Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 23 de noviembre de 2012

Merle Oberon




MERLE OBERON





Merle Oberon (n. Bombay, India; 19 de febrero de 1911 – f. Malibú, Estados Unidos; 23 de noviembre de 1979), nacida Estelle Merle O'Brien Thompson, fue una actriz de cine británica.

Nacida en la India, Merle no viajó a Inglaterra hasta 1928. Empezó trabajando en un club con el nombre artístico Queenie O'Brien y trabajó en algunas películas menores. Su primer papel importante fue el de Ana Bolena en la película La vida privada de Enrique VIII (1933), en la que trabajó junto a Charles Laughton. En 1934 protagonizó junto a Leslie Howard La pimpinela escarlata.

La carrera de Oberon cambió a raíz de su matrimonio con el director Alexander Korda, que fue quien la persuadió para que se cambiara el nombre por el que la hizo famosa. En 1935 protagonizó Ángel en tinieblas, película que le valió la nominación al premio Óscar a la mejor actriz.

En 1939 fue Cathy en el filme Cumbres borrascosas junto a Laurence Olivier. En 1954 fue la emperatriz Josefina en la película Desirée junto al actor Marlon Brando, quien interpretaba a Napoleón Bonaparte.

La actriz se divorció de Korda en 1945 y se casó en tres ocasiones más. Falleció de un accidente cerebrovascular a la edad de 68 años.(Fuente: Wikipedia)



CUMBRES BORRASCOSAS (1939).Director: William Wyler .Actores:David Niven,  Laurence Olivier,  Donald Crisp,  Merle Oberon.
Esta es la adaptación más famosa de todas las que se han hecho de la novela de Emily Bronté y es la que cuenta con la estupenda fotografía de Gregg Toland (Ciudadano Kane) y la actuación de Olivier, en uno de los roles que lo hicieron famoso en Estados Unidos.


José Luis Borau






JOSE LUIS BORAU MORADELL (Zaragoza, 8 de agosto de 1929 - Madrid,23 de noviembre de 2012) fue un director, productor, guionista, actor y crítico de cine español.

Nació en Zaragoza el 8 de agosto de 1929. Hizo sus primeros estudios en el Colegio San Agustín de Zaragoza. Borau comenzó a estudiar Derecho en Zaragoza en 1949. Tras trabajar durante un corto período como crítico de cine en el periódico Heraldo de Aragón, estudió desde 1957 en la Escuela Oficial de Cinematografía en Madrid, carrera que terminó con el corto En el Río en 1961.

Se lo consideró como la gran esperanza del "nuevo cine español" en los años 60. Sin embargo, mientras que sus contemporáneos hacían un cine psicológico, él, siguiendo las modas de Hollywood, se dedicó al Spaghetti Western (Brandy, 1963) o al thriller (Crimen de doble filo, 1965), con poco éxito comercial.

De estos trabajos sacó la conclusión de que sólo podía filmar películas satisfactorias si las realizaba bajo control propio y fundó en 1967 su propia productora El Imán. Durante diez años filmó sobre todo anuncios y produjo películas de otros. Además, trabajó como profesor de guion de la Escuela Oficial de Cinematografía.

Su primera película bajo control propio es el thriller político Hay que matar a B. (1974), que puso de relieve, por primera vez, su estilo preciso y minucioso en la dirección, la construcción de la historia y el montaje.

Su mayor éxito comercial lo tuvo en 1975 con el drama Furtivos, que actualmente se considera como uno de los mejores ejemplos del último cine franquista. Sobre todo, impresiona la escenografía visual de la trama en los bosques de los alrededores de Madrid. La película obtuvo en 1975 la Concha de Oro del Festival de Cine de San Sebastián y el premio a la mejor película en lengua española.

En 1979 estrena La Sabina, una historia de pasión y superstición que transcurre en tierras andaluzas. La coproducción con Suecia permite sumar al reparto a conocidos actores extranjeros. En 1984, fue director de la coproducción hispano-norteamericana Río Abajo (título en EEUU: On the Line) con David Carradine y Victoria Abril. Tras cosechar un éxito de público y crítica en 1986 con Tata mía (con Imperio Argentina y Carmen Maura), entre otras cosas alcanzó una nominación para los Goya como mejor guion y filmó en 1997 Niño nadie.

