Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 19 de octubre de 2012

Una pizca de jazz: "Love or leave me" de Nina Simone


“El jazz es una palabra blanca para definir a la gente negra. Mi música es música clásica negra”

Eso nos dice Nina Simone, esta verdadera dama de la música, un portento que cada día he ido valorando más y más. Su frase me llevo de inmediato a recordar ese solo de piano que se marca en mitad de este tema de "Love me or leave me". Es verdadera música clásica, suena igual que cualquier pieza de clavo barroco llevado al piano, es como si Bach, Scarlatti o Rameau de pronto tocaran jazz. Una maravillosa interprete de piano y una todavía mejor cantante. Si pudiera hacer el emoticón de la reverencia lo dejaría por aqui. Espero que os guste tanto como a mi.

Oskar Kokoschka.- La tempestad o la novia del viento (1914)




La novia de esta estremecedora pintura es Alma Mahler, que fue la amante de Kokoschka durante mucho tiempo. Su relación se basaba prácticamente en el sexo, que les obsesionaba. Su pasión era tal que se dieron cuenta de que se amaban, por lo que ella huyó de él. Kokoschka se convirtió en un hombre triste, pintando su estudio de negro y
realizando este gran lienzo en homenaje a su ferviente amante.
No hay mejor forma de representar los sentimientos que el expresionismo, el cual usaba trazos gruesos, líneas duras, poco color en general. El pintor exprimía sus sentimientos y los lanzaba al lienzo, para hacernos partícipes a los espectadores de lo que ocurre en su interior. La fuerza expresiva de esta Tempestad nos hace suponer que la pérdida de su amante fue muy dura, brusca.
La huida de Alma Mahler supuso la pérdida de la razón del artista y esto lo podemos ver en el lienzo, que no tiene color, ni alegría, simplemente son trazos angustiados porque se había enamorado de ella. Por eso, en el cuadro posan en un momento para él eterno, como es abrazados el uno al otro.
Aunque se ha tachado a veces el expresionismo como brutal, como un movimiento depravado (Hitler lo consideró así), en este lienzo podemos ver la capacidad emotiva del movimiento. Se puede ver en el lienzo el interior, lo subjetivo, de tal modo que ya no se dedican a pintar la realidad, sino a sentirla.


Leopoldo María Panero.- Dos Poemas





Ars Magna

Qué es la magia, preguntas

en una habitación a oscuras.

Qué es la nada, preguntas,

saliendo de la habitación.

Y qué es un hombre saliendo de la nada

y volviendo solo a la habitación.



("Poesía" 1970 - 1985)



El último espejo

Inspirado en una pesadilla que tuvo por nombre
«Marava Domínguez Torán»

Todo aquel que atraviesa el corredor del Miedo
llega fatalmente al Último Espejo
donde una mujer abrazada a tu esqueleto nos muestra
cara a cara el infierno de los ojos sellados
de los ojos cerrados para siempre como en una máscara
de muerta representando en el más allá el teatro último:
así miré yo a los ojos que borraron mi alma
así he mirado yo un día que no existe en el Último Espejo

("Teoría" 1973)






Silvio Rodríguez


" Yo he preferido hablar de cosas imposibles porque de lo posible se sabe demasiado"

Silvio Rodríguez Domínguez (1946-La Habana) es un cantautor, poeta, y guitarrista perteneciente a la Nueva Trova, corriente de la música cubana surgida con la Revolución, junto con Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú. Además es uno de los cantautores de más transcendencia internacional.

