Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 31 de mayo de 2013

Confucio por él mismo (Citas):




"En un país bien gobernado, la pobreza es algo que avergüenza. En un país mal gobernado, la riqueza es algo que avergüenza. "

"Me lo contaron y lo olvidé; lo vi y lo entendí; lo hice y lo aprendí."

"No contestes a una palabra airada replicando con otra de igual tenor. Es la segunda, la tuya, la que seguramente os llevará a la riña."

"Que se nos haga un agravio no significa nada, a menos que insistamos en recordarlo."

"Lo que quiere el sabio, lo busca en sí mismo; el vulgo, lo busca en los demás."

"Es mejor encender una vela que maldecir la oscuridad."

"Donde hay educación no hay distinción de clases."

"Cometer un error y no corregirlo es otro error."

"No hagas a otros aquello que no te gustaría que te hicieran a ti, ni te hagas a ti lo que no le harías a los demás."

"Cuando el objetivo te parezca difícil, no cambies de objetivo; busca un nuevo camino para llegar a él."

"La sabiduría se preocupa en ser lenta en sus discursos y diligente en sus acciones."

"Saber que se sabe lo que se sabe y que no se sabe lo que no se sabe; he aquí el verdadero saber."

"Esperar lo inesperado. Aceptar lo inaceptable."

"Hay tres caminos que llevan a la sabiduría: La imitación, el más sencillo; la reflexión, el más noble; y la experiencia, el más amargo."

"El lenguaje artificioso y la conducta aduladora rara vez acompañan a la virtud."

"Exígete mucho a ti mismo y espera poco de los demás. Así te ahorrarás disgustos."

"No te quejes de la nieve en el techo del vecino, cuando también cubre el umbral de tu casa."

"El que por la mañana ha conseguido conocer la verdad, ya puede morir al anochecer."

"Algún dinero evita preocupaciones; mucho, las atrae."

"El hombre superior es modesto en el hablar, pero abundante en el obrar."

"Nunca des una espada a alguien que no es capaz de sonreir y bailar."

"Los vicios vienen como pasajeros, nos visitan como huéspedes y se quedan como amos."

"La ignorancia es la noche de la mente, pero una noche sin luna y sin estrellas."

"El que domina su cólera domina a su peor enemigo."

"Entristécete no porque los hombres no te conozcan, sino porque tú no conoces a los hombres."

"Un caballero se avergüenza de que sus palabras sean mejores que sus actos."

"Nunca hagas apuestas. Si sabes que has de ganar al otro, eres un tramposo...Y si no lo sabes, eres un tonto."

"El buen líder sabe lo que es verdad; el mal líder sabe lo que se vende mejor."

"Debes tener siempre fría la cabeza, caliente el corazón y larga la mano."

"No pretendas apagar con fuego un incendio, ni remediar con agua una inundación."

"Si un pájaro te dice que estás loco, debes estarlo, los pajaros no hablan."

"Por muy lejos que el espíritu vaya, nunca irá más lejos que el corazón."

"Aquel que sabe cuánto basta, siempre tiene bastante."

"La venganza eterniza los odios."

"Los cambios pueden tener lugar despacio. Lo importante es que tengan lugar."

"El que nada se perdona a sí mismo, merece que se lo perdonemos todo."

"Cuando estamos frente a personas dignas, debemos intentar imitarlas. Cuando estamos frente a personas indignas, debemos mirarnos a nosotros mismos y corregir nuestros errores."
 
Confucio (K'ung-fu-tzu, literalmente «Maestro Kong») (551 a.C. - 479 a. C.) fue un reconocido pensador chino cuya doctrina recibe el nombre de confucianismo. Procedente de una familia noble arruinada, a lo largo de su vida alternó periodos en los que ejerció como maestro con otros en los que sirvió como funcionario del pequeño estado de Lu, en el nordeste de China, durante la época de fragmentación del poder bajo la dinastía Chu.
 
La esencia de sus enseñanzas se condensa en la buena conducta en la vida, el buen gobierno del Estado (caridad, justicia, y respeto a la jerarquía), el cuidado de la tradición, el estudio y la meditación. Las máximas virtudes son: la tolerancia, la bondad, la benevolencia, el amor al prójimo y el respeto a los mayores y antepasados. Si el príncipe es virtuoso, los súbditos imitarán su ejemplo: gobernante/súbdito, marido/mujer y padre/hijo. Una sociedad próspera sólo se conseguirá si se mantienen estas relaciones en plena armonía. La base de la doctrina confuciana es recuperar a los antiguos sabios de la cultura china e influir en las costumbres del pueblo.
 
El fotograma de arriba pertenece a la película "Confucio" (Hu Mei -2010). Una película en la que la figura de Confucio, al que da vida el actor Chow Yun-Fat, se ve rodeada de elementos que resultan inesperados, demasiada acción, batallas, intrigas, aun asi no deja de ser interesante como aproximación a este grandioso pensador.

"Venus de Urbino" - Tiziano Vecellio



La "Venus de Urbino" es una célebre pintura al óleo realizada en 1538 por el sensacional pintor veneciano Tiziano Vecellio (aprox 1477-1576), un artista de tal calibre que sus contemporáneos lo reconocían como "El sol entre las estrellas" gracias a su soberbio uso del color, vívido y luminoso, a su pincelada suelta y a la delicadeza con la que contrastaba los colores. En 1631 este cuadro se encontraba en la colección de los Médicis y desde 1736 se encuentra en la famosa Galleria degli Uffizi de Florencia. La obra también es conocida como "Venus del perrito" y tiene unas dimensiones de 119 cm x 165 cm.

La pintura, fue encargada por Guidobaldo II della Rovere, entonces hijo del duque de Urbino y representa a una joven desnuda semitendida sobre un lujoso lecho en el interior de un palacete veneciano. En el fondo se observa una gran ventana por donde entran leves reflejos de la laguna y se observa el cielo tras un árbol; al lado de la ventana se encuentran dos criadas casi enigmáticamente de espaldas acomodando ropas en un cassone o arcón de bodas; el arcón parece evocar el mito de la caja de Pandora. A los pies de la joven desnuda duerme un perrito; la presencia del perro es signo de que la representada no es una diosa, sino una mujer real, aunque no se sabe exactamente quién es. Desde 1963, se mantiene la hipótesis de que podría ser un retrato de la duquesa Eleonora Gonzaga. Algo más: el perro, típica alegoría de la fidelidad, aquí aparece, sugerentemente, dormido.

Aunque esta pintura se encuentra directamente inspirada por la "Venus dormida" del Giorgione, es evidente que se aleja del idealismo característico del Renacimiento italiano. La mayor diferencia con las Venus típicas es que la joven aparece obviamente consciente y orgullosa de su belleza y su desnudez; no existe ningún elemento que provoque la sensación de un distanciamiento "divino": ella mira de un modo dulce, cómplice y decidido al que la observa, mientras su mano izquierda se apoya sobre el pubis, que se ubica en el centro de la composición. Las flores en la mano derecha resaltan el aura de erotismo ya reforzada por la luz casi dorada que ilumina al cuerpo. El color claro y cálido del cuerpo produce una impresión de sensual indolencia, realzada en el contraste con el oscuro del fondo y el colchón; en efecto, el color oscuro del lienzo de la pared provoca una cesura en la mirada que entonces se centra en el cuerpo de la mujer. La fuga de la perspectiva se dirige hacia la derecha y está acentuada por las criadas figuradas totalmente vestidas y con tonos fríos que aportan una cuota de realismo, la presencia de la columna y el árbol en el punto de fuga, y los sucesivos planos iluminados y sombreados que se resaltan en las baldosas. Todo esto hace destacar a la joven desnuda que se encuentra dispuesta en una elegante línea oblicua.

Aunque la obra mantiene elementos del Giorgione, Tiziano innova al exponer claramente la voluptuosidad merced al tratamiento resuelto del desnudo y a la gran pureza formal del conjunto.

Esta obra de Tiziano fue motivo principal de inspiración para la Olympia de Édouard Manet.

Clint Eastwood




"Mi antiguo profesor de drama solía decir: 'No te limites a hacer algo, quédate ahí. Gary Cooper no tenía miedo de no hacer nada.' " CLINT EASTWOOD






Clinton Eastwood Jr. (San Francisco, California, Estados Unidos, 31 de mayo de 1930) es un actor, director de cine, productor cinematográfico, guionista, músico y compositor estadounidense.