En 1993 filmó la serie de televisión Celia, basándose en historias de Elena Fortún. Con la idea de sólo escribir los guiones y producir los capítulos, acabó por dirigir parte de la serie. La serie tuvo éxito de público en la televisión española.

De 1994 a 1999 fue presidente de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España. En 1995 fundó su propia editorial, ediciones El Imán, de libros sobre cine.

En el año 2001 obtuvo con su película Leo (2000) el premio Goya a la mejor dirección. Además, ganó el premio especial del jurado del Festival de Cine de Málaga y junto con La Comunidad de Álex de la Iglesia el premio Premio Fotogramas de Plata. En 2003, a los 74 años, recibió por Camisa de once varas, libro de relatos, el Premio Tigre Juan de narrativa a la mejor ópera prima. En 2007, Chunta Aragonesista le concedió el III Premio Aragoneses en Madrid. Presidente de la Sociedad General de Autores y Editores (SGAE) desde julio de 2007 hasta julio de 2011. En febrero de 2008 fue nombrado académico de la Real Academia Española, cubriendo la vacante de Fernando Fernán Gómez en el sillón B.[1] La contestación de su discurso de incorporación corrió a cargo de Mario Vargas Llosa. Murió en Madrid el 23 de noviembre de 2012.
(Fuente:  Wikipedia)





FURTIVOS es una película española estrenada en 1975. Dirigida y escrita por José Luis Borau, en colaboración con Manuel Gutiérrez Aragón, fue Concha de Oro a la mejor película en el Festival de Cine de San Sebastián.
Ángel (Ovidi Montllor) es un cazador furtivo que vive en un bosque con su madre (Lola Gaos), una mujer de carácter tiránico y violento. En uno de sus escasos viajes a la ciudad, conoce a Milagros (Alicia Sánchez), joven huida de un reformatorio y amante de un conocido delincuente. Ángel la protege y la lleva a su casa. La animosidad de la madre hacia Milagros, así como la atracción que Ángel siente hacia ella, unido al aspecto claustrofóbico de las relaciones entre los personajes, desembocan en un drama.
La exhibición de Furtivos estuvo tan condicionada por las autoridades franquistas que fue desestimada para los festivales de Cannes y Berlín. Fue mejor recibida en San Sebastián, punto de partida de su rotundo éxito de crítica y público.
Con esta película el cantautor Ovidi Montllor inició una paralela y notable carrera como actor.
En un principio, Borau pensó en Ángela Molina y en el piloto de motociclismo Ángel Nieto para los papeles principales.


Boris Karloff




«Aquí me tiene, interpretando una criatura inarticulada con un cerebro medio deformado que apenas funciona, pero a cada momento comienza a funcionar más y más, y aún así tiene que comunicarse...con la gente...con los otros personajes en la trama y con la audiencia. Y la única manera que pude hacerlo fue realmente... fue... con los ojos.»


BORIS KARLOFF   (23 de noviembre de 1887 – 2 de febrero de 1969)
 
 

William Henry Pratt,conocido como Boris Karloff, fue un actor británico famoso por sus papeles en películas de terror.

Hijo de Edward John Pratt Jr. y su tercera mujer Eliza Sarah Millard, el futuro actor nació en Camberwell, Londres, y creció en Enfield.

Huérfano consome, asistió a clases en la Enfield Grammar School antes de trasladarse a la Uppingham School, la Merchant Taylors' School, y de forma eventual a la Universidad de Londres. La primera meta de Karloff era unirse al servicio diplomático; su hermano Sir John Henry Pratt, llegó a convertirse en un famoso y distinguido diplomático. En 1909, Pratt viajó a Canadá, cambiando su nombre. Por razones de salud, no combatió en la Primera Guerra Mundial.

Una vez llegado a Hollywood, California, Karloff participó en numerosas películas mudas, antes de aparecer como el monstruo de Frankenstein en Frankenstein (1931), la película que le convirtió en estrella y que rodó gracias a que Béla Lugosi rechazó el papel. Un año después interpretó a otro personaje icónico, Imhotep, en La momia.

