Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

viernes, 30 de noviembre de 2012

Virginia Mayo




"Mi  sueño de niña había sido ser bailarina,pero acabé siendo actriz y tuve la suerte de trabajar con los mejores actores de nuestro tiempo".


 VIRGINIA MAYO (30 de noviembre de 1920 - 17 de enero de 2005)




Una de las grandes bellezas de los años 40 y 50, Virgina Clara Jones nació el 30 de noviembre de 1920 en St. Louis, Missouri (Estados Unidos), en el seno de una familia bien conocida en la ciudad y de posición bastante acomodada.

Desde pequeña comenzó a estudiar baile y canto, artes que le sirvieron para introducirse en el espectáculo musical de su localidad natal.

Tras ser descubierta por productores importantes como David O. Selznick, fue Sam Goldwyn el que terminó haciéndose con sus servicios.

Virginia debutó en el cine con la película "Jack London" (1943), un título protagonizado por Susan Hayward y Michael O'Sea. Con este último actor se casó en 1947.

Unos años antes, en 1944, había coincidido por primera vez con su partenaire más habitual dentro del género cómico: Danny Kaye.

Con otro humorista popular, Bob Hope, colaboró en "La Princesa y El Pirata" (1944) y en un breve papel como "Goldwyn Girl" con Kaye en "Rumbo a Oriente" (1944).
  
Con posterioridad obtuvo más relevancia al lado de Danny, colaborando con el rubio actor en cuatro ocasiones más: "Un Hombre Fenómeno" (1945), "El Asombro De Brooklyn" (1946) -que era un remake de una película de Harold Lloyd-, "La Vida Secreta De Walter Mitty" (1947) y "Nace Una Canción" (1948), remake en clave musical que Howard Hawks, director de la película, había realizado de su comedia "Bola De Fuego".

También en los años 40 participó en "Los Mejores Años De Nuestra Vida" (1946) de William Wyler, o en el western "Juntos Hasta La Muerte" (1949) de Raoul Walsh, director con el que repitió en la magistral cinta de gángsters "Al Rojo Vivo" (1949), protagonizada por un inconmensurable James Cagney.

En los años 50 continuó su regularidad en Hollywood, apuntalando su sensual imagen en la que ni su leve estrabismo (todo lo contrario) logró aminorar su atractivo para sus seguidores masculinos.

Los títulos más recomendables de Virginia en este decenio (muchos de ellos de aventuras y del Oeste) son "El Halcón y La Flecha" (1950) acompañada de Burt Lancaster, "Camino De La Horca" (1951) con Kirk Douglas, "El Hidalgo De Los Mares" (1951) con Gregory Peck, "La Novia De Acero" (1952) con Alan Ladd, "El Talismán" (1954) con Rex Harrison, "Una Pistola Al Amanecer" (1956) con Robert Stack y "Westbound" (1959) con Randolph Scott, trabajando con directores de prestigio como Raoul Walsh, Jacques Tourneur o Budd Boetticher.

En la década de los 50 filmó junto a Dale Robertson un western en 3D titulado "Noche Salvaje" (1953).

A partir de los años 60, la actriz de Missouri fue apartándose del cine, apareciendo en pocos papeles y en películas menores de serie B.

Su vida marital fue feliz a lado de O'Shea hasta el fallecimiento de este último en el año 1973. Tuvieron una hija a la que llamaron Mary Catherine.

El 17 de enero del año 2005 Virginia Mayo murió a la edad de 84 años.(Fuente:alohacriticon.com)



‘EL HALCON Y LA FLECHA’ (‘The Flame and the Arrow’, Jacques Tourneur, 1950) es una de las películas de aventuras más imitadas de todos los tiempos, y eso que en sí misma representa la cristalización de las corrientes aventureras más importantes de los años treinta y cuarenta, para regresar a un cine casi arcaico, con sabor a algo imperecedero de la memoria, pero que asombrosamente parece un cine renovador incluso hoy día, pues del vértigo y la tensión vivísimas de esta película aún aprenden algunos buenos directores que saben que lo sencillo y lo humano no tiene nada que ver con lo simple y lo ingenuo. Y mucho menos en el cine de aventuras, considerado demasiado a menudo como un género menor, cuando en realidad es el género de géneros (que abarca desde el western hasta el bélico, desde el terror hasta el histórico), y que propone, cuando merece la pena, una vida paralela a la nuestra con la que poder expresar nuestros más profundos anhelos.

En este caso, el de la búsqueda de la libertad, pues pocas películas hay que logren expresar esa emoción con tanta nitidez como ésta. Y lo hace articulando unos caracteres de vitalidad pura, y una puesta en escena de una sensualidad que, cuando la vi por primera vez a los ocho o nueve años me pareció enorme, y ahora, un par de décadas más tarde, creo que permanece intacta. Los grandes directores son directores sensuales, creo, y Tourneur lo era, apreciando siempre la fogosidad y el temperamento de los cuerpos, llevando a sus actores al paroxismo físico en sus más sublimes películas, exacerbando sus posturas, sus gestos, como estatuas dinámicas. Y esto se aplica en modo superlativo, por supuesto, a Burt Lancaster, pero también a su compinche Nick Cravat, a Virginia Mayo, a Robert Douglas, a Frank Allenby. Para ser un proyecto de encargo, como tantas veces dijo el cineasta, nos encontramos ante un cine de inusitada fuerza expresiva, majestuosa precisión, potenciando lo lúdico como forma de arte supremo.
(Fuente:blogdecine.com/)

Ernst Lubitsch




"Por lo menos dos veces al día, el más digno ser humano es ridículo"
ERNST LUBITSCH (Berlín, 28 enero 1892 – Hollywood, 30 noviembre 1947)





Ernst Lubitsch fue uno de los mayores estilistas del cine americano. El secreto de su arte radica en el célebre “toque Lubitsch”; es decir, la manera juguetona, irónica e inimitable con que satiriza las debilidades de la sociedad, especialmente el sexo, en la larga serie de comedias frívolas “europeas” y de musicales que rodó en Hollywood.
“El “toque Lubitsch” es lo más difícil de definir del mundoes como preguntarme -señalaba Billy Wilder en 1979- qué hizo que Greta Garbo fuese Greta Garbo o Marilyn Monroe fuese Marilyn Monroe. No fueron sus estudios, ni tampoco los años pasados por ejemplo en la Academia de Teatro Sueco, sino, por así decirlo, el llamado factor X, algo especial e indefinible, que no se puede fabricar en serie “.
El “toque Lubitsch” consistía simplemente en una manera muy concreta de elegancia mental; en la forma original que tenía de abordar una escena, un momento o un giro del diálogo. Creo que su secreto consistía en que hacía participar al público, proporcionándole ciertas claves y afinadas sugerencias que le convertían en cómplice suyoDicho en otras palabras, no decía nunca que dos y dos son cuatro, sino que se limitaba a formular uno más tres y dejaba que el público sumase por sí mismo, lo que le proporcionaba un gran placer.
“Después de su funeral, William Wyler y yo (Billy Wilder) nos alejábamos a pie y yo comenté: “!Dios mío, Lubitsch se ha ido!”, y Wyler me contestó: “Lo peor de todo no es que se haya ido Lubitsch, sino que ya no veremos más películas suyas”. Era como si hubiese desaparecido un arte entero del que se llevó el secreto a la tumbaY todos nosotros, los directores que lo reverenciábamos, pensábamos cuando se nos planteaba algún problema en una película: “¿Cómo lo habría resuelto Lubitsch?”.

