Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

viernes, 26 de octubre de 2012

"Un perro andaluz": Cortando con la realidad


Posiblemente la imagen más famosa de toda la filmografía de Luis Buñuel es aquella de "El perro Andaluz" (1929), obra que hizo junto a Dalí, en la que podemos ver como una cuchilla de afeitar corta el ojo de una mujer, de la misma forma que después una nube afilada pasa por delante de la luna cortándola igualmente. Ya en 1920, Lorca (compañero de Buñuel y Dalí en la Residencia de Estudiantes) escribía en "Canción para la luna": “Luna dormida, ¡qué lentamente caminas! Cerrando un párpado de sombras, miras cual arqueológica pupila. Que quizás sea (Satán es tuerto) una reliquia”. El título del filme es el mismo que el de un poemario anterior de Buñuel, y se trata de una posible alusión al propio Federico Lorca -que era andaluz-, al menos estaba convencido que «el perro andaluz» era él, tal como explicó el propio Buñuel en 1975:
 "Cuando en los años treinta estuve en Nueva York, Ángel del Río me contó que Federico, que había estado también por allí, le había dicho: -Buñuel ha hecho una mierdecita así de pequeñita que se llama Un perro andaluz; y ese perro andaluz soy yo.-" Esta creencia de Lorca se podría justificar en la profunda enemistad que existía entre el poeta y Buñuel en aquel momento, aunque este último siempre negó cualquier referencia a Lorca en la película.

La escena del ojo cortado parece haber sido ideada por Buñuel y en su simbolismo querría señalar que se ha cegar la mirada convencional para que surja la mirada asomada al interior que era precisamente lo que promovía el Surrealismo. El propio Buñuel explicaba que:
 
  "Para sumergir al espectador en un estado que permitiese la libre asociación de ideas era necesario producirle un choque traumático en el mismo comienzo del filme; por eso lo empezamos con el plano del ojo seccionado, muy eficaz." 

  La escena tenía evidentemente su truco y lo que se cortaba con la cuchilla era en realidad el ojo de una ternera muerta que previamente había sido depilado para asemejar uno humano. No creo que sean pocas las pesadillas provocadas por la escenita, que a pesar de su primitivo montaje y del paso de los años sigue tan inquietante como el día de su estreno. Pero más allá del tajo que da la navaja, también se quedó en nuestro recuerdo ese rostro de ojos desafiantes que se enfrentaba sin miedo a la mutilación de su mirada. Pocos sabrán que aquella actriz se llamaba Simone Mareuil (1903-1954) y si bien participó en otros filmes, fue este trabajo el que le reportó fama. Al concluir la Segunda Guerra Mundial regreso a su ciudad natal, Perigueux, víctima de una profunda depresión que no pudo superar y que la llevó a suicidarse de forma trágica, se roció con gasolina y se prendió fuego "a lo bonzo" en un plaza pública. Curiosamente su compañero en la película, Pierre Batcheff había muerto también, años antes por una sobredosis de veronal. No creo que Dali o Buñuel, tan arriesgados a la hora de imaginar lo inimaginable, hubieran sospechado un final así para los protagonistas de su película.
 
 Aprovechando la anécdota os dejo la película completa, que a pesar de ser muy cortita, resulta siempre interesante. Tuvo como título provisional "Peligroso asomarse al interior" lo que sin duda abre más la curiosidad. Por allí veréis manos de las que surgen hormigas, dos burros muertos sobre sendos pianos, o un personaje que va en bicicleta que cuando deja de pedalear, se cae. Unas tetas se convierten en un culo y el vello de un sobaco en un erizo; una puerta de una habitación que lleva a la playa... y muchas otras imágenes curiosas que sólo pueden pertenecer al reino de los sueños. Surrealismo puro y duro.
 
