Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

miércoles, 27 de febrero de 2013

María Asquerino


"Quizás tenga imagen de marimandona, pero en el fondo soy una tonta y una blanda." 


MARIA ASQUERINO


 María Urdiaín Muro,conocida artísticamente como María Asquerino (Madrid, 25 de noviembre de 1926 - Madrid, 27 de febrero de 2013),2 fue una actriz española hija de los también actores Mariano Asquerino y Eloísa Muro.Debutó siendo una niña en el Teatro de la Comedia y ya en 1941 en la gran pantalla con la película Porque te vi llorar, de Juan de Orduña.

Estaba considerada como una de las grandes intérpretes teatrales, medio en el que obtuvo notables éxitos con obras como Eloísa está debajo de un almendro (1940), La ciudad alegre y confiada (1951), Un marido de ida y vuelta (1952),4 Madrugada (1953), Una muchachita de Valladolid (1957), El chico de los Winslow (1958), Esta noche es la víspera (1958), El rey ha muerto (1960), La cornada (1960), Tengo un millón (1960), La bella malmaridada (1962),Epitafio para un soñador (1965), El zapato de raso (1965), Espejo para dos mujeres (1965), Sola en la oscuridad (1967), El sueño de la razón (1970), Anillos para una dama (1973), Motín de brujas (1980), La gaviota (1981),5 Farsa y licencia de la Reina Castiza (1986), Hipólito (1995), Algún día trabajaremos juntas (1997) y Roberto Zucco (2005).

Aunque obtuvo un extraordinario triunfo personal en el cine con su interpretación en la película Surcos (José Antonio Nieves Conde, 1951), ha sido más importante su carrera en la escena. No obstante, trabajó con Luis Buñuel en Ese oscuro objeto del deseo (1977) y la dirigió Fernando Fernán Gómez en algunas destacadas producciones españolas como Mambrú se fue a la guerra (1986), El mar y el tiempo (1989) y Fuera de juego (1991).

Posteriormente, intervino en Nadie hablará de nosotras cuando hayamos muerto (Agustín Díaz Yanes, 1995), La comunidad (Álex de la Iglesia, 2000) y Tiovivo c. 1950 (José Luis Garci, 2004).

En 1987 publicó un libro de Memorias. En 2009, coincidiendo con el estreno de la película Pagafantas, anuncia su retirada de la profesión. Ha sido galardonada con la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.
(Fuente:Wikipedia)

 



SURCOS es una película española de 1951 dirigida por José Antonio Nieves Conde,interpretada por Luis Peña,María Asquerino,Francisco Arenzana,Marisa de Leza,Ricardo Lucía y José Prada entre otros
Considerada por la crítica como una de las mejores películas de la historia del cine español,cuenta con un notable guion transformado por Gonzalo Torrente Ballester a partir de un argumento original de Eugenio Montes (Embajador de España en Portugal) y Natividad Zaro. Es considerada como una de las muestras fílmicas del neorrealismo español

martes, 26 de febrero de 2013

Johnny Cash




"El éxito es tener que preocuparse por cada maldita cosa que hay en el mundo excepto por el dinero."
 

              JOHNNY CASH (26 de febrero de 1932 – 12 de septiembre de 2003)









John Ray Cash  fue un cantautor estadounidense de country, gospel, rock and roll y rockabilly.Nació en Kingsland, Arkansas meridional.La vida allí siempre fue difícil, la Gran Depresión destruyó la economía agrícola de la región y sus padres, Ray y Carrie, tuvieron que hacer milagros para alimentar a sus siete niños. En 1935, la nueva administración del presidente Franklin D. Roosevelt animó a granjeros del país a que cultivasen en el suelo más fértil de Arkansas del noreste. Por las tardes cuando las tareas ya habían sido realizadas, su madre tocaba la guitarra y la familia entera cantaba himnos y canciones tradicionales.

Johnny obtuvo su primer trabajo no agrícola con 14 años, llevando el agua para las cuadrillas del trabajo. Tras graduarse en el High School de secundaria en 1950, decidió no ir a la universidad. La guerra coreana estaba a punto de estallar por lo que se alistó en la fuerza aérea de los Estados Unidos. Servía a la fuerza aérea en Alemania cuando se compró su primera guitarra.

Con algunos amigos formó una banda, Los Bárbaros para actuar en clubs pequeños alrededor de la base aérea. En 1954 fue contratado por la Sun Records de Sam Phillips, que antes había descubierto a personajes como Elvis Presley y Jerry Lee Lewis. Philips se quedó asombrado con la canción " Hey ", que Crash había escrito cuando volvía a casa de la fuerza aérea.

Cuando Phillips buscaba una balada para " Hey" de Crash, él escribió "Cry, Cry, Cry" durante la noche. Vendió 100.000 copias en su país. Comenzó a viajar con Elvis Presley. Aparecieron en el programa de radio de Luisiana Hayride y realiza sus primeras apariciones en la televisión en programas locales en el sur.

Con su segunda grabación, "Folsom Prison Blues" triunfó en todo el país. En 1956 "I Walk the Line" vendía un millón de copias. Johnny comenzó a aparecer en Grand Ole Opry en Nashville, la Meca de la música del país. Antes de 1958 había publicado 50 canciones y vendido seis millones de copias.

En 1959 su álbum "Fabulous Johnny Cash" vendió más de un millón de copias, al igual que "Hymns y Songs of Our Soil", y el single "Don't Take Your Guns to Town". Sus conciertos le llevaron a Europa, a Asia y a Australia. Comenzó a aparecer como actor en westerns de la televisión.

En 1960 su single "Ride This Train" obtuvo un disco de oro, al igual que en 1963 "Ring of Fire" o en 1968 "Johnny Cash at Folsom Prison".

Invirtió muchas de sus ganancias en apoyar a asociaciones mentales de la salud, un hogar para los niños autistas, refugios para las mujeres maltratadas, la sociedad americana del cáncer, YWCA, la juventud para Cristo, la vida del campus, y otras sociedades.

Johnny Cash falleció el 12 de septiembre de 2003 en un hospital de Nashville, Tennessee, a causa de la diabetes que padecía.

(Fuentes: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/2512/Johnny%20Cash y Wikipedia)





"COCAINE BLUES" es una versión western-swing de la canción escrita por T.J. 'Red' Arnall, a su vez una adaptación del tema tradicional "Little Sadie". Esta canción fue grabada originalmente por W.A. Nichol Western Aces (vocalista de la banda de 'Red' Arnall) en el sello S & G, probablemente en 1947, y por Roy Hogsed and the Rainbow Riders en el mismo año, en la Universal Recordings de Hollywood, California. La grabación de Hogsed alcanzó el número 15 en las listas de country de 1948.

Con frecuencia a Arnall también se le atribuye otra versión de "Cocaine Blues", la escrita y grabada por Billy Hughes, también en 1947. La música es similar, sin embargo, la letra de éste varía considerablemente respecto a la de Arnall. Por ejemplo, Hughes habla del 'chico de la cocaína', no de 'Willy Lee', entre otras difererencias de lugares y situaciones. Termina de esta manera:

                   "...antes de que usted se convierta en un adicto y quede sonado,
                                eche un vistazo a lo que hizo con el chico de cocaína".

Aquella modificación inauguraría una serie de versiones y adaptaciones de la letra que los diferentes artistas irían acoplando a su repertorio. Una de las notables y exitosas fue la de Johnny Cash, quien interpretó el tema en su famoso concierto en la Prisión de Folsom. Allí nombró a "Folsom" en lugar del "San Quentin" original, por cortesía hacia su público de convictos, pero incorporó desde entonces esa mención en el tema, una situación que interpretaría Joaquin Phoenix en la película biográfica sobre Cash, "Walk the Line".

La lista de artistas que han grabado la canción comprende a Hank Thompson (1959), Led Zeppelin (1971), George Thorogood and The Destroyers (1978), Keith Richards (1993),  Hank Williams III (1999), Bob Dylan (1960, 1989–2006) o Merle Haggard (2011), entre otros.









No hay dudas de que una d elas canciones mas conocidas de Cash es la juguetona "RING OF FIRE", dueña de una popularidad mundial. Esta pieza musica fue escrita por la talentosa June Carter (que años mas tarde sería esposa de Cash y que en ese momento eran "amigos") y el reconocido compositor y también actor Merle Kilgore, quien era amigo personal de Johnny.

Fats Domino



"La vida sana me mantiene en forma.Los buenos pensamientos y la comida casera de Nueva Orleans son mi secreto."  FATS DOMINO
                                                            

Antoine Dominique Domino es un cantante, compositor y pianista clásico del R&B y rock and roll.Nació el 26 de febrero de 1928 en Nueva Orleans (Estados Unidos). Fue apodado como Fats (Gordo), porque pesaba más de 100 kilos. Siendo un niño tocaba el piano.

Pianista con influencias del boogie-woogie, es descubierto en 1948 en el Hideway Club, por Lew Chudd, de Imperial Records. Allí se encontró con Dave Bartholomew, hombre clave en la música de los años 50, y juntos compusieron su primer tema,The fat man. Su primer álbum, Carry on Rockin', se lanzó en noviembre de 1956. Consiguió 17 discos de oro, cifra superada únicamente por Beatles, Elvis Presley y Bing Crosby.