Ernst Lubitsch es mucho más que la frialdad cuadriculada de Ninotchka (1939), o la carcajada fácil de la guerra de los sexos en Lo que piensan las mujeres (1941). Es una vida dedicada al cine, no exenta de polémica, éxito y genialidad.
Nacido en el Berlín de 1892, Ernst Lubitsch se crió en un barrio judío; mostró pronto su interés por la interpretación y el cabaret. Su primer gran éxito a escala internacional llegará de la mano de Madame du Barry (1919), película de la que, en un primer momento, se intentará ocultar su origen alemán en EE.UU. Fue precisamente este país, que posteriormente sería su patria, al que realizará un primer viaje poco fructífero teniendo que esperar a ser invitado por la productora Mary Pickford, la novia de Ámérica, a realizar su próxima obra. A pesar del fracaso comercial que constituye Rosita, la cantante callejera (1923) firma un contrato con la Warner Bros., por entonces una compañía menor.
En Alemania dejó infinidad de películas con su esencia, con lo que llamarían “el toque Lubitsch”, descubrió, entre otras, a la actriz polaca Pola Negri y mostró su imagen al mundo, pelo engominado, traje diplomático y su inseparable puro en la boca.
Es a partir de la entrada del sonoro cuando Ernst Lubitsch va a destapar toda esa magia dialogada que nos tenía reservada. Comienzan a ser frecuentes en sus obras la audacia del guión, las grandes interpretaciones y esa adorable ironía europea puesta al servicio de la meca del cine. Comenzó la década de 1930 con Galas de la Paramount, continuó con El Teniente seductor (1931), para culminar con el último de sus dramas, Remordimiento (1932), que supuso un fracaso comercial. Pero si hubiera que destacar un año en la vida personal de Lubitsch, ese sería 1935, no sólo por la pérdida de la nacionalidad alemana con el ascenso de los nazis al poder, sino también por los altercados acaecidos entre él y Josef von Sterberg. En el terreno profesional es nombrado director de producciones de la Paramount, cargo en el que no durará más de un año, volviendo de nuevo a su terreno: a la dirección.
Una vez acreditado como ciudadano americano, llegan sus grandes películas o al menos las más aclamadas. Tras el fracaso de crítica obtenido por el binomio Lubitsch-Dietrich en Ángel (1937) estrena La octava mujer de Barba Azul (1938) rescindiendo poco después su contrato con la Paramount y dando paso a la efímera “Ernst Lubitsch Productions”.

Bajo el sello de la MGM cosechó gran éxito con Ninotchka (1939); el eslogan publicitario decía “Garbo ríe”, revalidando las buenas críticas con El bazar de las sorpresas (1940). Después realiza el remake de Kiss me again, Lo que piensan las mujeres (1941), que a pesar de constituir un fracaso comercial no le impide firmar un contrato con 20th Century-Fox.


Llega el momento de Ser o no ser (1942), donde todo la inteligencia de Lubitsch se pone al servicio de la crítica al nazismo. La controversia siempre rodeó esta cinta de producción independiente que fue estrenada tras la muerte de la actriz principal, una inmejorable Carole Lombard. Tras El diablo dijo no (1943), Ernst Lubitsch sufre su primer ataque cardiaco, posteriormente produce y realiza con Otto Preminger La zarina (1945) y produce El castillo de Dragonwyck (1946, Joseph Leo Mankiewicz; ese mismo año verá la luz la última película enteramente dirigida por Ernst Lubitsch, El pecado de Cluny Brown (1947). Recibió un Oscar especial el mismo año de su muerte por “veinticinco años de contribución al arte cinematográfico”.

El día 30 de noviembre de 1947 Ernst Lubitsch muere de un paro cardiaco, producido -según dicen- estando acompañado en el dormitorio.(Fuente:http://www.claqueta.es/directores/ernst-lubitsch-2.html )
 
 

 

SER O NO SER (título original: To be or not to be) es una película cómica de Ernst Lubitsch, estrenada en 1942. El guion (escrito por Lubitsch y Edwin Justus Mayer) adapta un relato de Menyhért Lengyel. En la película actuaron Carole Lombard, Jack Benny, Robert Stack, Felix Bressart, Lionel Atwill, Stanley Ridges y Sig Ruman.

El título hace referencia al monólogo de la tragedia Hamlet de William Shakespeare. La película se estrenó dos meses después de que su protagonista Carole Lombard muriera en un accidente de aviación.
 Argumento:
En la Polonia ocupada por los alemanes durante la Segunda Guerra Mundial, un grupo de actores de teatro de recursos limitados realizan interpretaciones en las que ridiculizan a los nazis. Un espía les comunica una información, que de ser conocida por los nazis, resultaría muy perjudicial para Polonia. En vista de ello, el grupo decide movilizarse para evitar que esa información caiga en manos de los alemanes.



Fragmento de "Por quién doblan las campanas" - Ernest Hemingway

Ernest Hemingway junto a tropas republicanas en el Frente de Aragón - Imagen de Robert Capa

“—Creo que es así —asintió Anselmo—. Lo ha dicho usted de una forma tan clara, que creo que tiene que ser así. Pero, con Dios o sin Dios, creo que matar es un pecado. Quitar la vida a alguien es un pecado muy grave, a mi parecer. Lo haré, si es necesario, pero no soy de la clase de Pablo.
 
—Para ganar la guerra tenemos que matar a nuestros enemigos. Ha sido siempre así.

—Ya. En la guerra tenemos que matar. Pero yo tengo ideas muy raras —dijo Anselmo.

Iban ahora el uno junto al otro, entre las sombras, y el viejo hablaba en voz baja, volviendo algunas veces la cabeza hacia Jordan, según trepaba.

—No quisiera matar ni a un obispo. No quisiera matar a un propietario, por grande que fuese. Me gustaría ponerlos a trabajar, día tras día, como hemos trabajado nosotros en el campo, como hemos trabajado nosotros en las montañas, haciendo leña, todo el resto de la vida. Así sabrían lo que es bueno. Les haría que durmieran donde hemos dormido nosotros, que comieran lo que hemos comido nosotros. Pero, sobre todo, haría que trabajasen. Así aprenderían.
—Y vivirían para volver a esclavizarte.

—Matar no sirve para nada —insistió Anselmo—. No puedes acabar con ellos, porque su simiente vuelve a crecer con más vigor. Tampoco sirve para nada meterlos en la cárcel. Sólo sirve para crear más odios. Es mejor enseñarlos.

—Pero tú has matado.

—Sí —dijo Anselmo—: he matado varias veces y volveré a hacerlo. Pero no por gusto, y siempre me parecerá un pecado.”

