Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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viernes, 5 de octubre de 2012

Enrico Caruso, un último concierto y una canción



Enrico Caruso (Nápoles, 25 de febrero de 1873 - 2 de agosto de 1921) fue un tenor italiano que ha sido considerado el más famoso del mundo en la historia de la ópera, y para muchos el mejor. Caruso fue también el cantante más popular en cualquier género durante los primeros veinte años del siglo XX y uno de los pioneros de la música grabada. Su ...
gran éxito de ventas y una voz extraordinaria, aclamada por su potencia, belleza, riqueza de tono y técnica superlativa, le convierten en el más grande cantante masculino de ópera de la historia.

Con su estilo de canto Enrico Caruso fijó un estándar, influyendo en prácticamente todos los tenores en los repertorios italianos y franceses. Su carrera abarcó desde 1895 hasta 1920 e incluyó un récord de 863 apariciones en el Metropolitan Opera de Nueva York. Sin embargo su trayectoria fue interrumpida por una infección fulminante que le mató a la edad de 48 años, en el pináculo de su carrera. Caruso era un cliente de Edward Bernays, un pionero de las relaciones públicas, quien trabajó como su agente de prensa en los Estados Unidos.
Cantó en muchas de las salas de ópera más importantes del mundo, aunque es más conocido por haber sido el primer tenor del Metropolitan Opera en Nueva York durante diecisiete años. El célebre director de orquesta italiano Arturo Toscanini, que dirigió algunas de las óperas donde Caruso cantó en el Metropolitan, le consideraba uno de los más grandes artistas con los que había trabajado. El repertorio de Caruso era de unas sesenta óperas, casi todas cantadas en italiano, aunque también cantaba en francés y en inglés (con un fuerte acento italiano).

Asimismo, tenía un repertorio de unas quinientas canciones, desde canciones napolitanas y tradicionales de Italia hasta temas populares de la época.

Por otro lado, fue el primer vocalista de la historia en realizar grabaciones sonoras de canciones. Durante su carrera realizó cerca de 260 grabaciones y ganó millones de dólares con la venta de sus discos de 78 rpm.
El 8 de abril de 1904, grabó Mattinata, una canción de Ruggiero Leoncavallo, la que se considera como la primera canción compuesta exclusivamente para ser grabada. Caruso y la industria fonográfica hicieron mucho para promoverse en las dos primeras décadas del siglo XX. Su registro de 1902 de Vesti la giubba, del Pagliacci (Payasos) de Leoncavallo, fue el primer disco con un millón de ejemplares.

Enrico Caruso muere en 1921 de una complicación de pleuresía, y fue enterrado en Nápoles. Como curiosidad, cabe destacar que sólo un film de 1951 ha intentado retratar su figura: El gran Caruso de Richard Thorpe, en la piel del actor y cantante estadounidense Mario Lanza, acompañado por Ann Blyth, supone una biografía convencional pero con atractivos.

En 1986, Lucio Dalla compone un tema dedicado al tenor, el famoso "Caruso". La canción hacía referencia a una de las últimas noches del cantante, ya enfermo.

A Lucio Dalla se le había estropeado el barco y en Sorrento sólo había disponible un lujoso apartamento en el Grand Hotel Excelsior Vittoria, donde Caruso vivió los dos ultimos meses de su vida y donde se conservaban intactos sus libros, sus fotografias y su piano. Angelo, que tenía un bar en el puerto le contó esta historia ...
Caruso estaba gravemente enfermo y sabía que tenía los dias contados pero eso no le impedía dar lecciones de canto a una joven de la cual estaba enamorado. Una noche de mucho calor no quiso renunciar a cantar para ella, así que, aun encontrándose mal, hizo llevar el piano a la terraza que daba al puerto y empezó a cantar una apasionada declaracion de amor y sufrimiento.

Su voz era potente y los pescadores, oyéndole, regresaron al puerto y se quedaron anclados bajo la terraza. Las luces de las barcas eran tantas que parecían estrellas o quizás las luces de los rascacielos de Nueva York...

Caruso no perdio las fuerzas y siguió cantando sumergiéndose en los ojos de la muchacha apoyada al piano.

Esa noche su estado empeoró.

Dos dias mas tarde, el 2 de agosto de 1921, moría en Napoles.

Esta canción narra el drama de esa noche... con luces y sombras del pasado... con muerte y vida...
un hombre enfermo que busca en los ojos de la muchacha un futuro que ya no existe...
un testamento de amor...este fue su ultimo concierto...
y este fue su excepcional publico... el mar, las estrellas, los pescadores, las luces de las barcas y su amada...

