen




Sobran las presentaciones. Quizás mencionar que escribió 79 novelas, que su obra se ha traducido a casi todos los idiomas y que ha vendido más de cuatro mil millones de novelas. Hércules Poirot y Miss Marple fueron sus personajes más populares. También escribió relatos y teatro (suya es “La ratonera”).

Fragmento de “Diez Negritos”

Confortablemente instalado en la esquina de un departamento de primera clase, el juez Wargrave, jubilado hacía poco, echaba bocanadas de humo de su cigarro, recorriendo además con mirada sagaz las noticias políticas del Times. De pronto puso el diario sobre el asiento y echó un vistazo por la ventanilla. En este momento el tren pasaba por el condado de Somerset. El juez consulto su reloj: todavía le quedaban dos horas de viaje.

Fragmento de “El asesinato de Roger Ackroyd”

Mrs. Ferrars murió la noche del 16 al 17 de septiembre, un jueves. Me enviaron a buscar a las ocho de la mañana del viernes 17. Mi presencia no sirvió de nada. Hacía horas que había muerto. Regresé a mi casa unos minutos después de las nueve. Entré y me entretuve adrede en el vestíbulo, colgando mi sombrero y el abrigo ligero que me había puesto como precaución por el fresco de las primeras horas de un día otoñal.
En honor la verdad, diré que estaba muy inquieto y preocupado. No voy a pretender que preví entonces los acontecimientos de las semanas siguientes, pero mi instinto me avisaba de la proximidad de tiempos llenos de sobresaltos y sinsabores.

Fragmento de “Asesinato en el Orient Express"

”Eran las cinco de una madrugada de invierno en Siria. Junto al andén de Alepo estaba detenido el tren que las guías de ferrocarriles designan con el nombre de Taurus Express. Estaba formado por un coche con cocina comedor, un coche cama y dos coches corrientes.
Junto al estribo del coche cama se encontraba un joven teniente francés, de resplandeciente uniforme, conversando con un hombrecillo embozado hasta las orejas, del que sólo podían verse la punta de la nariz y las dos guías de un enhiesto bigote.

Fragmento de “El cuarto hombre”

El canónigo Parfitt jadeaba. El correr para alcanzar el tren no era cosa que conviniera a un hombre de sus años. Su figura ya no era lo que fue y con la pérdida de su esbelta silueta había ido adquiriendo una tendencia a quedarse sin aliento, que el propio canónigo solía explicar con dignidad diciendo "¡Es el corazón!"

Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomendamos sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts

martes, 25 de junio de 2013

Dos cartas de Pablo Neruda a Matilde Urrutia



(Carta de madera olorosa)

"Señora mía muy amada, gran padecimiento tuve al escribirte estos mal llamados sonetos y harto me dolieron y costaron, pero la alegría de ofrecértelos es mayor que una pradera. Al proponérmelo bien sabía que al costado de cada uno, por afición electiva y elegancia, los poetas de todo tiempo dispusieron rimas que sonaron como platería, cristal o cañonazo. Yo, con mucha humildad hice estos sonetos de madera, les di el sonido de esta opaca y pura substancia y así deben llegar a tus oídos. Tu y yo caminando por bosques y arenales, por lagos perdidos, por cenicientas latitudes, recogimos fragmentos de palo puro, de maderos sometidos al vaivén del agua y la intemperie. De tales suavizadísimos vestigios construí con hacha, cuchillo, cortaplumas, estas madererías de amor y edifiqué pequeñas casas de catorce tablas para que en ellas vivan tus ojos que adoro y canto. Así establecidas mis razones de amor te entrego esta centuria: sonetos de madera que sólo se levantaron porque tú les diste la vida."

"Hoy es el sábado 28 y he amanecido sin tus pies. Fue así. Me desperté y toqué al fin de la cama una cosa durita que resultó ser la almohada, pero después de muchas ilusiones mías. El hijo de nuestra tía se portó indiferente, me esperaba un auto (del impresor) y marché raudo. Tu hijo será gordo y maravilloso, tendrá 180 páginas. Y tendrá dibujitos en la frente y trasero. Bueno, parece que mi tía no quiere que vuelva a Italia y debes preparar tu viaje, pero con calma, como cuando comemos. Hasta ahora es así. No sé si en el día se cambiarán las cosas. Esta mañana me llevaron a un sitio con una tina blanca, no comprendí al principio, pero me metí, con miedo de disolverme. Había una gran toalla, qué pérdida de trapo, en S. Angelo se hubiera cortado en 12 y hubiera servido hasta junio 1953. Cuando me levanté y abrí a la camarera vi que me faltaba una parte de pyjama que según me dicen se llama pantalón. Es así: [dibujo de un pantalón.] Patoja mía estoy contento, soy como un soldado con su retaguardia segura. No me importa el fuego. No sé si estoy aun con mar o agua de Patoja, todo mi cuerpo está saturado de tí. Eres parte de mí, como la pirinola de su cane, sólo que tengo pirinolas tuyas hasta en el alma. Recién me llaman, esta tarde te escribiré de nuevo, acumularé todo el día besos para todo tu cuerpo que es interminable para mí, aunque la vida me la pasaré besándolo no lo terminaré de besar. Desperté a las 6 ½ y a las 8 estaba vestido, son las 9 salgo a los tickets. Hay algo más importante que tu y que yo, somos tu y yo. Juntos somos lo que la pobre gente no alcanza jamás, el cielo en la tierra. Te aprieto a mi corazón, amor mío, con cuerpo, alma y amor. Tuyo Tu capitán."




Sidney Lumet



"Si cuento con dos estrellas de cine en la película que estoy haciendo, siempre sé que en realidad cuento con tres. La tercera es la cámara."

                                SIDNEY LUMET  (25 de junio de 1924 - 9 de abril de 2011)










 
Sidney Lumet  fue un director, productor y guionista estadounidense. Recordado por sus películas 12 Angry Men (1957), Larga jornada hacia la noche (1962), Serpico (1973), Asesinato en el Orient Express (1974), Tarde de perros (1975) y Network (1976), entre otras.

