Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

martes, 30 de abril de 2013

Lars von Trier



" Los tabúes son malos para la salud política. Es mejor que exista la posibilidad de decir cosas que son basura que pronunciar sólo lo que se considere correcto."

 LARS VON TRIER (n. el 30 de abril de 1956)





Aunque no ha sido hasta el siglo XXI cuando Lars von Trier ha logrado el reconocimiento de la crítica internacional, el director danés lleva metido en el cine desde muy pequeño. Sus padres, que apostaban por el comunismo y el nudismo, le regalaron una Super 8 cuando tenía 11 años y desde entonces creció su pasión por las películas.

Pero no hablamos de un director cualquiera. Lars von Trier es conocido por ser uno de los fundadores del movimiento Dogma, en 1995. Se trata de una corriente cinematográfica que reivindica rodajes con las mínimas ayudas técnicas, alejándose de los efectos especiales o de la iluminación artificial. Uno de los mejores ejemplos de ello lo encontramos en Dogville, donde los personajes actúan sobre un escenario vacío. Las escenas se rodaron con la cámara al hombro y se introdujeron cortes en los diálogos para dar una mayor sensación de realismo, a modo de documental.

Nominado varias veces a la Palma de Oro del Festival de Cannes, logró hacerse con ella en 2000 gracias a Bailando en la oscuridad, cinta protagonizada por la cantante Björk. De momento ninguno de sus trabajos ha sido reconocido por la Academia de Hollywood. Más suerte ha tenido en su país natal, Dinamarca, donde es considerado el impulsor del cine escandinavo moderno.

Tras el estreno de la comedia El jefe de todo esto, a principios de 2007, Lars von Trier cayó en una profunda depresión que le obligó a retirarse temporalmente del cine. En proyecto tenía la filmación de Antichrist, una película que atribuye la creación del mundo a Satán en lugar de a Dios.

(Fuente: http://biografias.estamosrodando.com/lars-von-trier/ y Wikipedia)



 


DOGVILLE es una película del año 2003 dirigida por Lars von Trier y protagonizada por Nicole Kidman. Es la primera película de la trilogía Estados Unidos: tierra de oportunidades, seguida por Manderlay de 2005 y Wasington, aún por realizar. La cinta compitió en la selección oficial del Festival de Cannes de 2003.





ANTICRISTO (título original: Antichrist) es una película del año 2009 escrita y dirigida por Lars von Trier. La cinta, protagonizada por Willem Dafoe y Charlotte Gainsbourg, narra la historia de una pareja que tras la accidental muerte de su hijo, se retira a una cabaña en el bosque donde pasaron las últimas vacaciones con él. El largometraje se rodó en Alemania y Suecia. Es una coproducción entre Dinamarca, Alemania, Francia, Polonia, Suecia e Italia, aunque fundamentalmente danesa. Se estrenó el 18 de mayo de 2009 en el Festival de Cannes.





MELANCHOLIA (Melancolía)es una película de drama con elementos de ciencia ficción, realizada por el director danés Lars von Trier, que se estrenó en 2011 en el Festival de Cannes de ese año.


lunes, 29 de abril de 2013

Alfred Hitchcock


"Si es una película buena, el sonido podría irse y la audiencia todavía tendría una idea perfectamente clara de lo que pasa". 

                  ALFRED HITCHCOCK  (13 de agosto de 1899 -  29 de abril de 1980) 






 Alfred Joseph Hitchcock nació el 13 de agosto de 1899 en Leytonstone (Inglaterra), hijo menor de Emma y William Hitchcock, matrimonio de clase media que se dedicaba a al comercio de verduras. Fue educado en colegios católicos, estudiando desde 1910 con los jesuitas en el St. Ignatius College de Londres.

Después de terminar sus estudios secundarios, Hitchcock estudió ingeniería en la Escuela de Ingeniería y Navegación, abandonando la carrera a causa de la muerte de su padre en 1914, hecho que provocó una mengua económica familiar y su primera incursión profesional trabajando en la compañía de telégrafos Henley.
Fue en esta época cuando el joven Alfred comenzó a apasionarse por el mundo del cine, consiguiendo su primer trabajo relacionado con la industria fílmica al ingresar en 1920 como diseñador de rótulos para la Famous Players Lasky de la Paramount.

Este primer contacto con el proceder cinematográfico le sirvió para instruirse en técnicas de montaje y dirección artística, participando en films dirigidos por gente como Hugh Ford o Donald Crisp.

En 1922 rodó su primera película, “El número 13” (1922), un título que no pudo ser finalizado a causa de que la Paramount decidió cerrar sus estudios en el Reino Unido.
En 1923 ocupó por primera vez puesto de guionista, asistente de dirección y director artístico en “De Mujer a Mujer” (1923), un melodrama dirigido por Graham Cutts. Con el mismo director, Hitch debutó como montador al ocuparse de la edición de “The White Shadow” (1923).

Aunque su primera película oficial como director fue “El Jardín De La Alegría” (1925), un melodrama germano-británico protagonizado por Virginia Valli, fue con “El Enemigo De Las Rubias (The Lodger)” (1927) cuando Hitchcock comenzó a plasmar su verdadero estilo cinematográfico, manejando con maestría el suspense con el protagonismo principal de Ivor Novello, una gran estrella del cine británico de la época. En la película también ofrecía su primer cameo, un hecho característico en casi todos sus trabajos posteriores.
En 1926 el director inglés contrajo matrimonio con la guionista Alma Reville.

Otros interesantes títulos de Hich rodados en su etapa muda fueron “El Ring” (1927), un melodrama pugilístico protagonizado por Carl Brisson, o la comedia “The Farmer’s Wife” (1928).
Su primer film sonoro fue “La Muchacha De Londres” (1929), un título mudo en su origen que fue interpretado por la actriz polaca Anny Ondra.

  

En la década de los 30 Alfred Hitchcock fue madurando su capacidad como creador. Tras realizar una serie de títulos bastante prescindibles en la primera mitad del decenio, como “Juego Sucio” (1931) o “Valses de Viena” (1933), Hitch sorprendió a público y crítica con películas como “El Hombre Que Sabía Demasiado” (1934), thriller con Peter Lorre, Leslie Banks y Edna Best, “Los 39 Escalones” (1935), con Robert Donat y Madeleine Carroll, “Sabotaje” (1936), con Sylvia Sidney y Oscar Homolka, “Inocencia y Juventud” (1937), con Nova Pilbeam y Derrick de Marney, o “Alarma En El Expreso” (1938), con Margaret Lockwood y Michael Redgrave.

También durante esta época rodó otros films disfrutables pero más irregulares, como “Agente Secreto” (1936), un título protagonizado por Peter Lorre, John Gielguld, Madeleine Carroll y Robert Young, o “La Posada De Jamaica” (1939), adaptación de Daphne de Maurier que contaba con las interpretaciones de Charles Laughton y Maureen O’Hara.

En estas películas ya se apreciaban algunas características de su filmografía más importante, creando historias de suspense desplegadas con una capacidad técnica admirable, en pos siempre de una narración despojada de elementos superfluos que no aportaran información al espectador.
Estas historias, pivotando muchas veces en los temas de falso culpable y la trasgresión de la apariencia y vida rutinaria del ciudadano medio, fueron tildadas en su época como meros productos de entretenimiento, sin valorar la complejidad psicológica de sus caracteres, el énfasis emocional de los mismos y la acumulación de diversos temas en sus intrigantes asuntos, con vinculaciones sexuales y humorísticas arropando las elementales claves del thriller.

Tras “La Posada De Jamaica”, Hitchcok fue contratado por el productor estadounidense David O. Selznick para adaptar de nuevo a la escritora Daphne de Maurier en “Rebeca” (1940), una sensacional película protagonizada por Joan Fontaine y Laurence Olivier que fue galardonada con el Oscar al mejor film del año.
Este primer trabajo del director británico en Hollywood recibió once nominaciones, consiguiendo el fotógrafo George Barnes una estatuilla por su trabajo. Hitchcock logró su primera nominación, consiguiendo el galardón John Ford por “Las Uvas De La Ira”.

En los años 40 Hitchcock dirigió películas como “Enviado Especial” (1940), “Sospecha” (1941), “Matrimonio Original” (1941), “Sabotaje” (1942), “La Sombra De Una Duda” (1943), “Náufragos” (1944), “Recuerda” (1945), “Encadenados” (1946), “El Proceso Paradine” (1947), “La Soga” (1948) y “Atormentada” (1949).
  