"Por quién doblan las campanas", en inglés "For Whom the Bell Tolls", es una novela publicada en 1940, cuyo autor, Ernest Hemingway, participó en la Guerra Civil Española como corresponsal, pudiendo ver los acontecimientos que se sucedieron durante la contienda. El título procede de la "Meditación XVII" de "Devotions Upon Emergent Occasions" (1624), obra perteneciente al poeta inglés John Donne (1572- 1631):

"Nadie es una isla, completo en sí mismo; cada hombre es un pedazo de continente, una parte de la tierra.; si el mar se lleva una porción de tierra, toda Europa queda disminuida, como si fuera un promontorio, o la casa de uno de tus amigos, o la tuya propia. La muerte de cualquier hombre me disminuye porque estoy ligado a la humanidad; por consiguiente nunca hagas preguntar por quien doblan las campanas: doblan por ti"

La trama se desarrolla en España durante la Guerra Civil Española, y se articula en torno a la historia de Robert Jordan, un profesor de español oriundo de Montana, que lucha como especialista en explosivos en el lado republicano. El general Golz le encarga la destrucción de un puente, vital para evitar la contraofensiva del bando Nacional durante la batalla de Segovia.

Jordan llega a la zona, situada detrás de las líneas enemigas, guiado por un viejo, Anselmo. Allí, se encuentra con que el jefe de la banda que debe ayudarle a volar el puente, Pablo, es un borracho acobardado. Pero también conoce a María, una muchacha joven de la que enseguida se enamora, y a Pilar, la mujer de Pablo. Pilar es una mujer ruda y fea, pero valiente y de una gran voluntad; tiene una gran lealtad a la República y ayuda mucho a Jordan tanto en la misión del puente como en lo personal con María.

Durante los días precedentes al momento acordado del ataque, Jordan descubre el amor y la importancia de la vida. Pero Jordan también entiende que seguramente morirá y no podrá ir a Madrid con María, como él querría.

En el sentido recóndito e interno, Por quién doblan las campanas, es una insinuación de la multiplicidad del ser que se hace desde el título del libro, si se quiere desde el mismo enunciado. El hombre hace parte de un "ser colectivo" constituido por todos los hombres; inexorablemente cuando algo de la existencia desaparece es una parte que se desmorona del "ser único" que conforma la humanidad (la unión de todos los seres), que emana la existencia como una rúbrica social. De ahí las palabras de John Donne: "La muerte de cualquier hombre me disminuye porque estoy ligado a la humanidad [...]por quién doblan las campanas: doblan por ti"

En 1943 "Por quién doblan las campanas" fue llevada al cine y su dirección corrió a cargo de Sam Wood. Fue protagonizada por Gary Cooper e Ingrid Bergman y tuvo nueve nominaciones a los Premios Óscar, incluida Mejor Película, obteniendo el de Mejor Actriz Secundaria en manos de Katina Paxinou.
 

jueves, 29 de noviembre de 2012

Cary Grant



"Cuando la gente te dice lo joven que pareces, te están diciendo lo viejo que eres".

CARY GRANT (18 de enero de 1904 – 29 de noviembre de 1986)





Uno de los mejores intérpretes de la historia del cine y paradigma del estrellato fílmico en la época dorada de Hollywood.

Cary Grant se convirtió en uno de los actores favoritos del público por su capacidad de empatía, cautivadora presencia y versátil talento interpretativo en comedias, dramas, películas de intriga, suspense o aventuras, seduciendo a grandes directores como Alfred Hitchcock, Howard Hawks o Stanley Donen.

De nombre real Archibal Alexander Leach, Cary nació en la ciudad de Bristol (Inglaterra) el 18 de enero de 1904, en el seno de una familia muy humilde,en la que sufrió penurias económicas, aspecto que condicionó su posterior tacañería. Sus padres eran Elsie Marie Kingdon y Elias Leach.

En 1913 su madre fue internada en un psiquiátrico, hecho que afectó seriamente a su estabilidad emocional.

Para aplacar su pena el joven Archie comenzó a frecuentar el mundo del music hall, abandonando el colegio a los 14 años para probar fortuna en el mundo del espectáculo.

En 1918 se unió a la troupe de Bob Pender, en la que demostró sus habilidades acrobáticas y bailarinas que posteriormente rememoraría en algunas secuencias de sus títulos cinematográficos.

Cuando el grupo de Pender llegó en 1920 a los Estados Unidos, Archie decidió permanecer en el continente americano e intentar debutar en el teatro de Broadway. Para conseguir su objetivo tuvo previamente que trabajar en variados oficios, entre ellos el de hombre anuncio.
  

Sus apariciones en las comedias musicales "Golden Dawn" o "Nikki", llevaron a Leach a Hollywood gracias a firmar un contrato con los estudios Paramount en 1932. La productora le sugirió que se cambiara de nombre. Archie adoptó entonces el apelativo artístico de Cary Grant.
En la gran pantalla debutó con la película de Frank Tuttle "Esta es la noche" (1932), el comienzo de una serie de títulos con Cary en papeles secundarios, entre ellos "La venus rubia" (1932), film de Josef Von Sternberg que protagonizaba Marlene Dietrich.

La persona encargada de impulsar la carrera de Cary Grant fue Mae West, quien exigió su participación en películas como "Lady Lou" (1933) de Lowell Sherman o "No soy ningún ángel" (1933), un título que dirigió Wesley Ruggles.

En el mismo momento que abandonó la Paramount, Cary representaría su primer gran papel que modularía gran parte de sus características interpretativas posteriores. La película era "La gran aventura de Silvia" (1935), un delicioso film de George Cukor co-protagonizado por Katharine Hepburn.

La intervención magistral de Grant (que interpretaba un personaje importante pero secundario) no pasó desapercibida y su rostro volvió a aparecer en películas de éxito, como "Ídolo de Nueva York" (1937), un film de Rowland V. Lee con Edward Arnold de protagonista, o "Una pareja invisible" (1937), una comedia de corte fantástico dirigida por Norman Z. McLeod y co-protagonizada por Constance Bennett.

Ese mismo año interpretó junto a Irene Dunne "La pícara puritana" (1937), una gran comedia de Leo McCarey que ganó el Oscar a la mejor película.
Con el estrellato conseguido, los últimos años de la década de los 30 le depararon espléndidos trabajos, como "La fiera de mi niña" (1939) de Howard Hawks, "Vivir para gozar" (1939) de Cukor, "Gunga Din" (1939) de George Stevens, "Sólo los ángeles tienen alas" (1939) de Hawks o "Dos mujeres y un amor", comedia romántica dirigida por John Cromwell y co-protagonizada por Carole Lombard y Kay Francis.

Los años 40 y 50 lo confirmarían como uno de los actores más importantes de todos los tiempos. "Luna nueva" (1940) de Howard Hawks, "Mi esposa favorita" (1940) de Garson Kanin, "Historias de Filadelfia" (1940) o "Serenata nostálgica" (1941) de George Stevens fueron algunos de sus mejores títulos en el comienzo del nuevo decenio.
  