La película:
 

 
 

Mahalia Jackson


"Cualquiera que canta Blues está en un hoyo profundo, gritando para pedir ayuda"


MAHALIA JACKSON

(26 de octubre de 1911 - 27 de enero de 1972)





Considerada adecuadamente como la mejor interprete de gospel o de "spirituals" de todos los tiempos, Mahalia Jackson contribuyó decisivamente a la difusión, divulgación y conocimiento de la música ritual afroamericana permaneciendo fiel siempre a si misma y a su forma de cantar. La voz de Mahalia Jackson con sus dolientes inflexiones y con esa absoluta sencillez para recorrer toda la gama tonal represento un punto de referencia para el americano negro.

     Mahalia Jackson había nacido en uno de los barrios mas pobres de New Orleáns, el "Water Street" en una chabola a dos pasos del río Mississippi. En su infancia los padres le enseñaron el camino de la Fé religiosa, un hecho que en la comunidad negra tiene una extrema importancia. Su capacidad para cantar música sacra, es desde el principio muy relevante y a menudo venían familias enteras para escuchar a la joven Mahalia. La cantante siempre se negó a sacar su canto de la esfera religiosa y rechazó siempre las invitaciones del pianista Earl Hines para pasarse  a la música "profana". Solo hizo una excepción en su vida, cuando accedió a grabar con Duke Ellington, un hombre también muy religioso el disco en forma de suite: "Black Brown and Beige".

     Cuando su familia, por razones económicas, tuvo que emigrar al ghetto negro de Chicago, el South Side se produjo un hecho que cambiaría la forma de plantearse su canto. Allí se encontró con la gran cantante de blues Bessie Smith cuya voz, poderosa y solemne, sería a partir de entonces una referencia en su carrera profesional. En Chicago, Mahalia se unió a Robert Johnson formando el grupo: "Johnson Gospel Singers" con el que empezó a recorrer América de cabo a rabo.  En esas giras por toda la América profunda, Mahalia se encontró con Thomas Dorsey, celebre autor de cantos sacros y junto a él abrió las puertas del Carnegie Hall neoyorquino donde grabó por primera vez el celebre: "In the Upper Room" que los responsables del teatro y dado el enorme éxito, decidieron interpretarlo de manera anual en una serie de inolvidables conciertos.

     Mahalia viajó a Europa y en Roma fue recibida por el Papa quien le animó a seguir en su línea de trabajo. De vuelta a los Estado Unidos, Mahalia Jackson conoció a Martin Luther King cuando en América se estaba gestando la lucha por el fin de la esclavitud y la segregación racial. Se unió a su causa y participó en la celebre marcha sobre Washington y en el boicot de Alabama. Cuando asesinaron a Martin Luther King también acabaron con la actividad de Mahalia Jackson que se retiró a su hogar rodeada de cariño por sus familiares mas cercanos.     (Fuente:www.apoloybaco.com/mahaliajacksonbiografia.htm)




HOW I GOT OVER .Mahalia Jackson cantó esta canción justo antes del famoso discurso de Martin Luther King ("Yo tengo un sueño") en Washington DC ,el año 1963

Don Siegel




"Una vez le dije a Jean-Luc Godard que él tenía algo que yo quería, libertad. Y él me respondió: 'tú tienes algo que yo quiero: dinero'". 


DON SIEGEL (26 de Octubre de 1912 -20 de Abril de 1991)





Conocido tanto por Don como por Donald, Siegel es sin duda una de las figuras más representativas del cine estadounidense del siglo XX. Director y productor de éxito, su carrera se desarrolló con producciones muy dispares y de temática muy variada, a pesar de que su estilo a la dirección era inconfundible, y se ha considerado la gran influencia de uno de sus grandes amigos, el actor y también director Clint Eastwood quien, por cierto, le dedicó una de sus primeras películas.

Nacido en Chicago, Siegel se educó en Cambridge, Inglaterra, y empezó a trabajar en la compañía Warner Bros. Allí desarrollaría una carrera importante en el montaje, llegando a ser director del departamento de montake y particicipando en la edición de películas tan míticas como Casablanca (1942), entre muchas otras. A partir de ahí se desarrollaría su estrecha relación con el mundo del cine, hasta que tomó las riendas y decidió ponerse a la dirección. Primero, con dos cortos que se hicieron con premios en los Oscar de la edición de 1945.

