Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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jueves, 27 de diciembre de 2012

Cármina Burana y Carl Orff



El nombre de la obra Cármina burana procede del latín cármĕn -inis: ‘canto, cántico o poema’ (no confundir con la palabra árabe carmén: ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.

Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/.

El original Cármina burana es una colección de cantos goliardosde los siglos XII y XIII, que se han conservado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern), en Baviera. El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del alto alemán medio, y del francés antiguo.

En estos poemas se hace gala del gozo por vivir y del interés por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza, y con su crítica satírica a los estamentos sociales y eclesiásticos, nos dan una visión contrapuesta a la que se desarrolló en los siglos XVIII y segunda parte del XIX acerca de la Edad Media como una «época oscura». En los Cármina burana se satirizaban y criticaban todas las clases de la sociedad en general, especialmente a las personas que ostentaban el poder en la corona y sobre todo en el clero. Las composiciones más características son las Kontrafakturen que imitan con su ritmo las letanías del antiguo Evangelio para satirizar la decadencia de la curia romana, o para construir elogios al amor, al juego o, sobre todo, al vino, en la tradición de los cármina potoria. Por otra parte, narran hechos de las cruzadas, así como el rapto de doncellas por caballeros.

Asimismo se concentra constantemente en exaltar el destino y la suerte, junto con elementos naturales y cotidianos, incluyendo un poema largo con la descripción de varios animales. La importancia de esta serie de textos medievales es que sencillamente es la más grande y antigua colección de versos de carácter laico del medievo (puesto que lo acostumbrado era realizar únicamente obras literarias religiosas).

Aunque existen otras versiones, la que más fama ha alcanzado de las que toman estos versos como base es la obra homónima de Carl Orff (1895 - 1982) un compositor alemán, que puede ser enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical .

Cármina Burana atrajo a Orff por lo diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, como tristes o sugestivos. Entonces eligió unos veinte al azar y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y mágicas imágenes.

Este trabajo ejemplifica la búsqueda de Orff por un idioma que pueda revelar el elemental poder de la música, permitiendo al oyente experimentar la música como una fuerza primitiva y abrumadora. La poesía de los Goliardos, que no solamente cantaba al amor y al vino, sino que también se burlaba de la clerecía, encajaba perfectamente en el deseo de Orff de crear una obra musical que apelara a la «musicalidad fundamental» que, como él creía, todo ser humano poseía. Absteniéndose de una desarrollada melodía y una compleja armonía y articulando sus ideas musicales a través de sonidos básicos y patrones rítmicos fácilmente discernibles, Orff creó un idioma que muchos hallaron irresistible. A pesar del notable sentimiento «primitivo» de Carmina Burana, Orff creía que la profunda llamada de la música no era meramente física.

Y concluimos con un par de interesantes videos con la obra de Carl Orff

 
O Fortuna
 
Letra de "O fortuna"
 
Oh Fortuna,
como la luna
variable de estado,
siempre creces
o decreces;
¡Que vida tan detestable!
ahora oprime
después alivia
como un juego,
a la pobreza
y al poder
lo derritió como al hielo.

Suerte monstruosa
y vacía,
tu rueda gira,
perverso,
la salud es vana
siempre se difumina,
sombrío
y velado
también a mí me mortificas;
ahora en el juego
llevo mi espalda desnuda
por tu villanía.

La Suerte en la salud
y en la virtud
está contra mí,
me empuja
y me lastra,
siempre esclavizado.
En esta hora,
sin tardanza,
toca las cuerdas vibrantes,
porque la Suerte
derriba al fuerte,
llorad todos conmigo. 

Fragmento de "El árbol de la ciencia" - Pío Baroja



“Antes para mí era una gran pena considerar el infinito del espacio; creer el mundo inacabable me producía una gran impresión; pensar que al día siguiente de mi muerte el espacio y el tiempo seguirían existiendo, me entristecía, y eso que consideraba que mi vida no es una cosa envidiable; pero cuando llegué a comprender que la idea del espacio y del tiempo son necesidades de nuestro espíritu, pero que no tienen realidad; cuando me convencí por Kant que el espacio y el tiempo no significan nada; por lo menos que la idea que tenemos de ellos puede no existir fuera de nosotros, me tranquilicé. Para mí es un consuelo pensar que, así como nuestra retina produce los colores, nuestro cerebro produce las ideas de tiempo, de espacio y de causalidad. Acabado nuestro cerebro, se acabó el mundo. Ya no sigue el tiempo, ya no sigue el espacio, ya no hay encadenamiento de causas. Se acabó la comedia, pero definitivamente. Podemos suponer que un tiempo y un espacio sigan para los demás. Pero ¿eso qué importa, si no es el nuestro, que es el único real?”