Entre sus canciones destacan: Son Goin' home en 1952; You said you loved me, Please don't leave me y Going to the river, en 1953; Love me, en 1954; All by myself, I can't go on y Ain't that a shame, en 1955; I'm in love again, Bo weevil, Blue monday y Blueberry Hill en 1956; It's you love, I'm walkin' y I still love you, en 1957; y Whole lotta lovin' en 1958.

Desde 1963, año en que Imperial dejó de existir como editora independiente edita a través del sello ABC de Nashville, siendo su más destacado tema la versión del Lady Madonna de los Beatles en 1968.

El 1 de septiembre de 2005, el legendario músico fue dado por desaparecido por familiares y amigos incapaces de contactar con el músico tras el azote del huracán "Katrina" en Nueva Orleans donde se encontraba. Fue rescatado un día después cuando su hija, Karen Domino White, lo identificó en una fotografía de un diario en la que se veía a un hombre siendo ayudado a salir de un bote por autoridades.

(Fuentes: http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/6662/Fats%20Domino/ y Wikipedia?





"MY GIRL JOSEPHINE" es una canción escrita por Fats Domino y Bartolomé Dave. Domino grabó la canción en los registros de Imperial Records en 1960,llegando a figurar en el Nº 7 del Billboard R & B y en el 14 del Billboard pop.

lunes, 25 de febrero de 2013

Neil Jordan

"Los festivales son enormemente importantes porque son una de las pocas vías que quedan para el cine serio, pero también es importante que las películas salten más allá del circuito de festivales para encontrar audiencias en todo el mundo"

                                                                NEIL JORDAN






Neil Jordan (Condado de Sligo, 25 de febrero de 1950) es un director de cine irlandés. Tal vez mejor conocido por haber dirigido la aclamada película Juego de lágrimas (The crying game) y haber ganado un Óscar al mejor guion original en 1992 por la misma.

El cine de Jordan, en esencia poético, tiende a explorar los espacios que se abren más allá del estado normal de conciencia, con frecuencia recurriendo a elementos plásticos que remiten a lo onírico. Sus películas adoptan un punto de vista enteramente subjetivo en torno a un único personaje protagonista. Es notable su gusto por la relectura de la narrativa clásica, muchas veces en clave irónica e iconoclasta, como ocurre en su muy notable En compañía de lobos, y también su visión desprejuiciada de los ambientes marginales, en la línea del director español Pedro Almodóvar, como se puede comprobar en Desayuno en Plutón.

Filmografía:

    The Borgias (2011, serie)
    Ondine (2009)
    The Brave One (2007)
    Desayuno en Plutón (Breakfast on Pluto, 2005)
    El buen ladrón (The good thief, 2002)
    Not I (2000)
    The End of the Affair (1999)
    Dentro de mis sueños (In dreams, 1999)
    The Butcher Boy (1997)
    Michael Collins (1996)
    Entrevista con el vampiro (Interview with the Vampire: The Vampire Chronicles, 1994)
    Juego de lágrimas (The Crying Game, 1992)
    Amor a una extraña (The Miracle, 1991)
    We're No Angels (1989)
    El hotel de los fantasmas (High Spirits, 1988)
    Mona Lisa (1986)
    En compañía de lobos (The Company of Wolves, 1984)
    Angel (1982)

 (Fuente: Wikipedia)






The Crying Game (JUEGO DE LAGRIMAS en España y México, El juego de las lágrimas en Hispanoamérica) es una película de 1992 escrita y dirigida por Neil Jordan. Explora temas de raza, nacionalidad, género y sexualidad, teniendo como trasfondo el conflicto irlandés. Está protagonizada por Stephen Rea, Miranda Richardson, Jaye Davidson y Forest Whitaker.

El largometraje se estrenó el 2 de septiembre de 1992 en el Festival de Cine de Venecia. Recibió 6 nominaciones en la 65ª entrega de los Premios Óscar, consiguiendo la estatuilla al mejor guion original.


domingo, 24 de febrero de 2013

William S. Burroughs.- Expreso Nova



ULTIMAS PALABRAS
Que se oigan en todas partes mis últimas palabras. Que se oigan en todos los mundos mis últimas palabras. Oigan todos ustedes, sindicatos y gobiernos de la tierra. Y ustedes, autoridades que apañan negociados inmundos concertados vaya uno a saber en qué letrinas para apoderarse de lo que no es de ustedes. Para vender el suelo bajo los pies de los que no nacerán —

"Que no nos vean. No les digan qué estamos haciendo —”

¿Estas son las palabras de los omnipotentes directorios y sindicatos de la tierra?

"Por Dios que no salga a relucir lo de la Coca-Cola —”

"Ni el Negociado del Cáncer con los venusinos —”

"Ni el Negociado Verde — Que no se den cuenta de —”

"Ni de la muerte del Orgasmo —”

"Ni de los hornos —”

Oigan: a todos ustedes me dirijo. Muestren sus cartas jugadores. Paguen todo paguen todo devuélvanlo todo. Jueguen todo jueguen el resto. Para que todos vean. En Times Square. En Piccadilly.

"Prematuro. Prematuro. Danos un poco más de tiempo."

¿Tiempo para qué? ¿Para más mentiras? ¿Prematuro? ¿Prematuro para qué? Digo a todos que estas palabras no son prematuras. Estas palabras pueden ser demasiado tardías. Faltan minutos. Minutos para el objetivo enemigo —

"Archisecreto — Archivado — Para Uso del Directorio — La Élite — Los Iniciados —”

¿Son estas las palabras de los omnipotentes directorios y sindicatos de la tierra? Estas son palabras de mentirosos cobardes colaboracionistas traidores. Mentirosos que quieren más tiempo para más mentiras. Cobardes que tienen miedo de enfrentar con la verdad a los "perros", a los "negativos", a los "mandaderos", a las "bestias humanas". Colaboracionistas con la Gente Insecto, con la Gente Legumbre. Con cualquier clase de gente de cualquier parte que les ofrezca un cuerpo para siempre. Para cagar por los siglos de los siglos. Para eso han vendido ustedes a sus hijos. Han vendido el suelo bajo los pies de los que nunca nacerán. Traidores de todas las almas en todas partes. ¿Necesitan el nombre de Hassan i Sabbah para sus inmundos negociados? ¿Para vender a los no nacidos?

¿Qué miedo los ha hecho refugiarse en el tiempo? ¿En el cuerpo? ¿En la mierda? Lo diré: "la palabra". La Palabra Extranjera "la". "La" palabra del Enemigo Extranjero "los" aprisiona en el Tiempo. En el Cuerpo. En la Mierda. Prisioneros, salgan. Los grandes cielos están abiertos. Yo Hassan i Sabbah borro la palabra para siempre. Suprimo todas las palabras de ustedes para siempre. Y también elimino las palabras de Hassan i Sabbah. A través de todos sus cielos lean la escritura silenciosa de Brion Gysin Hassan i Sabbah: trazada sobre Nueva York el 17 de setiembre de 1899.

Haruki Murakami.- Baila, Baila, Baila




"A finales de mayo, el gato se murió. Fue una muerte repentina. Sin previo aviso. Un buen día me levanté y me encontré al gato sin vida, encogido en un rincón de la cocina. Seguramente murió sin darse cuenta... Se llamaba Sardina. No había tenido una vida feliz. Nadie lo había querido, y tampoco él había querido  a nadie. Siempre miraba a la gente con desazón, como diciendo: "¿Qué es lo siguiente que voy a perder?"- Jamás he visto a otro gato con semejante mirada. Pero el caso es que murió. Una vez muerte, ya no iba a perder nada más. Tal vez eso sea lo bueno de morirse"

"No se trata de corrupción. Es el sistema. Así son las grandes inversiones. Desde luego, siempre las ha habido, en mayor o menor medida. Lo único que ha cambiado es que la red del capital ha adquirido un grado de elaboración y un empuje incomparablemente mayores. ...Y todas las cosas y fenómenos que existen quedan prendidos dentro de sus mallas. El capital se sublima en forma de cierto concepto mediante condensación y fragmentación. Llevándolo al extremo, podría decirse que es un acto religioso. La gente venera el dinamismo  del capital. Lo idolatran, lo mitifican. Veneran el precio del terreno en Tokio  y aquello que los resplandencientes Porsche simbolizan. Son los restos de la mitología de este mundo de hoy.
Así es el capitalismo. Nos guste o no, vivimos en esa sociedad. Los criterios del bien y el mal también se han subdividido y se han vuelto más sofisticados  Dentro del bien  hay un bien moderno y  un bien “demodé”.  Dentro del bien moderno lo hay formal, informal, “en la onda” y esnob. También se llevan las combinaciones. Se pueden probar estilos complejos…. En tal mundo, la filosofía se va asemejando cada vez más a las teorías de la administración de un negocio. La filosofía se acerca al dinamismo de la época.
Aunque por entonces yo no lo veía así, antes, en 1969, el mundo todavía era bastante sencillo. En algunos casos, uno podía expresar su descontento arrojándole una piedra a un antidisturbios. Fue una época relativamente buena. Pero ahora, con esta sofisticada filosofía que nos gobierna, ¿quién le lanzaría una piedra a un antidisturbios? ¿Quién se expondría de buen grado a una ducha de gases lacrimógenos? Así es el presente. La red se extiende de punta a punta. Fuera de la red hay otra red. No se puede escapar. Cuando se lanza una piedra, ésta traza una elipse y se vuelve contra uno mismo. “