Nacido en Filadelfia, sus padres fueron el actor judío de origen polaco Baruch Lumet y la bailarina Eugenia Wermus. Se graduó en el Professional Children's School y fue actor antes que director. Hizo su debut en el Yiddish Art Theater de Nueva York a la edad de cuatro años y actuó en teatros judíos de Broadway durante la década de 1930 hasta que debutó en el cine con la película One Third of a Nation (1939). En 1947 empezó a dirigir sus propias obras de teatro en el off-Broadway y dirigió a actores como Yul Brynner, Eli Wallach y otros miembros del Actor's Studio. Lumet hizo su debut detrás de la cámara al principio de la década de 1950 como director de televisión en la CBS. En ella destacan los 150 episodios de la serie "Danger" (1950) y los 26 de "You Are There" (1953).

El comienzo en el cine de Lumet fue prometedor, con el éxito comercial y de crítica de 12 Angry Men (1957). Por esta película, ganó el Oso de Oro en el Festival de Berlín y su primera nominación al premio Óscar en la categoría de mejor película, mejor director y mejor guion adaptado.

Sus siguientes realizaciones Stage Struck (1958) y Esa clase de mujer (1959) no estuvieron a la altura de su debut, como tampoco lo estuvo la dirección que hizo de Marlon Brando en Piel de serpiente (1959).

A pesar de esos fracasos, el comienzo de la década de 1960 fue una de las épocas más fructíferas de Lumet. Comenzó con la sólida adaptación del clásico de Arthur Miller Panorama desde el puente (1961), a la que siguió una de sus obras maestras del periodo, Larga jornada hacia la noche (1962), protagonizada por Katharine Hepburn, Ralph Richardson, Dean Stockwell y Jason Robards.

Después de este gran éxito, llegó un título menor Punto límite (1964), drama sobre la Guerra fría. Pero se recuperó con El prestamista (1964), que trata de un superviviente del Holocausto que vive en Nueva York, y que relata sus experiencias en los campos de concentración. El papel protagonista fue interpretado por Rod Steiger, por el que fue una nominado a premio Oscar. El director siguió investigando los horrores de la guerra en su posterior proyecto La colina (1965), con Sean Connery, con el que empezaría una fructífera relación profesional.

Lumet dio un giro en sus películas al siguiente año, dirigiendo el drama El grupo (1966) y posteriormente el thriller de espionaje Llamada para el muerto (1966), con James Mason, Maximilian Schell y Simone Signoret).

La década de 1960 no terminó tan bien para Lumet como empezó. La comedia Bye Bye Braverman (1968) y la adaptación de la obra de Antón Chéjov, La gaviota (1968) fueron grandes fracasos. Tampoco tuvieron mucho mejor aceptación de público y crítica Cita, Una (1969) y Last of the Mobile Hot Shots (1970). La única buena crítica que recibió Lumet por aquellos años fue el documental que realizó juntamente con Joseph L. Mankiewicz, King: A Filmed Record... Montgomery to Memphis (1970) sobre Martin Luther King, que fue nominada a un premio Oscar.

En 1971 filmó Supergolpe en Manhattan, con Sean Connery. Esta película consiguió un aceptable éxito de taquilla, cosa que no sucedió con Perversión en las aulas (1972), ni con La ofensa (1972).

Después de los anteriores fracasos, Lumet se quiso apuntar al cine denuncia que empezaba a triunfar en Hollywood. Su primer título no pudo ser más acertado, el thriller policial Serpico (1973), que relata la corrupción de la Policía de Nueva York. El filme fue protagonizado por Al Pacino y fue también el comienzo de una de las épocas más brillantes de su carrera cinematográfica. La película recibió críticas excelentes y fue un éxito de taquilla. Al Pacino ganó el premio Globo de Oro por su actuación, y la película recibió además 2 nominaciones al premio Oscar.

Después de Lovin' Molly (1974) se dedicó a la adaptación a la pantalla, del clásico de Agatha Christie Asesinato en el Orient Express (1974), que reunió a grandes actores como Albert Finney, Lauren Bacall, Sean Connery e Ingrid Bergman). La película ganó 6 nominaciones al premio Oscar, e Ingrid Bergman ganó su tercera estatuilla.

Después de esto, dirigió a Al Pacino en Tarde de perros (1975), una película sobre un robo en Nueva York, que también recibió 6 nominaciones al premio Oscar, a la mejor película, mejor director y mejor actor actor y un premio a Frank Pierson, al mejor guion original.

Su siguiente título Network (1976), fue una sátira sobre el mundo de la televisión. La película ganó 4 premios Óscar: al mejor actor (Peter Finch), a la mejor actriz (Faye Dunaway), al mejor guion original (Paddy Chayefsky), y a la mejor actriz secundaria (Beatrice Straight).

Después de estos éxitos, se lanzó a proyectos más ambiciosos que no tuvieron tanto éxito, exceptuando a Equus (1977), una adaptación a la pantalla de la polémica obra de teatro de Peter Shaffer, por la cual Richard Burton, y Peter Firth fueron nominados al premio Oscar. La película no fue tan bien acogida como sus anteriores títulos. Su película El mago (1978) fue un fracaso de crítica y de taquilla. Tampoco tuvo éxito Dime lo que quieres (1980) sobre una performance de Alan King.

Lumet volvió a remontar el vuelo con El príncipe de la ciudad (1981), y Veredicto final (1982), con Paul Newman, James Mason, Jack Warden y Charlotte Rampling.

Los siguientes títulos del director fueron el polémico drama Daniel (1983) con Timothy Hutton sobre la historia de dos jóvenes ejecutados por espionaje durante la época de la caza de brujas de Hollywood. A ella, siguieron la comedia Buscando a Greta (1984), Power (1986) y A la mañana siguiente (1986).

Al final de la década de 1980 y comienzo de la de 1990, su actividad se fue poco a poco espaciando. En 1988, realizó Un lugar en ninguna parte (1988). La historia retrata a una familia que tiene que huir del FBI porque los padres (Christine Lahti y Judd Hirsch) cometen un atentado a un laboratorio de napalm en 1971 en protesta por la Guerra del Vietnam.

Otras películas fueron Negocios de familia (1989), con Sean Connery, Dustin Hoffman y Matthew Broderick, y Distrito 34: corrupción total (1990) con Nick Nolte, Timothy Hutton y Armand Assante entre otros. En la década de 1990 realizó Una extraña entre nosotros (1992), El abogado del diablo (1993), y el remake de la película de John Cassavetes Gloria (1999).