El sueldo que había cobrado por "Historias de Filadelfia", película en la que aparecían James Stewart y Katharine Hepburn, fue donado íntegramente al ejército británico en combate en la Segunda Guerra Mundial.
Por su interpretación en "Serenata nostálgica" sería nominado por primera vez al premio Oscar. La estatuilla se la llevaría Gary Cooper por "El sargento York". En 1941 se produjo su primera colaboración con Alfred Hitchcock, un trabajo perjudicado por un final feliz impuesto por la productora, "Sospecha" (1941) con Joan Fontaine.
Por el drama de Clifford Odets "Un corazón en peligro" (1944), Cary Grant volvió a ser nominado al Oscar, pero de nuevo no se alzó con el galardón, recayendo éste en Bing Crosby por "Siguiendo mi camino". Aunque los premios se le resistían, el público se volcaba con sus películas, convirtiéndole en uno de los actores más taquillero del momento gracias a "Arsénico por compasión" (1944), una obra maestra del humor negro dirigida por Frank Capra, "Noche y Día" (1946), film en el que el actor de Bristol se convirtió en el compositor Cole Porter, o "Encadenados" (1946), inolvidable título de Hitchcock que mezclaba intriga y romanticismo con el co-protagonismo de Ingrid Bergman y Claude Rains.

Tres comedias infravaloradas y muy disfrutables como "El solterón y la menor" (1947), "La mujer del obispo" (1947) y "Los Blandings ya tienen casa" (1948), fueron el preludio de su participación en una serie de títulos que Cary co-protagonizó con su tercera esposa, la actriz Betsy Drake: "En busca de marido" (1948) de Don Hartman y "Hogar, dulce hogar" (1952) de Norman Taurog.

Al margen de su asociación con Betsy, Cary intervino en películas como "La novia era él" (1949) de Howard Hawks, "Crisis" (1950), film dirigido por un joven Richard Brooks o "Murmullos en la ciudad" (1951) un melodrama dirigido por Joseph L. Mankiewicz.

Una característica de Grant era que a pesar de su estatus estelar jamás puso reparos a trabajar y ayudar a jóvenes e inexpertos directores como era en ese momento el debutante Richard Brooks.
Con su gran amigo Howard Hawks protagonizaría su último trabajo juntos en la magnífica comedia "Me siento rejuvenecer" (1952), película en la que aparecían Ginger Rogers y Marilyn Monroe.

Su tercera colaboración con Hitchcock fue "Atrapa a un ladrón" (1955), estimable film co-protagonizado con Grace Kelly.

Después de intervenir en películas como "Orgullo y Pasión" (1957), rodaje en el que se enamoró perdidamente de Sophia Loren y "Tú y yo" (1957) de Leo McCarey, Cary Grant creó Grandon, una productora que fundó en asociación con el director Stanley Donen. La primera película de la compañía fue "Bésalas por mí" (1957), una divertida comedia co-protagonizada por Jayne Mansfield.

Con Donen realizó "Indiscreta" (1958), "Página en blanco" (1960) y "Charada" (1963).
En su última etapa como actor la película más sobresaliente de su filmografía fue "Con la muerte en los talones" (1959), una obra maestra dirigida por Alfred Hitchcock.

Sus restantes títulos tampoco son nada desdeñables, entre ellos la comedia bélica "Operación Pacífico" (1959) de Blake Edwards u "Operación Whisky" (1964), película de Ralph Nelson en la que aparecía por primera vez en su carrera con una apariencia desaliñada.
  
Tras "Apartamento para tres" (1966), film dirigido por Charles Walters y co-protagonizado por Samantha Eggar, Cary tomó la decisión de abandonar definitivamente el cine. Tres años después la Academia le galardonaría con un Oscar honorífico por su extraordinaria carrera.
Además de su enlace con Betsy Drake, con quien estuvo entre 1949 y 1962, Cary Grant se había casado con la actriz Virginia Cherrill (1934-1935), la multimillonaria Barbara Hutton (1942-1945, la rubia actriz Dyan Cannon (1965-1968), con quien tuvo a su hija Jennifer en 1966 y Barbara Harris, con quien contrajo matrimonio el año 1981. Además de sus amoríos heterosexuales, a Cary Grant siempre le ha perseguido el rumor de su bisexualidad, negado rotundamente por el actor, especialmente a causa de su íntima relación con el actor Randolph Scott, con quien compartió vivienda en sus comienzos en Hollywood.
Cary falleció el 29 de noviembre de 1986 en Davenport, Iowa. Tenía 82 años. (Fuente:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article50.html )



CHARADA ('Charade' en su título original) es una película de 1963 de Peter Stone y Marc Behm, dirigida por Stanley Donen, y protagonizada por Cary Grant y Audrey Hepburn. También actúan Walter Matthau, James Coburn, George Kennedy, Dominique Minot, Ned Glass y Jacques Marin. Pertenece a los géneros thriller y comedia romántica.

La película es notable en varios aspectos: su guion, la actuación de Grant y Hepburn, su localización en París, la banda sonora y música de créditos de Henry Mancini y los títulos animados de Maurice Binder.



Párrafo de "La mujer justa" - Sándor Márai

"Tina Modotti" - Edward Weston

"Descubrí querida mía, que la persona justa no existe.
Un día desperté, me incorporé a la cama y sonreí. Ya no sentía dolor.
Y de golpe comprendí que la persona justa no existe. Ni en el cielo, ni en la tierra, ni en ningún otro lugar. Simplemente hay personas, y en cada una hay una pizca de la persona justa, pero ninguna tiene todo lo que esperamos y deseamos. Ninguna reúne todos los requisitos, no existe esa figura única, particular, maravillosa e insustituible que nos hará felices. Sólo hay personas. Y en cada una hay siempre un poco de todo, es a la vez escoria y un rayo de luz..."

Concha Velasco


"Yo me río del método Stanivslavski y reivindico la escuela y los profesores de arte dramático de la posguerra, que seguían a los de antes. Margarita Xirgu hubiera estado con esos." 


CONCHA VELASCO



"Yo me río del método Stanivslavski y reivindico la escuela y los profesores de arte dramático de la posguerra, que seguían a los de antes. Margarita Xirgu hubiera estado con esos." CONCHA VELASCO

Concepción Velasco Varona (nacida en Valladolid,el 29 de noviembre de 1939), es una actriz, cantante, bailarina y presentadora de televisión española. Muy conocida como Concha o Conchita Velasco. Estudió Danza Clásica y Española en Madrid y en el Conservatorio Nacional de los 10 a 20 años. Se estrena como bailarina en el Cuerpo de Baile de la Ópera de La Coruña y en la compañía de Manolo Caracol como bailaora flamenca. Posteriormente debuta como vicetiple en la de Celia Gámez. Es tía de la también actriz, Manuela Velasco y sobrina del pintor artístico Carmelo Varona García de Mardones. En el verano de 1975 inició una relación sentimental con el operador de cine Fernando Arribas, la cual finalizó a comienzos de 1976. Se casó con Paco Marsó, del que se divorció en julio de 2010, y que falleció en noviembre de ese mismo año.

