Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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lunes, 15 de octubre de 2012

Citas sobre el amor I

 "Alegoria del amor" -  Agnolo Bronzino (1503-1572)


"Ama hasta que te duela. Si te duele es buena señal." Madre Teresa de Calcuta (1910-1997) Misionera de origen albanés naturalizada india

"Te amo para amarte y no para ser amado, puesto que nada me place tanto como verte a ti feliz." George Sand (1804-1876) Escritora francesa.

"Amar no es solamente querer, es sobre todo comprender." Françoise Sagan (1935-2004) Escritora francesa.

"Aprendemos a amar no cuando encontramos a la persona perfecta, sino cuando llegamos a ver de manera perfecta a una persona imperfecta." Sam Keen (1931-?) Escritor, profesor y filósofo americano.

"Ni la ausencia ni el tiempo son nada cuando se ama." Louis Charles Alfred de Musset (1810-1857) Poeta francés.

"Ama y haz lo que quieras. Si callas, callarás con amor; si gritas, gritarás con amor; si corriges, corregirás con amor, si perdonas, perdonarás con amor." San Agustín (354-430) Obispo y filósofo.

"El que ha conocido sólo a su mujer y la ha amado, sabe más de mujeres que el que ha conocido mil." Leon Tolstoi (1828-1910) Escritor ruso.

"Amar no es mirarse el uno al otro; es mirar juntos en la misma dirección. " Antoine de Saint-Exupery (1900-1944) Escritor francés.

"La señal de que no amamos a alguien es que no le damos todo lo mejor que hay en nosotros." Paul Claudel (1868-1955) Escritor y diplomático francés.

"Amar es encontrar en la felicidad de otro tu propia felicidad." Gottfried Wilhelm Leibniz (1646-1716) Filósofo, físico y matemático alemán.

"Puede uno amar sin ser feliz; puede uno ser feliz sin amar; pero amar y ser feliz es algo prodigioso." Honoré de Balzac (1799-1850) Escritor francés.

"Ama como puedas, ama a quien puedas, ama todo lo que puedas. No te preocupes de la finalidad de tu amor." Amado Nervo (1870-1919) Poeta, novelista y ensayista mexicano.

"Si no recuerdas la más ligera locura en que el amor te hizo caer, no has amado." William Shakespeare (1564-1616) Escritor británico.

"Nunca amamos a nadie: amamos, sólo, la idea que tenemos de alguien. Lo que amamos es un concepto nuestro, es decir, a nosotros mismos." Fernando Pessoa (1888-1935) Poeta portugués.

"Es duro, es doloroso, no ser amado cuando se ama todavía, pero es bastante más duro ser todavía amado cuando ya no se ama." Benjamin Constant de Rebecque (1767-1830) Escritor y político francés.

"Es al separarse cuando se siente y se comprende la fuerza con que se ama." Fiodor Dostoievski (1821-1881) Novelista ruso.

"Vivimos en el mundo cuando amamos. Sólo una vida vivida para los demás merece la pena ser vivida." Albert Einstein (1879-1955) Científico alemán nacionalizado estadounidense.

"Alguien que ama no insulta ni maltrata." Lucía Extebarria (1966-?) Escritora española.

"Amar a alguien es decirle: tú no morirás jamás." Gabriel Marcel (1889-1973) Filósofo católico, dramaturgo y crítico francés.

"Sólo con quien te ama puedes mostrarte débil sin provocar una reacción de fuerza." Theodor W. Adorno (1903-1969) Filósofo alemán

"Ama a quien no te ama, responde a quien no te llama, andarás carrera vana." Refrán

"Sólo se ama lo que no se posee totalmente." Marcel Proust (1871-1922) Escritor francés.

"No ser amado es una simple desventura. La verdadera desgracia es no saber amar." Albert Camus (1913-1960) Escritor francés.

" Cuanto más se ama a un amante, más cerca se está de odiarle." François de la Rochefoucauld (1613-1680) Escritor francés.

"Uno no puede hacer nada por las personas que ama, sólo seguir amándolas." Fernando Savater (1947-?) Filósofo español.

"Amarse a sí mismo es el comienzo de una aventura que dura toda la vida." Oscar Wilde (1854-1900) Dramaturgo y novelista irlandés.

" Yo amo, tú amas, el ama, nosotros amamos, vosotros amáis, ellos aman. Ojalá no fuese conjugación sino realidad." Mario Benedetti (1920-2009) Escritor y poeta uruguayo.

"He leído en alguna parte que para amarse hay que tener principios semejantes, con gustos opuestos."George Sand (1804-1876) Escritora francesa.

"Hay quien tiene el deseo de amar, pero no la capacidad de amar." Giovanni Papini (1881-1956) Escritor italiano.

"Los que más han amado al hombre le han hecho siempre el máximo daño. Han exigido de él lo imposible, como todos los amantes" Friedrich Nietzsche (1844-1900) Filosofo alemán.

Happiness (Todd Solondz, 1998)




La (in)felicidad según Solondz

Todd Solondz (New Jersey-USA, 1959) escribió y dirigió al borde de los 40 años, su tercer largometraje, Happiness (1998), un guión acerca de las desventuras y deriva espiritual del americano medio que vive en los suburbios a finales del siglo pasado, temática recurrente en su filmografía, que ha dado otros 3 títulos más en los últimos 12 años, y que recibió el definitivo espaldarazo internacional de crítica y premios (Cannes).

Violación, suicidio, acoso, abandono, separación, … , sin orden de prelación, son las caras amargas de la misma moneda brutal que es la vida, esta (no) 'felicidad' según Solondz.