En “Sospecha” coincidió por primera vez con Cary Grant, y en “La Soga” con James Stewart, sus dos actores favoritos que volvió a utilizar con frecuencia a lo largo de su carrera.

  

Por “Sospecha”, película nominada al Oscar como mejor película, Joan Fontaine obtuvo el Oscar a la mejor actriz, y Miklos Rosza una estatuilla por la mejor música de “Recuerda”.
Hichcock, que jamás ganó un Oscar, recibió su segunda nominación por “Náufragos” (ganó Leo McCarey por “Siguiendo Mi Camino”), un film protagonizado por Tallula Bankhead y basado en una historia de John Steinbeck en el que la acción transcurría casi en su totalidad en un bote, y su tercera por “Recuerda” (estatuilla para Billy Wilder por “Días Sin Huella”), película que contaba con el protagonismo de Ingrid Bergman y Gregory Peck.
Ingrid Bergman fue una de las actrices más utilizadas por Hitchcock, participando en “Recuerda”, “Encadenados” y “Atormentada”.

En la siguiente década el autor británico dirigió “Pánico En La Escena” (1950), “Extraños En Un Tren” (1951), “Yo Confieso” (1953), “Crimen Perfecto” (1954), “La Ventana Indiscreta” (1954), “Atrapa a Un Ladrón” (1955), “Pero… ¿Quién Mató a Harry?” (1955), un remake de su propia película “El Hombre Que Sabía Demasiado” (1956), “Falso Culpable” (1957), “Vértigo” (1958) y “Con La Muerte En Los Talones” (1959).

Por “Whatever will be, will be (Que será, será)”, la canción que canta Doris Day en “El Hombre Que Sabía Demasiado”, Ray Evans y Jay Livingston consiguieron el Oscar a la mejor canción. Alfred Hitchcock fue nominado al Oscar como mejor director por “La Ventana Indiscreta”. El ganador de la estatuilla fue Elia Kazan por “La Ley Del Silencio”.

  

En los años 50 Hitchcock colaboró con alguno de los mejores técnicos con los que coincidió en su carrera, el compositor Bernard Herrmann, con quien trabajó por primera vez en “Pero… ¿Quién Mató a Harry?”, el montador George Tomasini, quien colaboró en muchas películas de Hitch desde “La Ventana Indiscreta”, y el fotógrafo Robert Burks, a quien contrató por primera vez para “Extraños En Un Tren”. Burks ganó el Oscar por su colorista trabajo en “Atrapa a Un Ladrón”.

En esta película, protagonizada en su papel masculino por Cary Grant, intervenía Grace Kelly, la actriz preferida de Hitch, un amante impenitente de las intérpretes rubias.
Grace, además de “Atrapa a Un Ladrón”, apareció en “Crimen Perfecto” y “La Ventana Indiscreta”. Su boda con el príncipe de Mónaco, Rainiero, supuso su alejamiento del cine, hecho que disgustó profundamente a Hitchcock, quien intentó recuperarla en vano posteriormente para protagonizar “Marnie La Ladrona”.

A mediados de la década de los 50 también se estrenó con gran éxito una serie de televisión llamada “Alfred Hitchcock Presenta” (1955), con episodios de misterio y suspense dirigidos por gente como William Witney, Sydney Pollack, Ida Lupino, Robert Stevenson, Robert Altman, William Friedkin o Arthur Hiller.

La obra maestra “Psicosis” (1960), título protagonizado por Anthony Perkins, supuso el inicio de los años 60 para Alfred Hitchcock, quien recibió por esta película su última nominación al Oscar, un galardón que iría a parar a manos de nuevo de Billy Wilder por “El Apartamento”.
Hitch, para vergüenza de la Academia de Hollywood, se tendría que conformar con un premio honorífico, el Irving Thalberg, que le fue concedido en 1968.

Sus siguientes películas en la década de los 60 fueron “Los Pájaros” (1963), un film protagonizado por Tippi Hedren y Rod Taylor que supuso su tercera adaptación de una novela de Daphne de Maurier, “Marnie, La Ladrona” (1964), thriller psicológico en el cual compartían protagonismo Tippi y un Sean Connery en plena época James Bond, y dos títulos de espionaje, “Cortina Rasgada” (1968), película co-protagonizada por Paul Newman y Julie Andrews, y “Topaz” (1969), un thriller político con John Forsythe, Karin Dor y John Vernon.

En los años 70 y en la última etapa de su vida, Alfred Hitchcock rodó dos películas excepcionales, muy subestimadas en el momento de su estreno. “Frenesí” (1971), un film rodado en Inglaterra con Jon Finch y Barry Foster, y “La Trama” (1976), magistral reciclaje de todos sus temas y pautas cinematográficas.
  

El 29 de abril de 1980, uno de los grandes autores cinematográficos de todos los tiempos, falleció a la edad de 80 años. Su epitafio: “Esto es lo que le pasa a los chicos malos”.

(Fuentes: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article2914.html y Wikipedia)





                                                            RECUERDA (1945)









PSICOSIS (1960)




LOS PAJAROS (1963)





                                                                     CAMEOS
Uno de sus sellos característicos fue la realización de cameos, presencia fugaz ante las cámaras. Incluso en Naúfragos, donde parecía imposible su aparición, se las ingenió para retratarse en un recorte de periódico que contenía un anuncio de píldoras adelgazantes, mostrando dos fotos con sendos Hitchcocks: uno gordo y el otro delgado.

domingo, 28 de abril de 2013

Oskar Schindler





"Y luego está la guerra, que saca a la luz lo peor de cada persona, nunca lo bueno, siempre lo peor, siempre lo peor."
(Oskar Schindler en 'La lista de Shindler')






OSKAR SCHINDLER (Svitavy, Imperio austrohúngaro, 28 de abril de 1908 – Hildesheim, Alemania, 9 de octubre de 1974) fue un industrial, hombre de negocios y héroe alemán que salvó a unos 1,200 judíos del holocausto nazi, contratándolos en su fábrica de artículos para la Wehrmacht, situada en la actual Polonia. Le fue concedido el reconocimiento del gobierno de Israel como «Justo entre las naciones».

Oskar Schindler nació en Zwittau, Moravia (actual Svitavy), Bohemia (por entonces parte del Imperio austrohúngaro y actualmente en la República Checa). Su familia era rica y católica, dedicada a los negocios, pero sufrió el hambre de la posguerra de la I Guerra Mundial (1914-1918) y de la Gran Depresión (1929). Durante su niñez y juventud tuvo entre sus mejores amigos a familias judías. A pesar de ello, él se afilió en 1930 al Partido Nazi por necesidad de oportunidades. Su hermana Elfriede, siete años menor, era próxima al partido.

Oskar Schindler fue un oportunista y hábil hombre de negocios y no ocultaba su afición por las mujeres, las fiestas y la vida bohemia. Estaba casado con Emilie, que a pesar de conocer la vida que llevaba su marido, le profesaba una profunda admiración y respeto. Fue reclutado por las SS como informante durante un tiempo, por tener contactos con comerciantes polacos y judíos adinerados, aprovechándose de ello para ganarse la estima de las altas esferas nazis. Los oficiales nazis veían en Schindler no sólo a un simpático y agradable hombre, sino también a una fuente para proveerse, ocultamente en las fiestas de damas de la alta sociedad alemana, de apreciadas prendas y artilugios del mercado negro. Gracias a estos contactos, Schindler vio una oportunidad de lucrarse con un negocio durante la invasión de Polonia en 1939, invasión que dio comienzo a la Segunda Guerra Mundial (1939-1945).

Schindler adquirió, a bajo precio, una fábrica en Cracovia: la Deutsche Emaillewaren-Fabrik. Esta fábrica, con sus instalaciones intactas, se dedicaba a la confección de ollas y utensilios de cocina en tiempos de paz, pero Schindler adaptó la producción para abastecer a la Wehrmacht con utensilios de campaña. Como la mano de obra germana resultaba cara y además escasa, resolvió negociar con el comandante del campo de trabajo de Plaszow, el capitán Amon Goeth. Desde este campo se enviaban trenes con judíos seleccionados para los campos de exterminio de Auschwitz, Treblinka y Sobibor.