En 2005 recibió el premio Oscar honorífico por su trayectoria.

Sus películas más recientes fueron Find Me Guilty (2006), que se basa en la historia real de Giacomo "Jackie Dee" DiNorscio, y Before the Devil Knows You're Dead (2007), cuya trama gira en torno a dos hermanos que organizan el robo de la joyería de sus propios padres.

(Fuente: Wikipedia)







NETWORK
es una película estadounidense de 1976, dirigida por Sidney Lumet. Protagonizada por Faye Dunaway, William Holden, Peter Finch, Robert Duvall y un largo reparto.

Galardonada con cuatro Premios Óscar: al mejor actor principal (Peter Finch), con carácter póstumo; a la mejor actriz principal (Faye Dunaway), a la mejor actriz de reparto (Beatrice Straight), y al mejor guion original (Paddy Chayefsky).















Before the Devil Knows You're Dead (ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO) es una película del año 2007 escrita por Kelly Masterson, dirigida por Sidney Lumet y protagonizada por Philip Seymour Hoffman, Ethan Hawke, Albert Finney y Marisa Tomei. El título proviene del dicho irlandés "Puedes estar en el cielo una media hora completa antes de que el diablo sepa que estás muerto". La trama de la película se desarrolla de manera no lineal, yendo y volviendo en el tiempo repetidamente. Algunas escenas son mostradas desde varios puntos de vista.

lunes, 24 de junio de 2013

Claude Chabrol


"La tontería es infinitamente más fascinante que la inteligencia. La inteligencia tiene sus limites, la tontería no". CLAUDE CHABROL

                                         (24 de junio de 1930 - 12 de septiembre de 2010)










MAESTRO DE LA NOUVELLE VAGUE

Claude Chabrol fue una de las figuras clave de la Nouvelle Vague, y posteriormente ha seguido siendo todos estos años uno de los más prestigiosos creadores del cine francés. El autor de El bello Sergio falleció el 12 de septiembre de 2010, a los 80 años de edad en la capital francesa. Hasta el último momento había estado muy activo, con películas brillantes.

Claude Chabrol nació el 24 de junio de 1930 en la farmacia que regentaba su padre en París. A los seis años acude por primera vez al cine, y desde entonces se convierte en asiduo de la sala que pertenecía a su tío. Apasionado de la literatura desde pequeño -lo que se notará después en las múltiples referencias literarias de sus películas-, pasó la II Guerra Mundial en el pueblo donde vivía su abuela. Allí llega a fundar un cine en un garage.

Claude Chabrol se casó con una mujer de buena posición social, Agnés Marie-Madeleine Goute, con la que tuvo dos hijos, Jean-Yves y Matthieu, que con el tiempo se convertiría en el compositor de la música de sus películas. La fortuna de su esposa le permite vivir holgadamente, y sin necesidades económicas, decide dedicarse a escribir sobre cine. Empieza a publicar en la mítica revista "Cahiers Du Cinema", por vez primera con la crítica de Cantando bajo la lluvia. Con otro de los grandes colaboradores de la publicación, Eric Rohmer, publica "Hitchcock devant le mal", un libro que fue definitivo para reivindicar el valor del cine del maestro del suspense.

Tras fundar su propia productora AJYM Films, Chabrol debuta en el cine con El bello Sergio, una de las cintas clave de la Nouvelle Vague. En su segundo trabajo, Los primos, donde ya había un "Charles" víctima y un "Paul" verdugo. Estos personajes se repetirán en sus películas, y desde El tercer amante, de 1961, también solía haber una Hélène, siempre encarnada por Stéphane Audran, en la que se mezclan la bondad de Charles y la maldad de Paul. Aún en películas donde no se llaman igual, el esquema se mantiene.

Aunque sus películas suelen ser bastante similares, lo cierto es que Chabrol fue un director prolífico, que rodaba a ritmo de al menos una película al año, cuando no rodaba dos. Algunos de sus títulos tuvieron una gran repercusión como El tigre se perfuma con dinamita, El carnicero, Un asunto de mujeres, Madame Bovary, La ceremonia, etc. Casi siempre suele criticar a las familias de clase alta del ámbito provincial.

Tuvo también una intensa actividad como director teatral, escribió alguna novela y era conocido por su gusto por la buena mesa. De hecho, prohibía los sandwiches en los rodajes y solía ofrecer memorables banquetes. Con la citada Stéphane Audran mantiene un idilio que provoca que su esposa, Agnés, pida el divorcio.

Cuando parecía que Chabrol entraba en una etapa de decadencia dirigió la excelente No va más, de 1997, Concha de Oro en San Sebastián y premio al mejor director. Desde entonces entró en una nueva juventud, dirigiendo películas de gran interés, como En el corazón de la mentira, Gracias por el chocolate, La flor del mal (2003), o Borrachera de poder, su última obra redonda. Sus últimos trabajos fueron el largometraje policiaco Bellamy y dos episodios de la serie Au Siêcle de Maupassant. (Fuente:Juan Luis Sánchez) 
 
 
 
 

LAS CIERVAS
(titulada originalmente en francés, Les biches) es una película francesa de 1968, dirigida por Claude Chabrol y escrita por él mismo junto a Paul Gégauff. Protagonizada por Jean-Louis Trintignant, Jacqueline Sassard y Stéphane Audran, esta última ganó el Oso de Plata a la mejor interpretación femenina en la 18ª edición del Festival Internacional de Cine de Berlín.
Su trama se centra en la relación entre una mujer adinerada, Frédérique (Stéphane Audran), y una artista callejera, Why (Jacqueline Sassard), que se ve alterada cuando el arquitecto Paul Thomas (Jean-Louis Trintignant) intenta conquistar a la segunda.