"guardò negli occhi la ragazza quegli occhi verdi come il mare poi all'improviso uscì una lacrima e lui credette di affogare"
Letra de la canción traducida:

"Aquí donde el mar brilla y el viento sopla fuerte
En una vieja terraza frente al golfo de Sorrento
Un hombre abraza a una muchacha después de que ella ha llorado
Luego aclara la garganta y comienza de nuevo el canto

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que calienta la sangre de mis venas, sabes

Vió las luces en el medio del mar y pensó en las noches allá en América
Pero solo eran las lámparas y la blanca estela de una hélice
Sintió el dolor en la música, se levantó del piano
pero cuando vió la luna surgir de una nube
le pareció tan dulce como la muerte.

Miró en los ojos de la muchacha
aquellos ojos verdes como el mar
luego de improviso surgio una lágrima
y él creyó ahogarse.

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que ahora calienta la sangre de mis venas, sabes

El poder de la lirica (opera)
donde toda tragedia es falsa
esa en que con un poco de truco y mimica
puedes convertirte en otro.

Pero dos ojos que te miran así, cercanos y verdaderos
Te hacen olvidar las palabras y confundir el pensamiento

Todo se vuelve tan pequeño,
también las noches en America
Te vuelves y ves tu propia vida
igual que el despertar de una helice.

Pero si, la vida ya termina
pero él pensó que realmente existe
De hecho ya se sentía feliz,
y recomenzó su canto

Yo te amo tanto pero tu sabes tan tan bien [que]
Es una cadena que ahora calienta la sangre de mis venas, sabes"
 
 
— con Ariadna Laberinto y Celia Valdelomar Codejon.

La última carta de María Callas



“En estos momentos terribles.
Sólo tú me quedas.
Sólo tú me tientas.
Última voz de mi destino.
Última cruz de mi viaje”

Versos garabateados por la soprano en italiano en un pequeño papel del londinense Hotel Savoy. Palabras desesperadas que pronuncia la heroína de la ópera “La Gioconda”, de Ponchielli, el primer gran éxito de Callas en Italia y una obra fija de su repertorio.

El destinatario de esas palabras no era el fallecido Onassis, sino su primer marido Battista Meneghini que nunca recibió la carta porque nunca llegó a enviarla. Apareció en el apartamento de la diva en París, aquel en el que pasaba horas, triste, en su autoexilio escuchando sus viejas grabaciones....

Para terminar, aqui queda el aria "suicidio" de la ópera "Gioconda", por María Callas




Por Celia VC

Ángela Molina


"Yo sólo actúo cuando ejerzo. No soy nada actriz en la vida real. Ni tengo teorías sobre mí.Vengo, por mi padre, del flamenco, y el flamenco es la mezcla de la ligereza y la hondura".

ANGELA MOLINA

Ángela Molina Tejedor, (n. en Madrid el 5 de octubre de 1955), es una actriz española perteneciente a una conocida saga de artistas. Sus comienzos cinematográficos, que incluyen trabajos para Luis Buñuel y Manuel Gutiérrez Aragón, la convierten en una de las actrices más representativas de la Transición Española. Rueda también en Italia, Francia y Latinoamérica, superando el centenar de películas y atesorando premios como el David de Donatello de la Academia italiana y la Concha de Plata del Festival de San Sebastián.

Tercera de los ocho hijos del cantante y actor Antonio Molina, sus hermanos Paula, Miguel, Mónica y Noel también se dedican a la interpretación y a la música. Su hija Olivia Molina es igualmente actriz. Estudia ballet clásico, danza española y Arte Dramático en la Escuela Superior de Madrid. Trabaja en el circo en Francia y ejerce como profesora de baile clásico español antes de aparecer en su primera película, No matarás (César F. Ardavín, 1974), a raíz de un reportaje fotográfico publicado en Fotogramas. A punto de cumplir diecinueve años, en adelante su dedicación al cine es absoluta.

Llegada la Transición, trata de desvincularse del auge comercial del destape y enfoca su carrera hacia producciones que reúnan cierta calidad y compromiso, a menudo de temática social, política o histórica, motivada por el pensamiento que acompaña cada guion.