La película se estructura en un retrato coral donde ningún personaje se libra de culpa; los hay que, de forma activa, muestran al espectador su lado Jekyll, como el solitario oficinista y reprimido acosador telefónico (Philip Seymour Hoffman), el padre de familia médico-psiquiatra y pederasta (Dylan Baker), el amante despechado y suicida (Jon Lovitz), el taxista ruso ladrón, el marido jubilado (Ben Gazzara) que decide abandonar a su mujer, o los que, de forma pasiva, soportan los embates de la existencia diaria, como la mujer (Jane Adams) de casi cuarenta y aun soltera en búsqueda de pareja, la mujer casada (Cynthia Stevenson) y madre de familia que vive en un perpetuo estado de hipócrita e irreal felicidad , su hijo preadolescente (Rufus Read) que pretende anticiparse y descubrir el sexo para estar a la altura de sus amigos del colegio, o la obesa vecina (Camryn Manheim), que se toma la justicia por su mano con el enclenque y violador guarda de seguridad, o la mujer joven (Lara Flynn Boyle), independiente, bella y triunfadora , que no goza precisamente de una mejor predisposición para afrontar las incógnitas de su vida. Un fresco de desesperanza que va vislumbrándose y lastrando la conducta de los diferentes personajes que componen el relato y respecto a los que el autor de ‘Bienvenidos a la casa de muñecas’ (Welcome to the Dollhouse, 1995), paulatino diseccionador de la angustiosa realidad de los diferentes tipos que pueblan el metraje, se mantiene equidistante, sin tomar partido, sin muestras de piedad, de forma que la situación, ese universo oscuro de personajes más bien anónimos que viven en la puerta de al lado del vecindario, o en aquella mesa de la esquina de la oficina, o esa morena que sale del taxi, nos resulte tan natural como cercana pues la soledad, la incomprensión, la injusticia, el engaño, la crueldad del prójimo, y hasta las huelgas, nos rodean tanto como a esos tipos. En este sentido, resulta muy significativo el personaje del psicoterapeuta pederasta que notablemente compone Dylan Baker, que anticipaba unos años ese monólogo alternativo al monótono y maniático paciente-cliente que Nanni Moretti mostró en 'La habitación del hijo' (La stanza del figlio, 2001); en su mirada, unas veces confiada del padre que imparte sabios consejos a su hijo, o, desconcertada y desbordada otras, las más, que apenas logra esconder esa tendencia irreprimible a ‘la caída por la pendiente’ que Solondz quiere ponernos de relieve.

Al mismo tiempo, la película está vestida con un tono de comedia, amargamente negra o caustica, sin que en apariencia los actos ni los resultados que vemos lo sean. 


Curiosamente este relato coral está estructurado en torno a unos personajes que presentan un nexo común, una identidad familiar, no precisamente desestructurada, pero sí en los límites de una realidad no precisamente halagüeña. Y resulta paradójica, esa última escena de reunión familiar donde parte del elenco protagonista, el abuelo cabeza de familia y su mujer, junto con sus tres hijas y el nieto, como decíamos el tronco principal del que se ramifica el resto, maridos, amantes, vecinos, etc. , busquen esa solidaridad ‘familiar’ para protegerse de los avatares externos que parecen perseguirles. Esa falsa ‘tranquilidad’ espiritual tan solo rota por el advenimiento (¡al fin!) de ‘la madurez’ del miembro púber de la misma. Aquí el director de Palindromes (2004) practica la comedia punk.

De la puesta en escena, ya desde la escena inicial, con ese plano americano de una pareja cenando en un restaurante, sin más ingredientes ni perspectiva de los alrededores ni del resto de comensales, Solondz administra el plano para encuadrar única y exclusivamente a sus actores para que revelen la inanidad por la que transita el film. No hay mucha acción, la imprescindible, ni aditamentos; el diálogo, en un sofá, en un restaurante, en la cama, en el hall de un edificio de apartamentos, es todo. Los actores son lo que dicen o callan, permaneciendo en off sus acciones, o el resultado de las mismas, como meras anécdotas.

A falta de profundizar en la obra de este realizador y escritor, siguiendo el símil literario, Todd Solondz puede ser en cine lo que ‘La broma infinita’ (Infinite Jest, 1996) del malogrado escritor neoyorquino David Foster Wallace (1962-2008) es en la literatura norteamericana contemporánea. Un cine al lado del cual otros paisanos colegas del mundillo como Alexander Payne (1961), también perpetrador de ingenios corrosivos aunque apunten vías de escape, y , salvando las distancias generacionales, los artefactos manieristas de un Paul Thomas Anderson (1970) o los delirios de un Jud Apatow (1967), pueden parecer Barrio Sésamo.

Cole Porter

COLE PORTER,

(9 de junio de 1891 - 15 de octubre de 1964)


Cole Albert Porter  fue un compositor y letrista estadounidense de música popular, autor de más de mil canciones (muchas de ellas, como Night and Day, consideradas como clásicas) y de numerosas comedias musicales.

Nació en la ciudad de Peru, en Indiana, en el seno de una familia protestante acomodada; su abuelo materno, James Omar "J.O." era un rico comerciante de California, con una fortuna estimada en diecisiete millones de dólares, que poseía grandes extensiones de terrenos ricos en madera, carbón y petróleo y que ejercía una fuerte influencia sobre toda la familia de su hija. Sus padres eran Kate Cole y Samuel Fenwick Porter; este era un empresario, propietario de varias tiendas de droguería en Peru, pero que no alcanzaba el nivel económico de su suegro, era aficionado a la música y un buen pianista, de quien Cole heredó sus cualidades musicales. La casa en que vivió Porter de niño era una gran casa victoriana a solo unas calles del centro de la ciudad.