Johann Heinrich Füssli (o Fuseli).- La pesadilla (o El Íncubo)

Versión de 1802

“Llamo clásico a lo que es sano y romántico a lo que es enfermizo”. (Goethe)

Johann Heinrich Füssli fue un  pintor suizo establecido en Gran Bretaña,  de estilo manierista y  a caballo entre el neoclasicismo y el romanticismo, aunque la realidad es que es un autor de muy difícil clasificación.  En sus imágenes confluyen corrientes que provienen de las tradiciones clasicista y manierista con otras que son específicas de la pintura inglesa y nórdica, reflejando una concepción de lo sublime que se manifiesta en el arte y la literatura inglesas del siglo XVIII. En su estancia en Italia alcanzó su estilo definitivo, basado en el manierismo, con rasgos clasicistas, pero más dramáticos que los de sus contemporáneos. Su apasionamiento, emocionalismo y subjetividad —lo que llamamos «romanticismo»— llevó su estilo hacia lo irracional. La obra de Füssli tiene un marcado carácter teatral, no sólo por los temas, sino por su sentido plástico de las imágenes, en cuya representación huye de la perspectiva renacentista. Las formas de sus figuras se apartan de las reglas de las lecciones de anatomía y dan lugar a nuevas criaturas fantásticas y sensuales.
Temáticamente, pese a su establecimiento en Inglaterra, Füssli representa un sentido del romanticismo plenamente alemán: su mundo nocturno y terrorífico es paralelo al del «romanticismo oscuro» de Novalis, Hölderlin, Jean Paul y Hoffmann. Todo ello sitúa a Füssli como una figura fundamental para la transición entre el neoclasicismo y el romanticismo, y como uno de los artistas pioneros en la exploración de lo irracional, hecho por el que algunos historiadores del arte lo comparan con Goya. Aunque poco después de su muerte su obra cayó en un relativo olvido, su figura fue reivindicada por los expresionistas y surrealistas, que lo consideraron un predecesor.

 El artista realizó varias versiones sobre esta obra que nos ocupa, La Pesadilla, siendo la más famosa la de 1781, perteneciente al Institute of Arts de Detroit; otra, de 1790-91, se encuentra en el Goethes Elternhaus de Fráncfort del Meno.

Para crearla, se inspiró  en el Sueño de Hécuba de Giulio Romano —o bien en el Sueño de Rafael, de Marcantonio Raimondi—. En él vemos una mujer dormida poseída por un íncubo, demonio que se presenta en sueños de tipo erótico, apareciendo en segundo plano la cabeza de un caballo de aire fantasmal que contempla la escena. La fisonomía de la mujer pintada corresponde a Anna Landoldt, sobrina de su amigo Johann Caspar Lavater, por la que el pintor sentía una gran pasión. Cabe remarcar que en el reverso del cuadro figura una composición titulada Retrato de una mujer joven, posiblemente Anna. Según algunos autores “La pesadilla” tendría su origen en la no correspondida pasión del artista por dicha  joven suiza. Se trata de una figura hermosa pero fría, tocada con un elaborado peinado y con un extraño detalle: la mano izquierda inacabada recuerda más a una garra que a una extremidad humana: ¿rencor, desesperación, deseo? La figura femenina está entregada a un profundo sueño, al que ha ido abandonando su cuerpo en una clara postura de recepción sexual. Aparece como oprimida, poseída por el extraño ser, identificado con un íncubo, que está sentado sobre su pecho. Al fondo surge de entre los cortinajes la cabeza de un caballo cuyas enormes órbitas dilatadas reflejan su estado de excitación. Si el diablo está relacionado con el instinto, el deseo y la perversión, el caballo es, asimismo, un símbolo sexual masculino, asociado frecuentemente con el demonio, las pesadillas y el sexo.

Versión 1790

La obra de Füssli presenta un aspecto contradictorio: mientras la superficie del cuadro, la técnica, nos hablan de mesura y contención, las tintas frías y dramáticas y el mundo de sus personajes nos sumergen en un mundo fascinante y horrible, fiel expresión de la poética, tan británica, de lo sublime. Su atmósfera de ensueño, su alusión al mundo de íncubos y demonios de la tradición inglesa, el aire de un erotismo de pesadilla, convierten esta obra en un antecedente del surrealismo –como en las visiones nocturnas de Paul Delvaux–.
 Füssli recrea en esta obra un mundo nocturno y teatral, con fuertes contrastes lumínicos, que inspirará toda la imaginería satánica del siglo XIX. Su título en alemán, Nachtmahr, era el nombre del caballo de Mefistófeles.
En conclusión, este cuadro es una síntesis del mundo fantástico, erótico, perverso y, en fin, “sublime”, de Fuseli, aunando sus temas preferidos: satanismo, horror, miedo, soledad, erotismo

domingo, 23 de junio de 2013

El Ángelus de Millet (y la interpretación "paranoica-crítica" de Dalí)



Esta pintura de Millet muestra una pareja de campesinos que, al parecer, está rezando a la hora del Ángelus. La luz crepuscular baña toda la composición y proporciona cierta atmósfera de misterio a la pintura. Es indiscutible que los protagonistas son el hombre y la mujer que han detenido su actividad en el campo y se han puesto a orar.


La escena, desde luego, no es demasiado habitual y quizá por ello Salvador Dalí creyó que la pintura poseía un significado oculto que él creyó desvelar gracias a la invención y desarrollo del llamado "método paranoico-crítico". Curiosamente una reproducción del cuadro de Millet colgaba en el pasillo de la escuela de Figueres a la que Dalí asistió de niño. Siendo joven aquella magnífica obra de arte se convirtió en el objeto fundamental del desarrollo de su método  apareciendo a lo largo de su producción artística en la década de 1930 e incluso siendo adulto, en los años ‘60. Cuentan que cuando el pintor catalán veía ‘El Ángelus’ se sentía invadido por una sensación extraña al punto de obsesionarse con el cuadro. Afirmaba ver más cosas en la composición. Luego, por conversaciones que mantuvo con un amigo de Millet, supo que el artista francés tapó el ataúd de un niño porque había caído en la cuenta que no sería del gusto de las nuevas modas parisinas.

La obsesión por esta obra se manifestó en 1932, cuando la imagen lo sorprendió según sus propias palabras “sin ningún recuerdo próximo ni asociación consciente que permitan una explicación inmediata”
Dalí relacionaba esa ‘aparición’ con el hecho que el cuadro hubiera sido salvajemente atacado y acuchillado por un demente el 12 de agosto de 1932. El agresor, que fue entrevistado por el psiquiatra Jacques Lacan, había dudado entre dañar la ‘Mona Lisa’, de Leonardo da Vinci; el ‘Embarque para Citerea’, de Antoine Watteau o la pintura de Millet.