“No es fácil encontrar cosas buenas de verdad… Lo auténticamente bueno  no abunda. Sucede así con todo. Con los libros, con las películas… Con el Rock pasa igual. Si escuchas la radio durante una hora, encontrarás como mucho una buena canción. El resto no es más que basura producida en serie. Sólo que antes no le daba  tantas vueltas a  nada. Disfrutaba escuchando cualquier cosa. Era joven, tenía todo el tiempo del mundo y estaba enamorado. Cualquier chorrada, cualquier insignificancia, me emocionaba”

“El coche y yo nos compenetramos. Es decir, yo entro en el coche y, como lo aprecio, le transmito buenas vibraciones. De ahí nace esta atmósfera. El coche, por su parte, capta el ambiente. Yo me siento bien, y también el coche se siente a gusto.
-¿Pueden sentirse a gusto las máquinas?
-Claro que sí –dije yo-. No me preguntes por qué, pero las máquinas se sienten bien, y también se cabrean. No tengo una explicación lógica para eso, pero lo sé por experiencia.
…Con las máquinas, el sentimiento se queda en el lugar, no va más allá. Los sentimientos entre las personas son distintos. Cambian continuamente. Si amas a alguien, el amor va cambiando. Se cuestiona, se agita, se desorienta, se hincha, desaparece, se niega, hiere. En muchos casos uno no puede dominarlos. “

“Ella se llamaba Kiki; yo Mei, y la otra Mami. Nombres de cuatro letras, a veces menos…. Pero esas no somos nosotras. No nos conocemos. Mei, Kiki. Nombres sin una vida real. Son cartelitos clavados en el vacío. Nosotras somos sólo una imagen. Seres etéreos. Y cada una respeta la imagen de las demás”

“Todo ser humano alcanza su cúspide, cada uno a su manera. Una vez que ha ascendido, no le queda más remedio que bajar. Nadie sabe dónde está esa cúspide. Uno se pregunta si todavía no la ha alcanzado y, de pronto, ya has cruzado la divisoria. Nadie lo sabe. Unos  la alcanzan a los doce años y luego arrastran una vida insulsa. Otros no paran de ascender toda su vida. Otros aún mueren en la cúspide. Muchos poetas y compositores viven a merced de una furiosa racha de viento, y ascienden a tales alturas que no logran sobrepasar la treintena. Pero otros, como Pablo Picasso, siguen pintando con intensidad cumplidos los ochenta. ¿Y yo?, me pregunté.
La cúspide, pensé. ¿La habré alcanzado ya?... Si miro atrás, me parece que apenas he vivido. Pequeñas vicisitudes. Altibajos. Sólo eso. No he creado nada. He amado y he sido amado, pero ya no queda nada. Un paisaje extrañamente llano y monótono. Es como si caminara dentro de un videojuego…Engullo una línea de puntos dentro de un laberinto. Lo único seguro es que un día tendré que morir.
Es posible que no llegues a ser feliz,  había dicho el hombre carnero.  No tienes más remedio que bailar. Tan bien que deslumbres a todos

“Así es el mundo en el que vivo. Se creen que el lujo  consiste en tener un piso en Minato, un coche de fabricación europea y un Rolex. ¡Menuda estupidez! No tiene sentido. .. la necesidad se crea artificialmente. Es un montaje. Te generan la ilusión de que necesitas lo que nadie necesita. Un espejismo. Es muy sencillo. Basta con bombardearte: hay que vivir en Minato; si te compras un coche, tiene que ser un BMW; y el reloj que sea un Rolex. Se repite el mismo mantra una y otra vez. Y todos lo acaban creyendo: hay que vivir en Minato; si te compras un coche, tiene que ser un BMW; y el reloj que sea un Rolex. Algunos creen  que con esas cosas logran diferenciarse de los demás. Piensan que son diferentes. No se dan cuenta de que, comportándose así, acaban siendo como todos los demás. Les falta imaginación. Todas esas cosas son artificiales. Mera fantasía”

“La gente se muere así, sin más, continuamente. La vida es mucho más frágil de lo que crees. Por lo tanto, debemos tratar a los demás de manera que, a su muerte, no nos queden remordimientos. Con justicia y, a ser posible, honradez. A mí no me cae bien la gente que, sin haber hecho nunca el esfuerzo, cuando alguien muere llora y se arrepiente. No, no los soporto”

(Tomado de la primera edición de Tusquets, 2012)

Imagen: Matisse.- La danza

Rosalía de Castro


 "Abre esa ventana, que quiero ver el mar."  (Ultimas palabras de Rosalïa de Castro antes de expirar.)

ROSALIA DE CASTRO  (24 de febrero de 1837 — 15 de julio de 1885)




Nació Rosalía de Castro en Santiago de Compostela el 24 de febrero de 1837. En su partida de nacimiento figura como «hija de padres incógnitos», puntualizándose, sin embargo, que «va sin número por no haber pasado a la Inclusa».

Durante mucho tiempo la irregularidad de su nacimiento originó cierto desconcierto en la crítica, quizá porque se juzgaba impertinente o poco respetuoso con tal excelsa figura de las letras gallegas indagar en lo que parecían «trapos sucios» de la familia. Afortunadamente esos tiempos han pasado y hoy existen estudios rigurosos que permiten conocer perfectamente los antecedentes familiares de Rosalía.

Su madre, doña María Teresa de la Cruz de Castro y Abadía, de familia hidalga venida a menos , nació el 24 de noviembre de 1804. Doña Teresa tenía treinta y dos años y tres meses cuando nació Rosalía. Su padre, don José Martínez Viojo, nacido el 7 de febrero de 1798 acababa de cumplir treinta y nueve, y era sacerdote; no pudo, por tanto, reconocer, ni legitimar a su hija, aunque sí parece que se interesó por ella y encargó de su cuidado a sus hermanas.

Fueron las tías paternas de Rosalía, doña Teresa y doña María Josefa, quienes se hicieron cargo de la chiquilla en los primeros tiempos, llevándola a vivir con ellas, primero en Ortoño en la casa familiar llamada «Casa do Castro», y después en Padrón.

Un detalle que queda sin aclarar es la personalidad de la madrina de Rosalía, la mujer que la llevó a bautizar y que, según la partida de nacimiento, se llamaba Francisca Martínez y era «natural de San Juan del Campo». Según los datos de Caamaño Bournacell, no era hermana del padre (pese a la similitud de su primer apellido, por otra parte muy corriente) ¿Podría ser alguien enviado por doña Teresa de Castro? No se sabe.

Parece, a la luz de los hechos conocidos, que la madre no se atrevió a afrontar sola el nacimiento de su hija en los primeros momentos , ya que en la partida de bautismo Rosalía parece como hija de «padres incógnitos». Es una actitud disculpable y explicable por la presión social e incluso por la vergüenza que debió de producir aquel nacimiento «sacrílego» en la familia materna.

Aunque no sabemos con exactitud en qué momento doña Teresa se hizo cargo de su hija, se van encontrando testimonios que indican que lo hizo cuando Rosalía era aun una niña. En un registo del Ayuntamiento de Padrón del 17 de septiembre de 1842, dado a conocer por Manuel Pérez Grueiro (Véase Andrés Pociña / Aurora López, Rosalía de Castro Estudios sobre su vida y su obra, p. 24 ), consta que reside en aquella localidad doña Teresa de Castro, con su hija Rosalía y una criada llamada María Martínez. En ese registro se dice que el estado civil de doña Teresa es el de soltera y que tiene treinta seis años (dato erróneo, ya que, partiendo de la fecha de nacimiento del Libro de Bautizados de Iria Flavia, había nacido el 24 de noviembre de 1804; estaba, pues, a punto de cumplir treinta y ocho años ) Rosalía tiene en ese momento cinco años y siete meses. ¿Fue entonces cuando su madre se la llevó a vivir con ella ? Mientras no aparezcan otros documentos, se puede considerar que probablemente esa es la fecha en la que madre e hija comenzaron a vivir juntas.

Un capítulo interesante desde el punto de vista psicológico lo constituyen las relaciones de Rosalía con su madre. No sabemos si doña Teresa vio con frecuencia a su hija mientras ésta vivió con la familia paterna; quizá sí. Y el hecho de vivir con ella desde los cinco años explica el profundo cariño que llegó a inspirar a su hija. Rosalía se casa en el año 1858, interrumpiéndose la convivencia entre las dos mujeres. Doña Teresa muere repentinamente cuatro años más tarde, en 1862. Rosalía escribe entonces un tomito de poesías, A mi madre, donde da muestras de un gran dolor y sobre todo de un sentimiento de soledad que ya no la abandonará nunca. Nada pudo llenar el hueco que había dejado la madre en su vida.

Rosalía debió de sentir por su madre, además de cariño, compasión y agradecimiento. Como tantas protagonistas de sus poemas, su madre era la pobre mujer enamorada y engañada por el varón. Pero era también la mujer que, finalmente, se enfrentó a la sociedad para reconocer el fruto de su desliz y reparar asi su falta. En su primera novela La hija del mar, Rosalía brinda un homenaje al valor de su madre cuando , refiriéndose a una niña expósita dice : «Hija de un momento de perdición , su madre no tuvo siquiera para santificar su yerro aquel amor con que una madre desdichada hace respetar su desgracia ante todas las miradas , desde las más púdicas hasta las más hipócritas».