Schindler negoció con Goeth el arrendamiento de mano de obra en judíos aptos para su negocio, seleccionando entre ellos a un contador muy habilidoso llamado Itzhak Stern. Obtuvo inicialmente unos 350 operarios judíos para trabajar allí, con la ayuda de Stern. Los judíos seleccionados trabajaban durante el día en la fábrica y por la noche volvían custodiados por guardias al campo.

Además del pago de arrendamiento, Schindler debía rendir un tributo oculto de los beneficios de la producción al capitán Goeth.
A través de esta convivencia diaria, Schindler se fue dando cuenta de lo que significaban los relatos de las brutalidades y el destino que los nazis le daban a los judíos bajo el nombre de «reinstalación judía».

Schindler empezó a tomar gradualmente conciencia de que detrás de la explotación sistemática y esclava de los judíos se estaba propiciando una ideología irracional hacia el judío. Su fábrica era una ventana hacia una sistemática maquinaria de exterminio masivo debido a la explotación y al trabajo duro por los que pasaban.

Después de la represión del gueto de Cracovia, de la cual Schindler fue testigo, empezó a cambiar su actitud hacia los judíos. Hábilmente negoció con el coronel Goeth judío por judío, pagándole una suma determinada de dinero para que cada uno de ellos fuera empleado en su fábrica. Los judíos eran inscritos en una lista por Stern

Cuando el negocio de las ollas ya no era satisfactorio con la Wehrmacht, cambió el rumbo a la producción de cápsulas y vainas de proyectiles de artillería para poder mantener en pie el flujo de caja de la fábrica y así ampliar la solicitud de mayor mano de obra, y también proseguir la salvación de judíos desde Plaszow. Schindler dio instrucciones para que una parte de las cápsulas de proyectiles de cañón tuvieran defectos de fabricación, en especial las de 88 mm y 75 mm, cuidando de que el sabotaje no resultara evidente.

Al principio puede que se sintiera muy motivado por el dinero (por ejemplo, escondiendo a los ricos inversores judíos), pero luego comenzó a proteger samaritanamente a sus trabajadores sin tener en cuenta el beneficio económico.

Schindler, gracias a su habilidad, pudo retener y proteger a los judíos de su fábrica hacía el final de la guerra y salvarlos de morir en los campos de exterminio nazis. A finales de 1944 Schindler pudo salvar a unos 1100 judíos polacos, quedando casi en la bancarrota personal.

El capitán Goeth fue ahorcado en el campo de Plaszow-Cracovia en 1946, tras ser juzgado por el Tribunal Supremo Nacional de Polonia, reconocido por los aliados.

El gobierno de Israel liberó de la persecución a Schindler en 1955 cuando residía en Argentina. En 1958 se separó de Emilie y regresó a Alemania en la más completa bancarrota.

En 1960, el gobierno de Israel reconoció hondamente su iniciativa salvadora para con los prisioneros de Plaszow, cuyos descendientes lo recuerdan como un ángel salvador. Fue declarado «Justo entre las naciones» por el memorial de Yad Vashem el 1 de julio de 1967, permitiéndosele plantar un árbol en la Avenida de los Justos en Jerusalén; también intentó socorrerlo económicamente una vez que éste retornó definitivamente a Alemania, pero rehusó amablemente y falleció en Hildesheim a la edad de 66 años, en la mayor indigencia, en 1974. Fue sepultado en el cementerio católico de Jerusalén.

La historia de Schindler se haría pública y famosa raíz de la película titulada La lista de Schindler, dirigida por Steven Spielberg y con el actor Liam Neeson interpretando magistralmente a Oskar Schindler. El filme muestra su vida desde la época de negociante, su evolución personal durante la guerra y cómo su ayuda y los negocios en los que intervenía contribuyeron a salvar la vida de muchos seres humanos.

(Fuente: Wikipedia)











LA LISTA DE SCHINDLER
es una película estadounidense biográfica de 1993 dirigida por Steven Spielberg. La película cuenta la historia de Oskar Schindler, un empresario alemán que salvó la vida de alrededor de 1100 judíos polacos durante el Holocausto. Está basada en la novela El arca de Schindler (Schindler's Ark), escrita por Thomas Keneally. Fue protagonizada por Liam Neeson (como Schindler), Ralph Fiennes (como oficial de las SS Amon Leopold Goeth), y Ben Kingsley (el contable de Schindler, Itzhak Stern). La película ganó siete premios Oscar, incluido el de mejor película, el de mejor director y el de mejor banda sonora; también ganó 7 Premios BAFTA y 3 Globos de Oro.

"Quo Vadis" o el exceso de realismo




Cuando hablamos de "Quo Vadis" todos pensamos en la magnífica película rodada en 1951 por Mervyn LeRoy y en la que podíamos disfrutar del histriónico Peter Ustinov, de Robert Taylor y de la preciosa Deborah Kerr. Pero antes hubo otros "Quo Vadis". Uno en 1924 dirigido por Gabrielle D'Annunzio y en en la que hacía de Nerón el gran Emil Jannings, a la que hay qu...e añadir una previa en los albores del cine, la dirigida en 1913 por Enrico Guazzoni. No queda claro según el anecdotario de IMDb a cuál de estos dos últimos filmes se refiere la sorprendente historia que paso a contaros.

Parece que con aquello de que la película era muda, la ambientación tenía que ser lo más espectacular posible y para contribuir a ello se contrataron 47 leones para las escenas en el Circo romano.

Para que los leones mostraran una adecuada fiereza se les dejó varios días sin comer, con la idea de que cuando los soltaran en el escenario, totalmente hambrientos, se cebaran con unos muñecos rellenos de carne cruda, que hacían las veces de cristianos. Llegado el momento la mayoría de los leones se contentó con los muñecos y la carne que contenían, pero uno de los felinos tenía más amplitud de miras y saltó la barrera que separaba a las fieras de los extras que hacían de público, logrando arrastrar a uno de los espectadores hasta el resto de la manada donde los destrozaron totalmente antes de que los encargados de los animales los ahuyentaran haciendo uso de rifles. En la crónica de la obra de D'Annunzio se le pone incluso nombre al extra, sería Augusto Palombi, el desgraciado espectador que sufrió este percance. En las referencias de la otra, la de Enrico Guazzoni (1913), película a la que pertence la fotografía que acompaña el texto, se comenta que las imágenes fueron filmadas y que se discutió mucho tiempo si mantenerlas en la película. Los productores lo negaron siempre, pero algunos de los actores intervinientes manifestaron que la secuencia se había mantenido integra en el metraje final. Algo que es difícil saber al no conservarse ninguna copia de la película original.

sábado, 27 de abril de 2013

Astérix y Obélix.- cómic e historia



"¡Por Tutatis! ¡Están locos estos romanos!"

En 1959, el guionista francés René Goscinny (1926-1977) ideó un héroe que tuviera aspecto de antihéroe: bajito, enclenque y sin ningún atractivo, pero dotado de una inteligencia excepcional y una sensatez que le permite salir airoso de cualquier circunstancia adversa. El lápiz del dibujante Albert Uderzo (1927) dio forma a ese héroe, y así nació 'Astérix el galo', la primera de una larga serie de divertidas y entrañables aventuras.


Astérix y sus amigos viven felices en una aldea situada en la provincia romana de Armórica -en lo que actualmente es la Normandía francesa- de la que nunca se ha sabido el nombre. Los romanos la llaman "la aldea de los locos". ¿Por qué? Porque esos "locos" repletos de poción mágica suelen hacer la vida imposible a los legionarios que acampan en los campamentos que rodean el pueblecito.

Convencidos de la imposibilidad de someter la aldea al poder de Roma, los legionarios sólo aspiran a no encontrarse fortuitamente en el bosque cercano al pueblo con Astérix y, sobre todo, con Obélix, gran amante de las peleas, sobre todo si se trata de aporrear romanos. Esos encuentros se suelen dar con frecuencia, ya que tanto Astérix como Obélix -principalmente este último- necesitan acudir al bosque en busca de su principal fuente de alimentación: los jabalíes.


Pero ¿Por qué los nombres de todos los personajes galos terminan en -ix? La terminación se debe a un personaje histórico real, Vercingetorix, que era el líder supremo de las tribus galas a las que Julio César venció en la Guerra de las Galias (58-51 a. de J.C.). Aunque César es el villano por excelencia de estas historietas, la pluma de Uderzo lo ha tratado con sumo respeto, pues es de los pocos personajes cuya imagen no está caricaturizada.