Marlene Dietrich



"Si pudieras marcharte ahora y volver hace diez años..."

MARLENE DIETRICH (27 de diciembre de 1901 –  6 de mayo de 1992)







Una de las estrellas cinematográficas más deslumbrantes de todos los tiempos, Maria Magdalena Dietrich nació en el seno de una familia de militares el 27 de diciembre de 1901 en una pequeña población alemana cercana a Berlín llamada Schöneberg.
Sus padres eran Louis Erich Otto y Josephine Dietrich. Louis, que era teniente de policía, falleció cuando Marlene todavía era una niña.

Desde su temprana adolescencia Marlene, que había estudiado canto y música en su infancia, encaminó sus pasos hacia el mundo del show-business trabajando en espectáculos de cabaret.

Los humeantes clubes nocturnos de la Alemania de los años 20 fueron el escenario idóneo en el que la atrayente sensualidad y liberal sentido de la sexualidad de la rubia cantante comenzó a manifestarse, manteniendo múltiples relaciones con personas de ambos sexos.

En 1924 contrajo matrimonio con Rudolph Sieber, con el que tuvo su hija Maria. El enlace con Sieber fue su única boda, ya que aunque mantuvo infinidad de romances con gente de toda condición, Marlene jamás se divorció de Rudy, como ella le llamaba, manteniendo una estrecha relación de confidencia a pesar de romper su nexo marital en el año 1929.

Para mejorar sus aptitudes para la actuación y poder iniciarse en la industria cinematográfica, Marlene acudió a clases de interpretación con el prestigioso Max Reinhardt, debutando en la pantalla grande con “Der Kleine Napoleón” (1923).

En los años 20 también participó en “Die Freulosse Gasse” (1925), película en la que estaba acompañada por divas de la talla de Asta Nielsen o Greta Garbo. Marlene admiraba profundamente a esta última actriz,, con quien intentó intimar sin éxito en el futuro.

Sus papeles cinematográficos eran breves, lo que le obligaba a continuar con sus actuaciones cabareteras para sufragar sus gastos.

Tras una de sus funciones nocturnas, un cliente se dirigió a ella para ofrecerle una prueba para su nueva película. El film era “El Ángel Azul” (1930) y el espectador Josef Von Sternberg.
  

Von Sternberg se convirtió en su amante y en su descubridor. El triunfo comercial de “El Ángel Azul” provocó que el director y su estrella se trasladasen a Hollywood para debutar en la capital del cine mundial con los estudios Paramount, compañía que pretendía convertir a Marlene en la respuesta a la sueca Greta Garbo.

Marlene y Von Sternberg coincidieron en los años 30 en siete ocasiones. Además de “El Ángel Azul”, la pareja aparecería en los créditos de “Marruecos” (1930) con Gary Cooper, “Fatalidad” (1931) con Victor McLaglen, “El Expreso De Shangai” (1932) con Clive Brook, “La Venus Rubia” (1932) con Cary Grant y Herbert Marshall, “Capricho Imperial” (1934) con John Lodge, y “El Diablo Es Una Mujer” (1935) con César Romero.

El listado de amantes de Marlene en Hollywood se ampliaba día a día, ya que la alemana le tiraba los tejos a casi todos los actores y actrices de cierto atractivo físico con los que compartía rodaje.
El sexo era algo normal y prioritario en la existencia de la intérprete germana. Cuando coincidía con una persona (masculina o femenina) que le parecía sugestiva a nivel sexual no dudaba en proponerle un momento de ardiente pasión.

El éxito de las películas que rodó con Von Sternberg hicieron de Marlene la actriz mejor pagada del período, especialmente en la primera mitad de la década de los 30, cuando ya estaba convertida en leyenda viva.

Además de los títulos con Sternberg, son destacables en este decenio películas como “Deseo” (1936), film de Frank Borzage producido por Ernst Lubitsch, “Angel” (1937), cinta dirigida por el propio Lubitsch, “La condesa Alexandra” (1937) de Jacques Feyder, o “Arizona” (1939), western de George Marshall co-protagonizado con James Stewart con el que Marlene consiguió revitalizar su carrera y lograr un nuevo contrato con la Universal.