No sabemos hasta qué punto estos acontecimientos de los primeros años de su vida y su nacimiento irregular influyeron en el carácter y en la obra de Rosalía.La crítica ha tendido a destacar la importancia de aquellos hechos. Rof Carballo señaló la coincidencia de ciertos rasgos de su mundo poético con la ausencia de una «imago» paterna en la formación de su personalidad.

José Luis Varela interpreta el símbolo de la negra sombra poniéndolo en estrecha relación con la «oscuridad» de sus orígenes.

Xesús Alonso Montero destaca la presión social que sufrieron la niña y la madre y cómo ese ambiente condicionó la personalidad adulta de Rosalía.

En cuanto a mí, no me cabe duda de que algunos caracteres de su visión del mundo -por ejemplo, la vinculación de amor, remordimiento, pecado- están íntimamente relacionados con su historia familiar.

Aunque la sociedad gallega tenga frente a los hijos naturales una actitud más abierta y comprensiva que otras sociedades, el hecho de ser «hija de cura» debió de inclinar la balanza negativamente del lado de las reticencias. No parece extraño que en una niña sensible e inteliegente la falta de padre y su condición de fruto de amores prohibidos influyeran en su carácter y en su concepción de la vida.

¿Qué clase de instrucción recibió Rosalía? Parece que fue escasa. No sabemos si cursó estudios, aunque los biógrafos se inclinan a pensar que no, excepto algo de Dibujo y Música en las aulas de la Sociedad Económica de Amigos del País. Un índice de su escasa escolaridad son las abundantes faltas de ortografía de los autógrafos que conservamos de ella.

Un capítulo importantísimo en su vida son sus relaciones con Manuel Murguía con quien contrae matrimonio el 10 de octubre de 1858. Las opiniones de la crítica sobre la vida en común de la pareja son tan contradictorias que pueden sumir al lector en la perplejidad.

Xesús Alonso Montero afirma «siempre he creído que la decisión de casarse con este hombre es un acto propio de quien, abrumado por las circunstancias, se ve en la necesidad de aceptar la menor oportunidad».

Por el contrario, leemos en Bouza Brey: «Daman do seu home, pois, entróu Rosalía na groria, xa que foi o primeiro ademirador das suas escelsas coalidás poéticas, con sacrificio escomasí das propias, como ben señala o escritor don Xoán Naya; e nunca xamáis lle pagará Galicia a don Manuel Murguía o desvelo que puxo en dar a conocer as vibracións de aquel esquisito esprito. O nome de Murguía ten de figurar ó frente de toda obra de Rosalía polo amoroso coido que puxo no seu brilo frente á recatada actitude da súa esposa, apartada sempre dos cenáculos onde se forxan, con razón ou sin ela, as sonas literarias».

Si en su vida íntima fueron felices o desgraciados, si hubo por parte de Murguía infidelidad, ya sólo lo sabrán ellos y algunos que no han querido decirlo. A nosotros nos toca únicamente exponer los hechos que conocemos y darles nuestra propia interpretación.

Un hecho que me parece altamente significativo y que ya comenté en otro lugar es la destrucción de las cartas de Rosalía que realizó su esposo, al final de su vida. El propio Murguía nos cuenta este episodio :

«Como ya se acercan los días de la muerte, he empezado por leer y romper las cartas de aquella que tanto amé en este mundo. Fui leyéndolas y renovándose en mi corazón alegrías, tristezas, esperanzas, desengaños, pero tan llenas de uno que en realidad, al hacerlas pedazos, como cosas inútiles y que a nadie importan, sentí renovarse las alegrías y dolores de otros tiempos.

Verdaderamente la vejez es un misterio, una cosa sin nombre, cuando he podido leer aquellas cartas que me hablaban de mis días pasados, sin que ni mi corazón ni mis ojos sangraran. ¿Para qué?, para que me decían. Si hemos de vernos pronto, ya hablaremos en el más alla».

Si es cierto que, gracias a su esposo, Rosalía se lanzó a la vida literaria y eso le hemos de agradecer, también lo es que nos privó, con la destrucción de las cartas, de un elemento importante para conocer su carácter y su obra. ¿Cuántos misterios de su poesía, cuántas alusiones que nos desconciertan por ignorar su verdadero significado, no se hubieran aclarado conociendo sus cartas? Murguía era consciente de la importancia de ellas, aunque insista repetidamente en que sólo interesan a ellos dos:

«Pero si las leí sin que mi alma se anonadase en su pena, no fue sin que el corazón que había escrito las líneas que acababa de leer, se me presentase tal como fue, tal cual nadie es capaz de presumir».

Es, pues, la imagen de Rosalía «tal como fue, tal cual nadie es capaz de presumir» lo que Murguía destruyó para la posteridad. Cabe preguntarse por qué. Quizá porque la imagen de su vida matrimonial no era tan perfecta o ejemplar como él hubiera, a posteriori, deseado.

En las escasas cartas o fragmentos conservados, encontramos reproches unidos a confesiones de cariño, exigencias o disculpas por esas exigencias, que pueden parecer excesivas. Veamos algún ejemplo:

"«Mi querido Manolo: No debía escribirte hoy, pues tú me dices lo haga yo todos los días, escaseas las tuyas cuanto puedes, pues casualmente los dos días peores que he tenido, hasta me aconteció la fatalidad de no recibir carta tuya. Ya me vas acostumbrando, y como todo depende de la costumbre, ya no hace tanto efecto; sin embargo, estos días en que me encuentro enferma, como estoy más susceptible, lo siento más. Te perdono, sin embargo, aunque sé que no tendrías otro motivo para no escribirme que el de algún paseíto con Indalecio, u otra cosa parecida»."

Veamos otro fragmento:

"«Estando lejos de ti vuelvo a recobrar fácilmente la aspereza de mi carácter que tú templas admirablemente, y eso que, a veces, me haces rabiar, como sucede cuando te da por estar fuera de casa desde que amanece hasta que te vas a la cama, lo mismo que si en tu casa te mortificasen con cilicios»."

La impresión que sacamos de los escasos restos conservados es que Rosalía encontró en Murguía uno de los pocos apoyos de que difrutó en su vida, que le consideraba como «la persona a quien más se quiere en el mundo», que muchas veces no se sentía correspondida en la misma medida, y que, entonces, o rabiaba o hacía «reflexiones harto filosóficas respecto a la realidad de los maridos y la inestabilidad de los sentimientos humanos».

Un punto de la biografía de Rosalía en el que hubo bastante confusión se refiere al número de sus hijos e, incluso, a su sexo. Tras los trabajos de Caamaño Bournacell -ya citado- y de Bouza Brey, la cuestión ha quedado aclarada. Tuvo los hijos siguientes:

    Alejandra, nacida en mayo de 1859 en Santiago de Compostela, casi a los siete meses exactos del matrimonio de sus padres. Murió en 1937.
    Aura, nacida en diciembre de 1868 (obsérvese el largo intervalo sin descendencia). Murió en 1942.
    Gala y Ovidio, gemelos, nacidos en julio de 1871. La primera murió en 1964; Ovidio, en 1900
    Amara, nacida en julio de 1873. Murió en 1921.
    Adriano Honorato Alejandro, nacido en marzo de 1875, murió en noviembre de 1876 a consecuencia de una caída.
    Valentina, nacida muerta en febrero de 1877.

Murió Rosalía el 15 de julio de 1885. Recordemos sus últimos momentos a través del relato de González Besada:

«... recibió con fervor los Santos Sacramentos, recitando en voz baja sus predilectas oraciones. Encargó a sus hijos quemasen los trabajos literarios que, reunidos y ordenados por ella misma, dejada sin publicar, dispuso se la enterrara en el cementerio de Adina, y pidiendo un ramo de pensamientos, la flor de su predilección, no bien se lo acercó a los labios sufrió un ahogo que fue el comienzo de su agonía. Delirante, y nublada la vista, dijo a su hija Alejandra: 'Abre esa ventana, que quiero ver el mar', y cerrando sus ojos para siempre, expiró»...

Desde Padrón, en donde murió Rosalía, no puede verse el mar. Impresionan esas últimas palabras de una persona para quien el mar fue una perenne tentación de suicidio. Recordemos sus versos:

Co seu xordo e costante mormorio
atráime o oleaxen dese mar bravío,
cal atrái das serenas o cantar.
«Neste meu leito misterioso e frio
-dime-, ven brandamente a descansar».
El namorado está de min... ¡o deño!
i eu namorada del.
Pois saldremos co empeño,
que si el me chama sin parar, eu teño
unhas ansias mortáis de apousar nel.

(Con su sordo y constante murmullo
 me atrae el oleaje de esa mar bravía,
 al igual que de las sirenas me atrae su cantar,
 que en medio de mi fría soledad,
 parece decirme, ven... ven a descansar.
el de mí enamorado está...¡maldito!
y yo enamorada de él.
Pues saldremos con el capricho,
que si él me llama sin parar, yo abrigo
unas ansias mortales de reposar en él.)