Silvio nace en una población ubicada al sur de La Habana, en el seno de una familia campesina pobre; su padre, Víctor Dagoberto Rodríguez Ortega, fue campesino y poeta aficionado , su madre, Argelia Domínguez León, se dedicaba a las labores domésticas. Afirmaciones aparentes parecen indicar que su vocación musical se debe a la inclinación que su progenitora tuvo por el canto, al cual era muy aficionada.
Cuando Silvio tenía cinco años de edad, su familia se trasladó a La Habana, y, a los siete años, recibió clases de piano con Margarita Pérez Picó. Poco después sus padres se divorciaron y su madre regresó con él y su hermana a su pueblo natal. Ya adulto muy joven, participa en campañas de alfabetización en la Provincia de Cienfuegos; al año siguiente, empieza a trabajar como dibujante de historietas y caricaturas en el semanario "Mella". Allí conoce a Lázaro Fundora, quién le exhorta a iniciar el aprendizaje de la guitarra
En 1962 durante algunos meses da inicio al estudio de piano complementario, y simultáneamente efectúa estudios de pintura .Dos años más tarde inicia su Servicio Militar Obligatorio, al mismo tiempo que estudia y toca la guitarra y comienza a componer algunos temas. De esa época son conocidos algunos como "El viento eres tú", "La canción de la trova" y "Quédate". En 1967 gana la primera mención en el concurso literario de las Fuerzas Armadas Revolucionarias con su libro de poemas "Horadado Cuaderno No. 1"; el mismo año termina el servicio militar.
Mario Romeu le anima a presentarse en el programa de televisión "Música y estrellas", y le hace los arreglos de "Sueño del colgado y el árbol" y "Quédate". En esa época comienza a dar sus primeros recitales en solitario con temas de César Portillo de la Luz autor del bolero "Contigo en la distancia". Posteriormente entró en la Casa de las Américas, dirigida por Haydee Santamaría, donde coincidió con otros autores como Pablo Milanés y Noel Nicola.
Al principio de la década del 70 pertenecen temas como "La era está pariendo un corazón" y "Canción del elegido". En esos años marcha a Angola a luchar junto a las FAR. Allí se hace gran amigo de Pablo Milanés.

En 1969, se enrola en el barco pesquero Playa Girón, y navega durante casi 5 meses por el Atlántico y las costas africanas (haciendo escala en Gran Canaria, Lanzarote y Senegal). Cuando zarpa de La Habana en el motopesquero "Playa Girón",puede decirse que se forma el núcleo inicial del después llamado "Movimiento de la Nueva Trova", del que fue uno de sus fundadores, y "ya era calificado por algunos como un urticante pero insoslayable suceso de la revolución cubana". Cuatro meses y dos días estuvo de travesía, en los cuales quedaron 62 canciones, muchas de ellas inéditas. Desde entonces, una larga y fructífera carrera ha dejado como prueba 19 discos oficiales, dos discos en vivo y cinco discos recopilatorios y 57 discos colectivos.
Para conocer la discografía oficial completa, así como las letras de sus canciones:

http://www.zurrondelaprendiz.com/discos

De las canciones seleccionadas, dos merecen una explicación (por ser más metafóricas y ambiguas):
UNICORNIO: En esta canción Silvio nos muestra el símbolo de un sueño de la infancia o adolescencia y luego, su pérdida y, al final, la obsesión por recuperar lo imprescindible, la mezcla de realidad y fantasía que sólo existe en la niñez. Pertenece al disco “Unicornio”, del 1982

OJALÁ: en palabras del propio Silvio, Ojalá la compuso para “una mujer que fue, podríamos decir, mi primer amor(…) La conocí cuando tenía 18 años, fue mi primer amor importante en el sentido de que me enseñó cosas… Era una muchacha más evolucionada que yo, mucho más inteligente, más culta. Me enseñó, por ejemplo, a César Vallejo (…)Pasaron los años y el recuerdo de aquel amor tan bonito, tan productivo, tan útil, enriquecedor, estaba obsesionado yo con esa idea. Y porque fue un amor frustrado, tronchado por las circunstancias, por la vida, se me quedó un poco como un fantasma…” Del disco “Al final de Este viaje”, de 1978

Otras canciones seleccionadas en el álbum:

-QUIÉN FUERA. Del disco “Silvio”, primer volumen de la trilogía, de 1992
-LA MAZA. Del disco “Unicornio”
-¿QUÉ HAGO AHORA? , del disco “Mujeres”, de 1978
-Y NADA MÁS, del disco “Mujeres”
-OLEO DE MUJER CON SOMBRERO, del disco “Al final de este viaje”, 1978

(Todas las canciones se ofrecen en directo)


Mi Unicornio Azul


Ojalá




Quién fuera



La Masa



¿Qué hago ahora?



Y nada más




Óleo de una mujer con sombrero


Carta de james Dean a Barbara Glenn


26 Abril, 1954LA (California)

Querida Barbara


No me gusta estar aquí, no me gusta la gente. Me gusta mi hogar (NY), me gustas tú y quiero verte. ¿Siempre tengo que ser un miserable? Trato tan duramente a las personas que me rechazan. ¿Por qué? No quiero escribir esta carta. Sería mejor permanecer en silencio. ¡Wow! Estoy jodido.