Por esa época, Marlene ya se había nacionalizado estadounidense, hecho que junto a la negativa dada a Adolf Hitler ante la petición del dictador alemán de que su estrella regresase al cine germano, alimentó una animadversión creciente entre la población de su país de origen.
Este desafecto se acentuó todavía más cuando tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Marlene apoyó al ejército aliado.
  
Este activo sostén militar provocó que la actriz alemana no apareciese con regularidad en las pantallas cinematográficas a lo largo de la década de los 40.

Sus películas más importantes en este período fueron “Siete pecadores” (1940), film dirigido por Tay Garnett y co-protagonizado por John Wayne (con quien mantuvo un breve pero apasionado romance), “La Llama De Nueva Orleáns” (1941) de René Clair, “Manpower” (1942) de Raoul Walsh, “Los Usurpadores” (1942) de Ray Enright, “Capricho De Mujer” (1942) de Mitchell Leisen, “El Príncipe Mendigo” (1944) de William Dieterle, "En Las Rayas De La Mano" (1947), film de Leisen en el que interpretó a una gitana junto a Ray Milland, y “Berlín-Occidente” (1949), film dirigido por Billy Wilder.

A pesar de que su glamourosa presencia (mejor aprehendida en sus films en blanco y negro que en los de color) ya no impresionaba a la audiencia, Marlene seguía luciéndose para directores de la talla de Alfred Hitchcock con “Pánico En La Escena” (1950), Fritz Lang en “Encubridora” (1952), Billy Wilder en “Testigo de cargo” (1957) u Orson Welles en “Sed de mal” (1958).

A principios de los años 60 decidió abandonar el cine, ocupándose más de su faceta teatral, desarrollada tanto en Broadway como en Las Vegas. Una de sus últimas apariciones fue en “Vencedores o vencidos” (1961), film dirigido por Stanley Kramer.

En 1964 se retiró de la pantalla durante un largo tiempo, retornando estelarmente en la década de los 70 con “Gigoló” (1974), una película de David Hemmings co-protagonizada por David Bowie y Kim Novak.

Los últimos doce años de su vida los pasó recluida y encamada en su casa parisina, falleciendo en la Ciudad de la Luz a la edad de 90 años el 6 de mayo de 1992. Con posterioridad y ya sin rencores patriotas, el mito Marlene Dietrich fue enterrado en la ciudad de Berlín.(Fuente:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article230.html )




MARRUECOS es una película de 1930 dirigida por Josef von Sternberg y protagonizada por Gary Cooper, Marlene Dietrich y Adolphe Menjou en sus papeles principales. El film narra el romance entre un legionario francés en plena guerra contra los marroquíes.

La película fue nominada para los Oscars en las categoría de mejor actriz para (Marlene Dietrich) aunque ella se aprendió el papel fonéticamente ya que apenas tenía conocimientos de inglés, mejor dirección artística, mejor fotografía y mejor director (Josef von Sternberg).




Joan Manuel Serrat



  "En la que más me prohíban." JOAN MANUEL SERRAT

(Durante su nombramiento como doctor honoris causa , a la pregunta de un periodista: "¿En qué lengua prefieres expresarte, en catalán o en castellano?".)






Joan Manuel Serrat nació el 27 de diciembre de 1943 en Poble Sec (Barcelona), en el seno de una familia obrera de la postguerra española.

Cursó estudios de Perito Industrial a la vez que tocaba la guitarra. En 1964 se presenta en un programa de Radio Barcelona para interpretar una de sus canciones. Poco tiempo después le llaman para ofrecerle un contrato y grabar su primer disco.

Serrat fue uno de los pioneros de lo que se dio en llamar la 'Nova Cançó' catalana. En 1968 se anuncia que Serrat será el representante de España en el Festival de Eurovisión, con el tema 'La, la, lá', un guiño de la dictadura a las nuevas generaciones rebeldes. Pero esas generaciones no se dejan comprar fácilmente y Serrat anuncia que no actuará si no le permiten cantar en catalán, lo que le valió un prolongado veto en la televisión nacional. Su puesto en el Festival fue cubierto por una jovencísima Massiel que se llevó el premio con el mismo tema de Serrat. En 1969 nace su primer hijo, Queco y realiza su primera gira por sudamérica, repitiendo un año después. Publica un disco titulado 'Dedicado a Antonio Machado' y en 1970 'Mi niñez'.

A finales de 1970 se encierra en el Monasterio de Montserrat, en Barcelona, junto a un buen puñado de intelectuales y artistas, en señal de protesta por el proceso de Burgos y en contra de la pena de muerte.