La muerte de dos hijos a temprana edad provocó que su madre se volcara profundamente hacia Cole, lo introdujo en la música muy pronto. Así, a los seis años practicaba diariamente el piano, aprendió a tocar el violín y escribió su primera opereta (con ayuda de su madre) a los 10. El abuelo de Porter quería que este se hiciera abogado, se convirtiera en su sucesor al frente de sus negocios y, con esa carrera en mente, asistió a la Academia Worcester y a la Universidad Yale, donde inició estudios en 1909 (en Yale se unió a la famosa sociedad secreta Pergamino y Llave) y a la fraternidad Delta Kappa Epsilon. En esta universidad desarrolló sus cualidades musicales, compuso canciones para el equipo de fútbol de la universidad que constituyeron grandes éxitos como "Bulldog Bulldog" and "Bingo Eli Yale" y dirigió el coro Yale Glee Club, con el que realizó una exitosa gira en las navidades de 1912. Tras su paso por Yale accedió a la Facultad de Derecho de Harvard en 1913, donde permaneció un año, tras darse cuenta de que quería concentrarse en la música, se trasladó a la Escuela de Música de Harvard.

Su primera producción de teatro de Broadway, en 1916, fue un fracaso y solo permaneció dos semanas en cartel. Tras su primer fracaso en Broadway, Cole Albert Porter se desterró a París. Allí estudió contrapunto, armonía y orquestación. Cuando volvió, le encantaba decirle a la gente que se había enlistado en la legión extranjera francesa, pero en realidad fue a trabajar para la Fundación de Socorro Duryea. Cole tenía varios uniformes militares hechos a medida que llevaba cuando el humor lo empujaba a ello. Se estableció en un apartamento de lujo en París. Sus deberes de la Fundación de Socorro le dejaban mucho tiempo libre para llevar una vida de "playboy". En 1918, conoció a Linda Lee Thomas, una rica divorciada, ocho años mayor que él, que le abríó aún más su esfera de contactos sociales y con la que contrajo matrimonio el 12 de diciembre de 1919, en París.
De izquierda a derecha: William Rhinelander Stewart, Elsa Maxwell y Cole Porter, en 1934.

Los musicales y canciones de Porter pronto lo hicieron popular; muchos de ellos fueron escritos teniendo en mente a Fred Astaire y Ethel Merman. Se partió las piernas en un accidente en 1937 que le dejaron dolores crónicos, pero continuó componiendo. Así, de acuerdo con una biografía de William McBrien, una historia probablemente apócrifa del propio Porter dice que compuso la letra de parte de "At Long Last Love" mientras yacía dolorido esperando a que lo rescataran del accidente. Cole sufrió más de cuarenta operaciones en las piernas y padeció constantes dolores el resto de su vida. Durante este periodo, las muchas operaciones lo condujeron a una depresión. Cole fue una de las primeras personas en experimentar un nuevo tratamiento para la depresión, el electrochoque.

Porter era clara y abiertamente homosexual, lo que parecía no ser problema para su esposa casi una década mayor. En esos días, no era infrecuente que gais ricos se casaran con mujeres acomodadas. Cole y Linda estuvieron casados hasta que ella murió en 1954. Tuvo una relación en 1925 con la figura del ballet ruso Boris Kochno y una larga relación con Howard Sturges, con un arquitecto de Boston, Ed Tauch, para quien escribió "Easy to Love", con el coreógrafo Nelson Barclift (quien le inspiró la preciosa canción "Night and Day"), con el director de cine John Wilson y con su amigo durante mucho tiempo Ray Kelly, cuyos hijos aún reciben la mitad de los derechos de autor de Porter.

Además, muchas de las canciones de Porter se han hecho célebres gracias a las versiones de diversos músicos y cantantes. Entre las canciones: I've Got You Under My Skin, Night and Day, I Get a Kick Out of You, So in Love, I Love Paris, My Heart Belongs to Daddy (que cantaron Marilyn Monroe y mucho después en español Rubi y los Casinos), Anything Goes...

Entre los intérpretes habituales de sus éxitos, se cuentan Frank Sinatra, Ella Fitzgerald, Charlie Parker. La película De-Lovely, dirigida por Irwin Winkler en 2004, narra la vida de Cole Porter en forma de musical.(Fuente: Wikipedia)



I LOVE PARIS (Cole Porter),en la versión de Ella Fitzgerald


Antonin Artaud.- Carta a los Poderes




"No podemos vivir eternamente rodeados de muertos y de muerte.
Y si todavía quedan prejuicios hay que destruirlos.
"El deber"
digo bien
"EL DEBER"
del escritor, del poeta, no es ir a encerrarse cobardemente en un texto, un libro, una revista de los que ya nunca más saldrá, sino al contrario salir afuera
para sacudir
para atacar
al espíritu público
si no
¿para qué sirve?
¿Y para qué nació?"

Los Amantes del Círculo Polar (Julio Médem, 1998).- Fragmentos del guion




"¿Tú conoces algo que dure para siempre?"

"Comprendí que por dejar a Ana me había quedado sin destino..."

"Es bueno que las vidas tengan varios círculos. Pero la mía, mi vida, sólo ha dado la vuelta una vez y no del todo. Falta lo más importante. He escrito tantas veces su nombre dentro. Y aquí, ahora mismo, no puedo cerrar nada. Estoy solo."

"La casualidad que estabamos esperando."