Llegué aquí el jueves, fuí al desierto el sábado, y esta última semana a San Francisco. NO SÉ DONDE ESTOY. Alquilé un coche durante 2 semanas y me costó 138 dólares. ME QUIERO MORIR!!!

Estoy jodido. No tengo moto, no tengo chica. CARIÑO!! No he encontrado un lugar para vivir, sin embargo, sigo viviendo con mi padre. CARIÑO. Kazan me mandó aquí para que me bronceara, pero no he visto el sol todavía. Me veo como una ciruela pasa. No huyas de casa a una edad muy temprana, o estarás tomando vitaminas el resto de su vida.

Estaré pronto en casa. Escríbeme, por favor. La mayor parte del tiempo estoy triste. Terriblemente solo también.

Te quiero.




James Dean

Blas de Otero.- En el principio




Si he perdido la vida, el tiempo, todo
lo que tiré, como un anillo, al agua,
si he perdido la voz en la maleza,
me queda la palabra.

Si he sufrido la sed, el hambre, todo
lo que era mío y resultó ser nada,
si he segado las sombras en silencio,
me queda la palabra.

Si abrí los labios para ver el rostro
puro y terrible de mi patria,
si abrí los labios hasta desgarrármelos,
me queda la palabra.

Umberto Eco.- El péndulo de Foucault


       
“En el mundo están los cretinos, los imbéciles, los estúpidos y los locos. (…) El cretino ni siquiera habla, babea, es espástico. Se aplasta el helado contra la frente, no puede ni coordinar los movimientos. Entra en la puerta giratoria por el lado opuesto. (…)


Ser imbécil es ya más complicado. Es un comportamiento social. El imbécil es el que habla siempre fuera del vaso (…). O si prefiere es el que siempre mete la pata, el que le pregunta cómo está su bella esposa al individuo que acaba de ser abandonado por la mujer (…). El imbécil está muy solicitado, sobre todo en las reuniones mundanas. Incomoda a todos pero les proporciona temas de conversación. (…)


El estúpido no se equivoca de comportamiento. Se equivoca de razonamiento. Es el que dice que todos los perros son animales domésticos y todos los perros ladran, pero que también los gatos son animales domésticos y por lo tanto ladran (…). Se publican muchos libros escritos por estúpidos, porque a primera vista son muy convincentes (…).


(El loco) es un estúpido que no conoce los subterfugios. El estúpido trata de demostrar su tesis, tiene una lógica, cojeante, pero lógica es. En cambio, el loco no se preocupa por tener una lógica, avanza por cortocircuitos. Para él, todo demuestra todo. Al loco se le reconoce porque se salta la torera obligación de probar lo que se dice; porque siempre está dispuesto a recibir revelaciones. Y le parecerá extraño, tarde o temprano el loco saca a relucir a los templarios.”


El Péndulo de Foucault (1988) – Umberto Eco

Imagen: James Ensor.- Intriga

Vinicius de Moraes



"No hacemos amigos, los reconocemos"
VINICIUS DE MORAES
 
(19 de octubre de 1913 – 9 de julio de 1980)
 
 


Vinicius de Moraes fue una figura capital en la música popular brasileña contemporánea. Su nombre completo era Marcus Vinícius da Cruz...
de Melo Morais, nació y murió en Río de Janeiro (Brasil). Como poeta escribió la letra de un gran número de canciones que se han convertido en clásicas. Como intérprete, participó en muchos discos. También fue diplomático de Brasil.

Nacido en el seno de una familia aficionada a la música, de Moraes comenzó a escribir poesía a una edad temprana. A los 14 años se hizo amigo de los hermanos Paulo y Haroldo Tapajós y compuso con este último Loura ou Morena, su primera canción. En 1929, comenzó a estudiar derecho en Río de Janeiro. A partir de 1932 escribió las letras de diez canciones que fueron grabadas por los hermanos Tapajós. Cuando finalizó sus estudios, publicó sus libros Caminho para a distância (1933) y Forma e exégese. Más tarde (1935) comenzó a trabajar como censor cinematográfico y escribió su tercer libro Ariana, a mulher (1936).

En 1938 de Moraes se instaló en Inglaterra con una beca concedida por el gobierno inglés en la Universidad de Oxford y escribió Novos Poemas. En 1941 volvió a Río y comenzó a escribir críticas de cine en periódicos y revistas. Dos años más tarde se unió al cuerpo diplomático de Brasil y publicó su libro Cinco elegías. En 1946 fue enviado a Los Ángeles como vicecónsul en su primer destino diplomático y publicó su obra Poemas, sonetos e baladas.