Ha sido galardonado con cuatro premios Óscar, un Premio en memoria de Irving Thalberg, cinco premios Globo de Oro, un premio Screen Actors Guild Award y cinco premios People's Choice Awards, además de otros premios internacionales. Su dilatada carrera cinematográfica se extiende de 1955 a la actualidad.

Sus padres fueron Clinton Eastwood Sr. y Margaret Ruth (Runner) Eastwood. Nació en San Francisco pero se crio en Oakland, después de ir de una ciudad a otra con su padre en busca de trabajo durante la Gran Depresión. Sus padres no podían permitirse pagarle estudios superiores, por lo que, tras acabar los estudios primarios, tuvo que empezar a trabajar en diversas labores como leñador, albañil, pianista, bombero forestal, limpiapiscinas, obrero del metal y muchas otras más que desempeñó para ganarse la vida.

Cumplió el servicio militar como instructor de natación en Fort Ord. Esto le permitió ahorrar unos dólares con los que pudo pagarse unas clases de arte dramático en Los Angeles College.

Cabe destacar que fue fuertemente influenciado por dos amigos que conoció en el campamento militar: David Janssen, que luego fue famoso por su papel como actor en la serie El fugitivo, y Martin Milner, que realizó otra serie titulada La vida de Ritley. Gracias a ellos logró un contrato con la Universal de 76 dólares semanales, garantizadas cuarenta semanas al año de trabajo en sus estudios. En esa época los grandes estudios tenían una política llamada del Star-system, con la que se encargaban de formar y pulir a las futuras estrellas.

En 1953, a los 23 años, se casó con Maggie Johnson, que sería la madre de sus hijos Kyle y Alison, y un año después debutó en una película llamada Revenge of the creature con el director Jack Arnold, repitiendo con él en la película Tarántula. El mismo año (1955) trabajó en películas como Francis in the navy o Lady Godiva.

Pasó seis años trabajando en televisión, en una serie llamada Rawhide. Esto hizo que su innegable apostura y buen parecido se hiciera muy popular en los medios.

Pero su gran salto a la fama fue en 1964, cuando Richard Harrison y James Coburn rechazaron el papel protagonista de Magnificent Stranger, de Sergio Leone, rodada en Almería. La película acabó titulándose Por un puñado de dólares. Anecdóticamente, Eastwood tuvo que aportar su propio vestuario, comprando el sarape que sería famoso en las siguientes películas de Sergio Leone.

Con los spaghetti westerns Por un puñado de dólares, La muerte tenía un precio (en Hispanoamérica Por unos dólares más) y El bueno, el feo y el malo, Clint Eastwood se embolsó la cifra de 270.000 dólares. Eastwood estampa en estos films su clásica figura de duro y sin piedad.

En 1968 creó su propia productora, The Malpaso Company (más tarde Malpaso Productions), con la que ha realizado todas sus películas desde entonces. Ese año el tándem Siegel-Eastwood filmó su primera película (Don Siegel como director), La jungla humana (1968) que aunque no recibió malas críticas no está a la altura de Dirty Harry o Escape from Alcatraz.

En su país, trabajó en esta primera época con actores de la talla de Richard Burton, Lee Marvin, Shirley MacLaine, Telly Savalas y Donald Sutherland, consagrándose como una estrella de acción del celuloide. Su imagen se hizo popular en extremo, de tal modo que muchos imitaban su forma de ser y solicitaban su autógrafo en todo lugar al que fuere.

En 1971 decide dirigir su primera película, Play Misty for Me, por la cual no recibió honorarios ya que los estudios Universal no querían arriesgar en un director novel y para él era suficiente con tener la oportunidad de estar detrás de las cámaras para conocer y perfeccionar la técnica.

Ese mismo año, Don Siegel le ofrece el papel que marcará su carrera interpretativa, Harry el sucio, en el que retorna al hombre duro y sin piedad de las anteriores películas, pero convertido en agente de la ley. Más tarde vendría Harry el fuerte, una secuela de la serie. Estas actuaciones consagraron a Eastwood definitivamente como estrella de cine y lo enmarcaron como duro. Destaca otro trabajo del tándem Siegel-Eastwood, Fuga de Alcatraz (1979), basada en hechos reales que obtuvo un gran éxito de taquilla.


En un principio se pensó que la interpretara John Wayne, pero no se atrevió, al pensar que podría ser negativo para su imagen por su polémica "violencia gratuita".

Reavivando la pobre llama del western, realiza dos películas, Joe Kidd e Infierno de cobardes, su segunda película como director.

Por temor a ser encasillado tras protagonizar sus siguientes películas, Harry el fuerte y Harry el ejecutor, elige interpretar las películas Kelly's Heroes, Licencia para matar y El fuera de la ley.[cita requerida]

La inquietud profesional y el miedo al encasillamiento le llevaron a arriesgar en otro tipo de proyectos cinematográficos como son Duro de pelar (1978), La gran pelea (1980), Bronco Billy (1980) y El aventurero de medianoche (1982).

En 1986 entra en la vida política como alcalde por el Partido Republicano, de Carmel, la ciudad donde reside habitualmente, y un año después abandona el cargo por falta de tiempo para realizar sus películas, pero ya como director y actor.

Su vida sentimental sufre un brusco cambio al conocer a la actriz Sondra Locke, mientras rueda Ruta suicida, de la que terminaría enamorándose y provocando la ruptura con su esposa Maggie Johnson, después de 25 años de matrimonio.

La relación sentimental entre Sondra y Clint terminaría en 1989, debido a su romance con la también actriz Frances Fisher (Sin perdón o Titanic), con la que tendría una hija. Siete años después terminaría casándose con la periodista latina Dina Ruiz.

Experimentando como director y evolucionando hacia una etapa más creativa, realiza varias películas seguidas, interpretadas por él mismo. Destacan Firefox, Impacto súbito, El jinete pálido y finalmente El sargento de hierro.

Por su pulido y exitoso trabajo, en 1991 recibe el Premio Irving G. Thalberg a su trayectoria en la gala de entrega de los Premios Óscar.

A partir de ese momento dirige una serie de películas que le convertirán en uno de los directores más destacados de los años 90. Tras Bird y Cazador blanco, corazón negro, dirige la que algunos consideran su mejor película, Sin perdón (llamada también en Hispanoamérica Los imperdonables), que a la larga se convierte en clásico de los western, y fue galardonada con un Globo de Oro al mejor director y cuatro Óscar, entre ellos el de mejor película y mejor director, siendo también candidato a mejor actor.

El mismo año en el que dirigió Bird participó como productor ejecutivo en Straight no chaser (Charlotte Zwerin,1988). Se trata de un documental de su productora, Malpaso, centrada en la figura del pianista de jazz Thelonious Monk.

Merece destacar el reconocimiento que el jazz supo dar a su persona en el concierto homenaje de 1997 grabado en cd y dvd Eastwood After Hours: Live at Carnegie Hall.

En Un mundo perfecto se dirigió a sí mismo y compartió cartel con uno de los intérpretes de moda en ese momento, Kevin Costner, tras lo cual filmó Los puentes de Madison, donde su calidad interpretativa se reafirma compartiendo cartel con Meryl Streep.

Dirige a su propia hija en Medianoche en el jardín del bien y del mal (1997), y en el año 2000, junto a los renombrados actores Tommy Lee Jones, Donald Sutherland y James Garner, protagoniza y dirige Space Cowboys, segunda película más taquillera de los Estados Unidos ese año.

En 2002 dirige y protagoniza Deuda de sangre, un thriller que no consigue un gran éxito de público y crítica. Basada en una investigación de corte policial, presenta detalles de guion que se mantienen en Mystic River, con la que se resarce por completo de esta producción un tanto fallida.

Mystic River, película que dirige en 2003, significa la vuelta de Eastwood al drama. Con esta película consigue seis candidaturas a los premios Óscar, entre ellas mejor película y mejor director, ganando dos premios (al mejor actor y al mejor actor de reparto).


En 2004 dirige y protagoniza junto a Morgan Freeman y Hilary Swank Million Dollar Baby, una excelente película de corte dramático que reedita el éxito cosechado con Sin perdón, y que le hace ganar su segundo premio Óscar como mejor director, además de conseguir el premio a la mejor película.