"Voy a quedarme aquí todo el tiempo que haga falta. Estoy esperando la casualidad de mi vida, la más grande, y eso que las he tenido de muchas clases. SI. Podría unir mi vida uniendo casualidades. La primera y la más importante fue la peor..."

"Ya no quedan casualidades buenas. La culpa es mía, que las gasté muy rápido."

"Podría contar mi vida uniendo casualidades.
Todo caduca con el tiempo. El amor también. La gasolina del coche, por ejemplo: si olvidas que se va a acabar te dejará tirado en medio del campo. [..]
- Yo te voy a querer siempre, y si se acaba la gasolina me muero. ¿Cuando acabará este viaje?"

"-¿Quién es?-Mi madre...
-¡Qué guapa!- Sí, murió de amor...
-¿Cómo se puede morir de amor?-Abandonada"



"Otto quería morirse y yo iba con él."

"Cuando hace frío la mayoría de las cosas van más deprisa, o llegan antes. Me refiero a las casualidades. Me encanta que haga frío. Una tarde de mucho frío leí una pregunta de amor, demasiado bonita para la letra de un niño. Aquel mensaje lo tenía que compartir, no sabía que hacer con él."

"-un beso, si me oyes, mandame tu otro"

"- Hola estoy aquí. Soy Ana, pues dime algo.
- Me llamo Otto.
- ttttt ¿¿Sabes como te llamas??
- No, bueno sí.
- ¡¡OoOottOoOo!!
- Siiiiii.
- Oye Ana también se puede leer al revés.
- Pues claro.
- Que bien, es capicúa.
-Ahora te enteras, mi padre me decía que mi nombre era capicúa para que mi vida se llenara de suerte... así que me dio un vuelco... la vida."

"- ¿Y a mí qué me vas a regalar para Navidad?
- Nieve, toda la que quieras..."

"Sentí que algo conocido se había metido dentro de lo desconocido, había llegado al fin de algún sitio. Tuve un pálpito, fue el primero de muchos."

"Nunca he tenido el corazón tan rojo"

"Estas noches te espero mirando al sol. ¡Venga valiente!, salta por la ventana."

"Estar enamorada no es fácil. No basta con desearlo, hay que oírlo."

Albert Camus.- Carta a su maestro de escuela




París, 19 de noviembre de 1957.

Querido señor Germain:


Esperé a que se apagara un poco el ruido que me ha rodeado todos estos días antes de hablarle de todo corazón. He recibido un honor demasiado grande, que no he buscado ni pedido. Pero cuando supe la noticia, pensé primero en mi madre y después en usted. Sin usted, sin la mano afectuosa que tendió al niño pobre que era yo, sin su enseñanza y su ejemplo, no hubiese sucedido nada de todo esto. No es que dé demasiada importancia a un honor de este tipo.

Pero ofrece por lo menos la oportunidad de decirle lo que usted ha sido y sigue siendo para mí, y de corroborarle que sus esfuerzos, su trabajo y el corazón generoso que usted puso en ello continuarán siempre vivos en uno de sus pequeños escolares, que, pese a los años, no ha dejado de ser su alumno agradecido.

Lo abrazo con todas mis fuerzas.

Albert Camus.

Michel Houllebecq.- Fragmentos




Las partículas elementales (fragmentos)

" El humor no nos salva; no sirve prácticamente para nada. Uno puede enfrentarse a los acontecimientos de la vida con humor durante años, a veces muchos años, y en algunos casos puede mantener una actitud humorística casi hasta el final; pero la vida siempre nos rompe en corazón. Por mucho valor, sangre fría y humor que uno acumule a lo largo de su vida, siempre acaba con el corazón destrozado. Y entonces uno deja de reírse. A fin de cuentas ya sólo quedan la soledad, el frío y el silencio. A fin de cuentas, sólo queda la muerte.

“En el fondo, se preguntaba Michel observando los movimientos del sol sobre las cortinas, ¿para qué servían los hombres? Puede que en épocas anteriores, cuando había muchos osos, la virilidad desempeñara un papel específico e insustituible; pero hacía siglos que los hombres, evidentemente, ya no servían para casi nada. A veces mataban el aburrimiento jugando partidos de tenis, cosa que era un mal menor; pero a veces les parecía útil hacer avanzar la historia, es decir, provocar revoluciones y guerras, esencialmente.”

De profundis (fragmento)

" Es trágico que tan pocas personas "posean su alma" antes de morir. "Nada hay más infrecuente en todo hombre – dice Emerson - , que un acto que sea propiamente suyo." Es totalmente cierto. La mayoría de las personas son otras personas. Sus pensamientos son las opiniones de otro, su vida un remedo, sus pasiones una cita. "

Michael Haneke, un director polémico y turbador



"Todo el que infringe la corriente principal de pensamiento, y no me refiero sólo al cine, generalmente es provocativo. Cualquiera que sea la antítesis a la norma y a la forma convencional, se le llama obsceno y provocativo. Así que espero que todas mis películas sean obscenas y provocativas".

"Nosotros no percibimos ya la realidad, sino, en su lugar, la representación televisiva de la realidad. Nuestro horizonte de experiencias es muy limitado. Lo que sabemos del mundo es poco más que el mundo mediático, la imagen. No tenemos realidad, sino un derivado de la realidad".

"El cine más interesante de hoy día viene del tercer mundo, porque esa gente tiene algo por lo que luchar. Nosotros no hacemos más que describir permanentemente el asco que sentimos de nosotros mismos".