Al principio de 1950, de Moraes volvió a Brasil por la muerte de su padre. Su primer samba (compuesto junto con el músico Antônio Maria) fue Quando tu passas por mim y se publicó en 1953. En ese año se trasladó a Francia como segundo secretario de la embajada de Brasil. Su obra de teatro Orfeu da Conceição ganó el Concurso del IV Centenario de São Paulo en 1954. Al año siguiente escribió la letra de algunas de las piezas de música de cámara de Cláudio Santoro. En 1959 Marcel Camus lleva al cine Orfeu da Conceição con el título de Orfeo negro. En esa época de Moraes entra en contacto con Antonio Carlos Jobim, iniciando una amistad y una colaboración que tiempo después, con la incorporación de João Gilberto daría lugar a un movimimento de renovación en la música brasileña. Jobim escribe la música para Se todos fossem iguais a você, Um nome de mulher y otras canciones de la película, grabadas, entre otros, por Luís Bonfá. Orfeo negro ganó el Óscar a la mejor película de habla no inglesa, la Palma de Oro en el Festival de Cannes y el premio de la Academia Británica. En ese momento era cónsul en Montevideo. Tras un regreso a sus destinos diplomáticos en Francia y Uruguay, publicó sus obras Livro de sonetos y Novos poemas II.

En 1958, la cantante Elizeth Cardoso publicó el disco Canção do amor demais, que marcó el comienzo de la bossa-nova. Este disco sólo contiene composiciones del dúo Jobim-de Moraes, o realizadas por sólo uno de los dos (Canção do amor demais, Luciana, Estrada branca, Chega de saudade, Outra vez...), en una producción que también incluía a João Gilberto en las dos últimas pistas. Tras ese disco, la carrera de todos ellos recibió un gran impulso. Suele decirse que Chega de saudade es el tema que inaugura la bossa nova.

En los años sesenta, Vinícius realizó colaboraciones con muchos cantantes y músicos reconocidos en Brasil, en particular con Toquinho (el colaborador más frecuente de De Moraes y uno de sus grandes amigos). Sus canciones Para uma menina com uma flor y Samba da bênção (con música de Baden Powell) fueron incluidas en la banda sonora de Un homme et une femme (de Claude Lelouch, 1966), película ganadora del Festival de Cannes.

Aparte de sus compañeros brasileños, cientos de intérpretes de muchas nacionalidades y estilos han grabado alguna de sus más de 400 canciones. Entre ellas, sobresale Garota de Ipanema (con música de Tom Jobim) por la incontable cantidad de interpretaciones, versiones, adaptaciones, traducciones y grabaciones de las cuales ha sido objeto. Se estima que es una de las tres canciones más versionadas en la historia de la música contemporánea, junto con Bésame Mucho (de la autoría de la mexicana Consuelo Velázquez) y Yesterday, de Paul McCartney. Tal vez sea debido a la circunstancia de que la poesía de Vinicius está íntimamente ligada a la Bossa Nova y la música popular brasileña, aunado a su estilo de vida, que su obra no goza de la consideración que merece dentro de los círculos intelectuales y el mundo de las letras. Sin embargo, existen varios poetas, escritores, críticos y ensayistas dentro y fuera de Brasil que lo consideran como uno de los tres mayores exponentes de la poesía en lengua portuguesa. Sus poemas logran una armonía y una belleza estética sumamente apreciadas, y el fondo filosófico-romántico en ellos es interpretado como verdaderos atajos para la felicidad. Quizás el mejor ejemplo de lo anterior sea el poema Para viver um grande amor, donde quedan sintetizadas toda la filosofía y la forma poética preferidas por este gran bohemio. Mención aparte merece su enorme atracción hacia las mujeres. Todo parece indicar que contrajo matrimonio en siete ocasiones y procreó diez hijos.
Vinícius de Moraes murió en Río de Janeiro a la edad de 67 años.(Fuente: wikipedia)
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Adolfo Aristarain




"El cine y casi todas las artes, no permiten que alguien se esconda detrás de lo que hace. Uno hace una película y lo que uno es aparece irremediablemente en esa película. Eso es lo que hace que sean distintas" 
 
 
ADOLFO ARISTARAIN






Adolfo Aristarain (n. el 19 de octubre de 1943 en la ciudad de Buenos Aires en el barrio de Parque Chas) es un director y guionista de cine argentino. Ha sido ayudante de dirección en más de 30 películas. Sus películas combinan la firmeza narrativa del cine estadounidense clásico y cierta preocupación social del cine político de la Argentina. En la década del 80 Aristarain declaró que sus maestros eran John Ford, Howard Hawks, Raoul Walsh, Nicholas Ray y John Huston.