En 1976 rechaza protagonizar Cambio de sexo, de Vicente Aranda, mientras asume papeles relevantes en La ciutat cremada, de Antoni Ribas y en Las largas vacaciones del 36, de Jaime Camino. Un año antes es propuesta para el papel que interpreta Alicia Sánchez en Furtivos, de José Luis Borau, con quien más tarde trabaja en La Sabina (1979).

Luis Buñuel la elige en 1977 para protagonizar, junto a Fernando Rey, Ese oscuro objeto del deseo, película que le proporciona renombre internacional y le abre las puertas de la cinematografía europea. En ella comparte personaje con la actriz francesa Carole Bouquet y exhibe un temperamento vivo y enigmático, que luego trata de combinar con su aspecto dulce y suave. Buñuel afirma de ella que posee «el rostro de una virgen pagana», afianzando así el mito de mujer instintiva y pasional que conserva en su mirada cierto primitivismo.

 Por entonces y a lo largo de la década de 1980, Ángela Molina se convierte en rostro habitual de la gran pantalla, reafirma su presencia en España y la amplía en Francia e Italia, con incursiones en el cine alemán y norteamericano. Habla varios idiomas, por lo que a menudo no necesita ser doblada. Interviene en Operación Ogro, de Gillo Pontecorvo; en Bearn o La sala de las muñecas, de Jaime Chávarri, encarna a La Bella Otero en una coproducción española para la televisión italiana y rueda a las órdenes de Jaime de Armiñán, Luigi Comencini, Ricardo Franco, Marco Bellocchio, Bigas Luna o Lina Wertmüller.

Una fructífera colaboración con el director cántabro Manuel Gutiérrez Aragón afianza su carrera y ahonda en su potencial dramático mediante papeles principales en Camada negra, El corazón del bosque, Demonios en el jardín y La mitad del cielo, obras que componen un retrato alegórico de la España ominosa del franquismo y en las que la ideología, el núcleo familiar y la presencia femenina cobran especial importancia. «Esas películas marcaron mi alma y mi forma de trabajar», diría más tarde la actriz.

En 1985 se le concede el Gran Premio de la Crítica de Nueva York y al año siguiente se convierte en la primera actriz extranjera en recibir el David de Donatello que otorga la academia italiana de cine.También en 1986 consigue con La mitad del cielo la Concha de Plata a la mejor actriz en el Festival de San Sebastián y es nominada en la 1ª edición de los Premios Goya.

En esos años prueba suerte en el mundo de la canción, edita un disco (Con las defensas rotas) y canta Muertos de amor a dúo con Georges Moustaki. Sin embargo, es en las dos partes de Las cosas del querer (Jaime Chávarri, 1989 y 1995), donde desarrolla con éxito su faceta musical, dando vida a un personaje muy querido en su carrera. Poco antes rueda Esquilache, que protagoniza Fernando Fernán Gómez para Josefina Molina.

Considerada una de las actrices españolas mejor pagadas junto a Ana Belén y Victoria Abril, espacia sus trabajos nacionales a partir de 1990, coincidiendo con su negativa a protagonizar la versión de Bigas Luna de Las edades de Lulú por lo escabroso de algunas escenas.Destaca en Sandino, de Miguel Littín, que narra la vida del líder revolucionario nicaragüense y fuera de nuestras fronteras en El hombre que perdió su sombra, de Alain Tanner, junto a Francisco Rabal. Trabaja con Marcello Mastroianni en Le voleur d'enfants y aparece en 1492: La conquista del paraíso, superproducción de Ridley Scott que protagoniza Gérard Depardieu. Con Viggo Mortensen rueda Gimlet en 1995.

Tarda en darle el sí a Pedro Almodóvar y lo hace para su película Carne trémula (1997), un trabajo que no se aleja del todo de la chica sensual de sus comienzos, pero la aproxima ya a la mujer madura, marcada por las huellas de la vida, que representa en los últimos años. El rodaje con Almodóvar supone ciertas dificultades para la actriz, que vuelve a saborear el reconocimiento profesional. Consigue su cuarto Fotogramas de Plata y logra una cuarta candidatura al Goya.

Posteriormente, protagoniza la comedia televisiva Hermanas y ofrece un variado registro en proyectos muy dispares, a menudo independientes y comprometidos, tanto españoles como extranjeros. Destacan El mar, Punto de mira (One of the Hollywood Ten), Sagitario, Al sur de Granada, Los Borgia y La caja.