El pintor catalán dijo entonces que “Esa imagen constituye una representación visual muy nítida y en colores. Es casi instantánea y no da lugar a otras imágenes. Yo siento una gran impresión, un gran trastorno porque, aunque en mi visión de la mencionada imagen todo “corresponde” con exactitud a las reproducciones que conozco del cuadro, ésta se me “aparece” absolutamente modificada y cargada de tal intencionalidad latente que ‘El Ángelus’ de Millet se convierte “de súbito” para mí en la obra pictórica más turbadora, la más enigmática, la más densa, la más rica en pensamientos inconscientes que jamás ha existido”.
Dalí consideraba que el lienzo de Millet era el equivalente pictórico del famoso símil de Lautréamont: la tierra arada corresponde a la mesa de operaciones, la horquilla clavada en tierra, al bisturí, y el hombre y la mujer al paraguas y a la máquina de coser (ambos símbolos surrealistas). Esto le permitía exclamar: “‘El Ángelus’ de Millet, hermoso, como el encuentro fortuito, en una mesa de disección, de una máquina de coser y un paraguas”.

s opinión de algunos estudiosos del psicoanálisis que ‘El Ángelus’ de Millet para Dalí está relacionado con el mito de los padres que devoran a sus propios hijos: Saturno, Abraham, Javeh (al entregar a Jesucristo) y Guillermo Tell. Algunos de estos mitos los había utilizado para referirse a la difícil relación con su padre y con su hermano muerto. Según esta disquisición, Dalí efectuó una lectura a través de un proceso de interpretación paranoico-crítica provocada por fantasías, visiones y numerosos encuentros (apariciones) de la imagen de Millet en la cultura popular.

Para el artista plástico catalán, el cuadro de Millet oculta un significado que se relaciona con la castración y la muerte. Utilizando teorías freudianas, Dalí interpreta la menor dimensión de la figura masculina de la obra como una prueba de la agresión femenina. Compara la figura de la campesina con la hembra de la mantis religiosa (insecto conocido también como «santateresa»), que devora al macho después de la cópula. La carretilla es interpretada como una imagen de sumisión sexual, y el cesto que está en el suelo entre los dos campesinos que rezan, como una alusión al sarcófago del hijo muerto.
Este método fue acogido con gran entusiasmo  por parte de los miembros del grupo surrealista en París y especialmente por su ideólogo, André Breton. El significado de la obra, según Dalí, se relaciona con el contenido sexual de la misma.
Ante la insistencia del pintor surrealista, el Museo del Louvre (que es donde se encontraba por entonces la obra, antes de ser trasladada al Museo D'Orsay, su actual residencia) decidió hacer una radiografía del cuadro y pudo comprobarse que debajo de la cesta había una mancha cuadrangular negra, que pudo haber correspondido a un pequeño ataúd con el cuerpo sin vida del hijo de los campesinos. Dalí lo consideró una prueba de su teoría. Para su interpretación se basó en el ensayo Da Vinci y ‘Un recuerdo infantil de Leonardo Da Vinci’ de Sigmund Freud. Es decir, sin detenerse en los detalles biográficos de Millet, exploró sólo su carácter simbólico.

El cuadro, según Dalí, explicaba también su propia sexualidad. Como parte del proceso de interpretación de esa obra, narró un sueño en el curso del cual visitaba con Gala el Museo de Historia Natural de Madrid. En el centro de la Sala de Entomología vio una gran escultura que, según él, representaba las dos figuras del cuadro de Millet. A la salida, Dalí sodomizó a Gala “de una manera rápida y en extremo salvaje, rabiosa. Los dos nos deslizábamos en un baño de sudor, al término asfixiante de aquel crepúsculo de verano ardiente en el que ensordecía el canto frenético de los insectos”.  También aclaró que, cuando era adolescente, sentía un gran terror hacia el acto amoroso y que fue la aparición de las figuras del Ángelus de Millet en el sueño las que hicieron despertar en él y en Gala sus instintos: “siempre había pensado que el destino del macho de la mantis ilustraba mi propio caso frente al amor”.

Otro detalle significativo es que en algunos trabajos de Salvador Dalí se observa una aguja que se yergue de la figura femenina y que podría ser la aguja de una máquina de coser. La figura masculina, en cambio, se la imagina Dalí sumergida en leche tibia y es, según manifestó “la imagen del hombre engullido, ahogado, muerto en el elemento materno, dentro de la tibieza materna, y esa tibieza corresponde al aspecto deseable que nos revela el erotismo originario y temido”. Dalí se identifica así con la figura masculina de El ángelus, expuesta a la aniquilación, a ser devorada por la madre.
Otro detalle de la particular interpretación de Dalí sería  la carretilla que está detrás de la mujer y que aparece cargada de sacos; según el pintor aludiría al movimiento de tracción inherente al acto sexual....


Una de las versiones  dalinianas del cuadro de Millet.

La Carretera del túnel Guoliang (China)


La localidad de Guoliang, situada en un profundo valle rodeado de montañas, estaba prácticamente aislada hasta que, en 1972, diversos campesinos locales decidieron  excavar un túnel que permitiera la llegada del tráfico rodado al pueblo. Con la venta del ganado y productos agrícolas, los pobladores consiguieron comprar las herramientas necesarias para llevar a cabo los trabajos, que fueron iniciados por un grupo de trece jóvenes. A pesar de la precariedad de medios, la falta de experiencia y la peligrosidad de las obras - saldadas con varios accidentes mortales- la excavación del túnel culminó en 1977, con la apertura de la carretera al tráfico. Sus dimensiones son suficientes para hacer posible el paso de coches e, incluso, de pequeños camiones. Tiene tres metros de anchura, cinco de altura y 1200 de longitud. El túnel resultaría invisible desde el exterior si no fuera por las treinta ventanas irregulares que se abren sobre el desfiladero.