Desde su infancia ha sido lector voraz y cinéfilo empedernido. Estudió inglés hasta convertir ese idioma en su segunda lengua. Con respecto al cine y la literatura, decidió ser autodidacto. Intentó ser cuentista en su adolescencia e hizo un programa en Radio Nacional, en el que leía traducciones propias de Dylan Thomas. Tuvo algunos acercamientos al cine como montajista y sonidista en Río de Janeiro, y como ayudante de producción en Buenos Aires. Finalmente, a comienzos de los años setenta comenzó a trabajar como ayudante de dirección de manera sistemática y profesional. En el año 1967 se radicó en Madrid y regresó a Buenos Aires en 1974. Continuó aprendiendo el oficio del cine trabajando como ayudante hasta que, después de treinta largometrajes asistiendo a directores como Mario Camus, Vicente Aranda, Sergio Leone, Lewis Gilbert, Gordon Flemyng, Peter Collinson, Daniel Tinayre y Sergio Renán, escribió un guion y consiguió realizar su primera película en 1978.

Desarrolló su tarea como director, productor y guionista de cine entre Argentina y España, y esporádicamente en los Estados Unidos. Es miembro de la Academia Española y fue vicepresidente de Directores Argentinos Cinematográficos (DAC) durante los dos años en que desde esa entidad se promovió la actual Ley de Cine. En el año 2003 le fue otorgada la nacionalidad española por Real Decreto, en mérito a su aporte a la cultura iberoamericana.

A lo largo de su filmografía se observa una cierta repetición en los elencos, apareciendo en más de una ocasión actores como Juan Diego Botto, Cecilia Roth, José Sacristán y, el más destacado, Federico Luppi, al que a menudo se ha considerado como el actor fetiche de Aristarain, pese a que éste siempre lo ha negado.

En diversas entrevistas, Aristarain ha hablado de sus tres últimas obras, Martín (Hache), Lugares comunes y Roma, como tres partes de un mismo conjunto de miedos.

La película de Lugares comunes tiene la particularidad de estar basada en el libro de su primo escritor Lorenzo F. Aristarain.





MARTIN (HACHE) es una película coproducida por Argentina y España, dirigida por Adolfo Aristarain y estrenada en 1997, que obtuvo numerosos premios para su director y sus dos protagonistas principales, Cecilia Roth y Federico Luppi.

Auguste Lumière


"Mi invento no es para venderlo. Puede ser explotado durante algún tiempo como curiosidad; aparte de eso, no tiene ningún futuro comercial". AUGUSTE LUMIÈRE
(19 de octubre de 1862–10 de abril de 1954
 
 


Auguste Marie Louis Nicolas Lumière,junto a su hermano Louis,está considerado como uno de los grandes padres del cine.

Ambos realizaron importantes descubrimientos en el campo de la fotografía. Su padre, Antoine, era un conocido pintor retratista que se había retirado para dedicarse al negocio de la fotografía. Tanto Louis como Auguste continuaron con el negocio familiar.

Louis desarrolló un novedoso método para la preparación de placas fotográficas, que convirtió la empresa familiar en líder europeo del sector. En 1894, Antoine fue invitado a presenciar una demostración del kinetoscopio de Edison. Fascinado por el invento, propuso a sus hijos que buscasen la manera de mejorarlo, ya que se trataba de un aparatoso artilugio, cuyas proyecciones sólo se podían contemplar a través de una ventanilla.

Un año más tarde, Louis había hallado la solución. En 1895 Louis consigue construir, en Lyón, el primer aparato cinematográfico. Con él rodó la salida de los obreros de su fábrica, su primera película, que formó parte del primer programa cinematográfico presentado en público, en París el 28 de diciembre del presente año.


Uno de sus primeros films, La llegada de un tren a la estación de Ciotat, el efecto de una locomotora que parecía salir de la pantalla fue sorprendente.