Y pese a que los romanos son los 'malos' de la película y casi siempre se ven envueltos en situaciones ridículas que provocan la carcajada del lector, en el trasfondo de las aventuras de Astérix se aprecia el respeto y la admiración por la cultura romana: son muy frecuentes las menciones a la literatura latina, la mitología, las frases célebres de César y otros personajes históricos romanos...

Entre los moradores de la aldea de Astérix y Obélix destacan el jefe Abraracúrcix, un valiente que sólo teme "que el cielo le caiga sobre la cabeza"; el bardo Asurancetúrix, cuyo talento musical deja mucho que desear, y, por supuesto, el druida Panorámix, cuya magia permite a sus amigos permanecer ajenos a la dominación romana.


En el pueblo y sus alrededores tienen lugar buena parte de las aventuras de Astérix, pero la mayoría de ellas transcurren durante largos viajes por el mundo: 'La vuelta a la Galia' -un homenaje al Tour de Francia-, 'Astérix en los Juegos Olímpicos', 'Astérix en Hispania', 'Astérix en la India'... Por supuesto, el héroe galo y su inseparable Obélix han viajado a Roma. Ocurrió en 'Astérix Gladiador' y en 'Los laureles del César'.

La gran amistad que une a Astérix y Obélix puede ser un reflejo de la que mantenían sus creadores. Tras la muerte de Goscinny en 1977, Uderzo decidió continuar la saga en solitario, y siempre ha aprovechado cualquier oportunidad para homenajear a su amigo. Y por Tutatis -una de las deidades galas- que estas palabras son ciertas: en 'La odisea de Astérix', uno de los primeros cómics realizados con guión de Uderzo, el rostro de uno de los personajes es la caricatura de Goscinny.

Desvelar el final de una aventura de Astérix no es un problema, porque todas ellas terminan igual: con un banquete bajo la luz de las estrellas en esa aldea sin nombre. Es cierto que en alguna ocasión -'El hijo de Astérix', por ejemplo- el lugar de celebración del festín ha sido otro, pero lo que importa es que asistan todos los habitantes de la aldea y, sobre todo, que el menú incluya muchos jabalíes asados. ¡Por Tutatis!













La caza ( Thomas Vinterberg, 2012)



Porque los niños nunca mienten...


Lucas (Mads Mikkelsen) es un hombre que tras enfrentarse a un complicado divorcio y problemas laborales, parece encontrar la calma como maestro infantil  hasta que Klara (Annika Wedderkopp), una niña de cuatro años e hija de su mejor amigo, lo acusa injustamente.

La imaginación, la fantasía y los recuerdos se mezclan en la mente de la pequeña, quien con sus declaraciones alarma a la directora del colegio, los padres de familia y toda una comunidad que pierde el control y desata una serie de alegatos que comienzan a caer en el absurdo. El pueblo entero estalla en ira y el profesor se convierte en la presa de una cacería despiadada (el linchamiento pasará por la cabeza de varios en el público) en la que la verdad y la mentira desaparecen para convertirse en una violenta narración kafkiana. Vinterberg logra que la verdad se convierta en abuso en una película que desde el comienzo va al grano, habla de frente y nos describe sin posibilidad de que lo negemos, la manera de operar de las sociedades occidentales: doble moral, falso perdón, violencia oculta y sanguinaria reconciliación.

Muy a la manera de Haneke, Vinterberg entrega paisajes desolados de nuestras sociedades, en las que la ley es un pretexto para humillar y descargar culpas,  y en la que la verdad es tan distorsionada como todos los sujetos  que la juzguen y valoren . El tono de la cinta es duro, intenso, más por la impotencia del personaje al que castiga sin piedad en medio de un invierno eterno, que por la acción. Su cacería es más de intenciones y de deseos no dichos, pero que se pasean al acecho para sorprendernos: los deseos de venganza están en nuestra propia cabeza a pesar de que somos los únicos (nosotros los espectadores) que conocemos ambas versiones de la historia que ha desatado este infierno.

Entonces la verdad no existe y toma la forma del abuso; a falta de perdón Vinterberg parece ofrecer una reconciliación que, a fuerza de nutrir de nuevo a las dudas del caso, desaparece también para sugerir otra vez que los fantasmas en los sótanos de estas sociedades son gigantescos y que muchos sabe que están ahí.

En esta cacería sin final, cruda incluso en su conclusión, Vinterberg nos deja en las manos las armas de la sociedad, desde el perdón hasta la verdad, pero después de que nos ha mostrado lo que esas armas han construido es inevitable sentir que no se sabe qué hacer con ellas. La verdad última es la que dictamina quién es la presa, no por qué.


"La gente a veces miente y eso incluye a los niños también", ha declarado Vinterberg y es que en casos tan delicados como el abuso sexual infantil la palabra de un menor pesa más que cualquier prueba.Con un guión que engancha y que lleva al espectador a sentir la misma angustia y desesperación de su protagonista, La caza no pretende lanzar un drama entre buenos y villanos, pero sí desarrolla un sorprendente giro  en la relación víctima-verdugo.
Uno de los grandes puntos fuertes de esta película es la magistral interpretación  del danés Mads Mikkelsen, ante la cual no cabe extrañarse  de  que en la pasada edición del Festival de Cannes obtuviera el Premio a la mejor actuación masculina.

"El dedo" - Microrrelato de Feng Meng-Lung (China -1574-1645)



Un hombre pobre se encontró en su camino a un antiguo amigo. Éste tenía un poder sobrenatural que le permitía hacer milagros. Como el hombre pobre se quejara de las dificultades de su vida, su amigo to...có con el dedo un ladrillo que de inmediato se convirtió en oro. Se lo ofreció al pobre, pero éste se lamentó de que eso era muy poco. El amigo tocó un león de piedra que se convirtió en un león de oro macizo y lo agregó al ladrillo de oro. El amigo insistió en que ambos regalos eran poca cosa.

-¿Qué más deseas, pues? -le preguntó sorprendido el hacedor de prodigios.

-¡Quisiera tu dedo! -contestó el otro.
 
 
En la foto se puede ver uno de los leones dorados de la Ciudad Prohibida de Pekin.

Alejandro Dumas dixit



"La mujer es como una buena taza de café: la primera vez que se toma, no deja dormir"

Alejandro Dumas (1803-1870) Escritor francés.

El primer retrato fotográfico de la historia




Pues eso es lo que dice en el reverso de esta fotografía: "La primera foto jamás tomada." Y si bien puede que no sea la primera fotografía, si que para muchos es el primero de los retratos. La foto es un autorretrato del estadounidense Robert Cornelius (1809-1893) quien ayudado de su propio conocimiento en química y metalurgia, así como el apoyo del químico Paul Beck Goddard, intentó perfeccionar el daguerrotipo. En octubre de 1839 , Cornelius tomó un retrato de sí mismo fuera de la tienda de su familia. El daguerrotipo producido y que acompaña esta entrada, muestra un retrato descentrado de un hombre con los brazos cruzados y el pelo despeinado. Una foto que mira al futuro con expectación y que es el comienzo del declive de un estilo de pintura. ¿Quién podría querer un oleo aproximado de una persona querida pudiendo tener una fotografía exacta?

Clint Eastwood dixit...

 
"Si no fuera un ser humano me gustaría ser una canción. Había un Calipso donde un tipo quería ser la ropa de la cama de una chica, para así poderle tocar el trasero. Yo podría reencarnarme en una canción, en un estándar, para que así me tocasen una y otra vez"

 
Y ya puestos a elucubrar, yo me lo imagino, como esta musiquilla de "La muerte tenía un precio"



"My Guy" - Mary Wells (y Aretha Franklin)



"My guy" fue un verdadero exitazo allá por 1964 cuando fue cantada por Mary Wells. La canción la convirtió en la primera estrella de la casa Motown y llegó a ser conocida durante un tiempo como "La reina de la Motown" (después vendrían otras).
El tema estaba compuesto y producido por Smokey Robinson & The Miracles" y posteriormente fue versionado por multitud de cantantes, entre ellos The Supremes , Sister Sledge , Petula Clark , Claudine Longet, Margo Smith y sobre todo, por la sensacional Aretha Franklin que tiene la mejor versión (opinión personal) de este tema y que para ser sincero, es el que me lleva a realizar esta entrada. La canción habla del amor de una chica por su chico y de cómo nada podría hacerla alejarse de él. Más o menos dice:

Nada de lo que digas puede separarme de mi chico.
Ni nada de lo que hagas
porque estoy pegada a él con pegamento
Estoy pegada a mi chico
como un sello a una carta
estamos pegados como las plumas a los pájaros….