Comenzaría así una carrera de éxito que incluye más de 50 títulos como El gran robo (1949), Flaming Star (1960), protagonizada por Elvis Presley y Barbara Eden, Harry, El Sucio (1371) o Fuga de Alcatraz (1979), estas últimas protagonizadas por Eastwood y alabadas por la crítica. Casado dos veces y padre de cinco hijos, Siegel murió de cáncer en Los Ángeles a los 77 años de edad. Su producción cinematográfica, sin embargo, tampoco ha estado exenta de críticas que aluden a su "comercialidad". A este respecto, él mismo ha comentado en diversas ocasiones que los productores le dejaban poca libertad a la hora de crear: "Una vez le dije a Jean-Luc Godard que él tenía algo que yo quería, libertad. Y él me respondió: 'tú tienes algo que yo quiero: dinero'".


Falleció el 20 de abril de 1991 en Nipomo, (California).

(Fuente:http://biografias.estamosrodando.com/don-siegel/ y Wikipedia)




Escape from Alcatraz (conocida en España como FUGA DE ALCATRAZ y en Hispanoamérica como Escape de Alcatraz o Alcatraz: Fuga imposible), es un thriller de 1979 dirigido por Don Siegel y protagonizado por Clint Eastwood.

La película está basada en el libro Escape from Alcatraz de J. Campbell Bruce. Relata la historia de Frank Morris (Eastwood) y los hermanos John (Fred Ward) y Clarence Anglin (Jack Thibeau), quienes tienen la distinción de ser posiblemente los únicos en haber escapado de la prisión de Alcatraz. Además presenta el debut en películas de Danny Glover.

En un thriller frío y atmosférico, que captura muchas de las dificultades de la vida en presidio y las condiciones de la prisión de Alcatraz antes de que fuera cerrada permanentemente, poco después del escape.

Hay una pista al final de la película que insinúa que el escape fue exitoso pero, de hecho, sigue siendo un misterio si los fugitivos consiguieron sobrevivir o no, pues aunque los cuerpos fueron buscados en toda la bahía de San Francisco nunca se encontraron



Carta de Hermann Hesse a su padre



( 14 de septiembre de 1892, desde el hospital de Stetten)

Estimado señor:

“Ya que usted se muestra tan a las claras dispuesto a hacer sacrificios, quizá pueda pedirle siete marcos o directamente el revólver. Una vez que usted me ha llevado a la desesperación, supongo que estará dispuesto a librarse rápidamente de él y de mi persona. En realidad ya debería haber sucumbido en junio. Usted escribió: "No te hacemos ningún terrible reproche" porque me quejo de Stetten. Esto también sería bastante incomprensible para mí, pues el derecho a despotricar no se le puede quitar a un pesimista, porque es lo único y lo último que tiene. "Padre" es una palabra extraña, parece que yo no la entiendo. Debe designar a alguien a quien se puede amar y se ama, desde el corazón. ¡Cómo me gustaría tener una persona así! Ya podría usted darme un consejo... Sus relaciones conmigo parecen volverse cada vez más tensas; creo que si fuese pietista y no fuera humano, si convirtiese cada cualidad y tendencia en mí en justo lo contrario, podría estar en armonía con usted. Pero así no puedo ni quiero vivir en absoluto, y si cometo un delito, para mí usted, señor Hesse, tiene la culpa, puesto que me quitó la alegría de vivir. El "querido Hermann" se ha convertido en otro, en alguien que odia el mundo, en un huérfano cuyos "padres" viven. Nunca vuelva a escribir "Querido H.", etc., es una malvada mentira. Hoy el inspector me ha visitado dos veces mientras yo desobedecía sus órdenes. Espero que la catástrofe no se haga esperar mucho. ¡Ay, si hubiese aquí anarquistas! H. Hesse, prisionero en la cárcel de Stetten, donde "no está para ser castigado". Empiezo a pensar sobre quién es el débil mental en este asunto. Por cierto, desearía que ocasionalmente se acercase usted por aquí.”