En 2007 estrena El destino de Nunik, crónica del genocidio armenio a cargo de Paolo y Vittorio Taviani que protagoniza junto a Paz Vega. Tras colaborar en dos películas de Giuseppe Tornatore, repite con Almodóvar en Los abrazos rotos, dando vida a la madre de Penélope Cruz.

Con Emilio Gutiérrez Caba encabeza el reparto de la serie Gran Reserva en TVE-1 desde 2010.

Continúa vinculada al cine de autor y asegura preferir «el cine de directores que cuentan algo porque, si no lo hacen, revientan...».[12] Su voz frágil aunque cálida y una dicción a veces muy discutida, no devalúan un estilo interpretativo realista de notable autenticidad y capacidad improvisadora. En reconocimiento a su extensa carrera cinematográfica, recibe en 2002 el primer Premio Málaga otorgado en el marco del Festival de Cine Español de Málaga e inaugura un monolito en su honor en el Paseo Antonio Banderas de la ciudad andaluza.

En 2002 llega su primera incursión teatral en el Festival de Teatro Clásico de Mérida con el espectáculo Troya, siglo XXI.[13] En 2005 encarna a la seductora Mrs. Robinson en El Graduado, montaje que dirige Andrés Lima y comparte con su hija Olivia en papeles antagónicos. Regresa tres años después a los escenarios con La dama del mar, adaptación de Susan Sontag del texto de Henrik Ibsen bajo la dirección de Robert Wilson.

Ángela Molina tiene cinco hijos, tres nacidos de su primera unión con el fotógrafo y realizador francés Hervé Tirmarche: Olivia (1980), Mateo (1982) y Samuel (1987); y dos, Antonio (1995) y María (2003) con su actual marido, el empresario ibicenco de origen canadiense Leo Blakstad. En 2012 nace su primera nieta, hija de Olivia y el actor Sergio Mur.

Un video:
ESE OSCURO OBJETO DEL DESEO (1977) es una película franco-española, la última dirigida por Luis Buñuel. Se trata de una muy libre adaptación de la novela de Pierre Louys La mujer y el pelele (La femme et le pantin).Tras realizar varios trabajos para diferentes realizadores, la intervención de Angela Molina en este film de Luis Buñuel incrementó su prestigio y le abrió las puertas del mercado internacional.
 
Por Jon Hernández


Kate Winslet


"Amar a alguien es ponerlo en libertad, dejarlo ir"
 
La frase es de Kate Elizabeth Winslet, que nació un 5 de octubre como hoy, pero de 1975. Es hija de los actores teatrales Sally Bridges y Roger Winslet. Sus dos hermanas Anna y Beth son también actrices.

Kate comenzó su trayectoria profesional en su niñez, apareciendo en anuncios publicitarios y estudiando desde temprana edad interpretación en la Escuela Maidenhead.  A comienzos de los años 90 debutó en el teatro y en productos para televisión.

Se reveló internacionalmente con su película debut, el film dirigido por Peter Jackson "Criaturas Celestiales" (1994), alcanzando el estrellato al co-protagonizar junto a Leonardo DiCaprio la exitosa superproducción catastrófico-romántica de James Cameron "Titanic" (1997).

En medio participó en la película "Aventuras En La Corte Del Rey Arturo" (1995) y en conocidas adaptaciones literarias, sea Jane Austen en "Sentido y Sensibilidad" (1995) de Ang Lee, o William Shakespeare en el "Hamlet" (1996) de Kenneth Branagh.

Ha sido nominada al Oscar en cuatro ocasiones, por "Sentido y Sensibilidad" (1996) e "Iris" (2001) en la categoría de mejor actriz secundaria, y por "Titanic" (1997) y "Olvídate De mí" (2004) como mejor intérprete principal.

Otros títulos de su filmografía son "Descubriendo Nunca Jamás" (2004), título co-protagonizado por Johnny Depp, "Todos Los Hombres Del Rey" (2006), drama con Sean Penn, y "The Holiday (Vacaciones)" (2006), comedia romántica co-protagonizada por Jude Law, Jack Black y Cameron Diaz.

Ganó dos Globos de Oro en la ceremonia celebrada en enero del año 2009, uno como actriz principal por "Revolutionary Road" (2008), película co-protagonizada por Leonardo DiCaprio, y otro como secundaria por "El Lector" (2008). Por esta última película consiguió también el Oscar a la mejor actriz principal.

En el thriller de ciencia-ficción "Contagio" (2011) era dirigida por Steven Soderbergh.