Su altura y el éxito de Frankenstein (donde apareció en los títulos de créditos solamente como Karloff) le encasillaron en el género de terror (donde realizó numerosas películas para la Universal Pictures), aunque participó en otros géneros como en The Lost Patrol de John Ford en 1934. Karloff interpretó al monstruo de Frankenstein dos veces más; La novia de Frankenstein (1935) y El hijo de Frankenstein (1939), con Lugosi como el loco Igor. Precisamente con Lugosi coincidió en otros dos importantes títulos The Black Cat (1934) y El cuervo (1935).Son conocidas las largas sesiones de maquillaje con colodión y algodón a las que tuvo que someterse bajo la dirección del maquillador Jack Pierce, y el incómodo traje y los zapatos de plataforma que le causaron daños en la espalda que arrastró el resto de su vida.

En cuanto a su carrera teatral, sobre los escenarios de Broadway estrenó en 1941 la obra Arsenic and Old Lace en la que interpretaba a un gangster homicida, que en el desarrollo de la función era con frecuencia confundido con el propio Karloff. Repitió el personaje en la versión para televisión de 1962. También intervino en The Linden Tree, de J. B. Priestley, Peter Pan, en el personaje del Capitán Garfio y en La alondra (1955), de Jean Anouilh por la que fue nominado al Premio Tony.

A pesar de los papeles que le hicieron famoso, Karloff fue conocido en su vida real como un caballero generoso, sobre todo con la infancia. En sus últimos años actuó varias veces en la televisión.

Karloff nunca tuvo a mal quedar encasillado como actor de películas de terror, al contrario, consideró que era una magnífica oportunidad para demostrar sus dotes y siempre estuvo agradecido por ello.

Boris Karloff murió de neumonía en el King Edward VII Hospital, Midhurst, Sussex, a la edad de 81 años, siendo posteriormente incinerado.

Por su contribución, Boris Karloff fue galardonado con dos estrellas en el legendario Paseo de la Fama, en el 1737 Vine Street (por sus películas) y 6664 Hollywood Boulevard (por televisión).

Se le considera como uno de los grandes actores clásicos del cine de terror, junto a Lon Chaney Jr. (como el El Hombre Lobo) y Béla Lugosi (como Drácula).
(Fuente: Wikipedia)





FRANKENSTEIN (1931)
Boris Karloff da vida al monstruo más célebre de la pantalla en esta película de terror considerada por muchos como la mejor de todos los tiempos. El doctor Frankenstein osa jugar con la vida y la muerte y, uniendo diversos trozos de cadáveres, crea un monstruo humano.

La adaptación de la novela de Mary Shelley realizada por el director James Whale, junto con la tierna interpretación de Karloff de esta criatura en busca de su identidad, hacen de esta película una obra maestra no sólo de su género, sino de toda la historia del cine.


 

La Scala de Milan



 El teatro alla Scala (también conocido como La Scala) de Milán, es uno de los teatros de ópera más famosos del mundo.

La temporada del teatro suele iniciarse el 7 de diciembre, día de San Ambrosio, santo patrón de Milán. Todas las funciones deben terminar antes de la medianoche, por lo que las óperas más largas deben comenzar más temprano.

Entre los más grandes directores del Gran Teatro hay que citar figuras como Arturo Toscanini, Gianandrea Gavazzeni, Claudio Abbado,Georges Prêtre, Riccardo Muti o Daniel Barenboim.
 


Ha estado ubicado en dos edificios. Un incendio destruyó el primero, el antiguo Teatro Ducale, el 25 de febrero de 1776, después de una gala de carnaval. Los noventa dueños de los palcos del teatro, le pidieron al archiduque Fernando de Austria la construcción de un nuevo teatro y otro provisional durante las obras.

El arquitecto neoclásico Giuseppe Piermarini hizo un diseño inicial que fue rechazado por el Conde Firmian (un gobernador austríaco). Un segundo plan fue aceptado por la emperatriz María Teresa I en 1776.

El nuevo teatro se construyó en el lugar que ocupaba antes la iglesia Santa Maria alla Scala, que dio su nombre al teatro. La iglesia fue desconsagrada y demolida, y en un período de dos años Pietro Marliani, Pietro Nosetti y Antonio y Giuseppe Fe completaron la construcción del nuevo edificio. Fue inaugurado el 3 de agosto de 1778, con el nombre de Nuovo Regio Ducal Teatro alla Scala, con la ópera L'Europa riconosciuta de Salieri.