Mientras Auguste seguía con sus actividades hacia la biología, Louis Lumière siguió innovando en el campo de la imagen con la creación del fotograma, la placa de tricromo para fotografiar en color, la fotografía en relieve y el cine estereoscópico.


 
 
 
LA LLEGADA DEL TREN A LA ESTACION(L'Arrivée d'un train à la Ciotat, 1895) fue un gran éxito. La película de unos 60 segundos de duración consistía en, como lo dice el título, simplemente la llegada de un tren a la estación de La Ciotat en el sur de Francia, avanzando hacia el espectador. Cuenta la leyenda que los primeros que vieron la proyección tenían la impresión de que lo que estaba sucediendo era tan real que se agachaban y hasta incluso se levantaban y se movían ante la llegada del tren.

Jacqueline du Pré



 JACQUELINE DU PRÉ 
(26 de enero de 1945 - 19 de octubre de 1987) 




En 1972, Jacqueline du Pré dio su último concierto. Estaba en Nueva York junto al afamado violinista Pinchas Zukerman, ambos dispuestos a enfrentarse al Doble concierto de Brahms bajo la batuta de Leonard Bernstein. Pero Jackie, como la llamaban sus amigos, casi no pudo abrir los cierres del estuche del violonchelo, y Bernstein, pensando que se trataba de un ataque de nervios, la convenció de que siguiera adelante. Muy poca gente sabía la verdad: ya no sentía los dedos. Sin tacto, la música de Brahms se le transformó en un océano sin puntos de referencia y el mástil del instrumento en un intrincado rompecabezas donde tenía que calcular a ojo dónde iba posando las yemas. Unos meses después le fue diagnosticada una esclerosis múltiple.


Jacqueline Mary du Pré, hija del matrimonio formado por Iris Greep y Derek du Pré, nació el 26 de enero de 1945 en Oxford, Inglaterra. Fue a través de su madre, quien era pianista y maestra, que Jackie se introdujo en el mundo de la música desde muy niña.

 A los cinco años escuchó por la radio el sonido de un violonchelo. Y a pesar de su corta edad, aquel hecho marcó el rumbo de su vida. A partir de ese momento inició una carrera vertiginosa hacia la consagración. Comenzó a tomar lecciones con Alison Dalrymple en la London Violoncello School. Y estudió con William Pleeth en la London’s Guildhall School of Music. En esos años era la destinataria de todos los premios y reconocimientos de su escuela, mientras tomaba lecciones alternas con el maestro Pablo Casals en Suiza y con Paul Tortelier en París.

 Jacqueline se graduó en Guildhall en 1960 y entonces comenzó a realizar sus primeras presentaciones profesionales. Debutó con la Orquesta de la BBC en 1961 e interpretó el Concierto para violonchelo de Elgar en el Wigmore Hall en Londres en el mismo año.

 El 14 de mayo de 1965 debutó en el Carnegie Hall de Nueva York. Al mismo tiempo encaró estudios con Mstislav Rostropovich y presentó sus exámenes finales en el Conservatorio de Moscú en 1966. En la navidad de ese mismo año conoció al músico argentino-israelí Daniel Barenboim, del que se hizo inseparable y con quien formó pareja artística y sentimental. En 1967 ella se convirtió al judaísmo y se casó con Barenboim en una ceremonia en la que el director de orquesta Zubin Mehta ofició de testigo. Fue una de las relaciones más fructíferas en el mundo de la música. Algunos llegaron a compararla con la de Clara y Robert Schumann.

 Con el también violinista judío Pinchas Zukerman formaron un trío que se hizo legendario. La afinidad surgida entre los tres músicos, la capacidad de comunicación y la increíble habilidad para dialogar con los instrumentos quedó patente en cada una de sus apariciones en festivales y grabaciones, aclamadas unánimemente por la crítica.

 Pero por desgracia los años de éxito iban a terminar muy pronto. En julio de 1971, encontrándose en la cima de su carrera, Jackie comenzó a sufrir algunas molestias que le impedían tocar como siempre, y después de varias recaídas llegó su retirada en 1973, con tan solo 28 años. Diagnosticada con esclerosis múltiple, las manos ya no le respondían y acabó imposibilitada en una silla de ruedas, sumida en un deterioro progresivo hasta su muerte en Londres el 19 de octubre de 1987, a la edad de 42 años, tras haber dedicado los últimos años de su vida a la enseñanza.