Hermann Hesse nació en el seno de una familia profunda y rígidamente religiosa (su padre era un misionero báltico y su madre, hija de otro misionero en la India); su educación se desarrolló en la escuela misional, donde los salmos y las plegarias eran su principal sustento. De vez en cuando escapaba para
correr por la pradera, zambullirse en el lago o entablar amistad con el zapatero o el carnicero del pueblo. Eran huidas de la férrea educación religiosa a la que estaba sometido, y pronto su deseo de libertad y poesía lo sumieron en constantes conflictos con sus padres; pero obedecía. En la adolescencia, se convirtió en un pálido joven enclaustrado que preparaba el ingreso en un seminario en el que no deseaba estar. Después de un largo periodo de encierro y estudio, tomó la decisión de huir; saltó la tapia del seminario y regresó a su casa, con una pequeña maleta y una convicción férrea: sería poeta o nada. Para evitarlo, sus padres le internaron en un centro religioso de curación, y ante la negativa del muchacho a la “sanación”, lo entregaron a un afamado exorcista –Blumhardt- para que le liberara del demonio que le poseía. Fue entonces cuando intentó suicidarse, y desde la clínica Stetten en la que fue ingresado para recuperarse, escribió a su padre estas líneas

Robin y Marian (Richard Lester,1976).- Fragmentos del guion



 "Te amo más que a los niños, más que a los campos que planté con mis manos, más que a la plegaria de la mañana, más que a la paz, más que a la alegría, más que al amor, más que a la vida entera. Te amo más que a Dios".

"- Marian: ¿Qué vas a hacer ahora? ¿Combatir al Sheriff? ¿Más muertes? ¿No estás cansado de muertes?

- Robin: El 12 de julio de 1.191 la poderosa fortaleza de Acre cayó ante Ricardo. Su única gran victoria en Tierra Santa. El estaba enfermo y no disparó una flecha. El 20 de agosto John y yo estábamos en la pradera, fuera de la ciudad, mirando. Y los musulmanes que quedaron con vida salieron encadenados. Ricardo perdonó a los más ricos por el rescate, se quedó con los más fuertes como esclavos y cogió a los niños, a todos los niños, y los hizo despedazar. Una vez hecho eso hizo matar a las madres. Cuando acabó con todos, 3.000 cuerpos en la pradera, ordenó que los abrieran por si en sus entrañas escondían oro y piedras preciosas. Los clérigos que había allí, y había muchos, lo consideraron un triunfo. Un obispo se puso la mitra y pronunció una plegaria. Y me preguntas si estoy cansado.

- Marian: ¿Porque no te volviste entonces?

- Robin: El... era mi rey."


Bob Hoskins




"Lo que hacemos no define quienes somos, lo que nos define es cómo nos levantamos despues de caer". Bob Hoskins ('Sucedió en Manhattan')

BOB HOSKINS (n.26 de octubre de 1942)





Robert William "Bob" Hoskins Jr. es un actor británico de origen gitano, nominado a los premios Óscar y conocido por interpretar a líderes oscuros, diamantes y a gángsteres Cockney (habitante de los bajos fondos del East End londinense.), y por su actuación en películas familiares tales como Super Mario Bros. (1993), ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988) y Hook (1991). Tiene dos hijos con su actual pareja (Linda Banwell), y dos hijos de una relación anterior (Jane Livesey).

Comenzó su carrera haciendo actuaciones de teatro en Londres a finales de los años 1960. Las actuaciones de Hoskins en filmes británicos tales como El largo Viernes Santo (1980) y Mona Lisa (1986) le hicieron ganar la más alta aprobación de los críticos y, en última instancia, una nominación a los Premios Óscar por Mejor Actor. También protagonizó papeles cómicos en Brazil de Terry Gilliam (1985), Super Mario Bros. (1993) y Mrs. Henderson presenta (2005) —por la cual recibió una nominación al Globo de Oro (Mejor Actor de Reparto). Durante finales de los años 1980 y a principios de los 1990 apareció en la publicidad de empresas recientemente privatizadas de British Gas and British Telecom (ahora BT Group).