José Val del Omar.- Fuego en Castilla (Cortometraje, 1960)



"En España, todas las primaveras, viene la muerte y levanta las cortinas" (Federíco García Lorca)

El cortometraje "Fuego en Castilla", de 1960 es la segunda parte del llamado "Tríptico elemental de España", dirigido por José Val del Omar y compuesto por Aguaespejo granadino (al que ya le dedicamos un artículo en esta página), Acariño galaico y el presente . Se trata de un trabajo experimental, todo un ejercicio artístico  que entronca con el mejor surrealismo español. La película trata de ser un una mirada simbólica de la "Semana Santa" castellana, haciendo desfilar a toda una serie de símbolos, con los que se construye un retrato moribundo de la España de los sesenta, así como  impactantes  imágenes de esculturas  de Juan de Juni y Alonso de Berruguete



La trilogía de Val de Omar representa una mirada única al atraso de la España postfranquista.
Como documental de una época, la obra resulta interesante, pudiendo utilizarse como material de archivo. Es oscura, sinestra, terrorífica, a la vez que nos muestra una España dominada por la religión católica y los jerarcas de la Iglesia, que utilizaban las procesiones y la simbología religiosa para someter al pueblo.


Muchas de las escenas de Fuego en Castilla  no tienen nada  que envidiar a trabajos de Ingmar Bergman (ese cielo de "La palabra") o del David Lynch de  "Cabeza borradora".

(Tomado libremente  de "Arqueocinema")

El cortometraje:


Sonrisas y lágrimas (The sound of music; Robert Wise, 1965) .- Anécdotas y curiosidades



En la pasada ceremonia de los Óscar, cuando Christopher Plummer salió a entregar un premio, sonó de fondo la banda sonora de "The Sound of Music". Inmediatamente, el actor dejó constar su desagrado. Seguramente, el motivo de la broma es  la más que conocida opinión de Plummer sobre la película y su experiencia al rodarla. De hecho, se refirió al filme durante mucho tiempo como "The Sound of the Mocus" (literalmente, el sonido de los mocos), en lugar de "The Sound of Music". Es de sobra conocido que a Plummer durante el rodaje le sacaba de quicio Andrews, tanto que definió la filmación  con ella como "ser golpeado en la cabeza con una tarjeta de San Valentín gigante día tras día" . Fuera una simple broma o no el caso es que se han mantenido como amigos hasta hoy.  Según algunas fuentes era la popularidad que Julie Andrews tenía entre el equipo lo que irritaba tanto a Christopher Plummer. Sin embargo,  volvería a formar pareja con Julie Andrews en el telefilme "En el estanque dorado".





- La dirección de la pelicula se le ofreció a los mejores directores de la época: William Wyler, Robert Wise e incluso Gene Kelly. Todos la rechazaron y sólo Wyler se tomó en serio la posibilidad de dirigirla, siempre que Audrey Hepburn fuera la protagonista. La idea que tenía era enfatizar el drama de la invasión nazi, con tanques y demás, una visión muy distinta de la que hoy conocemos. Al final, postergó este proyecto y prefirió dirigir antes "El coleccionista". Entonces, el guión, que ya había sufrido grandes cambios, volvió a las manos de R. Wise (el director de West Side Story),  que aceptó ser el director de esta película.  En un principio  Wise había alegado  que no le interesaba el proyecto. Sin embargo,  la presión de  Zanuck, el  volver a trabajar  con sus colaboradores de "West Side Story" -Saul Chaplin, Ernest Lehman y Boris Leven- y el hecho de que su  anterior  proyecto tuviera que posponerse porque su protagonista ,Steve McQueen, había enfermado, le impulsaron a  aceptar. A pesar de todo, el director renegó de "la sacarina de la obra, la cual era imposible de eliminar al completo".

- Plummer cantó, pero no debió hacerlo muy bien, porque decidieron doblarle.



-Debbie Turner, la niña que interpretaba a Marta von Trapp de 7 años, perdió todos sus dientes en plena filmación; un dentista tuvo que implantarle una dentadura postiza en una sola noche.

-Para interpretar los papeles del Capitán Von Trapp y la Baronesa, Wise quizo a Christopher Plummer en lugar de Dean Martin, y a Eleanor Parker, cuya estrella se había apagado años antes, por encima de Doris Day o Debbie Reynolds.

-Se llegó a contratar a Julie Andrews, porque en esos momentos el público empezaba a acudir a los primeros pases de Mary Poppins y el nombre de la actriz empezaba a sonar entre la profesión; aunque su escasa fama, sumada al hecho de que en 1962 satirizó la historia de los Trapp en televisión junto a Carol Burnett, hacían que tuviera difícil conseguir el papel. Finalmente y pese a la oposición de la Baronesa y de Rodgers, Julie Andrews fue María Trapp gracias a la insistencia de Wise, y todo ello por la suma de 225.000 dólares.



-La película fue rodada en localizaciones de Baviera (Alemania Occidental) y en los estudios de las 20th Century Fox, en California (EEUU), pero fundamentalmente en Salzburgo (Austria).
Allí podemos seguir los pasos de María  y su nueva familia, de una punta a otra de la ciudad: la abadía benedictina de Nonnberg, construida en el año 714, por san Ruperto de Salzburgo, es el más antiguo de los países germanos. Como anécdota decir que la madre abadesa se negó a permitir que rodaran la película entre sus muros, por lo que sólo se pudo rodar el exterior, cuando los niños van a preguntar por María y tocan la campana; y se supone que es allí donde las hermanas cantan “María”, mientras la muchacha no aparece.

. Otra curiosidad es que precisamente rodando esa escena Julie Andrews tropezó y el director de la pelicula decidió dejar el espontáneo traspiés, para darle más fuerza al carácter de Maria.

Carta de Federíco García Lorca a Salvador Dalí




Barcelona , 31 de julio de 1927 .
Cafè de la Rambla .