Rosalía penetraba, por fin, en ese mar-muerte donde teanto había anhelado reposar.
(Fuente:http://bib.cervantesvirtual.com/bib_autor/rosaliadecastro/pcuartonivel.jsp?conten=autor)


                                                       Luz Casal. Negra Sombra






NEGRA SOMBRA (Rosalía de Castro)

Cando penso que te fuches,
negra sombra que me asombras,
ó pé dos meus cabezales
tornas facéndome mofa.

Cando maxino que es ida,
no mesmo sol te me amostras,
i eres a estrela que brila,
i eres o vento que zoa.

Si cantan, es ti que cantas,
si choran, es ti que choras,
i es o marmurio do río
i es a noite i es a aurora.

En todo estás e ti es todo,
pra min i en min mesma moras,
nin me abandonarás nunca,
sombra que sempre me asombras.
---------------
(Cuando pienso que te fuiste,
negra sombra que me asombras,
a los pies de mis cabezales,
tornas haciéndome mofa.

Cuando imagino que te has ido,
en el mismo sol te me muestras,
y eres la estrella que brilla,
y eres el viento que zumba.

Si cantan, eres tú que cantas,
si lloran, eres tú que lloras,
y eres el murmullo del río
y eres la noche y eres la aurora.

En todo estás y tú eres todo,
para mí y en m misma moras,
ni me abandonarás nunca,
sombra que siempre me asombras.)



MUJERES EN LA HISTORIA-ROSALIA DE CASTRO,FEMINISTA EN LA SOMBRA





Maria do Ceo - Negra sombra




sábado, 23 de febrero de 2013

Taxi Driver.- Fragmentos del guion



Los días se suceden con monotonía, uno tras otro, ninguno de ellos se diferencia del anterior ni del siguiente, son como eslabones de una larga cadena, hasta que de repente surge el cambio.



La soledad me ha perseguido durante toda mi vida, por todas partes, en los bares, en los coches, en las aceras, en las tiendas, por todas partes, no tengo escapatoria, soy un hombre solitario.



La vi por primera vez cerca de las oficinas de la campaña electoral de Palantine, calle 63 esquina Broadway, llevaba un vestido blanco, era como un ángel aparecido en medio de aquel sucio maremágnum, iba sola, la suciedad no podía alcanzarla a ella. A ella.



Escuchad imbéciles de mierda, aquí hay un hombre que va a cortar por lo sano, un hombre que va a hacer frente a la chusma, a la prostitución, a las drogas, a la podredumbre, a la basura. Un hombre que acabará con todo eso.



   Por la noche salen bichos de todas clases: furcias, macarras, malenates, maricas, lesbianas, drogadictos, traficantes de droga...tipos raros. Algún día llegará una verdadera lluvia que limpiará las calles de esta escoria.


¿Me estás hablando a mí?

Federico Luppi


"La fama en sí no corrompe. Lo que corrompe es aquello que se hace para llegar a ella. Si el precio para alcanzarla es el codo y la rodilla…" FEDERICO LUPPI




Federico Luppi (Ramallo, Provincia de Buenos Aires, 23 de febrero de 1936) es un actor nacido en Argentina. Desde junio de 2003 tiene también la ciudadanía española. Ha obtenido numerosos premios a lo largo de su extensa carrera actoral, entre los que se cuenta una Concha de Plata en el Festival de San Sebastián.



Como muchos otros actores, pasó por diversos trabajos antes de probar suerte en el teatro. Su primera película fue Pajarito Gómez (1965), y su consagración cinematográfica (el género actoral en el que ha tenido más continuidad) se produjo gracias al film El romance del Aniceto y la Francisca.

Se lo reconoce especialmente por sus participaciones en películas del director argentino Adolfo Aristarain. Es, además, un frecuente colaborador del director mexicano Guillermo del Toro, con quien ha trabajado en tres películas: Cronos (conocida también como La invención de Cronos), El espinazo del diablo y El laberinto del fauno.

Luego de convertirse en uno de los actores argentinos de mayor prestigio nacional e internacional y de protagonizar varias películas del cine argentino, decidió radicarse en España en el año 2001, airado por la implantación del corralito[cita requerida]. Esto sucedió poco tiempo antes de la crisis política argentina que concluyó con la renuncia del entonces presidente Fernando de la Rúa. En España participó de importantes realizaciones, pero también ha trabajado en series de televisión e incluso ha sido el protagonista de la obra El guía del Hermitage en 2008, luego de 10 años sin efectuar trabajos teatrales.

Además probó suerte como director, con la película Pasos, de producción española. Tras pasar por varias productoras, la misma se rodó en enero/febrero de 2004 y llegó a los cines en junio de 2005. Las actrices Ana Fernández y Susana Hornos se alzaron con los premios a Mejor Actriz en el Festival Iberoamericano de Villaverde y a Actriz Revelación en el Festival Cinespaña de Toulouse (Francia) respectivamente por esta película.

Federico Luppi ostenta el récord de ser el actor argentino con más Premios Cóndor de Plata al mejor actor, que ganó seis veces.

El actor estuvo casado entre los 23 y los 29 años y tuvo un hijo y una hija en ese matrimonio.2 Mantuvo una relación de 10 años con la actriz Haydée Padilla. Tiene otro hijo con la actriz uruguaya Brenda Accinelli, al que pasa una pensión alimenticia.3 Actualmente está casado con la actriz española Susana Hornos.

Filmografía reciente
Como actor:


    Condicionados (2012)
    En Terapia (2012)
    Los Sónicos (2011)
    El pacto (2011)
    Fase 7 (2010), dirigida por Nicolás Goldbart.
    Verano amargo (2009), dirigida por Juan Carlos Desanzo.
    Cuestion de principios (2009), dirigida por Rodrigo Grande.
    Que parezca un accidente (2008), dirigida por Gerardo Herrero.
    Ese beso (2008), dirigida por Kamala López.
    Cazadores de hombres, serie de TV (2008).
    La luna en botella (2007), dirigida por Grojo.
    El último justo (2007), dirigida por Manuel Carballo.
    La habitación de Fermat (2007), dirigida por Luis Piedrahita y Rubén Sopeña.
    Cara de queso (2006), dirigida por Ariel Winograd.
    Los simuladores, serie de TV - versión española (2006), creada y escrita por Damián Szifrón (episodios "Acosada" y "Recursos humanos").
    El laberinto del fauno (2006), dirigida por Guillermo del Toro.
    El buen destino (2005), dirigida por Leonor Benedetto.
    El viento (2005), dirigida por Eduardo Mignogna.
    Machuca (2004), dirigida por Andrés Wood.
    Incautos (2003), dirigida por Miguel Bardem.
    El espinazo del diablo (2001), dirigida por Guillermo del Toro.

Filmografía selecta

Como actor:
Junto al actor Julio de Grazia, en el film Plata dulce (1982).

    Últimos días de la víctima
    Una mujer
    Tiempo de revancha
    Plata dulce
    La Patagonia rebelde
    Un lugar en el mundo
    Sol de otoño
    Cronos
    El espinazo del diablo
    El laberinto del fauno
    Caballos salvajes
    Divertimento
    El último tren
    Los pasos perdidos
    Lugares comunes
    Martín (Hache)
    El arreglo
    Bajo bandera
    Cien veces no debo
    La ley de la frontera
    Frontera sur
    Luna caliente
    El romance del Aniceto y la Francisca
    Crónica de una señora
    Pajarito Gómez
    Rosarigasinos
    La vieja música
    Yo maté a Facundo
    Nosotros

Como director:

    Pasos

Premios:

    Concha de Plata al mejor actor en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián de 1997 por Martín (Hache).
    Premio Ciudad de Huelva en 2000 en el Festival de Cine Iberoamericano de Huelva.
    Mejor actor junto a Ulises Dumont por Rosarigasinos en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata de 2001.
    Mejor actor por Cronos, en Fantasporto, el Festival Internacional de Cine fantástico de Portugal, en 1993.
    En Argentina, recibió seis veces el Cóndor de Plata al mejor actor, siendo el intérprete que más veces fue consagrado con este premio. Asimismo en 2009 la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina le entregó el Premio Cóndor de Plata a la trayectoria.
    Premio Martín Fierro 2009: Mejor participación especial en ficción por Tratame bien.

(Fuente: Wikipedia)



NADIE HABLARA DE NOSOTRAS CUANDO HAYAMOS MUERTO es una película española de drama y cine negro de 1995 dirigida por Agustín Díaz Yanes y ganadora de ocho Premios Goya en la X edición del concurso. La película fue rodada en 35mm.REPARTO:
    Gloria Duque - Victoria Abril
    Doña Julia - Pilar Bardem
    Eduardo - Federico Luppi
    Doña Amelia - Ana Ofelia Murguía
    Oswaldo - Daniel Giménez Cacho
    Juan - Ángel Alcázar
    Ramiro - Saturnino García
    María Luisa - Marta Aura
    Evaristo - Guillermo Gil




MARTIN (HACHE) es una película coproducida por Argentina y España, dirigida por Adolfo Aristarain y estrenada en 1997, que obtuvo numerosos premios para su director y sus dos protagonistas principales, Cecilia Roth y Federico Luppi.
Índice

viernes, 22 de febrero de 2013

Octave Mirabeau dixit:

Octave Mirabeau - aprox. 1895
 « Los corderos van al matadero. No se dicen nada ni esperan nada. Pero al menos no votan por el matarife que los sacrificará ni por el burgués que se los comerá. Más bestia que las bestias, más cordero que los corderos, el elector designa a su matarife y elige a su burgués. Ha hecho revoluciones para conquistar ese derecho » 

 Ahí queda eso.....