Interpretó magistralmente y en forma muy convincente a Nikita Jrushchov en la película Enemigo a las puertas (2001). Jrushchov fue visto en sus días de comisario político durante la Batalla de Stalingrado.

Hoskins hizo una aparición de cameo como el manager de una banda de rock en la película de Pink Floyd, El muro. Ha dirigido varias películas. Fue criticado por querer ser un reemplazo de última hora en la película Los intocables de Elliot Ness si la estrella Robert De Niro no hubiese decidido interpretar a Al Capone. Cuando De Niro decidió que sí formaría parte, el director Brian De Palma le envió un cheque a Hoskins por $200,000 USD con una nota de agradecimiento, que incitó a Hoskins a llamar a De Palma y preguntarle si había más películas donde no quisiera que él estuviese.

Otras apariciones notables de Hoskins incluyen el haber interpretado al decaído detective Eddie Valiant en la película clásica de animación/live action, ¿Quién engañó a Roger Rabbit? (1988), actuar al lado de Cher en Mermaids (1990), el contramaestre Smee del Capitán Garfio en Hook (1991) y al tío Bart, el violento "propietario" de Jet Li en Danny the dog. También ha realizado varias producciones televisivas para la BBC, incluyendo Dinero caído del cielo de Dennis Potter, Flickers, David Copperfield y The Wind in the Willows.

La primera aparición de Hoskins en las audiencias estadounidenses fue en ¿Quién engañó a Roger Rabbit?. Su acento americano convencía tanto, que muchos críticos de cine que antes no sabían de él, simplemente asumían que era en realidad un actor estadounidense.

En 2002 le fue entregado el Premio Donostia en la 50º edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

Hoskins ha hecho algunos voice-overs en anuncios para Tesco y más recientemente Argos.

Hoskins no era consciente al principio de que Super Mario Bros. estaba basado en el videojuego popular del mismo nombre. Su hijo le había preguntado en qué película estaba trabajando, y lo reconoció, mostrándole a Hoskins el video juego en la videoconsola de Nintendo. Participó además en una película de cine negro junto a Morgan Freeman y el artista marcial chino Jet Li llamada Danny the dog (2005).

En una de sus últimas actuaciones protagonizó el video musical Sheila de Jamie T, interpretando al padre de la novia del titular.

En agosto de 2012, con 69 años de edad, su agente anunció que Hoskins se retiraba de la actuación por padecer la enfermedad de Parkinson.




MONA LISA (1986),Neil Jordan.Bob Hoskins protagonizó este film,obtuviendo un Globo de Oro y un premio Bafta al mejor actor


McCartney, Lennon y la triste historia de "Hey Jude"

Paul McCartney con Julian Lennon, el hijo de John
Parece que "Hey Jude", canción compuesta por Paul McCartney, y una de las más grandes canciones de la historia, en principio no se iba a llamar asi sino "Hey Jules". La canción se compuso para dar consuelo al pequeño Julian, de seis años, hijo de John Lennon con su primera esposa Cynthia Powell, de la que se estaba divorciando para dar formalidad a su relación con Yoko Ono.

Cynthia siempre fue una esposa en la sombra, escondida, secreta, pues se pensaba que no convenía que los fans conocieran su existencia y que uno de los Beatles con más gancho, Lennon, ya estaba casado y además tenía un hijo (Cynthia estaba embarazada cuando se casaron). Así, Cynthia no aparecía en ningún sitio, a pesar de que el matrimonio duró la etapa más gloriosa del grupo, desde 1962 a 1968. Brian Epstein el manager del grupo lo decidió así. A Lennon el éxito le golpeo fuerte, las tentaciones de las groupies que los seguían enloquecidas, los viajes…. El caso es que veía poco a su esposa e hijo que pasaban largo tiempo en un piso de Liverpool, sin contacto con el grupo. Cuando llegó Yoko Ono, todo lo que antes había sido secreto ahora era aireado con total libertad. Las dos caras de una misma moneda.