Mi querido salvador : Cuando arrancò el automòvil , la oca empezò a graznar y a decirme cosas del Duomo de milàn . Yo estuve a punto de tirarme del coche para quedarme contigo ( contiguito ) en Cadaquès , pero me detenìa el expresivo reloj pulsera de Pepe y la nariz de pepe que echaba en la mañana al baño de marìa de Parìs un canalito de sangre clara duro en su cara lastimosa . Al despedirme de los Qucurucuchs en el recodo de la carretera , te he visto pequeño comièndote una manecita roja con aceite y utilizando un pequeño tenedor de yeso que te sacabas de los ojos . Todo con una ternura de pollo recièn salido del cascaròn y tiu tiu y de pirriti mano . ! Ay ¡
Ahora sudo y sufro un calor insportable . Cadaquès tiene la alegrìa y la permanencia de belleza neutra del sitio donde ha nacido venus , pero ya no se recuerda .
Va hacia la belleza pura . Desaparecieron las viñas y se exaltan dìa por dìa las aristas que son como las alas y las olas que son como las aristas . Un dìa la luna , mojada con elasticidad de pez mojado y la torre de la iglesia oscilarà de goma blanda sobre las casas , duras o lastimosas de cal o de pan mascado . yo me entusiasmo pensando en los descubrimientos que vas a hacer de cadaquès y recuerdo al Salvador Dalì neòfito lamiendo la càscara del crepùsculo sin entrar dentro todavìa , la càscara rosa palidìsima de cangrejo puesto boca arriba . Hoy ya estàs dentro . desde aquì siento ( ! ay ¡ hijo mìo què pena ) el chorrito suave de la bella sangrante del bosque de aparatos y oigo crepitar dos bestiecitas como el sonido de los cacahuetes cuando se parten con los dedos . la mujer seccionada es el poema màs bello que se puede hacer de la sangre y tiene màs sangre que toda la que se derramò en la Guerra Europea , que era sangre caliente y no tenìa otro fin que el de regar la tierra y aplacar un sed simbòlica de erotismo y fe . Tu sangre pictòrica y en general toda la concepciòn plàstica de tu estètica fisiològica tiene un aire concreto y tan proporcionado , tan lògico y tan verdadero de pura poesìa que adquiere la categorìa de lo que no es necesario para vivir
Se puede decir :" iba cansado y me sentè a la sombra y frescura de aquella sangre "
o decir : Bajè el monte y corrì toda la playa hasta encontrar la cabeza melancòlica donde se agrupaban los sabrosos bestecitos crepitantes tan ùtiles para la buena digestiòn ".
Ahora sè lo que pierdo separandome de tì . La impresiòn que me da Barcelona es la impresiòn de que todo el mundo juega y suda con una preocupaciòn de olvido . Todo es confuso y embistiente còmo la estètica de la llama , todo indeciso y desquiciado . Allì en Cadaquès la gente se siente no en el solo suelo todas las sinuosidades y poros de las plantas de los pies : Ahora veo como en Cadaquès me sentìa los hombros : Es una delicia para mi recordar las curvas resbaladizas de mis hombros donde por primera vez he sentido en ellos la circulaciòn de la sangre en cuatro tubitos esponjosos que temblaban con movimiento de nadador herido .
Quisiera llorar pero con el llanto sin conciencia de Lluìs Salleras o con el canto estupendo de cuando tu padre tararea la sardana " una lagrima " .
Me he portado como un burro indecente contigo que eres lo mejor que hay para mì.
A medida que pasan los minutos lo veo claro y tengo verdadero sentimiento . Pero esto sòlo aumenta mi cariño por ti y mi adhesiòn por tu pensamiento y calidad humana .
Esta noche ceno con todos los amigos de Barcelona y brindarè por ti y por mi estancia en Cadaquès pues las plazas del exprèss estaban tomadas .
Saluda a tu padre , a tu hermana Ana Marìa a quien tanto quiero y a Raimunda .
Acuèrdate de mì cuando estès en la playa y sobre todo cuando pintes las crepitantes y unicas cenicitas , ! ay mis cenicitas ¡ pon mi nombre en el cuadro para que mi nombre sirva para algo en el mundo y dame un abrazo que bien lo necesita tu federico .
! Hace un calor espantoso !
! pobrecito !
Que hagas el artìculo de mi exposiciòn
y que me ecribas hijito .

sábado, 22 de junio de 2013

Margaret Sullavan: La chica de las sorpresas



La actriz estadounidense Margaret Sullavan (1909-1960) daba en pantalla la apariencia de chica perfecta, modosita y educada, que cualquier padre hubiese deseado para su hijo. Fue compañera de James Stewart en más de una comedia entre las que recuerdo con especial cariño "El bazar de las sorpresas". Tras la cámara parece que tenía un genio considerable y puso contra las cuerdas a más de un director y mandamás de la Universal.
 
En cierta ocasión se dirigió a ella el todopoderoso presidente de la Columbia Pictures Harry Cohn y en un encuentro privado la abordó sin miramientos diciéndole:

"Willie Wyler (el famoso director) me dice que eres muy buena en la cama"

La Sullavan no se despeinó y le contestó: "Eso no te lo ha dicho Willie. Es demasiado caballero para hablar de esas cosas contigo". Decía estas palabras mientras se encaminaba a la salida y al llegar a la puerta, se detuvo por un momento y apostilló: "Pero lo soy".

Margaret Sullavan sufriría pronto una severa sordera que la alejo del mundo del cine, refugiándose temporalmente en el teatro, que en realidad era su verdadera vocación. Desgraciadamente falleció con tan solo 48 años por una sobredosis de barbitúricos, desconociéndose si fue de forma accidental o provocada por la propia actriz.
 
Margaret Sullavan con James Stewart en una imagen promocional de "El bazar de las sorpresas"

 

El templo Sri Ranganathaswamy (India)



El templo Sri Ranganathaswamy está situado en la isla de Srirangam y, aunque como reclamo turístico no es muy conocido, lo cierto es que es uno de los templos en funcionamiento más grandes de la India y un lugar donde muchos creyentes van a rezar sus oraciones.


Tres kilómetros de construcción distribuidos en 21 pirámides es de lo que se compone este majestuoso templo. El templo Sri Ranganathaswamy se caracteriza por su espléndida belleza a pesar de ser una de las maravillas de la India menos conocidas en su interior, cuenta con numerosas salas de las cuales la principal, se encuentra en la misma entrada del templo y está compuesta por más de mil columnas.


La historia que envuelve al templo Sri Rangathaswamy está dedicada a la deidad Vishnu y puede presumir de ser el primer templo que se dedica a la misma. En el interior de la construcción y en los alrededores podremos ver a numerosos seguidores y creyentes de esta deidad que acuden rigurosamente a rezar sus plegarias.