En 2006 regresa a su faceta como director y dirige dos películas tituladas Banderas de nuestros padres (basada en la novela escrita por uno de los hijos supervivientes de la batalla) y Cartas desde Iwo Jima. Ambas películas cuentan las experiencias de la Batalla de Iwo Jima desde los puntos de vista estadounidense y japonés respectivamente.


Cartas desde Iwo Jima ganó el Globo de Oro 2007 en la categoría de mejor película de habla no inglesa. Eastwood fue doblemente nominado al premio de mejor director, pero no le fue concedido.

En 2008 dirigió Gran Torino, película con la que consiguió una mayor recaudación en taquilla ejerciendo de director (270 millones de dólares), seguida en 2009 de Invictus. El 21 de enero de 2011 se estrenó Más allá de la vida y J.Edgar se estrenó en noviembre de 2011 en USA y en enero de 2012 en España.

En 2012 protagoniza la película titulada Trouble with the Curve, en la que da vida a un ojeador de béisbol. El director es Robert Lorenz, su habitual asistente de dirección.


Además de sus facetas como actor, director y realizador, le ha apasionado desde temprana edad la música Jazz y posee varias empresas deportivas y hosteleras, entre ellas un complejo turístico de lujo en la localidad de Monterey Country. Tiene fama de ser un hombre deportista; de hecho siempre ha fomentado una imagen referente, en la que el deporte forma parte de su vida y, pese a su edad, mantiene un buen estado físico. Además de esto, desde hace muchos años es piloto civil certificado por la FAA y le gusta volar por diversión en un helicóptero de su propiedad.

Simpatizante del Partido Republicano desde su juventud, se ha ido distanciando del juego político y actualmente se define como un libertario.3 Sin embargo en 2012 participó como orador en la convención del Partido Republicano mostrando públicamente su apoyo al candidato Mitt Romney y criticando con firmeza las políticas llevadas a cabo por el Presidente Barack Obama. (Fuente: Wikipedia)




Il buono, il brutto, il cattivo (conocida como El bueno, el malo y el feo o EL BUENO,EL FEO Y EL MALO) es una película del género spaghetti western estrenada en 1966. Fue dirigida por Sergio Leone y protagonizada por Clint Eastwood, Lee Van Cleef y Eli Wallach. El guion fue escrito por Age & Scarpelli, Luciano Vincenzoni y Leone. La fotografía estuvo a cargo de Tonino Delli Colli, y la banda sonora fue compuesta por Ennio Morricone.






HARRY,EL SUCIO
(Dirty Harry) es una película estadounidense de 1971 dirigida por Don Siegel e interpretada por Clint Eastwood, Andrew Robinson, Reni Santoni, John Vernon y Harry Guardino en los papeles principales.
Tuvo cuatro secuelas Harry el fuerte (1973), Harry, el ejecutor (1976), Impacto súbito (1983), y The Dead Pool (1988).





Unforgiven (conocida como Los imperdonables en Hispanoamérica y SIN PERDON en España) es una película estadounidense del género western dirigida por Clint Eastwood en 1992. La cinta ganó 4 premios Óscar, entre ellos los de mejor película y mejor director.







LOS PUENTES DE MADISON 
(título original en inglés: The Bridges of Madison County) es una película estadounidense de 1995 dirigida por Clint Eastwood e interpretada por el propio Eastwood junto a Meryl Streep, Annie Corley, Victor Slezak y Jim Haynie, entre otros. El guion, escrito por Richard LaGravenese, es una adaptación de la novela homónima de Robert James Waller y explora la relación entre Francesca, ama de casa, y Robert Kincaid, fotógrafo.








GRAN TORINO
(2008) es una película dirigida, producida y protagonizada por Clint Eastwood. Con un elenco principalmente hmong, la película cuenta con la participación de dos hijos Eastwood: Kyle en la banda sonora y Scott con un pequeño papel.

jueves, 30 de mayo de 2013

Paul Auster: Fragmentos de sus obras

Paul Auster por Richard Avedon (Nueva York - 1995)

El azar y la casualidad constituyen el núcleo de sus novelas, sin embargo su éxito no es fortuito. Empezó a escribir a los doce años y estudió literatura inglesa, italiana y francesa cosechando su primer éxito profesional con las traducciones de Sartre y Mallarmé. Su creación es amplia y variada: poesía, teatro, guiones de cine, artículos y novelas (17 publicadas) reconocidas con multitud de premios. En 2006 recibió el Premio Príncipe de Asturias de las Letras.

FRAGMENTOS:

-Brooklyn Follies

 “Estaba buscando un sitio tranquilo para morir. Alguien me recomendó Brooklyn, de manera que al día siguiente salí de Westchester y fui para allá a reconocer el terreno. No había vuelto en cincuenta y seis años, y no me acordaba de nada. Mis padres se habían ido de la ciudad cuando yo tenía tres años, pero el instinto me llevó al barrio donde habíamos vivido, arrastrándome como un perro herido al lugar donde nací. (…) Un fin silencioso para mi triste y ridícula vida.”

-Leviatán

 “Nuestras escenas de amor eran mudas e intensas, un desvanecimiento a las profundidades de la inmovilidad. Fanny era toda languidez y sumisión, y yo me enamoré de la suavidad de su piel, de la forma en que cerraba los ojos siempre que yo me acercaba a ella silenciosamente por detrás y la besaba en la nuca. Durante las dos primeras semanas no deseé nada más. Tocarla era suficiente, y yo vivía para el ronroneo casi inaudible que salía de su garganta, para sentir que su espalda se arqueaba lentamente contra las palmas de mis manos.”

-La habitación cerrada (Trilogía de Nueva York)

 "Vagabundeé mentalmente durante varias semanas, buscando la manera de empezar. Toda vida es inexplicable me repetía. Por muchos hechos que cuenten; por muchos datos que se muestren, lo esencial se resiste a ser contado. Decir que fulanito nació aquí y fue allá; que hizo esto y aquello, que se casó con esta mujer y tuvo estos hijos, que vivió, que murió, que dejó tras sí estos libros o esta batalla o ese puente, nada de eso nos dice mucho."

-Sunset Park

 “No nos hacemos más fuertes con el paso de los años. La acumulación de penas y sufrimientos va mermando nuestra capacidad de soportar el dolor, y como el padecimiento y la tristeza son inevitables, incluso un pequeño revés en la edad tardía puede repercutir con la misma fuerza de una gran tragedia cuando éramos jóvenes.”
 
 
Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomendamos sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts

Aristóteles y su lucha por no dormirse

 
 

No hay duda de que la pasión que sienten algunas personas por la lectura y aprender cosas nuevas es irrefrenable. Contaba Diógenes Laercio que la dedicación y entrega al estudio de Aristóteles llegaba a tales cotas que cuando tras un día de intensa labor se marchaba a la cama con el propósito de seguir leyendo, lo hacía con una bola de bronce en la mano que sostenía sobre una palangana del mismo metal. Cuando le preguntaron la razón de aquella costumbre suya explicó:

"Cuando el sueño me puede, cae la bola sobre el barreño, el estruendo me vuelve a despertar y puedo seguir leyendo"

 No sé si les servirá el truco a todos los que en estos días andan de exámenes, pero ahí queda.

El busto es una copia romana en mármol a partir de un bronce original griego del 330 a.C. posiblemente de Lisipo. El manto de alabastro le fue puesto posteriormente. Forma parte de la Colección Ludovisi y se expone en el Palazzo Altemps - Museo Nazionale Romano (Roma)

Arrastrando una barca a tierra, Honfleur. Claude Monet





"Arrastrando una barca a tierra, Honfleur" (Hauling a boat ashore, Honfleur) es una sensacional pintura de un joven Claude Monet que data de 1864, solo tenía 24 años y todavía estaba perfilando su estilo pictórico, que años después desembocaría en el impresionismo y del que sin duda ya existen evidentes señas en esta obra. En ella se puede ver un colorido atardecer en la ciudad normanda de Honfleur. Monet, en compañía de Bazille, se había desplazado ese año a la zona del Canal de la Mancha, uniéndoseles después Boudin y Jongkind con el exclusivo fin de pintar paisajes de la zona. El cuadro, pintado al oleo tiene unas dimensiones de 55'2 x 82'1 cm. y se exhibe en la ciudad de Rochester, estado de Nueva York (EEUU).


Benny Goodman



"Benny Goodman es nuestro embajador internacional con clarinete".
 