 
 
 
La versión original de Mary Wells
 
 
Y la fabulosa interpretación del tema por Aretha Franklin

 



María Montez: El trágico final de "La Reina del technicolor"

 
 

"Quisiera tocar el firmamento para convertirme en una estrella lejana, pero fulgurante y bella así todos me recordarán por lo que una vez llegué a ser"

Son palabras de María Montez, una de las grandes bellezas de Hollywood, actriz dominicana de padre español, que gracias a su intervención en famosas películas de aventuras, en las que siempre aparecía sumamente seductora y ataviada con trajes fantásticos y joyas brillantes, fue conocida como "La Reina del Technicolor". Destacó principalmente en películas como "Las mil y una noches" (1942), "Alí Babá y los cuarenta ladrones" (1944) o "La reina Cobra" (1944). Sobre sus orígenes ella misma decía: «Me eduqué en Santa Cruz de Tenerife, y he tenido siempre para todo lo español verdadera admiración. [...] estoy segura que allí todos verán muy bien que yo trabaje con mi verdadero nombre, pero a nadie le habrá de satisfacer tanto como a mí».

Es realmente singular la forma en que falleció. Al parecer la actriz tenía la costumbre de tomar baños de agua muy caliente con sales adelgazantes para mantener su figura, pero el día 7 de septiembre de 1951, fue encontrada muerta en la bañera en la que tomaba su peculiar tratamiento de belleza diario. Según el informe médico, el agua de la bañera (fue encontrada aproximadamente una hora y media después de su muerte) se encontraba a una temperatura “terriblemente elevada”. Parece que María Montez se introducía en la bañera a una temperatura más o menos templada y después iba añadiendo agua caliente hasta una temperatura que le era soportable. Por alguna razón desconocida aquel día dejó que el agua se calentara en exceso antes de ella misma cerrara el grifo. Después sufrió un repentino ataque cardiaco que provocó que su cuerpo se deslizara en la bañera hasta cubrirla completamente el agua. Solo tenía 31 años.

Curiosamente en la lápida de su tumba aparecía como fecha de nacimiento el año 1918 cuando realmente nació en 1912. Hasta en ese punto quiso dejar un toque de misterio.

 
 
Un video con fotos de María Montez

viernes, 26 de abril de 2013

Douglas Sirk



                             “El cine es sangre, lágrimas, violencia, odio, muerte y amor.”

                                DOUGLAS SIRK (26 de abril, 1900 - 14 de enero, 1987)







Douglas Sirk, de nacimiento Claus Detlef Sierck, fue un cineasta alemán que inició la carrera en su país, se exilió en 1937, y prosiguió como reconocido director de cine estadounidense.


Trayectoria

En Alemania

Claus Detlef Sierck, hijo de un periodista danés, nació en Hamburgo. Pasó su primera infancia en Dinamarca, hasta que su padre regresó a Alemania, donde se nacionalizó. Sierck se formó en las universidades de Múnich, Jena y Hamburgo con grandes teóricos del arte en Alemania: fue alumno aventajado de Erwin Panofsky, en Hamburgo, y escribió para él un ensayo sobre las relaciones entre la pintura alemana medieval y los autos dramáticos.

Siendo estudiante, trabajó como ayudante del Teatro Alemán de esta ciudad, uno de los más importantes. Fue nombrado director artístico de varios teatros en Bremen y Leipzig, puso en escena obras de Molière, Büchner y Strindberg, también Brecht y otros. Conoció a grandes directores teatrales como Max Reinhardt.

Empezó a filmar películas, en 1935, y Detlef Sierck se convirtió en un afamado director alemán de la Ufa, la gran productora alemana, desaparecida tras la desnazificación:Acorde final, Das Hofkonzert (1936), Zu neuen Ufern (1937), La Habanera, de ese mismo año. Hizo siete películas propias, algunas, como las citadas, de importancia en el desarrollo del sonoro y del cine de su país. Ya había creado un estilo propio, su dirección de actores era sólida y destacaba por una una iluminación y un ritmo muy especiales.

En Estados Unidos

Pero huyó al fin, no sin dificultades, de la Alemania nazi en 1937. Estuvo entre 1938 y 1939 en Francia y Holanda, donde trabajó en el cine. Luego llegó a Hollywood en 1939, reclamado por los Warner, que le pedían hacer de nuevo una de sus películas de éxito en Europa.

Unos años después, en 1943, dirigió su primer filme americano llamado Hitler's Madman, y empezó a firmar como Douglas Sirk. Dirá el cineasta que, la diferencia con Europa era grande pero que, en los EE UU, los técnicos estaban más al día que en cualquier otra parte.2

En 1948, hizo Pacto tenebroso, film negro y trágico, en el que una mujer que se despierta, en medio de la noche, con una pistola en su bolso a bordo de un tren del que nada recuerda. Cuando regresa a Boston, intenta aclararlo con su marido, un arquitecto, pero todo resulta cada vez más turbio.

Estuvo un año en Alemania (1949-50). Se incorporó a la Universal Pictures en 1950, donde dirigió cintas de diversos géneros como comedia, western y cine bélico. En 1951, rueda Tempestad en la cumbre, novela de suspense y de pasión, en la que una joven condenada por el asesinato de su hermano va a ser trasladada al lugar de la ejecución; una gran tormenta seguida de una inundación la aísla con el policía, en un convento-hospital; allí, una monja muy activa (C. Colbert) en pocas horas descubrirá al verdadero criminal.

Sin embargo, es más recordado por sus afamados melodramas, varios de ellos retomaron los títulos de un gran director: John M. Stahl. Se ha señalado que las películas homónimas de Stahl y de Sirk (Imitación a la vida, Sublime obsesión, Interludio, de alta calidad para Sirk 3 ), son de valía similar, si bien sus puntos de vista y sus estéticas difieren del todo, es más barroca la de Sirk (a Stahl le gustaba la naturalidad dentro de las situaciones extremas).

Destacan entre los melodramas: Su gran deseo, donde la protagonista, Naomi Murdoch, abandona su pequeño pueblo y a su familia para trabajar como actriz, en 1900; su hija, en 1910, invita a su madre para que la vea actuar en una pieza de su instituto, y con este regreso momentáneo al surgen viejos conflictos y nuevoes estados emocionales). Obsesión, de 1954, melodrama que trata de un joven multimillonario, egoísta, Bob Merrick, que sufre un accidente, y le aplican en el hospital un pulmón artificial; le trata el doctor Phillips, que muere de un ataque; su viuda, Helen, comprueba con sorpresa que está arruinada, pues su marido hacía muchos donativos para gente humilde; a partir de ese momento Bob y Helen comienzan a acercarse. Escrito sobre el viento (1956), Sólo el cielo lo sabe del mismo año, en el que rodó asimismo Hoy como ayer (en la que un médico del ejército americano se casa con una joven pianista en la dividida Berlín, 1945; como ella queda atrapada en el sector soviético, tendrán que pasar años hasta poder reunirse).

Luego adaptó a Faulkner en Ángeles sin brillo (1957), e hizo una película asimismo americana sobre los desastres de la guerra, Tiempo de amar, tiempo de morir, con la novela de Remarque, que filmó en su país de origen, donde no fue bien recibida.
Retorno

Después de dirigir su más grande éxito melodramático, en 1959, Imitación a la vida, sintió que había concluido un ciclo vital, y decidió abandonar los estudios americanos, aprovechando una enfermedad. No se sentía nada a gusto en un país en el que el maccarthysmo había estado persiguiendo a escritores y cineastas.

Se retiró a Europa, pero tampoco se sentía a gusto en Alemania, pues veía una muy sociedad hipócrita y que no se había depurado (como señaló en 1969).4 De todos modos, aunque eligió vivir en Suiza, ente 1960 y 1969 dirigió varias piezas teatrales en Múnich.