Meryl Streep



"Cuando dijeron mi nombre tuve la sensación de oír a la mitad de los Estados Unidos diciendo "Oh no, ¿otra vez ella?", En fin,¡qué más da!"

                           

(MERYL STREEP mientras aceptaba el Oscar a Mejor Actriz.)









Meryl Streep(n. Summit, Nueva Jersey, 22 de junio de 1949),de nombre auténtico Mary Louise Streep,es la hija mayor de Harry, ejecutivo farmacéutico, y de Mary Streep, artista. Tiene dos hermanos menores llamados Harry y Dana.

Desde niña Meryl se sintió atraída por el mundo de la actuación, apareciendo en producciones teatrales organizadas en el instituto.

Se instruyó en interpretación en el Vassar College y posteriormente amplió estudios en el Darmouth College y en la Yale School of Drama, graduándose a mediados de la década de los 70.

Trabajó durante varios años en el teatro, siendo nominada al premio Tony por su interpretación en "27 wagons full of cotton".

Tras un par de telefilms, Meryl logró debutar en el cine en 1977 con la película "Julia" (1977), un drama de Fred Zinnemann que estaba protagonizado por Vanessa Redgrave y Jane Fonda.
El éxito como actriz de Meryl avanzó con paso firme durante la parte final de los años 70, al intervenir en títulos como "El cazador" (1978), film por el que fue nominada como mejor actriz secundaria, o "Manhattan" (1979), la conocido película de Woody Allen.

En 1978 la actriz de New Jersey contrajo matrimonio con el escultor Donald Gummer, con quien todavía permanece casada. Con anterioridad mantuvo una relación de dos años con el actor John Cazale. El mismo año de su boda con Gummer lograría la popularidad internacional al protagonizar la famosa serie televisiva sobre el horror nazi "Holocausto", en la que también aparecían James Woods, Michael Moriarty o Joseph Bottoms. Meryl consiguió el premio Emmy por su trabajo en esta teleserie.

Su primer gran triunfo cinematográfico se produjo con "Kramer contra Kramer" (1979), drama matrimonial de Robert Benton que co-protagonizó Dustin Hoffman.
Meryl ganó el Oscar a la mejor actriz secundaria por su interpretación, un premio que volvería a obtener, ahora en la categoría de mejor actriz principal, por "La decisión de Sophie" (1982), una película dirigida por Alan J. Pakula.

   

Los años 80 fue la época más significativa como actriz de Meryl Streep, con memorables interpretaciones además de en las películas citadas en los dramas románticos "La mujer del teniente francés" (1981) y "Memorias de África" (1985), o en la comedia dramática "Se acabó el pastel" (1986).

   

Los años 90 también le depararon éxitos con "Postales desde el filo" (1990) de Mike Nichols (el director con el que más ha trabajado), "La muerte os sienta tan bien" (1992) de Robert Zemeckis o "Los puentes de Madison" (1995), película dirigida y co-protagonizada por Clint Eastwood.

Además de los dos premios Oscar citados anteriormente, Meryl Streep ha sido nominada en diez ocasiones más. Como actriz secundaria por "El cazador" (1978), y como principal por "La mujer del teniente francés" (1981), "Silkwood" (1983), "Memorias de Africa" (1985), "Tallo de hierro" (1987), "Un grito en la oscuridad" (1988), "Postales desde el filo" (1990), "Los puentes de Madison" (1995), "Cosas que importan" (1998) y "Música del corazón" (1999).

Otros títulos de su filmografía son "El Mensajero Del Miedo" (2004), "Secretos Compartidos" (2005), "El Diablo Viste De Prada" (2006) o "Leones Por Corderos" (2007), película dirigida por Robert Redford.

En "Expediente Anwar" (2007) interpreta a Corrie Whitman, un alto cargo de la CIA.

En "Mamma Mia! La película" (2008), musical con canciones de ABBA, era Donna Sheridan, la madre de Amanda Seyfried.

En "La Duda" (2008) interpretaba a la hermana Aloysius Beauvier, estricta dirigente de un colegio religioso.

En "Julie y Julia" (2009), película co-protagonizada por Amy Adams y Stanley Tucci, era Julia Child, una mujer estadounidense que aprende a cocinar en Francia.
Por su actuación en esta película ganó un Globo de Oro y fue candidata al premio Oscar como mejor actriz principal.

En la comedia "No Es Tan Fácil" (2010) interpretaba a Jane, propietaria de un restaurante que termina siendo la amante de su ex marido (interpretado por Alec Baldwin) casado con una mujer mucho más joven.

En "La Dama De Hierro" (2011) encarnó a Margareth Thatcher. Por su interpretación ganó un nuevo Oscar y logró un Globo de Oro como mejor actriz dramática.

En "Si De Verdad Quieres" (2012) hacía pareja con Tommy Lee Jones.


(Fuente: alohacriticon.com)





LA DECISION DE SOPHIE
es una película británica-estadounidense de 1982, dirigida por Alan J. Pakula y protagonizada por Meryl Streep, quien tuvo que aprender tanto idioma alemán como polaco, Kevin Kline, quien realizaba su debut cinematográfico, y Peter MacNicol en los papeles principales.

Fue galardonada con premios cinematográficos estadounidenses e internacionales.







LOS PUENTES DE MADISON
(título original en inglés: The Bridges of Madison County) es una película estadounidense de 1995 dirigida por Clint Eastwood e interpretada por el propio Eastwood junto a Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezak y Jim Haynie, entre otros. El guion, escrito por Richard LaGravenese, es una adaptación de la novela homónima de Robert James Waller y explora la relación entre Francesca, ama de casa, y Robert Kincaid, fotógrafo.

Meryl Streep fue candidata al Óscar a la mejor actriz en la 68ª entrega de los premios, si bien fue Susan Sarandon quien obtuvo el galardón.








LA DAMA DE HIERRO
(2012) es una película dirigida por Phyllida Lloyd y protagonizada por Meryl Streep. Está basada en la historia de la política británica Margaret Thatcher. La protagonista y actriz principal Meryl Streep se ha llevado el Premio Globo de Oro 2012 por su interpretación de Margaret Thatcher en la categoría de Mejor Actriz - Drama. Meryl Streep también compitió por el Óscar en la LXXXIV gala de los Oscar 2012, ganando por tercera vez este premio gracias a su destacada actuación.