                              ( John F. Kennedy, a la vuelta de Goodman de su gira rusa)

 

                          BENNY GOODMAN (30 de mayo de 1909 – 13 de junio de 1986)







Benny Goodman - su nombre completo era Benjamín David Goodman - nació en Chicago el 30 de mayo de 1909 en el seno de una numerosa y humilde familia judía de origen polaco. Benny era el noveno de doce hermanos. Empieza a estudiar música en la sinagoga "Kehelah Jacob" formando parte de su orquesta juvenil. En aquella época visita Chicago algunos músicos provenientes de New Orleáns, y cuando les escucha, Benny Goodman adopta el jazz como su música para siempre. Con catorce años obtiene el carné del sindicato de músicos y es contratado en la orquestad de baile de Bill Grimm. Allí conoce al legendario cornetista, Bix Beiderbecke, que actúa en la sala de fiestas: "Midway Gardens".

     En 1925, logra entrar por fin en una gran orquesta: la del batería, Ben Pollack. Allí estaría durante cuatro años que le sirvieron para coger experiencia sobre el funcionamiento de una bigband. Hasta 1934 no logra formar su primera propia orquesta. Lo contrata el empresario Billy Rose, y a continuación la emisora de radio NBC, lo llama para dar un programa semanal emitido a todo el país titulado: "Let's Dance". Pronto se convertirá en el director de orquesta preferido por la clase media americana, loca por bailar en los años treinta. Está comenzando la "Era del swing" y Goodman, esta muy bien colocado.

     Conoce al productor y brillante cazatalentos, John Hammond y comparte con él la actitud antirracista de este personaje miembro de una de las familias mas ricas de los Estados Unidos. Comienza a integrar en su banda  a famosos solistas negros, como el maravillosos pianista, Teddy Wilson, o el vibrafonista, Lionel Hampton, con quienes compartirá su celebre cuarteto completado con el explosivo, Gene Krupa a la batería. Goodman, fue un valiente pionero en la idea de imponer a los empresarios de los clubes y locales que sus músicos tocaban con el, con independencia del color de su piel.

     La orquesta de Goodman, vive un periodo esplendoroso en el que desfilan excelentes solistas como los trompetistas: Bunny Berigan, Ziggy Elman o Harry James; los trombonistas: Vernon Brown o Red Ballard; los saxofonistas, Vido Musso, Bud Freeman o Babe Russin; o los bateristas, Gene Krupa o Dave Tough y las vocalistas: Helen Ward, Peggy Lee o Martha Tilton. En 1937 participa en Los Ángeles en la película musical: "The Big Broadcast" y su carrera va imparable hacía el acontecimiento que le proclamaría para siempre: "El rey del swing", el concierto de enero de 1938 en el Carnegie Hall.

     En 1939, Goodman se va de RCA y ficha por Columbia. Es el año en que se le marchan varios instrumentistas destacados, entre ellos, el espectacular, Gene Krupa, pero también es el año en que incorpora a su banda a un joven guitarrista de Oklahoma, llamado Charlie Christian. Un músico que no solo va a revolucionar el arte de la guitarra en el jazz, sino que es un músico fundamental para la música que venía en la década posterior. Benny Goodman, es nombrado a finales de 1939 mejor solista y y su banda y el sexteto que forman ocupan los números unos, en las votaciones de la prestigiosa revista, Down Beat. Charlie Christian, es elegido mejor guitarrista.

     Ya en 1942, logra a duras penas sobrevivir al empuje del bebop, y finalizada la "era del swing" resiste como puede. Llega la II Guerra Mundial y con ella el final de las bigbands. En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "The Benny Goodman Story", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

     Benny Goodman, murió el 13 de junio de 1986, a los setenta y siete años. Su vida hasta el último momento estuvo dedicada honestamente a la música de jazz 

(Fuente: http://www.apoloybaco.com/bennygoodmanbiografia.htm)






                              The Benny Goodman Orchestra - Sing Sing Sing (With a Swing)










En 1955, Hollywood, realiza la película de su vida, "THE BENNY GOODMAN STORY", dirigida por Valentine Davis, con Steve Allen, en el papel de Benny. Como casi siempre, la película es bastante mediocre, pero el montaje musical es sobresaliente. Aupado por esta nueva bocanada de aire fresco, sale de gira por Europa, por Oriente Medio a cuenta del Departamento de Estado, quien le proporciona la frivolidad de dar un concierto de jazz en la misma Unión Soviética y en pleno auge de la guerra fría. Fue en Moscú en 1962.

Duke Ellington visto por Eric Hobsbawm


Eric Hobsbawm (1917-2012) fue uno de los mejores historiadores, si no el que más, que ha dado el siglo XX, autor de obras tan lúcidas y clarificadoras como La era de la revolución (1962), La era del capitalismo (1975), La era del Imperio (1987), Historia del siglo XX (1994) o Años interesantes: una vida en el siglo XX (2002, autobiografía). Desde mediados de los cincuenta y durante diez años consecutivos, Hobsbawm fue columnista y comentarista de conciertos, discos y libros en la revista The New Statesman.
El ensayo sobre Duke Ellington, del que hemos extractado los párrafos que siguen, se publicó por primera vez en la New York Review of Books (19-XI-1987) como reseña del libro Duke Ellington, de James Lincoln Collier (1987). Nosotros hemos consultado el texto en la versión española que figura en el libro de Hobsbawm Gente poco corriente. Resistencia, rebelión y jazz (Barcelona, Crítica, 1999), que recomendamos muy sinceramente a quienes no lo conozcan.

“Entre las grandes figuras de la cultura del siglo XX, Edward Kennedy Ellington es una de las más misteriosas. A juzgar por lo que dice el excelente libro de James Lincoln Collier, debe ser también una de las menos agradables: frío con su hijo, despiadado en su trato con las mujeres y sin escrúpulos que le impidieran usar la obra de otros músicos. Pero es innegable que ejercía una extraordinaria fascinación en las personas a las que trataba mal y a las que era leal al mismo tiempo, entre ellas las que se dejaron dominar por él, la mayoría de sus colegas y amantes. (...)

De hecho, nada era obvio en Duke Ellington el hombre, excepto la máscara que siempre llevaba en público y detrás de la cual se ocultaba su personalidad: la de hombre de mundo, afable, guapo y seductor que se comunicaba con su público (...) Y, sin embargo, es indudable que el conjunto de su obra jazzística, que ‘incluye cientos de composiciones completas, muchas de ellas casi perfectas’, es uno de los principales logros de la música de su era (1889-1974). Y también es indudable que, de no ser por Ellington, esta música no existiría (...)
Desde hace mucho tiempo se acepta que Ellington era fundamentalmente un músico improvisador cuyo ‘instrumento era toda una orquesta’, y que ni tan solo podía pensar en su música excepto por medio de las voces de los miembros de la misma. Que desde el punto de vista de musical era corto de recursos y, por tanto, incapaz de desarrollar extensamente una idea musical siempre fue obvio, pero, por el contrario, en 1933 ya se sabía que ningún otro compositor, clásico o del tipo que fuese, podía vencerle en los tres minutos que duraba un disco de 78 revoluciones (...)
Lo mejor de la obra de Ellington es lo que creó para cabarets y salones de baile (...) Quien esto escribe, a los dieciséis años se enamoró para siempre de la orquesta de Ellington en su mejor época, al oírla tocar en lo que se llamaba un ‘baile-desayuno’ en un salón de baile de las afueras de Londres ante un público atónito que no contaba para nada, salvo como una masa oscilante de gente bailando que era lo que orquesta estaba acostumbrada a ver ante ella. Los que nunca han oído a Ellington tocando música para bailar o, mejor aún, en un comedor lleno de noctámbulos elegantes, donde el verdadero aplauso consistía en el cese de las conversaciones alrededor de las mesas, no pueden saber cómo era la mejor orquesta de la historia del jazz cuando tocaba a gusto en su propio ambiente.