Bueno, volviendo a la canción, el caso es que McCartney fue un día a visitar a Cynthia para darle apoyo y en el camino, en el coche, compuso la canción "Hey Jules". De la canción decia el propio McCartney:

  "Empece con la idea de Hey Jules, que era Julian "And anytime you feel the pain, hey Jules, refrain, don't carry the world upon your shoulders" (y cada vez que te sientas dolido, Jules, contente y no cargues el mundo entero sobre tus hombros). Sabía que no iba a ser fácil para él. Siempre siento penas por los niños en un divorcio. Después cambié el nombre de la canción porque pensé que sonaba mejor".

  Julian, que hoy día también se dedica a la música, tuvo que esperar veinte años para saber que aquella famosa canción estaba dedicada a su persona. De McCartney decia: «Paul y yo solíamos estar juntos mucho más tiempo del que estábamos mi padre y yo juntos. Teníamos una gran amistad y parece que hay más fotos de Paul jugando conmigo que las que tengo con mi padre». En la foto que encabeza el escrito vemos a McCartney con el pequeño Julian en brazos, y parece que Lennon en un segundo plano.

Para otros la canción era una letra que McCartney se dedicaba a sí mismo, motivada por los problemas que estaba teniendo con una novia en aquella epoca, Jane Ascher, y asi lo cuenta Lennon, aunque éste en algún momento pensó que iba dedicada a él y su relación con Yoko Ono y asi decia:
"Pero siempre la oí como una canción dedicada a mí. Si piensas al respecto... Yoko entra en la imagen. Él dice: 'Hey, Jude—Hey, John.' Sé que estoy sonando como uno de esos fanáticos que se involucran demasiado con algo, pero puedes escucharla como una canción para mí... Inconscientemente, él dijo 'Sigue adelante, déjame'. En un nivel consciente, él no quería que siguiera adelante". Así, cuando Lennon le dijo a McCarney que la canción trataba sobre él, McCartney lo negó, y le dijo a Lennon que había escrito la canción acerca de sí mismo, lo que abonaria la idea del automensaje por los problemas con Jane Ascher.

 En cualquier caso la idea de que va dedicada a Julian Lennon es la más aceptada y referida por todos, e incluso refrendada por McCartney como leíamos en sus propias palabras más arriba.

Otra curiosidad de la canción es que en el minuto 3 aproximadamente de la grabación original, a McCartney se le escapo un taco, algo del tipo "maldita sea", que se decidio dejar en la grabación a sugerencia de Lennon:

«'Paul golpeó un sonido en el piano y dijo una palabra malsonante, pero yo insistí en dejarla, enterrándola lo suficientemente bajo como para que no pudiera ser escuchada. La mayoría de la gente no se dará cuenta, pero nosotros sabremos que está ahí». Las cosas….

Más abajo teneis un video con la canción y sus subtitulos para sacarle toda la miga a la letra.
 
 

Paul Ricoeur.- El tiempo relatado




“Se presentan ante nosotros dos perspectivas opuestas sobre el tiempo, entre las cuales buscamos mediaciones.
Por una parte, se impone la experiencia angustiosa de la brevedad de la vida, con la muerte en el horizonte. Ahora bien, esa experiencia elemental no es una experiencia muda. Los gemidos y las quejas se convierten en el lenguaje bajo el modo lírico de la lamentación, que moviliza todos los recursos de la composición poética. La lamentación se nutre de toda una sabiduría popular que expresa el paso del tiempo por medio de metáforas que ofrecen infinitas posibilidades de desarrollo filosófico.

Así decimos que el tiempo corre, huye, sugiriendo que su paso, en cierto modo furtivo, impide al presente permanecer para siempre. Decimos también que las experiencias que acabamos de vivir se hunden en el pasado y que en ese receptáculo ya no es posible modificarlas, aunque el recuerdo que de ellas tenemos y que las conserva esté amenazado de destrucción por el olvido [...]