Como otros teatros de la época, La Scala fue también un casino.

La estructura original fue renovada en 1907, cuando se cambió al diseño actual. En 1943, durante la Segunda Guerra Mundial, los bombardeos dañaron seriamente el teatro. Fue reconstruido y reestrenado el 11 de mayo de 1946 con un concierto memorable, dirigido por Arturo Toscanini.

En La Scala se estrenaron muchas óperas famosas, y mantuvo una relación muy especial con el compositor Giuseppe Verdi. Sin embargo, durante muchos años el compositor no representó allí ninguna de sus obras, dado que Verdi acusó a la orquesta de modificar su música.

Actualmente el edificio posee un museo al que se accede desde el foyer, con una extraordinaria colección de pinturas, bocetos, estatuas, y otros documentos relacionados con la ópera.

El teatro fue cerrado entre el 19 de enero de 2002 y noviembre de 2004 para su restauración. En esta ocasión el proyecto fue diseñado por el arquitecto Mario Botta. Durante este período la compañía se trasladó al Teatro degli Arcimboldi. La restauración fue controvertida porque los que velaban por la preservación del teatro, temían que se perdieran los detalles históricos; La decisión más controvertida fue demoler toda el área posterior al escenario para crear una zona de servicio moderna y funcional, digna de uno de los más importantes teatros del mundo, como se argumentó. En cambio, la filosofía que ha guiado la reestructuración del salón del teatro, ha sido devolver a La Scala el esplendor originario y eliminar todas las modificaciones posteriores. Se han eliminado alfombras y pinturas que ocultaban el mármol originario y, siendo posible, se han recuperado las decoraciones del siglo XVIII de algunos palchi de importancia histórica como la barcaccia del virrey de un maravilloso color azul celeste. Se considera que la compañía quedó satisfecha e impresionada con la calidad del sonido y las mejoras en la estructura. En el espacio que se ha agregado a la parte trasera del escenario se podrán guardar más escenografías. Los puestos fueron equipados con monitores donde se presenta el libreto en inglés, francés o italiano.

Para la reapertura del teatro se escogió la misma ópera que se utilizó en su apertura, L'Europa riconosciuta de Salieri.

Pueblo Blanco - Joan Manuel Serrat



Colgado de un barranco
duerme mi pueblo blanco,
bajo un cielo que a fuerza

de no ver nunca el mar,
se olvidó de llorar.

Por sus callejas de polvo y piedra
por no pasar, ni pasó la guerra,
sólo el olvido camina lento
bordeando la cañada,
donde no crece una flor
ni trashuma un pastor.

El sacristán ha visto
hacerse viejo al cura,
el cura ha visto al cabo
y el cabo al sacristán,
y mi pueblo después
vio morir a los tres,
y me pregunto: porqué nacerá gente
si nacer o morir es indiferente.

De la siega a la siembra
se vive en la taberna,
las comadres murmuran
su historia en el umbral,
de sus casas de cal.

Y las muchachas hacen bolillos
buscando, ocultas tras los visillos,
a ese hombre joven
que noche a noche forjaron en su mente,
fuerte para ser su señor
y tierno para el amor.

Ellas sueñan con él
y él con irse muy lejos,
de su pueblo y los viejos
sueñan morirse en paz,
y morir por morir
quieren morirse al sol,
la boca abierta al calor, como lagartos
medio ocultos tras un sombrero de esparto.

Escapad gente tierna
que esta tierra está enferma,
y no esperéis mañana
lo que no te dio ayer,
que no hay nada que hacer.

Toma tu mula, tu hembra y tu arreo,
sigue el camino del pueblo hebreo
y busca otra luna,
tal vez mañana sonría la fortuna
Y si te toca llorar,
es mejor frente al mar.

Si yo pudiera unirme
a un vuelo de palomas,
y atravesando lomas
dejar mi pueblo atrás,
juro por lo que fui
que me iría de aquí,
pero los muertos están en cautiverio
y no nos dejan salir del cementerio.

El cuadro, obra de José Manuel Bueno, nos muestra el precioso pueblo gaditano de Arcos de la Frontera.