En mayor medida que cualquier otro, Ellington representaba esa capacidad que tiene el jazz de hacer que personas sin interés por la ‘cultura’, personas con sus pasiones, ambiciones e intereses, y con su propia manera de satisfacerlos, se conviertan en creadores de un arte serio y, a pequeña escala, grande. Lo demostró por medio de su propia transformación en compositor y también por las obras de arte integradas que creó con su orquesta, una orquesta que contenía menos artistas individuales de absoluta brillantez que otras, pero en la cual la actuación individual extraordinaria era el fundamento de los logros colectivos. (...)
El jazz de hoy, interpretado en gran parte por músicos educados, a menudo con formación clásica, esencialmente para ser escuchado, creado por una generación cuyos vínculos con el blues en gran parte han tenido como mediadores el rock y un góspel musicalmente empobrecido, tendrá que buscar otra manera, si puede, de dejar una huella tan grande como la que dejó el jazz que hacían los que crecieron en la primera mitad del siglo XX”.

Les dejamos ahora con una selección de actuaciones en directo de Duke Ellington y su Orquesta. Comenzamos con Take the "A" Train, un tema que compuso Billy Strayhorn en 1939 y Duke acabó adoptando como sintonía para abrir los conciertos con la orquesta. La actuación que recoge el vídeo tuvo lugar en Nueva York en 1962.




De 1930 data Mood Indigo, una de las más populares y mejores melodías de Ellington, que vemos en un vídeo que desconocemos cuando se grabó.



En el vídeo siguiente la orquesta de Duke, tras un solo de este al piano con fragmentos de algunos de sus éxitos, interpretan It Don't Mean a Thing, composición suya de 1931, y Don't get around, otro tema suyo de 1940.



Un bello tema del propio Duke, sumamente versionado, es Satin Doll (1953), que este interpreta al piano, acompañado de su orquesta, en una actuación cuya fecha y lugar no hemos conseguido determinar.




De un concierto celebrado en Ámsterdam en 1958 es la versión que interpreta Duke con parte de su orquesta de All of Me, gran tema compuesto por Gerald Marks y Seymour Simons en 1931.




miércoles, 29 de mayo de 2013

Bette Davis como la Reina Isabel I

 

En 1939, la grandiosa Bette Davis, se enfrentó el reto de recrear a la Reina Isabel I de Inglaterra en su madurez en la película "La vida privada de Elizabeth y Essex" dirigida por Michael Curtiz y en la que tuvo como partenaire a Errol Flynn con el que tuvo algún que otro encontronazo. Para poder dar vida al personaje tuvo que admitir un maquillaje nada favorecedor y afeitarse las cejas y retrasar la línea de crecimiento del cabello. Cierto día fue visitada por Charles Laughton, sin duda otra de las cimas del arte actoral de todos los tiempos y la Davis le comentó el reto que estaba suponiendo para ella dar vida a una mujer de sesenta años (Bette Davis tenía entonces 31) a lo que Laughton le respondió:  


«Nunca tengas miedo de atreverte a salir de ti misma. Es la única manera de crecer en tu profesión. Debes intentar cosas que estén más allá de ti o te estancarás en una rutina interminable»

Bette Davis reconoció tiempo después que el consejo de su colega le había influenciado grandemente a lo largo de toda su carrera. En realidad no deja de ser un buen consejo para cualquiera de nosotros… Sirva la anécdota de excusa para disfrutar de la fabulosa foto que la acompaña.
 
Ya hace tiempo contábamos otra anécdota de esta película:




Romy Schneider



"No soy nada en la vida, pero lo soy todo en la pantalla."

 
ROMY SCHNEIDER
 

(23 de septiembre de 1938 - 29 de mayo de 1982)





Su nombre completo fue Rose-Marie Albach. Su veta artística la heredó, ya que procedía de una familia de importantes actores. Su madre, una mujer de origen alemán llamada Magda Schneider, era conocida mundialmente por su trabajo en Liebelei del autor Max Ophuls. Su padre, el actor de teatro Wolf Albach-Rhetty, era hijo de la actriz Rosa Rhetty, quien fue conocida con el sobrenombre de la “Sarah Bernhard austriaca”.
A los diez años Romy se encontraba en un internado de monjas en Austria. Allí se recreaba con obras de teatro esta pequeña niña, solitaria por las pocas visitas de sus padres. Emprende viajes ficticios a través de los caminos de los sueños, soñando algún día actuar con su actor favorito: Orson Welles.
A los quince años regresa a su casa materna y descubre que su madre se ha vuelto a casar con un hombre de negocios. Ella decide estudiar en la Academia de Bellas Artes, para dedicarse al dibujo y al diseño de prendas de vestir. Magda pronto comienza a rodar la película Cuando florezcan las lilas blancas (1953, Hans Deppe) con un Papel para Romy. Y no solamente se vio bien en la pantalla sino que también cantó el tema musical del filme.
Enseguida se le abre un aluvión de ofertas de trabajo. Su madre por ese entonces empezaba a seleccionar cuáles debía interpretar la niña. Comenzaron sus papeles de protagonista en Sueños de circo (1954, Kurt Hoffman), junto a Lilli Palmer, y Los jóvenes años de una reina (1954, Ernst Marischka), quien ayudó a convertir a Romy en una verdadera actriz relatando la historia de la reina Victoria y su amor por el príncipe Alberto de Sajonia-Coburgo.
Años más tarde, el mismo director convoca nuevamente a madre e hija para una película sobre la vida de la emperatriz Elizabeth de Austria. Romy comienza a darle luz y magia a este personaje, con la ayuda de un espectacular vestuario de época. Filma La panadera y el emperador (1955, Ernst Marischka), Sissí (1955, Ernst Marischka) y Sissí emperatriz (1956, Ernst Marischka).
En 1956, acompañada de su madre, viaja a Hollywood, donde recibe de manos de Walt Disney el premio a “La muchacha más bonita del mundo”. Aunque estaba cansada de interpretar a Sissí, su madre logra convencerla de filmar otra película. Así filma El destino de Sissi (1957, Ernst Marischka), que se convirtió en otro éxito.
En 1958, Romy conoció a Alain Delon en París. Con él compartió cartel en Christine (1958). Ella viajaba constantemente a París y vivieron un apasionado romance. Romy quería ir a vivir con Delon y la madre lo único que le pidió fue que se comprometiera. Así, el 22 de marzo de 1959, se realizó el compromiso en su residencia frente a muchos periodistas. Ella decía: “Siempre me lo juego todo, llevo las cosas hasta las últimas consecuencias. Me entrego y amo con todo mi corazón”. Contó a la prensa cómo fue el primer encuentro con Alain Delon en el aeropuerto de Orly. Allí la esperaba el joven casi desconocido que sería compañero en el filme Christine. El actor estaba al pie de la escalera. Ella miró con interés al joven perfectamente vestido, con corbata, bien peinado, atractivo, serio y con un ramo de rosas rojas. Ella todavía no hablaba francés y él tampoco inglés… Pero un sentimiento los unía.
Luego hace teatro, y en 1961, encarna el personaje de Pupé, en Bocaccio ’70. También protagonizó Le combat dans l’√≠¬Æíle (1962) junto a Jean-Louis Trintignant, con quien se le adjudicó un secreto romance.
En esos años, paseando en la finca con Delon recibe un telegrama de Orson Welles que le cambiará su destino. Orson le propone filmar El Proceso (1962). Romy, sin pensarlo, viaja a los Estados Unidos a encontrarse con el actor que tanto admiraba. Hollywood la esperaba para filmar otras películas como Los vencedores (1963, Carl Foreman), El cardenal (1963, Otto Preminger) y Préstame tu marido (1964, David Swift) con Jack Lemmon.
Trasde tantas filmaciones vuelve a París, pero Delon ya no la estaba esperando en su mansión. Sólo la esperaba un ramo de rosas y una carta de despedida. Alain Delon viaja a España y conoce a Nathalie, con quien tendrá un hijo. √âsta noticia hace cambiar a Romy y acepta amigarse con la madre, cosa que no podía antes, debido a que estaba en contra de su relación con Delon. Finalmente busca consuelo en su mamá, que la ayuda a pasar ese triste momento que estaba viviendo.
En 1965, filma la comedia ¿Qué tal Pussycat? (1965) junto a Woody Allen, Ursula Andrés y Peter Sellers. De nuevo en Francia, aparece en La ladrona (1966, Jean Chapot).
Trabaja con Alain Delon, en La piscina (1969, Jacques Deray).
El 15 de julio de 1966 se casó con el actor Harry Meyen en el Cap Ferrat, en la Costa Azul, y se mudaron a Berlín. De este matrimonio nace David Christopher; Romy deja de trabajar dos años para criar al bebé. Es este tiempo también fallece su padrastro y descubre que las finanzas que le administraban no le dejan un peso. El matrimonio enseguida empieza a desvanecerse. Harry sufría grandes dolores de cabeza y lo ponían “demasiado nervioso”. Se divorciaron en 1975. Luego conoce a Claude Sautet, que la dirigió en Las cosas de la vida (1970, Claude Sautet), mientras mantenían una relación secreta.