Inicia su carrera en el cine a los quince años en La reina mora (1954), a la que siguen numerosos títulos también como actriz de reparto entre los que destacan La fierecilla domada (1956). Rueda luego como coprotagonista Muchachas en vacaciones (1957) y Las chicas de la Cruz Roja (1958), su consagración profesional, junto a Tony Leblanc, con el que rodaría seis películas. A esta época de actriz juvenil pertenecen éxitos como Los tramposos (1959), El día de los enamorados (1959), Julia y el celacanto (1959), Amor bajo cero (1960), La verbena de la paloma (1963)..., entre muchos otros, destacando Historias de la televisión (1965), donde, por exigencias del guion, Conchita interpreta en una escena de la película una canción compuesta por Augusto Algueró y el músico-letrista cartagenero Antonio Guijarro titulada La chica yé-yé. Conchita es bautizada para siempre con ese título. Se encuentra de improviso con un éxito como cantante, algo que reconoce no haber sido nunca, pero aún así graba ocho discos con Belter. Más adelante, hace grabaciones de sus espectáculos Mata Hari, Mamá, quiero ser artista, Carmen Carmen, La truhana... En 1990, hace una nueva versión de la popular Chica ye-ye, conmemorando los 25 años de su lanzamiento.

A finales de los 60, Conchita va realizando ya «papeles de esposa» en filmes con directores como Mariano Ozores, José Luis Sáenz de Heredia o Pedro Lazaga como Las que tienen que servir (1967), Cuatro noches de boda (1969), El taxi de los conflictos (1969), La decente (1970), Préstame quince días (1971), Venta por pisos (1971), Yo soy Fulana de Tal (1975), etcétera... y comienza una serie de colaboraciones con el popular cantante Manolo Escobar en títulos como Pero, ¿en qué país vivimos? (1967), Relaciones casi públicas (1968), Juicio de faldas (1969), En un lugar de la Manga (1970), Me debes un muerto (1971)... En todas ellas aparece junto a las principales figuras del cine español del momento, como Alfredo Landa, José Luis López Vázquez, Antonio Ozores, el mencionado Tony Leblanc..., y comparten el género de comedia ligera tan frecuente en el cine español de la época.

En la época de la Transición, realiza papeles de corte más serio en películas como Tormento (1974) Pim, pam, pum... fuego (1975) de Pedro Olea, Las largas vacaciones del 36 (1976), Esposa y amante (1977), La colmena (1982) de Mario Camus, Esquilache (1989) de Josefina Molina, por la que fue nominada al Goya a mejor actriz de reparto, y Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1992).

Sus últimas apariciones en cine han sido en Más allá del jardín (1996), nominada al Goya a la mejor actriz, París-Tombuctu (1999), cumpliendo su sueño de trabajar junto al director Luis García Berlanga, km. 0 (2001), El oro de Moscú (2002), Bienvenido a casa (2005), B & B (2006), Chuecatown (2007) y Enloquecidas (2008).

Junto al cine, su mayor prestigio profesional lo ha conseguido en el teatro. Debuta en la revista Ven y ven al Eslava (1959) y realiza varias comedias más durante los 60, como Los derechos de la mujer (1962), The boyfriend (1962) o Las que tienen que servir (1962). Le siguen títulos como Don Juan Tenorio (1964), El alma se serena (1969), Abelardo y Eloísa (1972) y Las cítaras colgadas de los árboles (1974),[1] entre otros. Es durante una representación de Don Juan Tenorio cuando conoce al productor teatral Francisco Martínez Socias (Paco Marsó), quien falleció el 5 de noviembre de 2010, con el compartiría varios años de noviazgo hasta que contraen matrimonio en 1976 y tienen un hijo, Paco y al que también Concha incorporó un hijo que tuvo de soltera, Manuel y que Paco crio como suyo, y él incorporó a su hija Diana Patricia, que tuvo igualmente de soltero. El matrimonio pasa por múltiples crisis a lo largo de su vida en común hasta que finalmente se rompe en 2005.

En 1977 estrenó en el teatro Las arrecogías del beaterio de Santa María Egipciaca,de José Martín Recuerda, junto a Pilar Bardem y María Luisa Ponte, en la que Concha interpreta el personaje de Mariana Pineda, en la que todos los personajes simbólicamente solicitaban la amnistía de la protagonista. Posteriormente, estrena Filomena Marturano (1979), de Eduardo de Filippo, Yo me bajo en la próxima, ¿y usted? (1981), Mata Hari (1983), ambas de Adolfo Marsillach y Buenas noches, madre junto a Mary Carrillo (1985).

En 1986 prepara el montaje de un gran musical: Mamá, quiero ser artista, todo un éxito que le reporta gran popularidad. Con Carmen, Carmen (1988) y La truhana (1992) también aparece en el teatro.

En los años noventa, Concha se convierte en el prototipo de mujer de mediana edad hastiada de su matrimonio que aún necesita sentirse viva, combatiendo con todas sus fuerzas en sus últimos días de esplendor. La rosa tatuada (1998),[3] adaptación de la obra de Tennessee Williams es un ejemplo de este tipo de papeles, además de otros en cine.

En 1999, su amigo, el escritor y poeta Antonio Gala, escribe para ella Las manzanas del viernes, con la que obtiene un magnífico éxito que le permite embarcarse en el ambicioso proyecto de versionar el famoso musical de Broadway Hello, Dolly! (2001), con el que recorre toda España con gran éxito en el mismo papel que realizara la mismísima Barbra Streisand.

Sus últimas obras de teatro han sido Inés desabrochada (2003), también de Antonio Gala, junto a los veteranos Nati Mistral y Paco Valladares y la nueva versión de Filomena Marturano (2006), ambas con gran acogida. Además desde abril de 2009 hasta mediados de [2011]] representó la obra de Josep María Pou, La vida por delante, todo un éxito con más de 270.000 espectadores a lo largo de los 2 años. Su siguiente proyecto teatral Concha, yo lo que quiero es bailar, dirigida también por el mismo director que La vida por delante, se estrenó en Valladolid en septiembre de 2011.

En 2012 intervino en el Festival de Mérida, junto a José María Pou y Maribel Verdú en la obra Hélade.

Concha debutó en televisión en los 60 en el popular programa de TVE Estudio 1. Entre estos títulos están La dama del alba (1965), La alondra (1969), Don Juan Tenorio (1966), Marea baja (1971), Una muchachita de Valladolid (1973), Las brujas de Salem (1973) o ¿Quiere usted jugar con mí? (1972).

Pero su mejor papel para la pequeña pantalla le llega con Teresa de Jesús (1984), serie emitida en TVE en la que interpreta a la santa española. Presenta los especiales de Fin de Año del canal público desde 1985 al 87 a la vez que participar en piezas teatrales, o recordar La Comedia Musical Española (1985).