En la película de Roman Polanski "Un Dios Salvaje" (2011) interpretaba a la mujer de Christoph Waltz.

En cuanto a su vida sentimental, Kate fue novia de los actores Stephen Trede y Rufus Sewell, con quien compartió créditos en la citada "Hamlet". Se casó con el asistente de director Jean Threapleton en el año 1998, al que conoció en el rodaje de "Hideous Kinky" (1998). La pareja se separó en el año 2001. Un año antes, en el 2000, tuvieron a su hija Mia Honey.

En el mes de junio del año 2003, Kate contrajo matrimonio con el director británico Sam Mendes ("American Beauty"). El mismo año de la boda tuvieron a su hijo Joe Alfie. La pareja rompió en el año 2010. Después de separarse de Mendes, la actriz se emparejó con el modelo británico Louis Dowler. Su actual pareja es Ned Abel Smith.

THE READER ('El lector',en España, 'Una pasión secreta' en otros países latinoamericanos) (2008) es una película dirigida por Stephen Daldry -candidato al Oscar en 2003 por Las horas- y protagonizada por Kate Winslet, Ralph Fiennes y David Kross. Estrenada en 2008, la película es una adaptación de David Hare de la novela homónima de Bernhard Schlink. Fue la última película producida por Anthony Minghella y Sydney Pollack, que fallecieron antes de que se estrenara. Por este trabajo Kate Winslet obtuvo el Oscar a la mejor actriz.
 
 

Por Jon Hernández

James Brown: El padrino del Soul



Y es que si algo tenía James Brown, ademas de ritmo y talento, eran apodos, asi además de "The Godfather of Soul" (El padrino del Soul) por el que es mayoritariamante conocido, tambien lo era por: "Soul Brother Number One", "Mr. Dynamite", "The Hardest-Working Man in Show Business", "Minister of The New Super-Heavy Funk" o "Universal James"

Por si no fueran pocos los apodos y los títulos, en 2003, el Secretario de Estado estadounidense Colin Powell, harto ya de aburridas sesiones contactó publicamente con James Brown para que presidiera una cena en la que se otorgaba unos premios a unos artistas y le dijo informalmente: "James, podría darte trabajo. Podrías servir en esas conferencias diplomáticas a las que tengo que ir, donde uno está sentado todo el día en reuniones interminables. Podrías animar las cosas al final del día, cuando estamos desesperados por conseguir un acuerdo en lo que sea. Abuelo, te nombro Secretario del Soul y Canciller del Funk". Sin duda, este hombre era capaz de animar un velatorio.

Con el nombre de James Joseph Brown, vino al mundo este talentoso músico un 5 de mayo de 1933 en una granja en Barnwell, Carolina del Sur, en el seno de una familia pobre de un barrio marginal. Esto le obligó a desempeñar desde la adolescencia (15 años) todo tipo de trabajos. Abandonado por su madre, Brown creció con su padre, un trabajador itinerante, hasta que terminó en Augusta (Georgia), donde una tía regentaba una fonda que también funcionaba como timba y prostíbulo. Sin apenas educación, el niño Brown procuró ganarse la vida limpiando zapatos, recogiendo algodón y robando piezas de coches. Antes de cumplir los veinte años ya había sido detenido por robo a mano armada y fue condenado por ello a cumplir entre 8 y 16 años de cárcel (según él, todavía era un menor, pero le encerraron y le juzgaron cuando llegó a la edad penal). Fue un buen preso y, tras tres años y un día, fue puesto en libertad y estuvo más de tres años en un reformatorio. Fue entonces cuando le acogió la familia de Bobby Byrd, el cantante que le lanzó al estrellato. Compartieron escenarios en el grupo The Flamous Flames.
 


En 1953 ingresó en el grupo de gospel The Starlighters. Con él en el grupo fueron transformándose desde el gospel al R&B. Tiempo después el nombre del grupo pasó a ser The Famous Flames. En 1955 publicaron el single "Please, Please, Please". En 1958 se lanza el primer número uno de James Brown, "Try me" y en 1966 "It's a Man's, Man's, Man's World". El 24 de octubre de 1962 ofrecieron un concierto el teatro Apollo de Nueva York como nombre "Live at The Apollo" en el que participó el baterista Clayton Fillyau, quien adelantó en temas como "I've Got Money" los contrarritmos percusivos (influenciado del estilo de los bateristas del R&B de Nueva Orleans) que serían marca distintiva de Brown.