Más tarde en París, junto a su ex-amante por tercera vez, protagoniza con Delon otra película, El asesinato de Trotsky (1972, Joseph Losey). Después aparece nuevamente el personaje de Sissí que lo reencarna de la mano de Luchino Visconti en Luis II de Baviera (1972, Luchino Visconti).
En 1972, después de larga disputa judicial, Romy obtuvo la custodia de David a cambio de ceder la mitad de su fortuna a su antiguo compañero. El actor Harry Meyen siguió con sus dolores de cabeza y su fracaso sentimental, y se dedicó a beber y a tomar demasiados analgésicos. Romy realizó otro filme con mucho éxito: Ella, yo… y el otro (1972, Claude Sautet). Siguió el éxito con Lo importante es amar (1975, Andrzej Zulawski), que le dio la oportunidad de ganar el premio César francés a la mejor actriz. El segundo lo obtuvo por El viejo fusil (1975, Roberto Enrico). Durante el rodaje de esta película conoce a Daniel Biasini, con quien se casó en diciembre de 1975 en Berlín. Su matrimonio duró hasta junio de 1981. Pierde un embarazo, pero al poco tiempo lo intenta nuevamente y el 21 de julio de 1977 nace Sarah Magdalena en Saint Tropez.
En 1979, Harry Meyen fue encontrado ahorcado en una de sus habitaciones de su castillo de Hamburgo. Ella viaja rápidamente desde México, donde se encontraba trabajando. El suicidio de su ex-marido la afectó terriblemente y a su hijo lo mandó con los abuelos paternos, pese a que el niño se había encariñado de vivir con su marido Daniel. Romy no podía dormir y bebía para conciliar el sueño. Unos meses más tarde muere la abuela paterna Rosa Rhetty, en Viena, a los 106 años.
Su segundo matrimonio empieza a decaer. Sigue trabajando y rueda Una mujer en la ventana (1976, Pierre Granier-Deferre), Una vida de mujer (1978, Claude Sautet) y en los EE.UU., Lazos de sangre (1979, Terence Young). Vuelve a Europa a rodar Una mujer singular (1979, Costa-Gavras) y la magnífica La muerte en directo (1980, Bertrand Tavernier).
Rueda en Italia Fantasma del amor (1981, Dino Risi) junto a Marcello Mastroianni. Conoce entonces a un joven productor, Laurent Petin, quien se encargó de cuidarla de las borracheras y la acompañaba en sus noches de insomnio. De vuelta se mudaron juntos en París.

A los 43 años, si bien parecía que había encontrado a un buen compañero, parece no encontrar sus sueños como en aquellas noches. Encontró en la actividad diaria el cese de sus depresiones continuas. Empezó a rodar Testimonio de mujer (1982) y poco a poco comenzó a deteriorarse su salud: se quebró un pie y la operaron de urgencia del riñón, con un principio de cáncer. Pero parece que la desgracia no llega a su fin. Faltaba el golpe final: su hijo David, trepando las rejas de su casa, resbaló y quedó atravesado por una de ellas. El encargado de darle la noticia fue Alain Delon. Romy corrió hacia al hospital, pero ya era tarde: su hijo de catorce años acababa de morir en la sala de operaciones. En medio del dolor la madre confiesa que era su único amigo. A causa del dolor se encerró en un hotel y no quería salir para nada. Entonces Alain la busca y la lleva a su finca lejos de los periodistas para que esté más tranquila. Finalmente el año siguiente 1982, termina de filmar Testimonio de mujer (1982) y Romy exigió que al final de la película aparezca la dedicatoria “Para David y su padre”.
Un 29 de mayo de 1982, después de una velada en casa de la hermana de Laurent, la pareja llegó a las dos de la madrugada a su departamento. Romy no quiso acostarse enseguida. Tenía algunas cartas que escribir. Laurent se fue a la cama. Al despertarse por la mañana la encontró sentada sobre el sillón, en la misma posición que la noche anterior. Sobre la mesa había una carta apenas comenzada y algunas escrituras sobre las actividades que debía realizar durante del día. El dolor de la pérdida de su hijo la llevó a sobrevivir diez meses más. Su vida se fue apagando lentamente; apenas comía y sólo escribía cartas a los amigos, hablando de su hijo como si estuviera vivo.
Fue enterrada en el cementerio de Boissy Sans Avoir, a 50 kilómetros de París. Lugar del que ella afirmaba: “En París soy la mujer más feliz del mundo. No existe una ciudad como ésta para vivir la vida”. Dos meses después del entierro su tumba fue profanada y su diario íntimo desapareció. Algunos sostuvieron que los escritos eran muy comprometedores para los traficantes de drogas y podían esclarecer el asesinato de Stefan Markovic, el secretario personal de Alain Delon, asesinado en 1968.
El primero que acudió después de su muerte fue Alain, que no quiso asistir a su multitudinario entierro… y todavía hoy, al cabo de los años, recuerda a Romy como el único amor de su vida. Cuando Romy Schneider murió, Alain Delon confesó a un periodista que ella representaba veinticuatro años de su vida y los momentos más felices de su existencia. Así se fue una grande con una belleza natural inconfundible.
Ilustraba sus coloreadas escenas, junto a su suntuosos vestuarios, como si fuesen robados de un cuento de hadas. Su tristeza y su soledad no tenían refugio en ella y poco a poco fueron adueñándose y copando su vida cada vez más. La dulce sonrisa de la inigualable Romy Schneider se fue borrando en su rostro y en su mente; sus explicaciones, sus sentimientos necesitaban ser escuchados y no guardados en interminables notas sin un destinatario. Nadie la supo comprender; la soledad la acompañaba y le jugó una mala pasada. Este mundo trágico que le tocó vivir le cortó un ala para poder volar.(Fuente:claqueta.es)




                                                 Romy Schneider como la emperatriz Sissi

Su gran oportunidad llegó con Sissi. En 1955 se celebró el estreno mundial de la primera parte. Durante muchos años Romy Schneider fue encasillada en este papel. La actriz intentó borrar su imagen de Sissi (que acabó odiando) hasta el día de su muerte. Sin embargo, este papel fue el mayor éxito de su carrera.

Tras la segunda parte Sissi Emperatriz y la tercera El destino de Sissi, la actriz se negó a hacer la cuarta rechazando incluso un sueldo de un millón de marcos (algo más de 510 000 euros).

Epicuro por él mismo (citas):

 
 
"Comamos y bebamos que mañana moriremos".

"¿Quieres ser rico? Pues no te afanes por aumentar tus bienes, sino en disminuir tu codicia."

"Retírate dentro de ti mismo, sobre todo cuando necesites compañía."

"Todo el mundo se va de la vida como si acabara de nacer".

"También en la moderación hay un término medio, y quien no da con él es víctima de un error parecido al de quien se excede por desenfreno".

"Una ira desmesurada enjendra la locura."

"Acostúmbrate a pensar que la muerte para nosotros no es nada, porque todo el bien y todo el mal residen en las sensaciones, y precisamente la muerte consiste en estar privado de sensación. Por tanto, la recta convicción de que la muerte no es nada para nosotros nos hace agradable la mortalidad de la vida; no porque le añada un tiempo indefinido, sino porque nos priva de un afán desmesurado de inmortalidad."

"Debemos meditar, por tanto, sobre las cosas que nos reportan felicidad, porque, si disfrutamos de ella, lo poseemos todo y, si nos falta, hacemos todo lo posible para obtenerla."

"El cuerpo, en lances de amor, es parte indispensable del alma."

"El futuro no es nuestro, pero tampoco puede decirse que no nos pertenezca del todo."

"El hombre es rico desde que se ha familiarizado con la escasez."

"El hombre que no sea virtuoso no puedes ser feliz."

"El más grande fruto de la justicia es la serenidad del alma."

"El que menos necesita del mañana es el que avanza con más gusto hacia él".

"El que no considera lo que tiene como la riqueza más grande, es desdichado, aunque sea dueño del mundo."

"El placer es el principio y el fin de una vida feliz."