(Fuente: Wikipedia)



 
IMITACION A LA VIDA
  (Imitation of life) es una película de 1959 dirigida por Douglas Sirk, en una adaptación de la novela homónima de Fannie Hurst, producida por Ross Hunter y protagonizada por Lana Turner. Esta película supone la segunda ocasión en la que la novela es llevada al cine después que en 1934 lo hiciera el director John M. Stahl con Claudette Colbert en el papel principal. Esta versión es considerado el mejor film de Sirk.






jueves, 25 de abril de 2013

Tagore.- Los pájaros perdidos




"Los pájaros perdidos del verano vienen
a mi ventana, cantan y se van.
Y las hojas secas del otoño, que no saben cantar,
vuelan y caen frente a mí con un suspiro.

Pequeños vagabundos del mundo,
dejad vuestra huella en mis palabras."

Ella Fitzgerald


"No te des por vencido al intentar hacer lo que realmente quieres. Si hay amor e inspiración,creo que no puedes equivocarte." 

ELLA FITZGERALD (25 de abril de 1917 - 15 de junio de 1996)




Ella Jane Fitzgerald  conocida como Ella Fitzgerald y apodada Lady Ella y The First Lady of Song (La primera dama de la canción), fue una cantante estadounidense de jazz. No obstante esta condición básica de jazzista, el repertorio musical de Ella Fitzgerald es amplísimo e incluye swing, blues, bossa nova, samba, gospel, calypso, canciones navideñas, pop, etc.

Inició su carrera en la década de 1930 y fue calificada de «primera dama del jazz» por su elegancia y por su técnica vocal, que la dotaba de una gran versatilidad en su repertorio. Fue, junto al genial trompetista Louis Armstrong, la principal figura del scat singing (uso de la voz de una manera instrumental mediante la entonación de sílabas improvisadas), y trabajó, entre otros, con Chick Webb, el ya mencionado Louis Armstrong y Duke Ellington.


Tras pasar su infancia en un orfanato de Nueva York, inició su carrera con sólo dieciséis años, cuando ganó en 1934 un concurso para voces noveles en el Apolo Harlem de Nueva York. Entre los asistentes a la gala se encontraba Chick Webb, que quedó fascinado por su voz y la contrató para su orquesta; posteriormente se casaría con ella. De 1935 data su primera grabación, Love & Kisses. Entre 1934 y 1939, Ella Fitzgerald cantó con la Chick Webb Band, grupo que dirigió tras la muerte de Webb (1939) durante dos años.

Empezó entonces su trayectoria como solista y grabó su primer álbum, My Wubba Dolly. Su cálida voz, aunque nunca tan intensa como la de Billie Holiday, tenía un aire distinguido, llegando incluso a veces a parecer ingenua e infantil. Tras colaborar en grabaciones con un sinfín de personajes del mundo de la música negra (Louis Armstrong entre ellos), en el año 1946 se incorporó a una gira por Estados Unidos que la dio a conocer por todo el país. Trabajó con el productor discográfico estadounidense Norman Granz y recorrió Europa y Asia interviniendo en las jornadas musicales Jazz at the Philharmonic, organizadas por Granz. Ya en la década de los cincuenta fueron frecuentes sus trabajos junto a nombres ilustres del jazz, como Cole Porter y Duke Ellington, en la que fue una de sus mejores etapas como vocalista. Realizó incluso una primera aparición en el celuloide, en el filme Pete Kelly's Blues (1955).

Ese mismo año se despidió de Decca, su sello discográfico hasta esa fecha, donde había orientado su carrera artística hacia las baladas pop; su fichaje por el sello Verve, en 1956, la acercó más al jazz, e inició una fructífera etapa durante la que, hasta mediados de la década de los sesenta, grabó más de 250 canciones con los mejores compositores del momento, como los mencionados Porter o Ellington o figuras de la magnitud de Richard Rogers, George Gershwin o Jerome Kern, entre otros.


Sus grabaciones con orquestas están consideradas entre las mejores de la historia del jazz. Una de las realizadas para este sello fue Ella & Basie, donde colaboró con Count Basie y un joven Quincy Jones como artista invitado. Con Basie volvería a editar otro excelente disco, A Classy Pair, en 1979. Para los aficionados al jazz, posiblemente su mejor trabajo es Ella Fitzgerald sings the Cole Porter songbook (1956) álbum que incluye la versión definitiva de Every time we say goodbye, uno de sus mayores éxitos, aunque también hay que destacar grabaciones como Lady be good (1946) o A Tisket A Tasket (1968).

Entre 1957 y 1958 interpretó con la colaboración, una vez más, de Louis Armstrong, la ópera de George Gershwin Porgy and Bess, en una excelente versión jazz de la misma. En 1958 actuó junto a Duke Ellington en el Carnegie Hall de Nueva York. En Europa ofrecería numerosos recitales con el trío de Oscar Peterson. En el año 1960 organizó un concierto en la Deutschlandhalle de Berlín, donde Adolf Hitler había pronunciado un discurso condenando a dos grandes intelectuales alemanes como fueron Kurt Weill y Bertolt Brecht, hecho que la cantante conmemoró en un homenaje a los mismos intelectuales y que terminó en un apoteósico Mack The Knife (Weill-Brecht). Este simbólico acto acentuó aún más la leyenda mundial de esta diva del jazz.

Una grave enfermedad la mantuvo apartada de la escena musical desde mediados de los sesenta, pero recobró la actividad en los setenta, grabando y volviendo a actuar con regularidad. Entre sus últimas apariciones destaca el concierto que ofreció en 1985, con motivo del Kool Jazz Festival, en el Carnegie Hall. En 1986 fue operada a corazón abierto, y sólo el afán de superación le ayudó a superar la crisis; volvió a los escenarios un año después. Sus últimos trabajos (30 by Ella, editado en 1991 y grabado con el saxofonista Benny Carter, o Misty Blue, del mismo año) demuestran la fuerza interpretativa que mantuvo prácticamente hasta su fallecimiento.

(Fuente:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/f/fitzgerald_ella.htm  y  Wikipedia)




FEELINGS

Sin duda alguna esta es la canción perfecta para ilustrar cómo debe interpretarse una canción de jazz. Si necesitas explicarle a alguien la esencia del sonido de este género, te recomiendo que utilices esta canción. 



 
DREAM A LITTLE DREAM OF ME

Ella fue tan importante para el jazz, que el mismo Louis Armstrong canta esta canción a dueto con la intérprete. Deleitándonos con esta melodía nos demuestran cómo conjuntar dos voces totalmente distintas al ritmo de un saxofón que puede perder a cualquiera.





MISTY

Aquí Fitzgerald nos demuestra el por qué de su grandeza. Hace gala de una interpretación sublime, llena de sentimiento y de ese feeling que solo algunos artistas poseen.




 Ella Fitzgerald and Joe Pass -CRY ME A RIVER (1975)

Fragmentos de "Cien años de soledad" - Gabriel García Márquez

 
"Muchos años después, frente al pelotón de fusilamiento, el coronel Aureliano Buendía había de recordar aquella tarde remota en que su padre lo llevó a conocer el hielo. Macondo era entonces una aldea de veinte casas de barro y cañabrava construida a la orilla de un río de aguas diáfanas que se precipitaban por un lecho de piedras pulidas..., blancas y enormes como huevos prehistóricos. El mundo era tan reciente, que muchas cosas carecían de nombre, y para mencionarlas había que señalarlas con el dedo. 
 
(...) José Arcadio Buendía, que era el hombre más emprendedor que se vería jamás en la aldea, había dispuesto de tal modo la posición de las casas, que desde todas podía llegarse al río y abastecerse de agua con igual esfuerzo, y trazó las calles con tan buen sentido que ninguna casa recibía más sol que otra a la hora del calor. En pocos años, Macondo fue una aldea más ordenada y laboriosa que cualquiera de las conocidas hasta entonces por sus trescientos habitantes. Era en verdad una aldea feliz, donde nadie era mayor de treinta años y donde nadie había muerto.

(...) Vio una mujer vestida de oro en el cogote de un elefante. Vio un dromedario triste. Vio un oso vestido de holandesa que marcaba el compás de la música con un cucharón y una cacerola. Vio a los payasos haciendo maromas en la cola del desfile, y le vio otra vez la cara a su soledad miserable cuando todo acabó de pasar, y no quedó sino el luminoso espacio en la calle, y el aire lleno de hormigas voladoras, y unos cuantos curiosos asomados al precipicio de la incertidumbre. Entonces fue el castaño, pensando en el circo, y mientras orinaba trató de seguir pensando en el circo, pero ya no encontró el recuerdo. Metió la cabeza entre los hombros, como un pollito, y se quedó inmóvil con la frente apoyada en el tronco del castaño.