A partir de ese momento, los éxitos comenzaron a acumularse en su carrera, con títulos como "I´ll Go Crazy", "Think" (un tema ideal para bailar 'Monkey' y 'Shake'), "Shout and Shimmy" y "Prisioner of Love". Ya consolidado como una de las más brillantes y explosivas estrellas del Soul, no fue sino hasta 1965 cuando con "Papa´s Got A Brand New Bag" hace algo realmente original. La resaltación del ritmo sobre la melodía, una musculosa línea de bajo de Bernard Odum, compases en síncopa y el rasgueo de guitarra de Jimmy Nolan (ex guitarra del grande blanco del R&B de los 40s y 50s, Johnny Otis) haciendo de puente se hicieron notar en esta composición y también en "Cold Sweat" de 1967; dando a conocer masivamente el concepto del funk, ya premonizado por los trabajos sincopados de bateristas oriundos de Nueva Orleans tales como Cornelius 'Tenoo' Coleman (para Fats Domino), Earl Palmer (que tocó para uno de sus ídolos y máximas influencias, Little Richard y Joseph 'Smokey' Johnson quien tocó en el más claro antecedente funky pre-Brown, el tema "Trick Bag" de 1961.
 
El Funk fue una verdadera bocanada de aire fresco frente a la dulzona música para gente de color de entonces (doo wop y el estilo Motown), y además de un rescate de la herencia de la acidez urbana del Jazz y la poliritmia de los ritmos afrocubanos como la rumba y el mambo.
 


De hecho como dice el músico de James Brown, Pee Wee Ellis en el documental "Soul Deep", la línea de vientos de Cold Sweat "fue basado en una línea de un tema de Cool Jazz llamado 'So What?' de Miles Davis". Pero de mayor relevancia, fue el efecto energizante tras el Movimiento Por Los Derechos Civiles; como muy bien lo representó su hit de 1968 "Say It Loud I´m Black & Proud", todo un desahogo de puro orgullo negro que, no obstante, le valió su censura de muchas estaciones radiales racistas. Tras separarse del grupo con el que se dio a conocer, The Flamous Flames, por razones monetarias y de convivencia; James Brown comenzó en 1969 a actuar con una banda más joven originalmente llamada The Pacemakers y que para él de ahí en adelante los rebautizaría como The JB´S, con quienes ahondó más en las exploraciones rítmicas y sonoras, poniendo aún más acento en el primero de 4 compases (la fórmula funky por excelencia denominada The One) con la ayuda de los músicos Phelps y William Bootsy Collins, el trombonista Fred Wesley, el saxofonista Maceo Parker y su hermano en la batería Mel Parker. Bootsy, Fred y Maceo se unieron posteriormente a la cofradía espacial de George Clinton conocida como P-Funk. Con esta nueva alineación siguió consiguiendo nuevos éxitos: "Sex Machine" que fue nº1 R&B en 1970, "The Payback" álbum de multiplatino en 1974, "My Thang", "Gravity", "Papa don't take no mess", "Body Heat" entre otros.

En sus escarceos con el cine, participó en 1980 en la película "The Blues Brothers", junto a John Belushi y Dan Aykroyd, trabajando después en 1998 en la secuela del film "Blues Brothers 2000". En ambas, representó a un reverendo. En 1986 graba "Living in America", el tema compuesto para la película "Rocky IV".

En 1988 fue arrestado por exceso de velocidad y por consumo de drogas, período que fue aprovechado por productores de Hip Hop para samplear trozos de su música. Fue condenado a seis años de prisión, aunque salió de la cárcel en 1991. En 1996 falleció su esposa durante una operación de cirugía estética y en 1998 fue arrestado de nuevo por tenencia de armas y consumo de drogas, a los pocos días de haber salido de una clínica de desintoxicación.

En noviembre de 2006, Brown se presentó durante una ceremonia en Alexandra Palace, en Londres, en donde fue reconocido con su entrada al Salón de la Fama del Reino Unido, 20 años después de haber recibido un homenaje similar en Estados Unidos.

El domingo 24 de diciembre de 2006, Brown, el autoproclamado "hombre más trabajador del mundo del espectáculo", es internado en el Emory Crawford Long Hospital a causa de una neumonía que lo aquejaba. A pesar de los intentos de los médicos, el corazón del "padrino del soul" dejó de latir en la madrugada de Navidad de 2006 a la 1.45 AM, a la edad de 73 años. Su amigo y compañero Charles Bobbit se encontraba con él en el momento de su fallecimiento.
 