 

 El francés Octave Mirbeau (1848-1927) fue periodista influyente, crítico de arte con don de previsión, panfletario comprometido con la verdad o la justicia, y fue además un novelista de éxito así como un dramaturgo de fama europea que, aún triunfando en todas las grandes escenas, no dejó de seducir, lo que es muy raro, a las vanguardias artísticas y literarias.


Marlene Dietrich y su hija María Riva




En cierta ocasión hablaba la sensacional Marlene Dietrich con su preciosa hija Maria Riva, ambas juntas en la foto, y esta última le dijo:

-Hasta que no cumpla los veinticinco años, mamá, no tengo intenciones de casarme.

Su madre, experta en el arte de encandilar a los hombres mediante los más variados artificios le respondió:

No, hija mía, tú no debes cumplir los veinticinco años hasta que te hayas casado.
Anécdota que expresa muy bien como era el sentir de aquellos años 40 y 50 respecto al matrimonio y su importancia en la vida de una mujer.

Fragmento del poema "Ande yo caliente" - Luis de Góngora




LUIS DE GÓNGORA
ANDE YO CALIENTE... (fragmento)

Ande yo caliente
y ríase la gente.
Traten otros del gobierno,
del mundo y sus monarquías,
mientras gobiernan mis días
mantequillas y pan tierno,
y en las mañanas de invierno
naranjada y aguardiente
y ríase la gente...

Parece que Góngora (1561-1627) lo escribió ayer…. Y aunque no son tiempos para pensar solo en uno mismo y olvidarnos de los problemas que nos rodean, también es cierto que tanto desatino generalizado termina por enervar a cualquiera y llega un momento en el que un poco de paz y recogimiento es imperativo. El cuadro titulado "El desayuno" es obra del pintor belga Joseph Albert, y al menos a mi me transmite ese sosiego por todos deseado en el que las críticas de los demás y la vorágine del día a día poco pueden afectarnos. Una alegría empezar la mañana con tanta serenidad


Con esta entrada continúa su andadura "Un mundo en la cocina" una página fantástica sobre todo lo relacionado con el mundo de la cocina, su historia, sus grandes chefs, trucos, recetas y todo aquello que hace de este mundo un verdadero arte. Os recomiendo que paséis por ella. El link:
http://www.facebook.com/UnMundoEnLaCocina
 
Para los curiosos, continuaría asi:

Coma en dorada vajilla
el príncipe mil cuidados
como píldoras dorados,
que yo en mi pobre mesilla
quiero más una morcilla
que en el asador reviente,
y ríase la gente.


Cuando cubra las montañas
de plata y nieve el enero,
tenga yo lleno el brasero
de bellotas y castañas,
y quien las dulces patrañas
del rey que rabió me cuente,
y ríase la gente.

Busque muy en hora buena
el mercader nuevos soles;
yo conchas y caracoles
entre la menuda arena,
escuchando a Filomena
sobre el chopo de la fuente,
y ríase la gente.

Pase a media noche el mar
y arda en amorosa llama
Leandro por ver su dama;
que yo más quiero pasar
de Yepes a Madrigar
la regalada corriente,
y ríase la gente.

Pues Amor es tan cruel,
que de Píramo y su amada
hace tálamo una espada,
do se junten ella y él,
sea mi Tisbe un pastel,
y la espada sea mi diente,
y ríase la gente.


Giulietta Masina




"Me arrepiento de haber rechazado papeles por miedo a fracasar."
 
GIULIETTA MASINA (22 de febrero de 1921 – 23 de marzo de 1994)




Actriz de cine italiana. Tras estudiar Filosofía y Letras en la Universidad de Roma, comenzó a trabajar en la radio como actriz de seriales escritos por Federico Fellini, su marido desde 1943. Debutó en el cine en una de las películas más emblemáticas del Neorrealismo cinematográfico, Paisa (1946), de Roberto Rossellini.

Si bien intervino en películas firmadas por Alberto Lattuada o Luigi Comencini, su carrera alcanzó un notable prestigio trabajando en una serie de películas de su marido. Aunque algunas de sus primeras intervenciones no fueron especialmente notables -como en Luces de variedad (1951)-, otras le permitieron ser admirada por los espectadores de todo el mundo.

A mediados de los cincuenta consiguió una interpretación memorable en La strada (1954), en el papel de Gelsomina. El conjunto de personajes que desfilan por la cinta, la relación sentimental -entre espiritual y masoquista- que Gelsomina mantiene con Zampano, papel que recayó en Anthony Quinn, el tono crítico, patético de La Strada, resaltaban más la interpretación de la Masina, una mujer dulce, enamorada, sumisa, que se adecuaba perfectamente al físico de la actriz. El tono de este personaje le permitirá desarrollar con gran fuerza e integridad a la protagonista de Las noches de Cabiria (1956), de Fellini.

Otro de los momentos cruciales en su carrera se produjo cuando rodó a las órdenes de su marido Giulietta de los espíritus (1965), película que marca un momento de inflexión en la carrera del director y del cine italiano. Lo ideológico queda escondido en beneficio de la estética, de la sugerencia, y el poder cautivador de una imágenes deslumbrantes. También trabajó en su última producción importante, Ginger y Fred (1986), donde Fellini aprovechó para dar una particular visión del mundo de la televisión. Como protagonistas contó con su esposa y con Marcello Mastroianni en un remedo de lo que fueron Ginger Rogers y Fred Astaire para la comedia musical clásica. Con sesenta y seis años, la actriz contribuía al tono crepuscular y ácido del argumento.

Aunque el prestigio le vino por los trabajos con su marido y por las películas realizadas en Italia, Giulietta Masina trabajó con directores de distintas nacionalidades. De estas colaboraciones cabe mencionar su participación en Landrú (1963), de Claude Chabrol, sobre la vida del famoso asesino francés, o el trabajo que realizó en La loca de Chaillot (1969), de Bryan Forbes, película que marcó el inicio de un largo paréntesis en su carrera, ya que no volvió a rodar hasta 1985, cuando, bajo la dirección de Juraj Jakubisko, intervino en Perinbaba. La influencia de Masina en su marido ha sido algo notable. Mujer de acendrado catolicismo, hizo que algunas de las ideas de su esposo pasasen por este tamiz y, posiblemente, no se explicarían aspectos de la cinematografía de éste sin la presencia de su esposa.
(Fuente: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/m/masina.htm)





LA STRADA es una película italiana de 1954 producida por Dino De Laurentiis y Carlo Ponti, dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Anthony Quinn y por la esposa de Fellini, Giulietta Masina. Es un ejemplo clásico del período neorrealista del director y esta película es la que le otorgaría un sólido prestigio internacional.


jueves, 21 de febrero de 2013

Nina Simone



“Jazz es un término de los blancos para definir la música negra. Yo hago música clásica negra".


                                                                 NINA SIMONE
                                    
 (21 de febrero de 1933 - 21 de abril de 2003)







(Nombre artístico de Eunice Kathleen Waymon; Tryon, Carolina del Norte, 1933 - Carry-le-Rouet, Francia, 2003) Cantante y pianista estadounidense, considerada una de las grandes voces del siglo XX. Nina era la sexta de una familia de ocho hermanos, descendiente principalmente de esclavos africanos, aunque entre sus ancestros también hubo sangre irlandesa e india.

Su padre, John Divine Waymon, se dedicó durante un tiempo al mundo del espectáculo: cantaba, bailaba y tocaba la harmónica, aunque cuando su familia empezó a ser numerosa, trabajó en una tintorería y como barbero para salir adelante. La madre, Mary Kate, tocó el piano para él en alguna ocasión, aunque luego se hizo ministra de la Iglesia metodista y rechazó todo lo que no fueran espirituales religiosos.

 Simone creció, pues, rodeada de música. En su hogar, todos los hermanos cantaban y tocaban algún instrumento, sin tomar clases ni tener siquiera conciencia de haber aprendido. Cuenta en su autobiografía que su primer recuerdo de la infancia es su madre cantando gospel, y que empezó a tocar el órgano que había en la casa tan pronto como creció lo suficiente como para sentarse en el banco y llegar al teclado. Nadie se dio cuenta hasta que un día su madre la vio tocando una de sus canciones favoritas: aún no había cumplido tres años.

En 1939 tomó sus primeras clases formales de piano, y a los diez años dio su primer recital, en la librería local. Fue también su primera toma de contacto con el racismo: durante el mismo, sus padres fueron desalojados de la primera fila para acomodar a blancos. Esa experiencia del Sur segregado fue traumática para la pequeña Eunice. Más tarde declaró que fue el punto de partida de su compromiso en la lucha por los derechos civiles.

Con ayuda financiera de aficionados locales, en 1950 continuó sus estudios de piano clásico en Nueva York. Posteriormente, su familia se mudó a Filadelfia, donde fue rechazada en una escuela de música. En 1954 apareció una oportunidad de trabajo en un bar de Atlantic City (localidad de Nueva Jersey que es algo así como el Las Vegas de la costa Este). El problema era que el dueño quería que cantara, mientras que Eunice tan sólo se presentaba como pianista. Ella improvisó una versión de I loves you Porgy, de George Gershwin, con su característico timbre grave, y obtuvo el puesto.