Michael Haneke (23 de marzo de 1942 en Múnich, Baviera, Alemania) es un director y guionista cuyas películas suelen tratar a menudo problemas de la sociedad moderna, causando controversia. Ha trabajado en cine, televisión y teatro.

Michael Haneke es hijo del director y actor alemán nacido en Düsseldorf Fritz Haneke, y de la actriz austriaca Beatrix von Degenschild. Haneke creció y se crio en la pequeña ciudad de Wiener Neustadt con la familia de su madre en el campo. Sus padres se divorciaron cuando era pequeño. Asistió a la Universidad de Viena para estudiar filosofía, psicología y drama después de fracasar en sus primeros intentos en la actuación y la música. Después de graduarse, se convirtió en un crítico de cine y entre 1967 y 1970 trabajó como editor y dramaturgo en la estación televisiva del sur de Alemania Südwestfunk. Como dramaturgo dirigió varias producciones escénicas en Alemania, entre ellas obras de Strindberg, Goethe y Heinrich von Kleist en Berlín, Múnich y Viena. Hizo su debut como director televisivo en 1973.

Desde 2002 ejerce como profesor de Dirección en la Academia de Cine de Viena, Austria, donde reside habitualmente. En sus clases -dos veces por semana- intenta transmitir sus conocimientos fílmicos a sus estudiantes, haciendo especial hincapié en la dirección de actores, ya que para él es la base de la credibilidad real y emocional total de una escena.

Desde 2006 se dedica también a la dirección de ópera, siendo Don Giovanni y Cosi fan tutte de Mozart sus producciones más notables.

Michael Haneke está casado desde 1983 con la propietaria de un negocio de antigüedades de Viena. Él mismo describe a su mujer como su crítico más agudo e importante de su trabajo.

La película comercial en que Haneke debutó fue El séptimo continente de 1989, que sirvió para trazar el estilo violento y grueso que florecería en los años siguientes. Tres años después, la controvertida El Video de Benny colocó el nombre de Haneke en el mapa. El gran éxito de Haneke llegaría en 2001 con su película más aclamada por la crítica La pianista. La película ganó el prestigioso Gran Premio en el Festival de Cine de Cannes de 2001 y también ganaron sus protagonistas, Benoit Magimel e Isabelle Huppert, los premios de mejor actor y actriz. Ha trabajado con Juliette Binoche en dos ocasiones, después de que ella expresase interés en trabajar con él. Una de esas películas fue Caché, película en donde el director ganó el premio a Mejor director en Cannes y a Mejor película en la ceremonia de Premios del Cine Europeo

En el 2007, debutó en el mercado norteamericano, con el remake de su película Funny Games, que fue producida por la actriz Naomi Watts, quien también actuó en esta película. En el 2009 logra ganar la Palma de Oro en el Festival de Cine de Cannes, por su película La cinta blanca, película que ganó el Globo de Oro a la mejor película en lengua no inglesa y obtuvo nominaciones a mejor película extranjera y a mejor fotografía en los premios Óscar.

Haneke deconstruye las estructuras narrativas tradicionales para lograr un distanciamiento brechtiano. Su provocativa forma de narrar busca sobre todo hacer pensar al espectador y sacarle de sus cómodas convenciones cinematográficas situándole en encrucijadas donde todo es posible. En ese sentido, el precedente de Michelangelo Antonioni ha sido fundamental para él.


"Son una llamada a un cine que aporte insistentes cuestiones en lugar de respuestas falsas (por lo excesivamente rápidas), que clarifique las distancias en lugar de violar la cercanía, que abogue por la provocación y el diálogo en lugar de la consunción y el consenso."

Rechazando lo que considera convenciones estándar de tiempo, construcción del suspense y continuidad lógica, Haneke no teme llegar a ser aburrido, irritante o frustante. Sus películas son consideradas como muy inmediatas y realistas sin ser simplistas. Es muy posible que trate acerca de una sociedad que no sabe cómo amar —o en todo caso cómo odiar— y sus películas son en diversos modos un intento por afinar los sentimientos del público y sus respuestas hacia el mundo. El ritmo de sus filmes es lo más particular: no necesita extender más de lo ordinario la duración de sus narraciones (generalmente sin verdaderas intrigas) o sus planos, incluyendo en la mayor parte de sus obras periodos de inacción, de vacío, de frustración y de irritación. Es, sobre todo, en la representación de la violencia en lo que el cineasta innova, sin estilizarla ni volverla espectacular. Sin exuberancia, la barbarie aparece en la progresión dramática misma de cada uno de sus filmes de manera estructural. Es, por otra parte, a menudo más sugerida que verdaderamente mostrada, manifestada sin subrayado alguno y generalmente jamás está justificada o motivada, lo que vuelve su puesta en escena aún más seca y brutal. De manera implacable el realizador busca sin cesar poner al espectador en una situación incómoda, alterando las maneras tradicionales y su manera de percibir o de recibir una obra cinematográfica. Deseando provocar reacciones vivas y emotivas, Haneke intenta interrogar sobre la responsabilidad del testigo ante las escenas expuestas, planteando cuestiones de orden social, político, histórico, cultural o moral sin jamás aportar respuestas claramente establecidas. Un trasfondo cultural y filosófico denso se percibe detrás de cada una de sus obras.

Entre sus temas recurrentes están:
La introducción de una fuerza malévola en la confortable vida burguesa, como se ve en Funny Games y en Caché;
Una actitud crítica contra los medios masivos, en especial la televisión, como sucede en Funny Games, donde algunos de los personajes son conscientes de pertenecer a una película.
La incomunicación o incapacidad de poderse comunicar directamente con el otro, presente en Benny´s Video y Caché.