En 1971 publica uno de sus discos más importantes: 'Mediterráneo'. Para entonces Serrat se había convertido en uno de los principales símbolos de la libertad, tanto en España como en América Latina.

Un año después vuelve a rendir tributo a uno de los grandes poetas de las letras hispanas: 'Miguel Hernández' es el título. Finalmente, en 1974 se le retira el veto en Televisión Española.

En 1975, a raíz de unas declaraciones suyas, tuvo que exiliarse durante un año, debido a la orden de busca y captura que se emitió contra él. Además, muchos de sus trabajos fueron retirados y censurados con el régimen.

En 1981 publica 'En tránsito', con el que consigue situarse en lo más alto de las listas españolas. En 1983 sale a la luz 'Cado loco con su tema' y realiza una gran gira por Sudamérica excepto en Chile, donde es censurado por Pinochet.

En los años siguientes publica 'El sur también existe', 'Bienaventurados', 'Utopía' y 'Nadie es perfecto'. En 1996 se une a Victor Manuel, Ana Belén y Miguel Ríos para realizar una gira por toda España en el espectáculo titulado 'El gusto es nuestro', obteniendo un éxito apoteósico en todas las ciudades en las que actuaron.

En 1988 publicó 'Sombras de la China', un disco mayúsculo en su carrera.

Por fin, después de muchos años el maestro Miralles vuelve a trabajar con Serrat en los arreglos y la orquestación de los temas que componen el álbum, 'Versos en la boca', del año 2002, una colaboración que décadas atrás produjo verdaderas obras maestras de la música española.

Un año más tarde, en el 2003, aparece "Serrat Sinfónico". Serrat sinfónico es un proyecto que Joan Manuel Serrat tenía pensado desde hace tiempo: una selección de algunas de sus canciones más significativas grabadas con una gran orquesta sinfónica. Con arreglos y dirección de Joan Albert Amargós y acompañado por la Orquesta Sinfónica de Barcelona i Nacional de Catalunya, Serrat ha revisado canciones como Mediterráneo, Cantares, Canço de matinada, Pare, Mi niñez... y un Ara que tinc vint anys (Ahora que tengo veinte años) rebautizado como Fa vint anys que dic que fa vint anys que tinc vint anys (Hace veinte años que digo que hace veinte años que tengo veinte años).

En el 2006 Serrat vuelve a lanzar un nuevo disco en catalán, "Mô". Contiene 12 canciones propias y cuenta con el valor añadido de un DVD con 9 canciones del álbum en versión acústica y comentarios personales. "Mô" es un homenaje a Mahón, ciudad con la que Serrat mantiene una estrecha vinculación, no solo por que allí pasa largas temporadas, si no también por que es el lugar donde han nacido muchas de sus creaciones musicales. "Mô" es un álbum variado, "sonoro y cacofónico" según el propio Serrat, una colección de historias que hablan de ciudades y de amigos, de mares y mujeres, de complicidades y recuerdos, de encuentros y huídas, volando por encima de músicas, idiomas y generaciones.
(Fuente:http://www.todomusica.org/joan_manuel_serrat/)




LA MONTONERA- Joan Manuel Serrat
Este poema, escrito y musicalizado por Joan Manuel Serrat, está dedicado a una amiga suya llamada Alicia, que militaba en Montoneros, y a quien Serrat conoció en el ’69 (una de las primeras veces que estuvo en Argentina) y a la que creyó, durante muchos años, asesinada por la Triple A.
Alicia salía por las noches pesadas de fines de los ‘60 y principios de los ’70, cuando el pueblo peronista clamaba por el regreso del Líder desde el exilio, a pintar «Luche y vuelve» en las paredes de Buenos Aires.
Es interesante la lectura que hace Serrat del fervor de aquella juventud y de cómo esas ganas genuinas de cambiar las cosas fueron usadas por sus dirigentes, incluido el viejo General (por aquellos años pasaron de ser una “juventud maravillosa” para ser “imberbes estúpidos” el 1º de mayo del ’74 cuando los echó de la Plaza de Mayo): Serrat cierra el poema con unos versos sacados de “El Cantar del Mio Cid”: “Qué buen vasallo sería /si buen señor tuviera”
Según se cuenta, Alicia sobrevivió a la Triple A y a la dictadura.
La canción nunca fue editada comercialmente pero existen algunas versiones grabadas en forma clandestina