James Brown consiguió llevar sus modos de iglesia inspirados en el gospel al rhythm and blues, que en los años sesenta, ya con conciencia racial, se transformó en lo que se denominaría posteriormente como soul e inundó el planeta. Desarrolló el ritmo concentrado en estado puro que se bautizó como funk y que mantendría su gancho hasta el presente. En los setenta, el funk tuvo como hijo a la comercial música disco , el afrobeat de gente como Fela Kuti, y sirvió de base para la fundación del hip-hop: miles de temas de rap parten de grabaciones de Brown como "Funky Drummer", "Give it up or turn it loose" o "Think" de su protegida Lyn Collins. Incluso muchos pasos de breakdance provienen directa o indirectamente de los frenéticos movimientos de baile (" The Boogaloo", "get down", "slide", "robot") a los que instaba seguir en temas como "Get On The Good Foot" de 1972.

Por llamarlo de alguna manera, el funk es una creación colectiva: todos los instrumentos se concentran en generar un cierto ritmo, a expensas de la melodía. James Brown tuvo la genialidad de implicar a instrumentistas imaginativos, muchos de los cuales siguieron productivas carreras en solitario: Alfred Pee Wee Ellis, Maceo Parker, Fred Wesley, William Bootsy Collins. Pero sin la visión de un genio como James Brown, es posible que no hubieran pasado de nombres para coleccionistas.

El rey del soul buscaba el momento adecuado para grabar: muchos de sus más grandes clásicos se hicieron en la carretera, entre actuación y actuación. No podía ser de otra manera. Brown se había ganado a pulso el título de "el trabajador más duro del mundo del espectáculo" debido a la intensidad de sus actuaciones y el número de conciertos: más de 300 en sus buenos años. Le gustaba alardear de la afilada precisión de sus bandas, sometidas a disciplina férrea, rayando lo militar: multas por retrasos, descuidos indumentarios, fallos musicales; y si el culpable se resistía, podía llegar a ponerse violento.

James Brown fue declarado culpable de maltrato a su esposa en el año 2004, cuando tras una discusión la arrojó al suelo y amenazó con matarla. Tras pagar una sanción de 1.087 dólares fue puesto en libertad. Brown, fallecido el día 25 de diciembre de 2006 de un infarto al corazón en Atlanta, mantenía actualmente, según su esposa, una relación conyugal feliz con ella.

Cuando Brown murió mucha gente se echó a la calle para guiar su ataúd hasta el Teatro Apollo. Cuando murió, Tomi se encontraba siguiendo un tratamiento de rehabilitación: "Lo último que me dijo era que me amaba a mi y al bebé, nos veremos pronto", fueron las últimas palabras de James, según ha manifestado su viuda al Chronicle de Augusta. La negativa del abogado y el contable a permitir entrar en su casa a Tomi ha sido interpretada por ella como una agresión “Éste es mi hogar. No tengo ningún dinero. No tengo donde ir.”

Brown consiguió alcanzar una posición hegemónica durante la segunta mitad del siglo XX, el cual quedó marcado por la emergencia de la música afroamericana. Miles Davis tuvo más respeto pero nunca logró su impacto comercial. Su influencia en la música ha sido tal que músicos como Mick Jagger,The Who, Serge Gainsbourg, David Bowie, Prince, y Michael Jackson le han reconocido como un gran inspirador en sus carreras. Una vez dijo: "Lo que me conviene es desaparecer, llamando la atención lo menos posible.
 
Y ahora es el momento de escucharle:

La calidad no es la mejor pero se ve ese baile tan particular de James Brown. "I feel good"
 
 
"Sexmachine"

"It`s a mans world"


Y hasta nos enseña a bailar

Creía que mi padre era Dios - Paul Auster

 
CREÍA QUE MI PADRE ERA DIOS (Relatos recopilados por Paul Auster)

Danny Kowalski.

En 1952 mi padre dejó su empleo en la Ford para trasladarnos a Idaho y abrir allí su propia empresa. Sin embargo, contrajo la polio y tuvo que estar seis meses en un pulmón de acero. Después de otros tres años de tratamiento médico, nos mudamos a la ciudad de Nueva York, donde mi padre consiguió, por fin, un trabajo como vendedor en la compañía automovilística inglesa Jaguar.

Una de las ventajas del nuevo trabajo era que le daban un coche. Era un Jaguar Mark ix en dos tonalidades de gris, el último de los modelos redondeados y elegantes. Era uno de esos coches que parecían salidos del garaje de una estrella de cine.