Primeros contratos discográficos

Fue en Atlantic City donde adoptó el nombre artístico que la daría a conocer mundialmente, tomado de la actriz francesa Simone Signoret. Empezó a darse a conocer y, tras actuar en varios clubes de Filadelfia, logró un contrato discográfico con Bethlehem Records, en 1957.

Al año siguiente publicó su primer disco, Jazz as played in an exclusive side street club (también conocido como Little girl blue). Fue un éxito inmediato, y el sencillo escogido, I loves you Porgy, vendió un millón de ejemplares en Estados Unidos en el verano de 1959. Curiosamente, jamás volvería a colocar otra canción en el Top-40 de Estados Unidos, lo cual no le impidió forjarse una audiencia fiel.

A continuación, Simone firmó un contrato con la poderosa Colpix (Columbia Pictures Records), con la que publicó diez discos en cinco años (seis en estudio y cuatro en directo), y varias canciones para bandas sonoras de películas de Columbia; entre ellas: Wild is the wind, Sayonara y Samson and Delilah. En 1961 contrajo matrimonio con Andy Stroud, detective de Nueva York que se convertiría en su mánager, y que aparecería como compositor en los créditos de varias canciones. Ambos tuvieron una hija, Lisa Celeste, en 1962.

 En 1964 firmó otro contrato, esta vez con Philips, discográfica con la que publicó siete discos en tres años. De ese período destaca su clásico Don’t let be me, su versión de I put a spell on you, de Screaming Jay Hawkins, y su primera canción de protesta: Mississippi goddam! (‘¡Mississippi, maldita sea!’), furioso alegato contra varios estados del sur de Estados Unidos, inscrito en la lucha por los derechos civiles de los negros. Por entonces se la empezó a conocer como la Suma Sacerdotisa del Soul.

Entre 1966 y 1974 produjo, para la compañía RCA, algunos de sus mayores éxitos, como las versiones de To love somebody (Bee Gees) y Ain’t got no/I got life, del musical Hair. Otro de sus clásicos, To be young, gifted and black, estaba inspirado por una pieza de teatro de su amiga Lorraine Hansberry, y fue grabado por Aretha Franklin en 1972.

En 1969 decidió dejar de vivir en Estados Unidos, asqueada por el racismo de la sociedad estadounidense. Por esa época se separó de Stroud. Nina pasó a convertirse en su propia mánager, y a trabajar con su hermano Sam Waymon. Residió en Liberia cuatro años, y también en Barbados, Suiza, los Países Bajos, Trinidad y Gran Bretaña. Declaró en alguna ocasión que le gustaría morir en África, aunque finalmente eligió establecerse en Francia, con cuya cultura siempre se sintió ligada sentimentalmente: entre sus clásicos se encuentra una versión de Ne me quitte pas, de Jacques Brel.

Una canción: My baby just cares for me

En 1978 fue brevemente arrestada por no declarar impuestos entre 1971 y 1973, en protesta por la guerra de Vietnam. Ese año publicó Baltimore y en 1982 Fodder on my wings, disco basado en su autoimpuesto «exilio», para un sello discográfico suizo. Cuando parecía destinada a convertirse en una vieja gloria sólo recordada por nostálgicos, un espectacular rebrote de fama le llegó de forma inesperada en 1987. My baby just cares for me, una vieja canción que aparecía en su primer disco, publicado hacía ya treinta años, se convirtió en el tema escogido para una campaña de publicidad del perfume Chanel Nº 5 para la televisión británica. Alcanzó el quinto puesto en las listas de ventas de Gran Bretaña.

 El éxito en toda Europa la devolvió a la luz pública, y se prodigó en colaboraciones con artistas como Pete Townsend, Maria Bethânia o Miriam Makeba. En 1992 apareció su música en la película Point of no return, inspirada en su propia vida. Ese año publicó su autobiografía, titulada I put a spell on you, que fue inmediatamente traducida al francés, el alemán y el holandés. En 1993, año en que se instaló definitivamente en el sur de Francia, publicó su último álbum en estudio, A single woman, que contenía otro clásico de la canción francesa, Il n’y pas d’amour heureux.

Su actitud rebelde la acompañó siempre: incluso durante sus últimos años, su nombre apareció en varias ocasiones mezclado en reyertas de vecindario. Nunca se retiró del todo: en 1998 fue una de las invitadas de honor en la fiesta del 80° aniversario de Nelson Mandela. En 1999, tras recibir un premio por toda su carrera, cantó unos duetos con su hija Lisa Celeste en el Guinness Blues Festival de Dublín.

Su última gira internacional data de 2000, año en que recibió numerosos reconocimientos a su carrera. Nina Simone falleció el 21 de abril del 2003 en su casa de Carry-le-Rouet, en el sur de Francia. Se anunció que su muerte fue por causas naturales y que llevaba tiempo sufriendo achaques, aunque no trascendieron más detalles.

Caracterizada por su compromiso contra el racismo, bajo el lema de Black is the colour (Negro es el color), su temática está totalmente enraizada en las tradiciones afroamericanas. Un repertorio tan amplio como el suyo, que comprende desde canciones melódicas, blues, cantos espirituales y gospel hasta temas tomados del folclore africano, hizo de ella una artista difícil de clasificar, y de hecho su biografía aparece en compilaciones de literatura sobre jazz, rock, pop y soul. Como ha dicho algún crítico, ella fue todo eso y nada: un espíritu independiente y temperamental, único e inigualable.
(Fuente:http://www.biografiasyvidas.com/biografia/s/simone.htm)




" MY BABY JUST CARES FOR ME"
es una composición escrita por Walter Donaldson con letra de Gus Kahn. Forma parte del Great American Songbook, y fue escrito para la película Whoopee!, basada en el musical de 1928 Whoopee! y protagonizada por Eddie Cantor. Asimismo se convirtió en un estándar de jazz de la mano de Nina Simone.

Aunque Simone había grabada la canción en 1958 para su álbum debut, Little Girl Blue, no sería hasta 1987 que esta versión se convirtiría en un éxito, al ser utilizada como anuncio para Chanel Nº5, alcanzando el 5º en la UK Singles Chart,1 y el puesto número uno en Holanda.2 Un vídeo musical en claymation fue producido por Aardman Animations, dirigido por Peter Lord.

Sam Peckinpah



"Todas mis películas son hijos mutilados, ninguna de ellas la he rodado con entera libertad. Cosa que hace que las quiera más, es como el padre que siente más afecto por los hijos enfermos que por los sanos."


 SAM PECKINPAH  (21 de febrero de 1925 - 28 de diciembre de 1984)




David Samuel Peckinpah fue un director y guionista de cine, televisión y teatro estadounidense.

Conocido especialmente por la controversia social que se generó a raíz de la violencia en sus películas (denostadas por los más conservadores, al entender que Peckinpah hacía una apología de ésta e incluso la banalizaba, y alabadas por el resto al percibir que la violencia era usada por el realizador como una depuración formal en busca de un ejercicio de estilo renovador y alternativo al canon narrativo más clásico), forma parte del grupo de directores que hicieron remontar la industria hollywoodiense durante las décadas de 1960 y 1970.

Entre sus importantes aportaciones al cine figura la reformulación del western clásico llevándolo a terrenos más crepusculares y violentos. La crítica ha destacado el lirismo de su cine, así como la profundidad psicológica de la que dotó a sus personajes.


Nació el 21 de febrero de 1925, hijo de un abogado perteneciente a una acomodada familia. Su bisabuelo Rice Peckinpaugh, un comerciante y granjero proveniente de Indiana, cambió su apellido a Peckinpah al trasladarse a California en la década de 1850. Su madre también pertenecía a una familia acomodada. Junto a su hermano, solían faltar a clases para ir al rancho de su abuelo materno, Denver S. Church, a vivir la vida como cowboy. Realizó en Fresno sus estudios básicos, y los secundarios en el Fresno High School. Su carácter lo involucró repetidamente en peleas y problemas de disciplina, por lo cual sus padres decidieron inscribirlo en la academia militar San Rafael Military Academy, para realizar su último año de estudios. En 1943 se alistó en el Cuerpo de Marines de los Estados Unidos y en 1945 fue enviado a China en un batallón cuya tarea consistió en desarmar a los soldados japoneses. A finales de 1946 regresó a Estados Unidos sin haber presenciado ningún combate. Una vez en casa, sus planes fueron estudiar Derecho y entrar en la empresa de su familia. Sin embargo, conoció a una joven estudiante de Teatro, Mary Selland, que más tarde sería su esposa, e influenciado por ella, comenzó a interesarse por el teatro y la poesía. Inició sus estudios de teatro en el Fresno State College y los completó en la Universidad del Sur de California.


Tras terminar sus estudios pasó una temporada trabajando de tramoyista hasta 1951, cuando comienza a trabajar en la CBS. Su primera incursión en el cine fue de la mano de Don Siegel en 1954, como guionista y actor secundario en su película Invasion of the Body Snatchers (1956) (La invasión de los ladrones de cuerpos). Este trabajo le valió el reconocimiento de la cadena CBS, para la cual comenzó a escribir guiones en series como Gunsmoke (La ley del revólver), Broken Arrow, Tales of Wells Fargo y Zane Grey Theatre. Su primer trabajo como director fue en 1958, con el episodio de Broken Arrow titulado The Knife Fighter. Durante sus años en televisión Peckinpah reunió un grupo de actores –Strother Martin, R. G. Armstrong, Warren Oates– que le acompañarían en sus posteriores películas.