 En el transcurso de los últimos años de vida de Jacqueline, Barenboim se instaló en París con la pianista Elena Baskirova, con quien se casó en 1988 y tuvo dos hijos: David y Michael. Sin embargo, viajaba algunos fines de semana a Londres para estar con Jackie. Cuando murió, estaban con ella el Rabino Friedlander, que la consoló en muchos momentos de desesperación; su sicoanalista, el doctor Limentari; su maestro de chelo, William Pleeth, y el hijo de éste, Anthony Pleeth, amigo de la infancia de Jackie; y Daniel Barenboim, que llegó para recoger su último suspiro.

 Su tumba se encuentra en el cementerio judío de Londres y su epitafio reza: “Jacqueline du Pré, amadísima esposa de Daniel Barenboim”. Dejó su violonchelo Davidov Stradivarius al chelista Yo Yo Ma. (Fuente:http://affidamento.com.mx/index.php/secciones/71-jacqueline-du-pre)



Su interpretación del CONCIERTO PARA CELLO DE EDWARD ELGAR es considerada referencial y, para algunos, definitiva.



Pilar Miró



"Soy el amor imposible, verdadero o eterno de 400 señores. Y ninguno da un paso. Qué pequeños son todos. ¡Hay qué fastidiarse!".
PILAR MIRÓ (20 de abril de 1940 – Madrid, 19 de octubre de 1997)









Cineasta española. Tras estudiar derecho y periodismo y licenciarse en la Escuela Oficial de Cinematografía, de la que más tarde fue profesora, pasó a trabajar en Televisión Española a mediados de los años 60, donde realizó más de trescientos programas de diverso género.


Diez años después dirigió su primera película, pero adquirió gran repercusión con su segunda obra, El crimen de Cuenca (1979), basada en un hecho real. A causa de las escenas de tortura ejercida por la Guardia Civil fue prohibida su exhibición durante dos años; la propia Pilar Miró fue sometida a un proceso militar.

Con el cambio de rumbo político en España, entre 1982 y 1986 asumió la Dirección General de Cinematografía, desde donde propició una ley de subvenciones anticipadas para el cine. Directora general de RTVE de 1986 a 1989, hubo de dimitir a consecuencia de un escándalo suscitado por los fondos que destinaba a sus gastos de representación.

Su actividad posterior se diversificó entre la dirección de teatro y de ópera y su carrera cinematográfica, con la realización de nuevas películas, entre las que destaca Beltenebros (1991), adaptación de una novela de Muñoz Molina, que obtuvo el Oso de Plata en el Festival de Berlín de 1992. Pilar Miró falleció repentinamente en 1997, de un ataque cardíaco. Otras títulos destacados de su filmografía son La petición (1976), Gary Cooper que estás en los cielos (1981), Hablemos esta noche (1982), Werther (1986), El pájaro de la felicidad (1993) y El perro del hortelano (1996).


En 1995 y 1997 fue la realizadora televisiva de los enlaces de la infanta Elena y de la infanta Cristina. Falleció de infarto a los pocos días de esta última retransmisión. Dejó más de 200 producciones para el cine y televisión. Además, el mismo año de su fallecimiento dirigió la obra de teatro El anzuelo de Fenisa, de Lope de Vega.

Estando soltera tuvo un hijo, Gonzalo, nacido en febrero de 1981, y cuyo padre nunca reveló. Años después el programa de televisión Aquí hay tomate desveló que su padre es el periodista José Luis Balbín.(Fuente:Wikipedia)



EL CRIMEN  DE CUENCA(1979),de Pilar Miró.

Es el único filme español prohibido desde la desaparición de la censura*. Fue decisión del gobierno del UCD ante el miedo al tema (hecho real) que narraba la película, las torturas a dos campesinos por parte de la Guardia Civil.
Más tarde se impondría el sentido común y se estrenaría a mediados de 1981, suponiendo, gracias a la expectación creada, un inmenso éxito de taquilla.

*(Jon)Conviene recordar el documental "Rocío" (1980),de Fernando Ruiz Vergara,que fue la primera película secuestrada en la Transición en 1982, a la que se le mutiló una escena y se ha hecho el silencio sobre su contenido. El autor fue condenado a dos años de cárcel y a una multa de 10 millones de pesetas de las de entonces.Al día de hoy,su película, todavía censurada por una sentencia del Tribunal Supremo de 1984, sigue sin poder verse al completo en España.