Filmografía:

1989 Der siebente Kontinent - El séptimo continente
1992 Benny's Video - El video de Benny
1994 71 Fragmente einer Chronologie des Zufalls - 71 fragmentos de una cronología del azar
1995 Der Kopf des Mohren - La cabeza del moro (guion)
1997 Funny Games
1997 Das Schloß - El castillo
2000 Código desconocido
2001 La Pianiste - La pianista. Adaptación de la novela La pianista de la autora austriaca Elfriede Jelinek. Gran Premio del Jurado en el Festival de Cannes.
2003 El tiempo del lobo
2005 Caché o Escondido Premio al mejor director en el Festival de Cannes y premio a la mejor película y mejor director de los Premios del Cine Europeo 2005
2007 Funny Games, remake U.S.
2009 Das Weiße Band- La cinta blanca. Palma de Oro en el Festival de Cannes. Globo de Oro a la mejor película extranjera.
2012 Amour. Palma de Oro en Festival de Cannes.








Mata Hari


«En Madrid, jamás llegué a pisar la calle, porque cada vez que aparecía en la puerta del Hotel Ritz, una legión de caballeros arrojaban sus capas al suelo para que caminara sobre ellas,poniendo ante mí una alfombra que nunca se acababa».
 
 MATA HARI

(7 de agosto de 1876 - 15 de octubre de 1917)





Margaretha Geertruida Zelle,más conocida como Mata Hari, fue una famosa bailarina de striptease, condenada a muerte por espionaje y ejecutada durante la I Guerra Mundial (1914-1918).
Su padre, Adam Zelle, era un sombrerero, y su madre era de ascendencia javanesa (Java formaba parte del Imperio Holandés). Al morir la madre de la joven, su padre suplió la ausencia materna con excesivos cuidados hacia una joven que muy pronto destacó por su belleza.
Se casó a los 18 años, tras mantener una breve correspondencia con un militar que no conocía, mucho mayor que ella y que había puesto un anuncio en un periódico. Desde niña, los uniformes militares habían suscitado en ella una especial atracción. Tuvo dos hijos, siendo el varón envenenado presuntamente en venganza por el trato dado por su marido a un sirviente nativo; una cuestión acaecida en su estancia de casada en Java, donde había sido destinado su esposo. La muerte de este hijo supuso un duro golpe para la familia. El marido buscó amparo en la bebida y empezó a frecuentar poco el hogar. Se dice que esta soledad llevó a Mata Hari a sus primeros contactos con la cultura javanesa y con las técnicas amatorias orientales, que le proporcionarían años más tarde fama como cortesana de lujo.

De vuelta a Europa, tras separarse y perder en Holanda el juicio sobre la custodia de su hija debido a su libertina vida en la isla, según declaró su marido, realizó más tarde algunos intentos fallidos en París como modelo de diseñadores, fracasos que conllevaron a un auténtico trauma en su vida por carecer de recursos económicos para vivir. Más tarde volvió a París de nuevo, armada de valor y amparada en sus rasgos orientales heredados de su madre. La literatura romántica de evasión de finales del siglo XIX había popularizado una imagen difusa y añorada de la oriental. Aprovechando estas circunstancias, se hizo pasar por una supuesta princesa de Java ejerciendo de bailarina exótica, protagonizando espectáculos de strip-tease. La mentira e imaginación, como salida obligada para superar su penosa situación económica, empezaron a dar sus frutos y a la vista de sus ventajosas consecuencias, pasó a convertirse en algo habitual. En París fue un revuelo con auténticas pugnas por conseguir localidades de las primeras filas en sus espectáculos de danza. También fue cortesana y tuvo romances secretos con numerosos funcionarios militares e incluso políticos de alto nivel, y, en general, con la alta sociedad.

Su fama como bailarina crecía, pero ya no era tan joven y, al ir perdiendo sus encantos físicos, que conforme al canon de belleza actual no parece que fueran tan extraordinarios, empezó a ejercer con más frecuencia de cortesana, amparada por el mito que había creado, para seguir manteniendo el mismo nivel de vida.
En aquellos tiempos, intentó recuperar a su hija que vivía con su padre, pero resultó imposible. Mandó a su ama de llaves, que volvió con las manos vacías tras varias horas de espera a la puerta del colegio donde estudiaba. Aquel día su padre fue a recogerla. Aquella niña murió en los Países Bajos de un ataque al corazón años después de la muerte de su madre, curiosamente días antes de un viaje a Java en el que había puesto muchas esperanzas.

En 1917, siete meses antes del final de la "Gran Guerra", fue sometida a juicio en Francia acusada de espionaje, de ser una agente doble para Alemania y de haber sido la causa de la muerte de miles de soldados. Fue declarada culpable sin pruebas concluyentes y basadas en hipótesis no probadas que hoy en día (principios del siglo XXI) no se sostendrían en un juicio moderno. De hecho, una asociación de su ciudad natal solicitó al Ministerio de Justicia francés una revisión póstuma del caso, pero esta petición no fue atendida.