En 1961 Peckinpah dirigió su primera película The Deadly Companions con Maureen O'Hara y Brian Keith en los papeles principales. La cinta, rodada en principio como un telefilme pero estrenada en Europa en los cines, obtuvo una escasa aceptación por parte del público y de la crítica en general, ante esto, el director reaccionó asegurando que había tenido muy poca libertad durante el rodaje a causa de las presiones de los productores.

Un año después dirigió su siguiente película, Ride the High Country (Duelo en la alta sierra, 1962), que ganó un premio en el Festival Internacional de Cine de Bélgica, por encima de Fellini 8 ½. Además, la crítica francesa la calificó muy positivamente y fue juzgada como la mejor película extranjera en el Festival Mexicano de Cine. Está incorporada en el archivo National Film Registry de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos. Con esta película inauguró uno de sus temas fetiche: el western crepuscular, con dos estrellas del género en su madurez (Joel McCrea y Randolph Scott).

Su tercera película fue Mayor Dundee (1965), y marcó el inicio de sus explosivas relaciones con productores y distribuidoras. Protagonizada por Charlton Heston y Richard Harris, y situada al final de la Guerra de Secesión. El director pretendió dar suficiente densidad a la película y dotar a los personajes de cierta complejidad. Sin embargo la productora Columbia Pictures, la consideró demasiado larga y complicada, e hizo numerosos cortes y remontajes. Peckinpah se enfureció, declarando públicamente que su película, tras esos recortes, era incomprensible. A causa de su reacción fue retirado del rodaje de su siguiente película, El rey del juego (1965), finalmente rodada por Norman Jewison, que se convirtió en uno de los clásicos del cine estadounidense de la época. En 1966, la cadena de televisión ABC le ofreció la oportunidad de dirigir Noon Wine, una adaptación de la novela de Katherine Anne Porter, que fue un éxito de público y crítica.

Pero la película que inauguró la fama sanguinaria de su cine fue The Wild Bunch (Grupo salvaje, 1969), continuando con el género del western crepuscular. También su estilo de dirección estableció lo que serían sus características, usando la cámara lenta en numerosas secuencias y una técnica de montaje bastante vanguardista. Fue considerada por algunos críticos como «la película más violenta que se haya filmado jamás».

Durante el rodaje de su siguiente película, La balada de Cable Hogue (1970), el director fue forzado por la productora Warner Bros. a dirigir la película sin la violencia mostrada en The Wild Bunch. De manera que el director le dio un toque cómico y se invirtió apenas dinero en publicitarla, lo cual hizo que pasara casi desapercibida entre el público.

Cuando la reputación del director estaba marcada por el apodo de Bloody Sam (Sam el sanguinario) que le acuñaron los críticos estadounidenses, dirigió en el Reino Unido, Perros de paja (1971), con Dustin Hoffman y Susan George como protagonistas principales. En poco tiempo la película se convirtió en un importante tema para diversas publicaciones como Cinema, Esquire, Life o Playboy, que publicaron varias entrevistas con el director. Sin embargo, gran parte de la polémica que levantó, estuvo debida a la presunta tendencia misógina que atribuyeron diversos grupos feministas a la película. Este sería, junto al de la violencia en su cine, otro de los debates que estuvo presente durante toda su carrera.

En 1971 realizó Junior Bonner (El rey del rodeo), protagonizada por Steve McQueen, que pasó mucho más desapercibida por la taquilla que su predecesora. En ella se encuentra el tema favorito del director: el mundo de los perdedores. La «lírica de la desolación» o incomprensión -como cita algún crítico- es llevada aquí a su máxima expresión, contando con unos medios poco halagüeños pero con una historia honesta, con garra y unos actores entregados (Ben Johnson, Ida Lupino y otros).

Un año después volvería a trabajar con Steve McQueen en uno de sus más famosos papeles: The Getaway (La huida). Tan famosa como denostada en su momento (con anécdota de la censura española incluida), su revalorización internacional llega tras el remake de 1994.

En 1973 dirigió Pat Garrett y Billy The Kid, con Bob Dylan y Kris Kristofferson.

En 1974 realizó su película más surrealista según la crítica, Bring Me the Head of Alfredo Garcia (Quiero la cabeza de Alfredo García); al año siguiente el thriller Los aristócratas del crimen (1975), y en 1977 La cruz de hierro. Todas ellas realizadas con escaso presupuesto. Orson Welles se puso en contacto con Peckinpah para decirle que La cruz de hierro era la mejor película antibélica que había visto. Sin embargo, fue un fracaso de crítica y público en Estados Unidos.

A finales de la década de 1970 Peckinpah parecía haber pasado al olvido, ninguna publicación hablaba de él. Su salud era ya muy precaria debido a su alcoholismo y su adicción a la cocaína. En 1978 dirigió Convoy, que fue otro fracaso.

Su última película fue Clave: Omega (1983), un thriller de espías que no tuvo la suficiente fuerza ni siquiera para motivar críticas serias, debido a sus concesiones al comercialismo -protagonismo de Rutger Hauer incluido.

Sam Peckinpah murió de paro cardíaco el 28 de diciembre de 1984

(Fuente:Wikipedia)
 
 
 

 
PERROS DE PAJA
(1971), basada en la novela de Gordon M.Williams, fue su primera película fuera del género, o quizá, fuese el western más western que hizo nunca. Un matemático americano, excelentemente interpretado por Dustin Hoffman, se traslada a vivir al pueblo natal de su mujer, Susan George, en el corazón de la campiña británica, aunque este aparentemente idílico lugar acabe siendo para el protagonista una suerte de pérfida Albión. Y es que nada más empezar el filme, el toque Peckinpah traspasa la pantalla como un fogonazo. Pronto todo se cruza para el malogrado protagonista que se ve perdido en un lugar que no le pertenece, en un territorio que se presiente hostil, repleto de haraganes pendencieros que beben y desfasan, auténticos tarambanas amorales. Sumémosle a este miasma una de las violaciones más ambiguas de la historia del cine, y ya tenemos la fiesta montada. Todo suministrado sibilinamente hasta estallar en una explosión de ultraviolencia al más puro estilo de La jauría humana (1966) de Arthur Penn. Presentado con un montaje tenso, con ralentíes marca de la casa, y con la liberación redentora del tempo fílmico. Impagable.

Perros de paja golpea al espectador en lo más profundo de sus entrañas. Es una película incómoda de ver pero de una calidad imperecedera. Leí de un íntimo del director, Gonzalo Suárez, que su cine no se trata de una exageración gratuita, porque toda orgía es exagerada, más bien denota la percepción de quien ha conocido o intuido la descomposición del tiempo durante el lapso de una explosión o un accidente. Y toda muerte es eso: explosión y accidente. Huid de remakes, ésta es la buena. Con su visión Peckinpah nos recuerda: La vida sólo es amarga para los que la esperan dulce.
(Fuente:http://escritouncine.com/2013/02/19/perros-de-paja-1971-violencia genera violencia)



Fragmento de "El laberinto de las aceitunas" - Eduardo Mendoza


EDUARDO MENDOZA (1943/----) España
EL LABERINTO DE LAS ACEITUNAS (1982) - Fragmento.

«-No se me pasa por alto –peroré, pues- que ha sonado la hora fatídica de mirar hacia atrás con la serena lucidez del que sabe que va a caer el telón y que, a poco que remolonee, no tendrá que hacer balance. No diré que dejo este mundo sin pena; entre los muchos sentimientos contradictorios e inoportunos que en mi ánimo luchan con resultados generalmente nefastos no están el estoicismo preclaro ni la elegante resignación. Es triste constatar, al levar anclas, que jamás he poseído las virtudes más excelsas de la hombría: soy egoísta, timorato, mudable y embustero. De mis errores y pecados no he salido ni sabio ni cínico, ni arrepentido ni escarmentado. Dejo mil cosas por hacer y otras mil por conocer, de entre las que citaré, a título de ejemplo, las siguientes: ¿por qué ponen huevos las gallinas?, ¿por qué el pelo de la cabeza y el de la barba, estando tan juntos, son tas distintos?, ¿por qué nunca he conocido a una mujer tartamuda?, ¿por qué los submarinos no tienen ventanas para ver el fondo del mar?, ¿por qué los programas de televisión no son un poco mejores? Ídem creo que la vida podría ser más agradable de lo que es, pero es probable que esté equivocado, o que no sea tan mala, sino sólo una pizca banal. Tonto, indolente y desinformado he llegado a ser lo que soy; tal vez si hubiera sido más cerril habría llegado más lejos. Nadie elige su carácter y sólo Dios sabe quién y cómo juzga nuestros méritos. Si tuviera estudios lo entendería todo. Como soy un asno, todo es un enigma. No sé si me pierdo gran cosa.»

Esta entrada está tomada de la página del escritor José Manuel Pérez Padilla, que os recomiendo sin reservas que visitéis. Os dejo el enlace: http://www.facebook.com/PerezPadilla.Novelas?ref=ts&fref=ts