En 1990 presenta el espacio musical y de variedades Viva el espectáculo, con el que finaliza sus apariciones en TVE para empezar un programa similar en la cadena privada Tele 5 titulado Querida Concha (1992) y el concurso Queridos padres (1992). En Antena 3 TV presenta el magazín Encantada de la vida (1993-1994) y graba las series Yo, una mujer (1996) y Mamá quiere ser artista (1997), además de colaborar en la serie Compañeros (1998). En la misma cadena, sustituye a la popular presentadora Isabel Gemio en el programa Sorpresa, sorpresa (1999). Antonio Mercero pensó en ella para que interpretara el personaje protagonista de la exitosa serie Farmacia de guardia, algo que Concha tuvo que rechazar debido a los numerosos compromisos profesionales que ya tenía apalabrados.

Vuelve a TVE en 2001 para hacerse cargo del programa Tiempo al tiempo, que comenzó siendo un magazín nostálgico que recordaba etapas y artistas del pasado para convertirse en un show de sucesos y crónica negra y rosa que fue retirado de la emisión. La propia Concha reconoce haber realizado trabajos de poca reputación en TV para así poder financiar buena parte de sus costosos proyectos teatrales. Trabaja en la miniserie Las cerezas del cementerio (2005), versión de la obra homónima de Gabriel Miró.

Sus últimos trabajos en TV han sido la serie de intriga de Tele 5 Motivos personales (2005),donde interpretó a Aurora Acosta una mujer calculadora que intentará mantener a su familia lejos de los escándalos, serie que tuvo muy buenos datos de audiencia, y fue éxito en la crítica, y el fallido programa de TVE Mi abuelo es el mejor (2006), que fue retirado a los pocos días. Mejor suerte tuvo con la serie Herederos (2008), en TVE, producida por Cuarzo Producciones, junto a Álvaro de Luna, Ginés García Millán, Helio Pedregal y Félix Gómez, entre otros, donde interpretó a Carmen Orozco, papel que le valió dos nominaciones a los premios de la unión de actores, saliendo vencedora en una de ellas. También ha interpretado a Dorothy en la serie de TVE Las chicas de oro (2010). Sus compañeras de reparto fueron Lola Herrera (Blanca), Carmen Maura (Rosa) y Alicia Hermida (Sofía).

Desde enero de 2011 presenta el programa de TVE Cine de barrio en sustitución de Carmen Sevilla.En octubre de ese mismo año interviene en la serie Gran Hotel, de Antena 3.(Fuente:Wikipedia)




TERESA DE JESUS es una película española dirigida en 1984 por Josefina Molina y emitida también en ese mismo año como serie de televisión por Televisión española. La música, tanto para la serie como para la película, fue compuesta por José Nieto.
Esta versión de Josefina Molina está basada en la película de mismo título que Juan de Orduña había dirigido en 1961.
La película y la serie narran la vida de Santa Teresa de Jesús, interpretada por Concha Velasco.



Natalie Wood



"La única vez en que una mujer tiene éxito en cambiar a un hombre es cuando le
cambia los pañales, cuando todavía es un bebé" NATALIE WOOD
(20 de julio de 1938 - 29 de noviembre de 1981)




Nacida el 20 de Julio de 1938, en San Francisco (California), con el nombre de Natascha Gurdin. Muerta en el mar, frente a la isla de Santa Catalina, el 29 de Noviembre de 1981. Hija de emigrantes rusos. Su padre Nikolai Zacharenko, cambiaría su nombre por el mas americanizado: Nicholas Gurdin. Su madre María Kuleff, antigua bailarina clásica: cegada por las luces de Hollywood: deseaba que su hija heredara sus sueños de actriz: haciendola interpretar y disfrazarse. En 1943, en la ciudad de Santa Rosa, el cineasta Irving Pichel, desembarcó su maquinaria cinematográfica, para el rodaje de “HAPPY LAND”, la pequeña que estaba viendo el rodaje, empujada por su madre, se acercó a Pichel, se sentó en sus rodillas, y le cantó una canción, el director fascinado, la premió con un pequeño papel, debutando ante las cámaras con tan solo cuatro años de edad. Pero su autentico debut fue dos años después, cuando Pichel la reclamó para un importante papel en “MAÑANA ES VIVIR”, una ambiciosa película con la que aparecería por primera vez, con el nombre de: Natalie Wood.
El éxito fue fulgurante, recibiendo el plácet de la critica, e iniciando una carrera en la que no existía el descanso. En 1947, firmó un contrato con la FOX. por 1.000 dolares semanales, convirtiendose en una de las estrellas infantiles mejor pagadas, trabajando con los más importantes astros del firmamento Hollywoodense: Orson Welles, Barbara Stanwyck, Rex Harrison, James Stewart, Jane Wyman, Bette Davis... Y con títulos tan famosos como: “DE ILUSIÓN TAMBIEN SE VIVE” “EL FANTASMA Y LA Sra MUIR” “LA ESTRELLA”... Su ambiciosa madre, no cesaba de firmar contratos: quería que su niña fuese una gran estrella; ya que una gitana le predijo que tendría una hija que enamoraría al mundo entero, pero también le advirtió, que tuviera cuidado con las "aguas oscuras"; motivo por el que Natalie siempre le tuvo autentico panico al mar. María, instruía a su hija como interpretar sus escenas: no reparaba en medios para sacar una buena interpretación; en una ocasión que se requería que la pequeña llorase con desconsuelo, consiguió las lagrimas de Natalie, arrancandole las alas a una mariposa. Durante el rodaje de "THE GREEN PROMISE" en una escena en la que tenía que cruzar un puente, había un truco en el que el puente se derrumbaba cuando ella lo cruzara, el efecto se hizo antes de tiempo, y Natalie caía al rio, la pequeña presa del panico que le producia estar dentro del agua se rompío una muñeca, pero su madre prefirío ocultarlo porque su pequeña estrella no se podía romper. En 1953, Natalie ya no es la niña que enamoraba las plateas de la posguerra, estaba en esa edad en la que muchas estrellas infantiles fracasaban, y decidió no volver ante las camaras, pero María no estaba dispuesta que su hija abandonara su carrera; empujando sus nuevos pasos a la televisión, prometiendole a cambio, libertad en sus devaneos amorosos. En los dos proximos años, trabajó en este medio consiguiendo gran popularidad, pero estaba escrito que su autentico éxito sería en la gran pantalla. Su paso a actriz adulta fue en la mítica “REBELDE SIN CAUSA”, con el malogrado James Dean. Dean la propuso como partenaire pues había trabajado con ella en televisión, pero el camino para conseguir este ansiado papel, estaba lleno de deficultades; ya que los productores la recordaban con trenzas o de hija de algun famoso. Natalie no cedió en su empeño, ya que sabía que el papel de Judy estaba echo a su medida, finalmente el presidente de la Warner, Jack, dió su bendición, y se hizo con el papel más envidiado del momento. El éxito de la cinta acompañado de la tragica muerte de James, catapulto a Natalie al primer plano de la actualidad, recibiendo su primera nominación a los Oscars: como mejor actriz de reparto. Durante el rodaje de Rebelde, las publicaciones de actualidad, la relacionaban sentimentalmente con su compañero de reparto; cuando en realidad, era el director de la cinta Nicholas Ray, con el que tuvo una relacion amorosa, pese a la diferencia de edad, Ray contaba con 43 años y ella 16. Finalizado el rodaje el romance se desvanece. Con solo dieciseis años, la joven promesa, se convirtió en realidad. En esta época, segun la escritora Suzanne Finstad, Natalie sufriría uno de los episodios más dramaticos de su vida, fue "violada" por un famoso actor de Hollywood: María no permitió que saliese a la luz este episodio ya que podría perjudicar la carrera ascendente de su hija: la autora tampoco nos revela el nombre del violador, dejando otro capitulo oculto en la tragica vida de Natalie Wood. En 1956 trabajó en otra obra inolvidable: “CENTAUROS DEL DESIERTO” Pero los proximos trabajos, bajo contrato con Warner Brothers, no aportaba nada nuevo a su carrera; fue cuando el cineasta Elia Kazan se fijo en ella para ser la heroina de su nueva obra“ESPLENDOR EN LA HIERBA” consiguiendo una interpretación memorable y su segunda nominación al Oscar, ese mismo año conseguiria otro gran éxito en su papel de María en “WEST SIDE STORY”, película galardonada con 10 Oscars, no pudiendo optar al prémio ya que ese año era candidata por Esplendor en la Hierba. Siguió cosechando buenas interpretaciones como en AMORES CON UN EXTRAÑO, con la que en 1963 optó de nuevo al premio de la academia. Otras cintas de las que destacamos“PROPIEDAD CONDENADA” “BOB CAROL TED Y ALICE”... En su madurez la encontremos más seductora que nunca en varias adaptaciones televisivas de películas de éxito: “LA GATA SOBRE EL TEJADO DEL ZINC ” “DE AQUI A LA ETERNIDAD” con la que consiguió el Globo de Oro...Casada en 1957, con el actor Robert Wagner, parecia que había encontrado la estabilidad sentimental. La aparición de Warren Beatty durante el rodaje de Esplendor, unida a la sospecha, de que Natalie sorprendío a Robert en compañía de otro hombre "Wagner ha negado su supuesta bisexualidad" se divorciarón en 1962. Acabada tambien su relación con Beatty, contrajo nuevas nupcias con el productor Richard Gregson, en 1969, del que nacería su hija Natasha (Hoy famosa actriz, con el nombre de Natasha Gregson Wagner) divorciandose en 1971. Un año después, ocurriria lo que solo pasa en las películas, volvería a contraer matrimonio con su primer marido: Robert Wagner, Bob tambien pasó por otro matrimonio fallido "Marion Marshall" con la que nació "Kate". De nuevo juntos, aumentarian la familia con el nacimiento de: Courtney. Durante el rodaje de su ultima película: “PROYECTO BRAINSTORM”, en una noche de alcohol y discusiones con su esposo, a bordo de su yate “Splendour” apareció ahogada en el mar, "esas aguas oscuras que le predijo la gitana" dejando todo tipo de hipótesis sin desvelar sobre su muerte.El día 1 de Febrero de 1987, en el “Walk of Fame” (El bulevar de la fama), cerca del Roosevelt Hotel, de Hollywood, se descubrió una estrella, en memoria de otra estrella...
(Fuente:http://www.nathaliewood.com/bio/biografia.htm)