"El sabio no se esforzará en dominar el arte de la retórica y no intervendrá en política ni querrá ser rey."

"Has de mirar con quién comes y bebes antes que lo que comes y bebes; porque comida sin amigo es comida de leones y lobos."

"Lo insaciable no es la panza, como el vulgo afirma, sino la falsa creencia de que la panza necesita hartura infinita".

"Llegará un momento en que creas que todo ha terminado. Ese será el principio."

"Nada es suficiente para quien lo suficiente es poco."

"Nadie, al ver el mal, lo elige, sino que se deja engañar por él, como si fuera un bien respecto a un mal peor".

"Para muchos, haber ganado riquezas no fue acabamiento de sus miserias, sino cambio de unas miserias por otras."

"Quien un día se olvida de lo bien que lo ha pasado se ha hecho viejo ese mismo día".

"Así pues, la muerte no es real ni para los vivos ni para los muertos, ya que está lejos de los primeros y, cuando se acerca a los segundos, éstos han desaparecido ya."

"Así pues, practiquen la filosofía tanto el joven como el viejo; uno, para que aún envejeciendo, pueda mantenerse joven en su felicidad gracias a los recuerdos del pasado; el otro, para que pueda ser joven y viejo a la vez mostrando su serenidad frente al porvenir."

" ¿Dios está dispuesto a prevenir la maldad pero no puede? Entonces no es omnipotente. ¿No está dispuesto a prevenir la maldad, aunque podría hacerlo? Entonces es perverso. ¿Está dispuesto a prevenirla y además puede hacerlo? Si es así, ¿por qué hay maldad en el mundo? ¿No será que no está dispuesto a prevenirla ni tampoco puede hacerlo? Entonces, ¿para qué lo llamamos Dios?".

" ¿Dioses? Tal vez los haya. Ni lo afirmo ni lo niego, porque no lo sé ni tengo medios para saberlo. Pero sé, porque esto me lo enseña diariamente la vida, que si existen ni se ocupan ni se preocupan de nosotros."

"El que exhorta al joven a una buena vida y al viejo a una buena muerte es un insensato, no sólo por las cosas agradables que la vida comporta, sino porque la meditación y el arte de vivir y de morir bien son una misma cosa. Y aún es peor quien dice: 'Bello es no haber nacido pero, puesto que nacimos, cruzar cuanto antes las puertas del Hades'."

"Es estúpido quien confiese temer la muerte no por el dolor que pueda causarle en el momento en que se presente, sino porque, pensando en ella, siente dolor: porque aquello cuya presencia no nos perturba, no es sensato que nos angustie durante su espera."

"La libertad y la anarquía, los mayores frutos de la autarquía".

"La muerte es una quimera, pues cuando yo estoy, ella no está; y cuando ella está, yo no."

"La necesidad esta dentro del mal, pero no hay causa, dianoética, alguna de vivir con necesidad."

"Las enfermedades duraderas proporcionan a la carne más placer que dolor."

"Límite de la grandeza de los placeres es la eliminación de todo dolor. Donde exista placer, por el tiempo que dure, no hay ni dolor ni pena ni la mezcla de ambos".

"No es verdaderamente impío el hombre que niega los dioses que la multitud venera, sino aquél que afirma de los dioses lo que la multitud cree de ellos".

"Que nadie, mientras sea joven, se muestre remiso en filosofar, ni, al llegar a viejo, de filosofar se canse. Porque, para alcanzar la salud del alma, nunca se es demasiado viejo ni demasiado joven."

"Quien afirma que aún no le ha llegado la hora o que ya le pasó la edad, es como si dijera que para la felicidad no le ha llegado aún el momento, o que ya lo dejó atrás."

"Si buscas la fama, más fama te darán mis cartas que todas esas cosas que festejas y por las cuales eres festejado."

Epicuro de Samos (aprox. 341 a. C. - 270 a. C.) fue un filósofo griego, fundador de la escuela que lleva su nombre (epicureísmo). Los aspectos más destacados de su doctrina son el hedonismo racional y el atomismo.

 Defendió una doctrina basada en la búsqueda del placer, la cual debería ser dirigida por la prudencia. Se manifestó en contra del destino, de la necesidad y del recurrente sentido griego de fatalidad. La naturaleza, según Epicuro, está regida por el azar, entendido como ausencia de causalidad. Sólo así es posible la libertad, sin la cual el hedonismo no tiene motivo de ser. Criticó los mitos religiosos, los cuales, según él, no hacían sino amargar la vida de los hombres. El fin de la vida humana es procurar el placer y evadir el dolor, pero siempre de una manera racional, evitando los excesos, pues estos provocan un posterior sufrimiento. Los placeres del espíritu son superiores a los del cuerpo, y ambos deben satisfacerse con inteligencia, procurando llegar a un estado de bienestar corporal y espiritual al que llamaba ataraxia. Criticaba tanto el desenfreno como la renuncia a los placeres de la carne, arguyendo que debería buscarse un término medio, y que los goces carnales deberían satisfacerse siempre y cuando no conllevaran un dolor en el futuro. La filosofía epicureísta afirma que la filosofía debe ser un instrumento al servicio de la vida de los hombres, y que el conocimiento por sí mismo no tiene ninguna utilidad si no se emplea en la búsqueda de la felicidad.

 Aunque la mayor parte de su obra se ha perdido, conocemos bien sus enseñanzas a través de la obra De rerum natura del poeta latino Lucrecio (un homenaje a Epicuro y una exposición amplia de sus ideas), así como a través de algunas cartas y fragmentos rescatados.



martes, 28 de mayo de 2013

Virginia Woolf.- Diario de una escritora



” Casi todo me atrae. Sin embargo se alberga en mí algún buscador infatigable. ¿Por qué no hay un descubrimiento de la vida? Algo para ponerle las manos encima y exclamar: “¿Es esto?” Mi depresión es un sentirme acosada. Estoy buscando: pero no, no es eso… no es eso. ¿Qué es entonces? ¿Tendré que morir sin haberlo encontrado? Y luego (como anoche, cuando atravesaba Russell Square) veo las montañas en el cielo: las grandes nubes; y la luna que se está alzando sobre Persia; tengo una grande, sorprendente impresión de que hay algo allí, que es “eso”? No es exactamente la belleza a lo que me refiero. Quiero decir que la cosa en sí basta: es satisfactoria; acabada. También una impresión de mi propia rareza, de la rareza de estar caminando sobre la tierra. También está ahí, la infinita extrañeza de la posición humana; estar atravesando Russell Square, con la luna allí arriba y las nubes como montañas. quién soy yo, qué soy, y todo el resto; preguntas que siempre flotan en torno: y de pronto doy de narices con algún hecho concreto -una carta, alguien- y vuelvo a ellos con un gran sentimiento de frescura. Y así continúa. Suelo toparme frecuentemente con este “eso”, y experimento entonces un gran reposo."

La Pantera Rosa




La pantera rosa, ese felino personaje que ha hecho las delicias de pequeños y mayores, que siempre ha mostrado los gestos y el andar de un elegante gentleman inglés y que siempre anda metido en algún chaplinesco embrollo, nació de una manera bastante singular.

Este personaje fue creado expresamente para ilustrar los créditos iniciales y finales de la película "La pantera rosa" (1963) de Blake Edwards en las que "La pantera rosa" no era otra cosa que un diamante de gran valor que un renombrado ladrón de guante blanco conocido como "El fantasma" pretendía robar. Blake Edwards hizo el encargo a Friz Freleng que cuenta entre sus creaciones a otros personajes muy conocidos del mundo de la animación como: Bugs Bunny, el cerdito Porky , Piolín, el gato Silvestre o Speedy Gonzales. Solo recibió tres coordenadas el personaje había de ser gracioso, mudo y de color rosa.

Una vez tuvo carta de nacimiento, resultó que los créditos para los que fue creada llamaron la atención de forma soberbia y hasta llegó a ocupar la portada de la revista Time. Fue entonces cuando los productores se plantearon crear un cortometraje de animación con la pantera rosa como protagonista, que titulado "The Pink Phink" ganó el Oscar al mejor cortometraje animado y que terminó siendo el capítulo piloto para la serie de animación que todos hemos conocido.

El tema musical, que es uña y carne con el dibujo de animación, es obra de Henry Mancini y pertence a la banda sonora original de la película de Edwards, desconozco si lo compuso teniendo ya en mente al felino rosa, pero quien duda que encajan a la perfección. Es una obra del más puro estilo jazzístico interpretada normalmente por el británico Tony Coe.