(...) En aquél Macondo olvidado hasta por los pájaros, dónde el polvo y el calor se habían hecho tan tenaces que costaba trabajo respirar, recluidos por la soledad y el amor y por la soledad del amor en una casa dónde era casi imposible dormir por el estruendo de las hormigas coloradas, Aureliano y Amaranta Ursula eran los únicos seres felices, y los más felices sobre la tierra. "

Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomiendo sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts


miércoles, 24 de abril de 2013

Fragmento de "El árbol de la ciencia" - Pío Baroja


PIO BAROJA (1872-1956)
EL ÁRBOL DE LA CIENCIA -1911- (Fragmento)

«-¿Hay que indignarse porque una araña mate a una mosca? –siguió diciendo Iturrioz-. Bueno. Indignémonos. ¿Qué vamos a hacer? ¿Matarla? Matémosla. Eso no impedirá que sigan las arañas comiéndose a las moscas. ¿Vamos a quitarle al hombre esos instintos fieros que te repugnan? ¿Vamos a borrar esa sentencia del poeta latino: “Homo, homini lupus”, el hombre es un lobo para el hombre? Está bien. En cuatro o cinco mil años lo podremos conseguir. El hombre ha hecho de un carnívoro como el chacal, un omnívoro como el perro; pero se necesitan muchos siglos para eso. No sé si habrás leído que Spallanzani había acostumbrado a una paloma a comer carne, y a un águila a comer y digerir pan. Ahí tienes el caso de esos grandes apóstoles religiosos y laicos; son águilas que se alimentan de pan en vez de alimentarse de carnes palpitantes; son lobos vegetarianos. Ahí tienes el caso del hermano Juan…

-Ése no creo que sea un águila, ni un lobo.

-Será un mochuelo o una garduña; pero de instintos perturbados.

-Sí, es muy posible –repuso Andrés-; pero creo que nos hemos desviado de la cuestión; no veo la consecuencia.

-La consecuencia a la que yo iba era ésta: que ante la vida no hay más que dos soluciones prácticas para el hombre sereno: o la abstención y la contemplación indiferente de todo, o la acción limitándose a un círculo pequeño. Es decir, que se puede tener el quijotismo contra una anomalía; pero tenerlo contra una regla general es absurdo.

-De manera que, según usted, el que quiera hacer algo tiene que restringir su acción justiciera a un medio pequeño.

-Claro, a un medio pequeño; tú puedes abarcar en tu contemplación la casa, el pueblo, el país, la sociedad, el mundo, todo lo vivo y todo lo muerto; pero si intentas realizar una acción, y una acción justiciera, tendrás que restringirte hasta el punto de que todo te vendrá ancho, quizá hasta la misma conciencia.

-Es lo que tiene de bueno la filosofía –dijo Andrés con amargura-; le convence a uno de que lo mejor es no hacer nada.»

Un "Picasso" con fecha de caducidad




Picasso era un pintor que, consciente de su fama mundial y del valor de cualquier cosa que saliera de su mano, tenía a veces comportamientos que cuando menos se pueden tachar de "singulares". Se cuenta que en los años 50 Picasso vivía en el sur de Francia y tenía la costumbre de tomar baños en la playa. Cierto día fue reconocido por una familia, y viendo como jugueteaba con los niños, mandaron a su hijo con una hoja de papel a pedirle un dibujo. El artista no quería que los padres se llevaran un "Picasso" sin pagar un céntimo mediante aquella artimaña de mandar a su inocente hijo, pero a la vez no deseaba desairar al pequeño, así, tras tirar la hoja, puso al pequeño de espaldas y aprovechó el lienzo que le ofrecía su propio cuerpo para pintar una hermosa paloma. El niño corrió contentísimo a mostrárselo a sus padres, mientras Picasso le comentaba a sus amigos:
"Me pregunto cuándo bañaran al pobre niño"

En la foto se puede ver a Pablo Picasso con su hijo Claude en una de las fotos que Robert Capa le hizo en "Golfe-Juan" (cerca de Vallauris - Cannes) en 1948

Shirley MacLaine



"El gran regalo que me dieron mis padres fue no inculcarme ninguna religión, me dejaron la mente abierta y yo me he divertido explorando otras realidades." SHIRLEY MacLAINE




 Shirley MacLaine (de nombre real Shirley MacLean Beaty) nació el 24 de abril de 1934 en Richmond, ciudad norteamericana perteneciente al estado de Virginia. Hija de Ira Owens Beaty y la bailarina, actriz y profesora de interpretación Kathlyn MacLean Beaty.

Con la profesión de su madre, no fue extraño que la joven Shirley, llamada así por la popular niña prodigio Shirley Temple, dedicara sus ansias al mundo del espectáculo, al igual que hizo su hermano menor, Warren Beatty, nacido en 1937.

Shirley estudió ballet y participó en anuncios publicitarios desde muy niña.

En el año 1950 se trasladó a la ciudad de Nueva York para iniciar una carrera como actriz teatral.

En sus inicios tuvo que alternar sus representaciones escénicas con trabajos como modelo hasta que consiguió debutar en Broadway en 1953 apareciendo en la obra "Me And Juliet".

Su revelación se produjo cuando protagonizó "Pajama Party" (1954) sustituyendo a Carol Haney, quien había sufrido una lesión en su tobillo. En esos momentos adoptó el apellido artístico de MacLaine.

Su actuación no pasó desapercibida para Hollywood, en especial para el productor Hal B. Wallis, quien terminó llamando a la joven actriz para debutar en la película de Alfred Hitchcock, "Pero... ¿Quién mató a Harry?" (1955), comedia negra en la que Shirley era la principal protagonista femenina (mujer del muerto), acompañada de John Forsythe y Edmund Gwenn.

El mismo año intervino junto a Jerry Lewis y Dean Martin en la colorista comedia dirigida por Frank Tashlin "Artistas y Modelos" (1955).

El comienzo como actriz cinematográfica de Shirley MacLaine había sido fulgurante. Todavía en esta segunda mitad de los años 50 pudo ser vista en títulos de interés como "La Vuelta Al Mundo En 80 días" (1956) de Michael Anderson, "Furia En El valle" (1958), un western de George Marshall co-protagonizado por Glenn Ford, "La Casamentera" (1958) de Joseph Anthony o "Como Un Torrente" (1958), film dirigido por Vincente Minnelli que le proporcionó su primera candidatura al premio Oscar como mejor actriz. La estatuilla fue para Susan Hayward por el drama contra la pena de muerte "Quiero Vivir".

En 1954 se casó con el productor Steve Parker, quien fue el encargado de producirle dos películas, "Mi Dulce Geisha" (1962) de Jack Cardiff y "John Goldfarb, Please Come Home" (1965), comedia dirigida por J. Lee Thompson. Parker y Shirley se divorciaron en 1982.
  

En la década de los 60 se implicó en política, apoyando al Partido Demócrata. En cuanto al cine esos años fueron su etapa cinematográfica más importante.

Protagonizó para Billy Wilder y junto a Jack Lemmon "El Apartamento" (1960) e "Irma, La Dulce" (1963), en donde interpretaba a una prostituta, e intervino en meritorias películas como "La Cuadrilla De Los Once" (1960), film en el que compartió cartel con el "rat pack" de Frank Sinatra bajo las órdenes de Lewis Milestone, "La Calumnia" (1961), drama lésbico de William Wyler, "Cualquier Día En Cualquier Esquina" (1962) de Robert Wise, "Ella y Sus Maridos" (1964) de J. Lee Thompson, "Los Pecados De La Señora Blossom" (1968) de Joseph McGrath, "Ladrona Por Amor" (1966) de Ronald Neame, "Siete Veces Mujer" (1967) de Vittorio de Sica o "Noches En La Ciudad" (1969) de Bob Fosse.

En ese periodo fue nominada de nuevo al Oscar. Por "El Apartamento" (1960) e "Irma La Dulce" (1963). Sin embargo la fortuna no volvio a recompensarle y los premios fueron a parar a manos de Elizabeth Taylor por "Una Mujer Marcada" y Patricia Neal por "Hud".