A esta simbolización elemental de la experiencia del tiempo que transcurre en una existencia demasiado breve se opone la simbolización inversa de la inmensidad del tiempo cósmico, que infatigable vuelve en los grandes ciclos de los años, las estaciones y los días. De este tiempo decimos que lo envuelve todo y lo representamos simbólicamente como un gran receptáculo inmóvil: así decimos que nuestra existencia transcurre “en” el tiempo, indicando, por medio de esta metáfora espacial, la prelación del tiempo con respecto al pensamiento que aspira a circunscribir su sentido y, en consecuencia, abarcarlo.”

Duelos con humor




Hace tiempo los modos de resolver conflictos o afrentas eran muy diferentes  a los que utilizamos en la actualidad.
Cuando un hombre se sentía ofendido, se lo hacía saber al ofensor educadamente y se citaban en un determinado lugar y hora, convenido por ambos, para un duelo como Dios manda. En Francia, a caballo entre el XIX y el XX, los agravios se resolvían con cita y para conocerse los contrincantes, llegaban a intercambiar su tarjeta de visita.

Esto le permitió algunas bromas a un escritor, periodista y humorista francés llamado Charles-Alphonse Allais, que después de provocar la riña entregaba al agraviado una tarjeta que no era la suya, supongo que con unas palabras similares a: “le espero en mi casa para batirnos en duelo, cuando le venga bien, por supuesto. Buenas tardes y que pase un buen día”. Algún novelista famoso e incluso algún crítico literario célebre fueron víctimas de esta broma. Debía ser digno de verse, abrir la puerta y encontrarse con un tipo vestido de negro y dispuesto a batirse en duelo.
 ⎯Buenas tardes, venía a batirme en duelo con el señor de la casa. ¿Pistola o espada?
 ⎯No, verá. Debe haber un error. Yo soy el señor de la casa y no sé de qué me habla. Pero si hay que sacar el acero a pasear, se saca, no vaya a quedar yo como el más cobarde de París.
 ⎯Sea pues.



La imagen pertenece a la película de Ridley Scott, "Los duelistas"

La anécdota está tomada de la página "Curistoria"

Cavafis.- Ventanas



En estos cuartos oscuros,
donde paso mis días oprimido,
de un lado a otro me muevo
buscando las ventanas.
Cuando se abra una, tendré un consuelo.
Mas las ventanas no existen,
o no puedo encontrarlas.
Acaso es preferible no encontrarlas.
Quizá la luz sea una distinta tiranía;
quién sabe cuantas cosas nuevas revelará…

Imagen: Leonid Pasternak.- En la ventana, 1913

Tina Turner y su "Proud Mary"



" Esto es lo que quiero en el cielo ... palabras que se conviertan en notas para que las conversaciones sean sinfonías "

Las cosas de Tina Turner... abajo la veremos cantando ese temazo de "Proud Mary"... si aguantais los dos o tres primeros minutos disfrutareis de un verdadero espectaculo, muy seguramente el inspirador de ese bailecito que tanta fama le dio a Beyonce... Genial!!!!

«Proud Mary» (también conocida como «Rolling on the River») es un sencillo escrito por el cantante y guitarrista estadounidense John Fogerty. Fue la primera canción grabada por la banda de rock Creedence Clearwater Revival. Tina Turner hizo su versión en 1971, junto a Ike Turner y alcanzó la cuarta posición del Billboard Hot 100 en marzo de ese año. En 2008, Tina Turner cantó "Proud Mary" junto a Beyonce en la entrega de los Premios Grammy.

Jorge Luis Borges, sobre sí mismo



"Desde que me volví ciego lo único que me queda es la alegría de soñar, de imaginar que puedo ver. A veces mis sueños se extienden más allá del sueño y se adentran en mi mundo de vigilia. Con frecuencia, antes de dormir o al despertar, me
 descubro soñando, balbuciendo frases oscuras e inescrutables. Esta experiencia simplemente confirma mi convicción de que la mente creativa siempre está activa, siempre está más o menos soñando tenuemente. Dormir es como soñar la muerte. De la misma manera en que despertar es como soñar la vida. A veces ya no puedo distinguir cuál es cuál."




Ezra Pound.- Cita



"Esclavo es el que espera a que alguien venga a liberarlo" (Ezra Pound)

Imagen: Jean Leon Gerome.- Greek Slave, 1870