Escena de "WEST SIDE STORY"(1961) donde Natalie interpreta con su propia voz "TONIGHT". (Aunque Natalie ensayó cantando con su voz todas las canciones,una decisión de última hora hizo que no fuera ella la que cantara ni en la película ni en la banda sonora, sino la voz de la cantante Marni Nixon, hecho que supuso una gran decepción para Natalie).

Silvio Rodríguez



"Ojalá que las hojas no te toquen el cuerpo cuando caigan
para que no las puedas convertir en cristal.
Ojalá que la lluvia deje de ser milagro que baja por tu cuerpo.
Ojalá que la luna pueda salir sin tí.
Ojalá que la tierra no te bese los pasos." SILVIO RODRIGUEZ ("Ojalá")





Silvio Rodríguez Domínguez (n. 29 de noviembre, 1946 en San Antonio de los Baños) es un cantautor, guitarrista y poeta cubano, exponente característico de la música de su país surgida con la Revolución cubana, conocida como la Nueva Trova Cubana, que comparte con otros reconocidos cantautores tales como Pablo Milanés, Noel Nicola y Vicente Feliú.

Su infancia se desarrolló durante la transición del gobierno de Fulgencio Batista y el inicio de la Revolución cubana, colaborando para esta última desde sus inicios, como educador, dibujante, escritor, compositor, militar y político. Comenzó su carrera musical ejerciendo como conductor de televisión, para luego integrarse al Grupo de Experimentación Sonora dirigido por Leo Brouwer, y finalmente consolidándose como solista.

Con más de cuatro décadas de carrera musical, y más de una veintena de álbumes, es actualmente uno de los cantautores de mayor trascendencia internacional del habla hispana. Acabando el siglo XX en su país fue elegido junto a Ernesto Lecuona como el mejor compositor cubano del siglo, mientras que a nivel internacional fue galardonado, junto a Joan Manuel Serrat, como el mejor cantautor hispanoamericano de la segunda mitad de siglo. En el siglo XXI, por su parte, recibió el Premio ALBA 2010, además de recibir el grado de doctor Honoris Causa en la Universidad Nacional Mayor de San Marcos del Perú,a Universidad Veracruzana de México y la Universidad Nacional de Córdoba de Argentina.(Fuente:Wikipedia)




SILVIO RODRIGUEZ QUIEN FUERA

miércoles, 28 de noviembre de 2012

Mujeres (citas)




El problema de la mujer siempre ha sido un problema de hombres.
Simone de Beauvoir

La mujer no existe. Sólo hay mujeres cuyos tipos varían al infinito.
George Sand

Es obvio el que los valores de las mujeres difieren con frecuencia de los valores creados por el otro sexo y sin embargo son los valores masculinos los que predominan.
Virginia Woolf

Las mujeres han servido todos estos siglos de espejos que poseían el poder mágico y delicioso de reflejar la figura de un hombre el doble de su tamaño natural.
Virginia Woolf

Para liberarse, la mujer debe sentirse libre, no para rivalizar con los hombres, sino libres en sus capacidades y personalidad.
Indira Gandhi

Toda mujer capaz de trabajar debe ocupar su puesto en el frente laboral según el principio de “a igual trabajo, igual salario”, exigencia que debe realizarse lo antes posible.
Mao Tse-Tung

Las mujeres necesitamos la belleza para que los hombres nos amen, y la estupidez para que nosotras amemos a los hombres.
Coco Chanel

La gran pregunta que nunca ha sido contestada y a la cual todavía no he podido responder, a pesar de mis treinta años de investigación del alma femenina, es: ¿qué quiere una mujer?
Sigmund Freud

Las mujeres con pasado y los hombres con futuro son las personas más interesantes.
 Chavela Vargas

La mujer, está donde le corresponde. Millones de años de evolución no se han equivocado, pues la naturaleza tiene la capacidad de corregir sus propios defectos.
 Albert Einstein