Yo estaba matriculado en el San Juan Evangelista, un colegio religioso del East Side, que tenía un patio de recreo asfaltado y estaba separado de la calle por una alta valla metálica.

Todas las mañanas, antes de ir a trabajar, mi padre me llevaba al colegio en su Jaguar. Hijo de un herrero de Parson, Kansas, estaba orgulloso de su coche y creía que yo estaría igualmente orgulloso de que me llevase en él al colegio. A él le encantaba aquel tapizado de piel auténtica y las mesitas de nogal empotradas en los respaldos de los asientos delanteros, sobre las que podía acabar de hacer mis deberes.

Pero a mí el coche me daba vergüenza. Después de tantos años de enfermedad y de deudas, era muy probable que no tuviésemos más dinero que cualquiera de los otros niños de la clase trabajadora de origen irlandés, italiano o polaco que iban al colegio. Pero teníamos un Jaguar, y, por lo tanto, bien podríamos haber sido de la familia Rockefeller.

El coche me distanciaba de los otros chicos, y especialmente de Danny Kowalski. Danny era lo que, en aquella época, llamaban un delincuente juvenil. Era delgado y tenía un pelo rubio y abundante que se peinaba con gomina y fijador formando un tupé como un tsunami. Llevaba unas botas puntiagudas y relucientes, que solíamos llamar "trepadoras puertorriqueñas de alambradas", el cuello de la chaqueta siempre levantado y el labio superior curvado en una estudiada mueca de desprecio. Se rumoreaba que tenía una navaja automática, quizá incluso una pistola de fabricación casera.

Todas las mañanas Danny Kowalski me esperaba en el mismo lugar junto a la alambrada del colegio y me miraba bajar de mi Jaguar gris de dos tonalidades y entrar en el patio del colegio. Nunca dijo una sola palabra, sólo me observaba fijamente con una mirada despiadada y furiosa. Yo sabía que él odiaba aquel coche y que me odiaba a mí y que algún día me iba a dar una paliza por ello.

Dos meses después murió mi padre. Por supuesto que nos quedamos sin el coche y enseguida tuve que mudarme a vivir con mi abuela a Nueva Jersey. La señora Ritchfield, una anciana vecina nuestra, se ofreció a acompañarme al colegio el día siguiente al funeral.

Aquella mañana, cuando nos acercábamos al colegio, vi a Danny junto a la valla metálica, en el mismo sitio de siempre, con el cuello de la chaqueta levantado, el pelo perfectamente peinado y las botas bien afiladas. Pero esa vez, al pasar a su lado en compañía de aquella frágil viejecita y sin ningún coche elitista inglés a la vista, sentí como si el muro que nos separaba se desplomase. Ahora era más parecido a Danny, más parecido a sus amigos. Por fin éramos iguales.

Aliviado, entré en el patio del colegio. Y ésa fue la mañana en la que Danny Kowalski me dio una paliza.

Charlie Peters Santa Mónica, California

(Este proyecto de Paul Auster, editado por Anagrama, consiste en una antología de cuentos reales, enviados por su público radiofónico bajo la premisa de que no hay mejor fabulador que la realidad)
Imagen: Ronald Bowen

Entrada de Celia VC
 

Charlie Parker y Coleman Hawkins juntos


En este interesante video que se presenta a continuación y que acompaño de una foto para tenerlo siempre localizable, podemos ver dos formas muy diferentes de entender el saxofón y el mismo jazz en sí y que sin embargo coexisten en esta pieza en una sugerente armonía. Un estilo baladista el de Coleman Hawkins (a la izquierda en la foto de arriba) con sus notas alargadas y aterciopeladas frente al saxofón más agresivo y punzante de Charlie Parker (a la derecha), que si bien en este video se muestra un tanto mesurado para no desentonar del todo con el bueno de Hawkins, siempre parecía luchar por tocar dos notas a la vez, tal y como se nos contaba en aquella esplendorosa película de "Bird" que Clint Eastwood le dedicó a Parker. Esa idea de velocidad nos la transmite en toda su pureza en la segunda parte del video que acompaña esta foto en el que nos ofrece el frenesí característico de su be bop más genuino, con un soberbio Buddy Rich a la batería completando el cuadro Hank Jones al piano y Ray Brown al contrabajo.



Una Pizca de Cine, Música, Historia y Arte



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