 
 
El tema de "La Pantera Rosa" tocado por la "Terry Gibbs Band" con Henry Mancini al piano y Plas Johnson al saxofón.  
 

 El primer capítulo de "La Pantera Rosa": The Pink Phink

Haruki Murakami: Literatura Pop

Haruki Murakami fotografiado por Markus Jans para Vogue.

The Beatles, Bob Dylan o Pearl Jam interpretan algunos de los pasajes de las novelas de este japonés introvertido que corre maratones y es fanático del jazz.

Murakami, a quién se le atribuyen las influencias de Francis Scott Fitzgerald, John Irving o Raymond Carver, a los que él mismo ha traducido, parece haber dado con la clave para unir el carácter asiático y la cultura occidental. Personajes solitarios, reflexivos, con una sensibilidad especia,l que buscan respuestas y avanzan por el mundo con una brújula sin norte.

Fragmentos “Crónica del pájaro que da cuerda al mundo”

“Cuando nos abandonan, resulta durísimo permanecer en el mismo lugar y seguir viviendo solo. Esto lo sé muy bien. Pero, en este mundo, nada hay tan cruel como la desolación de no desear nada.“

“El odio es una sombra negra y alargada. En muchos casos, ni siquiera quien lo siente sabe de dónde le viene. Es un arma de doble filo. Al tiempo que herimos al contrincante, nos herimos a nosotros mismos. Cuanto más grave es la herida que le infligimos, más grave es la nuestra. Puede llegar a ser fatal. Pero no es fácil librarse de él.”

“Me imaginé convertido en el pájaro-que-da-cuerda, surcando el cielo del verano, posándome en la rama de un árbol, dándole cuerda al mundo. Si era cierto que el pájaro había desaparecido, alguien tenía que asumir sus funciones.”

Fragmentos “Tokio Blues”

“Ahora la primera imagen que perfila en mi memoria es la de aquel prado. El olor de la hierba, el viento gélido, las crestas de las montañas, el ladrido de un perro. Esto es lo primero que recuerdo. Con tanta nitidez que tengo la impresión de que si alargara la mano, podría ubicarlos, uno tras otro, con la punta del dedo. Pero este paisaje está desierto. No hay nadie. No está Naoko.”

“Leía mucho, lo que no quiere decir que leyera muchos libros. Más bien prefería releer las obras que me habían gustado. (...) Así pues, no tenía este punto en común con los demás, y leía mis libros a solas y en silencio. Los releía y cerraba los ojos y me llenaban de su aroma. Sólo aspirando la fragancia de un libro, tocando sus páginas, me sentía feliz.”


Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomendamos sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts

Robert Koch y la pereza

No habían sido pocos los castigos y reprimendas escolares que había recibido el después laureado Robert Koch, de manos de sus profesores y siempre por su insistente falta de interés en sus estudios. En cierta ocasión un profesor suyo llegó a castigarlo con la redacción de un escrito de al menos tres folios alrededor del tema: ¿Qué es la pereza?

 Robert Koch escribió el trabajo que le había sido impuesto y que sin duda reflejaba muy a las claras la esencia del tema sobre el que debía versar. En el primer folio ponía "Esto", en el segundo escribió "Es" y acabó en el tercero con "Pereza".

Supongo que con el tiempo se enmendaría, tal como muestra la importancia de sus descubrimientos, pero nadie puede dudar que de joven ya era capaz de tratar con concisión y exactitud los problemas que le eran planteados.

Robert Koch (1843-1910) era un insigne médico alemán que legó su apellido a uno de esos bacilos que terminaron haciéndose famoso para muchos de nosotros, el bacilo de Koch, toda vez que fue este médico el que lo descubrió y con él la causa de la tuberculosis. No se quedaría ahí y también tiene en su haber el descubrimiento del bacilo del cólera, meritos más que suficientes... para hacerse acreedor al Premio Nobel de Medicina que le fue entregado en 1905. Son famosos sus postulados de Koch y es considerado unánimemente como el fundador de la bacteriología. 

Hay una frase suya que dice: 

 "Cuando un médico va detrás del féretro de su paciente, a veces la causa sigue al efecto."



lunes, 27 de mayo de 2013

Julio Cortázar.- Objetos perdidos (poema)




Por veredas de sueño y habitaciones sordas
tus rendidos veranos me aceleran con sus cantos
Una cifra vigilante y sigilosa
va por los arrabales llamándome y llamándome
pero qué falta, dime, en la tarjeta diminuta
donde están tu nombre, tu calle y tu desvelo
si la cifra se mezcla con las letras del sueño,
si solamente estás donde ya no te busco.
Mendoza, Argentina 1944
La mufa
Vos ves la Cruz del Sur,
respirás el verano con su olor a duraznos,
y caminás de noche
mi pequeño fantasma silencioso
por ese Buenos Aires,
por ese siempre mismo Buenos Aires.
Quizá la más querida

Me diste la intemperie,
la leve sombra de tu mano
pasando por mi cara.
Me diste el frío, la distancia,
el amargo café de medianoche
entre mesas vacías.

Siempre empezó a llover
en la mitad de la película,
la flor que te llevé tenía
una araña esperando entre los pétalos.

Creo que lo sabías
y que favoreciste la desgracia.
Siempre olvidé el paraguas
antes de ir a buscarte,
el restaurante estaba lleno
y voceaban la guerra en las esquinas.

Fui una letra de tango
para tu indiferente melodía.
Una carta de amor
Todo lo que de vos quisiera
es tan poco en el fondo
porque en el fondo es todo

como un perro que pasa, una colina,
esas cosas de nada, cotidianas,
espiga y cabellera y dos terrones,
el olor de tu cuerpo,
lo que decís de cualquier cosa,
conmigo o contra mía,

todo eso es tan poco
yo lo quiero de vos porque te quiero.

Que mires más allá de mí,
que me ames con violenta prescindencia
del mañana, que el grito
de tu entrega se estrelle
en la cara de un jefe de oficina,

y que el placer que juntos inventamos
sea otro signo de la libertad.

Bette Davis y Wylliam Wyler: Un amor a "La carta"

Bette Davis en "Jezabel" - 1938

Un año antes de que Vivien Liegh se presentara como una caprichosa niñita del sur de los Estados Unidos en "Lo que el viento se llevó" (1939) tuvimos un claro antecedente de dicho personaje en "Jezabel" (1938) en el que Bette Davis daba vida también a una belleza sureña en extremo consentida y que le valió la consecución de su segundo Oscar.

El caso es que durante el rodaje de esta sensacional película, el director, William Wyler, tuvo un romance con su protagonista, que si bien estaba casada con el músico de jazz Harmon Nelson, su relación debía de encontrarse muy deteriorada puesto que de hecho se divorciaron ese mismo año. La cosa llegó a tal punto que Davis describió con el tiempo la relación con Wyler como «el amor de mi vida», y dijo que hacer la película con él fue «el momento de mi vida de la mayor felicidad perfecta».

William Wyler y Bette Davis durante el rodaje de "Jezabel"
En pleno romance Wyler le escribió una carta a la Davis, que por cierto, tal como se ve en la foto se mostraba realmente hermosa en esta película, y le pedía matrimonio. Despues de un día muy complicado de rodaje, en el que había discutido con Wyler, Bette encontró en la mesa del vestíbulo de su casa la carta de puño y letra de Wyler, pero despues de aquella pequeña pelea no quiso abrir ni leer la carta. Tardó una semana en abrirla y encontrar la referida petición, así como la solicitud del director de una respuesta inmediata, pues de no recibir noticia o ser esta negativa se casaría de forma inminente con otra mujer, cosa que como pudo comprobar ocurrió cuando supo por la radio del enlace de William Wyler con Margaret Tallichet, algo que ocurrió horas despues de haber abierto la carta.

Nadie duda de las semanas que la Davis estuvo llorando amargamente, ni de que de haberse llegado a casar con Wyler hubiesen formado una de las parejas más formidables de la historia del cine, dado el talento que ambos atesoraban. Bette Davis siempre recordó esa semana sin abrir aquel sobre como el mayor error de su vida. Curiosamente al año siguiente, en 1939, ambos volvieron a coincidir en una película, también de enorme éxito y que curiosamente tuvo por título "La carta".