Fue ejecutada por el pelotón de fusilamiento el 15 de octubre de 1917, en Vincennes. La leyenda sostiene que la escuadra tuvo que ser vendada para no sucumbir a sus encantos. Sin embargo, son probados los hechos de que lanzó un beso de despedida a sus ejecutores y que, de los 12 soldados que constituían el pelotón de fusilamiento, sólo acertaron 4 disparos, uno de ellos en el corazón que le causó la muerte instantánea. El oficial a cargo, como así se disponía en estos casos, ultimó el acto innecesariamente con un disparo de gracia en la sien. La noticia recorrió el mundo. Hay incluso narración periodística que detalla este dramático momento describiendo la expresión de su rostro, forma de caída y disposición final del cuerpo en el suelo.
Su cuerpo, que no fue enterrado, se empleó para el aprendizaje de anatomía de los estudiantes de Medicina, como se hacía con los ajusticiados en aquella época, pero su cabeza, embalsamada, permaneció en el Museo de Criminales de Francia hasta 1958, año en el que fue robada, seguramente, por un admirador.

El joven oficial ruso de 23 años del que estaba enamorada, y para el que se dice que habría aceptado el encargo de espiar para Francia al embajador alemán en Madrid, habló de ella en términos de "mujer aventurera", una vez que supo de su encarcelamiento. Margaretha acudió a las autoridades francesas para conseguir un visado especial para el tránsito por el territorio en guerra, que era necesario para visitar al joven oficial en el hospital donde se encontraba por haber sido herido. Fue entonces cuando él le propuso trabajar para el gobierno de la República como espía.
La tesis más extendida sobre Mata Hari es que, aunque reveló algunos datos sobre algunos movimientos militares alemanes, como el desembarco nocturno de algunos oficiales del Kaiser en Marruecos, y que comunicó al enemigo movimientos de tropas francesas que conocía por la prensa de París, no parece que Mata Hari fuera una espía importante, aunque llegó a ser acusada por Francia de haber sido entrenada en Holanda, en una escuela para tal fin. Mata Hari era más bien una cortesana en aquellos momentos, que aceptó encargos de este tipo para mantener su nivel de vida y poder visitar, en territorio de guerra, a su joven amado herido en combate. Quienes han estudiado este personaje dicen que en realidad, se tomó esta labor como un juego, no siendo plenamente consciente del riesgo.
Una tesis muy seguida se basa en que los alemanes, al decidir que este personaje les resultaba molesto, prepararon la muerte a manos del propio enemigo, tendiendo la trampa al contraespionaje francés para que asociaran a Mata Hari como un agente alemán. La jugada era perfecta: al enviar los alemanes un mensaje comprometedor y cifrado con una clave, de la que tenían constancia que sus enemigos y ya disponían del método de descifrado, pero sabiendo que estos desconocían el sobreaviso alemán sobre este hecho, provocarían, como así sucedió, que las autoridades de París creyeran sin reparos en la veracidad de toda la información interceptada, por pensar que los alemanes la habían enviado confiados, cuando en realidad, lo habían realizado intencionadamente.
Hay que mencionar el nuevo escenario de guerra de inteligencia que suscitó este conflicto mundial. Numerosos mensajes eran enviados para confundir sobre las verdaderas intenciones del enemigo y movimiento de tropas. La lucha por conseguir claves y estar al tanto del cambio de éstas, provocó también auténticos quebraderos de cabeza. Este envenenado radio-telegrama fue captado en la capital francesa por la antena de radio dispuesta en la Torre Eiffel y sirvió como principal prueba de la culpabilidad de Mata Hari.
El mensaje hablaba de un agente alemán, el H21, que iría a París y que extraería cierta cantidad de dinero de un banco. Las fechas y el acto, aunque el dinero nunca le fue desembolsado y formaba parte del pago de honorarios por sus servicios a Francia, coincidieron con la vuelta de Mata Hari a París.
Mata Hari que permaneció encarcelada durante meses antes de su fusilamiento, tuvo contradicciones en los diferentes interrogatorios a los que fue sometida (era una persona acostumbrada a inventar su propia vida).

Según sus estudiosos, sirvió de chivo expiatorio ante la opinión pública por los fracasos de Francia en el frente de guerra, una parte de la opinión pública estaba en contra suya por su vida fácil y licenciosa, en una época de penurias.
Es sabido que cuando fue apresada, requirió que le concedieran tiempo para asearse y que llegó a mostrarse desnuda ante los ojos de sus captores, con la excusa de ofrecerles bombones en un casco prusiano que un general alemán le había regalado años atrás. Este atrevimiento y muestra de contactos con amantes enemigos, en plena época de guerra, muestran a Mata Hari con la actitud propia del mito que representaba, como si tuviese la seguridad de que sus contactos en la altas esferas la harían intocable. Estos hechos, entre otros, constan en el acta del juicio que no fue revelada hasta bien entrada la década de los años 1950.

La acusación de haber sido la causante de la muerte de miles de vidas y ajusticiada por ello, puede ser tomada como una acción de distracción propia de tiempos difíciles, en un momento en que era habitual que cientos de jóvenes franceses fueran ejecutados en el frente, por deserción. Había batallas con cifras de cientos de miles de muertos y, en los que el ejército vencedor había tenido un número de bajas sólo algo menor. Eran, con cierta frecuencia, auténticas carnicerías humanas, que inundaban las trincheras con restos de cuerpos humanos tras enésima explosión, por lo que se pedían soluciones expeditivas ante cualquier atisbo de culpabilidad.
Uno de sus biógrafos dice que el mito vivo que ella representaba en su tiempo, y la limitada repercusión dramática y directa de la guerra en la capital parisina, creó en ella una actitud psicológica poco consciente, como para que no se diera cuenta de lo peligroso que era lo que estaba haciendo, pensando que siempre tendría la ayuda de sus amantes, muchos de ellos en altos cargos políticos.