  
En los años 70 fue nominada dos veces más, en calidad de productora por el documental "The Other Half Of The Sky: A China Memoir" (1975) y por su actuación en "The Turning Point" (1977) de Herbert Ross. La ganadora en esta ocasión fue Diane Keaton por "Annie Hall".

Otros títulos destacados de Shirley en los 70, decenio en el que la cantidad de películas en las que apareció mermó notablemente, fueron "Dos Mulas y Una Mujer" (1970), western co-protagonizado por Clint Eastwood y dirigido por Don Siegel, "Desperate Characters" (1971), film realizado por Frank D. Gilroy o "Bienvenido, Mr. Chance", película de Hal Ashby que contaba en el reparto con Peter Sellers y Melvyn Douglas.

Además de la actuación cinematográfica, Shirley comenzó a escribir libros y a intervenir en programas y series televisivas, a la vez que proseguía su carrera escénica.

La ansiada estatuilla del Oscar la consiguió gracias a su interpretación en "La Fuerza Del Cariño" (1983), película de James L. Brooks en la que compartía protagonismo con Jack Nicholson y Debra Winger. Las otras candidatas eran Meryl Streep por "Silkwood", Julie Walters por "Educando a Rita", Jane Alexander por "Testamento Final" y la propia Debra Winger por "La fuerza Del Cariño".

Sus trabajos en la gran pantalla se hicieron escasos a partir de ese momento, interviniendo en "Madame Sousaztka" (1988) de John Schlesinger, "Magnolias De Acero" (1989) de Herbert Ross o "Postales Desde El Filo" (1990) de Mike Nichols.

La actriz y escritora siempre se ha sentido atraida por el mundo espiritual y así, realizó el Camino de Santiago en 1994, plasmando sus experiencias en el libro "El Camino".

Tiene una hija llamada Sachi, nacida en el año 1956 de su relación con Steve Parker.

(Fuente: http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article292.html)





LA CALUMNIA (The Children's Hour) es una película estadounidense de 1961, del género drama psicológico, dirigida por William Wyler, interpretada por Audrey Hepburn, Shirley MacLaine y James Garner en los papeles principales. Basada en la obra teatral The Children's Hour (1934) de Lillian Hellman.







IRMA,LA DULCE (1963) es una película dirigida por Billy Wilder y protagonizada por Jack Lemmon y Shirley MacLaine. Ganadora de uno de los dos Oscar a los que estuvo nominada, la película está basada en un exitoso musical francés estrenado en 1959, con libreto de Alexandre Breffort y música de Marguerite Monnot.






 
LA FUERZA DEL CARIÑO
(1983) es una película dramática estadounidense basada en la novela del mismo título de Larry McMurtry. Ganó cinco Oscar, a la mejor película, al mejor director, al mejor actor de reparto (Jack Nicholson), a la mejor actriz principal (Shirley MacLaine), y al mejor guion adaptado, y obtuvo seis otras nominaciones, al mejor actor de reparto (John Lithgow), a la mejor actriz principal (Debra Winger), a la mejor dirección artística, a la mejor música, al mejor montaje, y al mejor sonido.








Sophía Loren y su actuación en "Dos mujeres"



Con su desgarradora interpretación en "Dos Mujeres" (La Ciociara - 1960 - Vittorio de Sica) Sophía Loren demostró que era mucho más que una belleza exótica en el mundillo de Hollywood y fue la primera que consiguió un Oscar a la mejor actriz interviniendo en una película no hablada en inglés, lo que tiene su merito, toda vez que los Oscar son un premio para promocionar la propia industria del cine estadounidense, algo que antes ocurría incluso más que ahora. Sobre el reto que le suponía a Sophía Loren, de orígenes muy humildes, el enfrentarse a dicho papel, contaba en una entrevista:
 
"En el rodaje de "Dos mujeres" yo tenía 25 años y debía interpretar el papel de madre de una chica de 14. ¿Qué sabía yo de la maternidad? Entonces pensé en mi madre, que luchaba como una leona para darnos de comer a mí y a mi hermana. Un tesoro interior que sacas a la luz, si tienes temperamento. Rodamos las escenas más dolorosas a la primera. Tras una mañana intensísima, De Sica decía: "¿Repetir escena? Nunca me la harías tan bien". Eso es lo que ha significado nacer pobre.


De cuando Valle-Inclán por no dar su brazo a torcer... lo perdió

En el Madrid bohemio de la llamada "Generación del 98", era habitual la asistencia de la intelectualidad de la época, a los numerosos cafés de la ciudad para disfrutar de las meriendas y posteriores tertulias que en ellos se organizaban. Entre estos "templos" de las tertulias, aderezadas con cafeína, ocupaba un lugar de honor el "Café Gijón" del que ya hablamos hace tiempo, pero otro de gran renombre era el famoso "Café de la Montaña" también conocido como "Café Imperial" que estuvo abierto a finales del siglo XIX y comienzos del XX. Se encontraba en la planta baja del famoso "Grand Hôtel de París" (denominado "Hotel París") edificio en la Puerta del Sol que tuvo hasta hace poco el famoso anuncio de "Tío Pepe".

Se trataba de un café amplio, de elevado techo y se encontraba abierto de día y noche. Cuentan que poseía dieciséis puertas de salida; algunas daban a la Puerta del Sol, otras a la calle de Alcalá y otras a la carrera de San Jerónimo, razón por la cual se le denominaba también por aquel entonces "café pulmonía". Y precisamente en este Café de la Montaña tuvo lugar uno de los grandes lances de la literatura:

Uno de estos asiduos tertulianos era el dramaturgo, poeta y novelista gallego Ramón María del Valle-Inclán (1866-1936), que desde su llegada a Madrid, solía acudir a las tertulias que se daban cita en el referido Café. Y como veremos a continuación, fue en este lugar donde el escritor perdió su brazo en una batalla, y no en una contra los turcos como le ocurrió a Cervantes donde perdió también su mano izquierda, sino que, conociendo el carácter irreductible de Valle-Inclán en sus opiniones, fue en una contienda dialéctica que tuvo lugar el 24 de julio de 1899. 

 Encontrándose Valle-Inclán tomando el "té español", es decir, un humilde café con leche, se desató una acalorada e insignificante porfía con otro de los contertulios, el cronista Manuel Bueno. Un tertulia sin que existiera apasionamiento en la discusión no respondía a las expectativas de aquellas reuniones, pero este día la cosa se pasó de rosca. Ambos se enzarzaron en una disputa sobre la legalidad de un duelo que se iba a celebrar entre un aristócrata español y un caricaturista portugués, un tema que estaba en boca de todos ya que uno de los duelistas era menor de edad. En el acaloramiento, Valle-Inclán llamó "majadero" a su contrincante, que por aquel entonces, era uno de los mayores insultos que se podían propinar (hoy en día hasta el arte del insulto ha caído en lo burdo y en un catálogo siempre limitado y altamente soez de palabrejas). El asunto acabó con amenazas, por un lado Ramón María llevaba por arma una botella de agua y Manuel Bueno lo acosaba con su bastón, llegándole a dar definitivamente un fuerte golpe en el brazo izquierdo a Valle-Inclán, con tan mala fortuna que fue a parar a uno de los gemelos de la manga de la camisa a la altura de la muñeca, clavándoselo y provocándole diversas fracturas que astillaron los huesos.

La herida fue mal curada, y al no echarle mucha cuenta, acabó gangrenándose. De manera que tres semanas después, tuvo que someterse a la amputación del brazo izquierdo.

Tiempo después, Valle-Inclán se reunía de nuevo con Manuel Bueno en el mismo lugar de la desgracia: el "Café de la Montaña", pero con la única intención de hacer las paces, el escritor le dijo que lo pasado, pasado estaba y que aún conservaba el brazo derecho para estrecharle la mano. Y es que entre personas realmente valiosas no cabe la sinrazón de un rencor eterno.

Con esta entrada continúa su andadura "Un mundo en la cocina" una página fantástica sobre todo lo relacionado con el mundo de la cocina, su historia, sus grandes chefs, trucos, recetas y todo aquello que hace de este mundo un verdadero arte. Os recomiendo que paséis por ella. El link:
http://www.facebook.com/UnMundoEnLaCocina