Mata Hari, muerta a los 41 años en 1917, sigue siendo un personaje de leyenda. A pesar de la distancia en el tiempo, pocos son los acercamientos a su persona que dibujan claramente, lo que al parecer era en realidad, una mujer que estaba dispuesta a todo para poder seguir viviendo en el lujo.
Su hija, murió dos años después que ella.(Fuente: Wikipedia)





MATA HARI es una película de 1931 dirigida por George Fitzmaurice basada en la vida de Margaretha Geertruida Zelle (Mata Hari), una exótica bailarina acusada y ejecutada por espionaje durante la Primera Guerra Mundial. La película está protagonizada por Greta Garbo en el papel de la famosa espía.


Jean Simmons: Una belleza inglesa


Jean Simmons es sin duda, una de las más sofisticadas, atractivas y sugestivas bellezas propuestas por el cine británico, puede que solo superada por Vivian Leigh.

Su nombre completo era Jean Marilyn Simmons y nació en 1929. Era hija de un instructor de educación física y natación y paso parte de su infancia en Londres, de donde tuvo que huir en la segunda guerra mundial a causa de los bombardeos, estableciendose en Somerset. Con el tiempo se matricularía en la "Aida Foster School of dancing" para actrices infantiles, donde le dieron la oportunidad de empezar su carrera trabajando como modelo y en pequeños papeles para la pantalla.

No se le daba mal bailar y había demostrado que se defendía bien cantando. Así, Jean Simmons tan solo tenía 14 años cuando su delicada belleza llamó la atención de un cazatalentos y fue contratada por la "Rank" para interpretar papeles adolescentes en varios clasicos del cine inglés. En 1944 filmó su primer papel acreditado en el mundo del cine con la película "Give Us the Moon" . Su ascenso dentro de la industria del séptimo arte fue rápido y de "César y Cleopatra" (1945), pasó a a actuar bajo las ordenes de David Lean en "Cadenas rotas" (1946), donde daba vida a la joven Estella, la fría y altiva joven que enamora al huérfano Pip. La obra se basa en la novela de Dickens "Grandes Esperanzas", una de las grandes obras de la literatura inglesa y su adaptación cinematográfica tuvo una gran repercusión, logrando Jean Simmons hacerse muy popular gracias a su interpretación. Después vendrían la exótica Kanchi de "Narciso negro" (1947), una película visualmente soberbia en la que la belleza de la Simmons se veía realzada en el papel de una chica problemática que es enviada a un convento en mitad del Himalaya donde se espera que pueda reformarse. Y el despegue final llegó cuando fue elegida por Laurence Olivier para interpretar a Ofelia en "Hamlet" (1948). Por este papel recibió el premio a la mejor actriz en el Festival de Venecia y fue nominada al Oscar, un premio que no lo ganó, pero que si propició que llamara mucho la atención en Estados Unidos, y que pronto se la rifaran los grandes estudios de Hollywood, siendo finalmente Howard Hugues, el que logró su contrato de la nueva estrella.
 


En 1950, cuando ya era una de las principales actrices jovenes en el Reino Unido, se casó con Stewart Granger, al que conoció durante el rodaje de "Cesar y Cleopatra" cinco años atrás y se marcharon juntos a Hollywood, el fichado por la MGM y ella primero por la RKO y despues por la FOx

En la meca del cine desarrolló una exitosa carrera durante los años cincuenta, dejando constancia de un tacto y una preparación artística que la distinguía de las bellezas coetaneas. En estos años se la asocia con grandes superproducciones de época como "Androcles y el león", "La túnica sagrada", "Sinuhé el Egipcio" y sobre todo "Espartaco", donde era Varinia, la abnegada esposa del personaje de Kirk Douglas. Interpretó también con bastante convicción a una ‘femme fatale’ en "Cara de ángel". También es necesario citar "Horizontes de grandeza", de William Wyler, "Esta tierra es mía", de Henry King, "Ellos y ellas", de Joseph L. Mankiewicz y "Desirée", de Henry Koster.

Con su marido, Stewart Granger, volvió a coincidir en "Adán... y ella", "La reina Virgen" y "Pasos en la niebla", antes de su sonoro divorcio en 1960. Entonces se emparejó con Richard Brooks, su nuevo esposo, que la dirigió uno de sus mejores trabajos, "El fuego y la palabra", adaptación de una novela de Sinclair Lewis, donde era una religiosa evangélica, que pronuncia convincentes sermones junto al oportunista Elmer Gantry (Burt Lancaster en uno de sus mejores trabajos). Jean Simmons permaneció junto a Brooks, hasta que éste falleció en 1992. Posteriormente la volvería a dirigir en 1969 en "Con los ojos cerrados", por el que Jean fue candidata al Premio Oscar, en la categoría de mejor actriz principal.
 


En la década de 1970, fue apartándose del cine para dirigir sus pasos profesionales hacia la televisión. Obtuvo éxito sobre todo con "Norte y sur" y "El pájaro espino", aunque también ha aparecido en series como "Se ha escrito un crimen" y "Star Trek. La nueva generación". Aún a una edad avanzada, ha seguido rodando a buen ritmo películas como "Donde reside el amor". Sus dos desastres sentimentales y el inevitable declive de su carrera en el cine, llevaron a Jean Simmons a vivir su más peligroso periplo en alas del alcoholismom una adicción de la que solo pudo sacarla su amiga personal: Elizabeth Taylor. Falleció el 23 de enero de 2010 debido a un cáncer de pulmón en su casa de Santa Mónica, en California.

Fuentes.
Diccionario de actores cinematográficos (Manuel Gutiérrez Silva)
Las cien grandes diosas de la historia del cine (José Luis Mena)
http://www.decine21.com/Biografias/Jean-Simmons-9363