Cualquier mujer que aspire a comportarse como un hombre, seguro que carece de ambición.
 Dorothy Parker

Siempre me ha parecido gracioso que se venere a las diosas mientras que, en la vida cotidiana, a las mujeres se las relega a una posición secundaria y se las considera inferiores.
Doris Lessing

Las mujeres deben tratar de hacer las cosas tal como los hombres lo han hecho. Y cuando fallen, su fracaso no debe ser sino un reto para otras.
Amelia Earhart

Hasta que el mundo de la mujer no llegue a ser igual al mundo del hombre en la adquisición de virtudes y perfecciones, no se podrá alcanzar el éxito y la prosperidad como debiera ser.
Abdu'l-Bahá

A cualquier mujer le gustaría ser fiel. Lo difícil es hallar el hombre a quien serle fiel.
 Marlene Dietrich

Las mujeres fuertes sólo se casan con hombres débiles
Bette Davis

En todo momento de mi vida hay una mujer que me lleva de la mano en las tinieblas de una realidad que las mujeres conocen mejor que los hombres y en las cuales se orientan mejor con menos luces.
Gabriel García Márquez

En ningún momento he dudado que las mujeres son tontas. Al fin y al cabo el Todopoderoso las creó a imagen y semejanza de los hombres.
George Eliot, Seudónimo de Mary Anne Evans.

El primero que comparó a la mujer con una flor, fue un poeta; el segundo, un imbécil.
 Voltaire

A las mujeres les gusta sobre todo salvar a quien las pierde.
Victor Hugo

Cuando un hombre se echa atrás, sólo retrocede de verdad. Una mujer sólo retrocede para coger carrerilla.
 Zsa Zsa Gabor

El papel de las mujeres en el progreso de la civilización es mucho mayor que el del hombre, por lo que debería desarrollar sus aptitudes de acuerdo con su naturaleza, sin imitar a los hombres.
 Alexis Carrel

La mujer es algo mientras que el hombre no es nada.
 Tucídides

El testimonio de las mujeres es ver lo de fuera desde dentro. Si hay una característica que pueda diferenciar el discurso de la mujer, es ese encuadre.
 Carmen Martín Gaite

Ninguna mujer se ha perdido sin  la ayuda de un hombre.
 Abraham Lincoln

La mujer está más maltratada por la civilización que por la naturaleza.
Rousseau

Las costumbres hacen las leyes, las mujeres hacen las costumbres; las mujeres, pues, hacen las leyes.
 Montesquieu

No se nace sino que se deviene mujer.
 Simone de Beauvoir

Elige una mujer de la cual puedas decir : “Yo hubiera podido buscarla más bella, pero no mejor. Pitagoras

Los hombres engañan más que las mujeres; las mujeres, mejor.
Joaquín Sabina

El amor es la historia de la vida de las mujeres y un episodio en la de los hombres.
Germaine de Staël

A las mujeres les gusta sobre todo salvar a quien las pierde.
Victor Hugo

Las mujeres tienen una edad en que necesitan ser bellas para ser amadas, y otra en que necesitan ser amadas para ser bellas.
Marlene Dietrich

Toda mujer posee un derecho intrínseco e inalienable en tanto que ser humano, de trabajar como desee y de administrar a su antojo sus ganancias.
Lysander Spooner

Hombres, sus derechos y nada más: mujeres, sus derechos y nada menos…
 Susan B. Anthony

El proverbio persa dice: “no hieras a una mujer ni con el pétalo de una rosa”; más yo te digo: “no la hieras ni con el pensamiento”.
Amado Nervo

Un hombre hace lo que puede. Una mujer hace lo que el hombre no puede.
 Isabel Allende

Siempre queda leche en nuestros senos. Nuestro pechos son útiles. No como los vuestros.
Doris Lessing


 ¿Conocéis tan mal el corazón de una mujer para ignorar lo que puede nacer de la gratitud?
Marqués de Sade

Las mujeres hacen grandes esfuerzos por salir de la imagen que se les ha impuesto. Pero hay suficiente verdad en ésta para que su repudio implique el repudio de una parte de ella que es cierta.
 Marilyn French

Las campañas de los pueblos sólo son débiles cuando en ellas no se alista el corazón de la mujer; pero cuando la mujer se estremece y ayuda, cuando la mujer tímida y quieta de su natural, anima y aplude, cuando la mujer culta y virtuosa unge la obra con la miel de su cariño, la obra es invencible.
José Martí

Imagen: Magritte.- filosofía de alcoba

Pepe Isbert




"Os debo una explicación, y como alcalde vuestro que soy os la voy a dar porque os la debo".
JOSÉ ISBERT -'Bienvenido Mr. Marshall' -  (3 de marzo de 1886 – 28 de noviembre de 1966)







José Ysbert Alvarruiz, más conocido como Pepe Isbert,fue un actor español.
Nació el 3 de marzo de 1886 en Madrid, aunque siempre estuvo más vinculado al lugar de origen de su familia, en Tarazona de la Mancha (Albacete), donde encontró a su pareja y residió regularmente. Varios años después de que su padre falleciera, la familia Ysbert decide que el pequeño José estudie en el colegio Sacromonte de Granada; regresa a la capital española para proseguir sus estudios, inscribiéndose en la Escuela Central de Comercio; una vez obtenido el título de Profesor Mercantil.[1] En 1903 trabajaba como profesor mercantil, y ocupaba un puesto en el Tribunal de Cuentas, pero decidió dejarlo para dedicarse a la interpretación. Ese mismo año, debutó como actor en el Teatro Apolo de Madrid, en la obra El iluso Cañizares cambiando su apellido original por el apellido artístico de Isbert; hasta entonces, venía trabajando como meritorio bajo el seudónimo de Fígaro, para posteriormente ser cabeza de cartel. Fue trasladado entonces a la compañía del Teatro Lara, donde consiguió grandes reconocimientos en obras como La ciudad alegre y confiada (1916) y La Inmaculada de los Dolores (1918), ambas de Jacinto Benavente o La señorita de Trevélez, de Carlos Arniches, 1916, con quien mantiene lazos familiares.

Se casó con su prima Elvira Soriano Picazo (1892-1986);es el padre de la actriz María Isbert y abuelo de Tony Isbert, José S. Isbert y Carlos Ysbert.

Su primera aparición en la gran pantalla data de 1912 en la película Asesinato y entierro de don José Canalejas. En ella interpretó al anarquista Pardiñas, responsable del asesinato del político liberal.

Durante la época del cine mudo, su carrera estuvo centrada en el teatro ya que el cine no le gustaba, como a la mayoría de las estrellas, con muy pocas apariciones en este medio, y casi siempre secundarias. Con la llegada del cine sonoro en los años 1930, reapareció en la comedia de Florián Rey, La pura verdad (1931).

Su verdadera y destacada popularidad la obtuvo en su permanencia en las carteleras teatrales que no por éxitos en sí, llegó dos veces a retirarse de la profesión y argumentarlo públicamente. Nunca dejó de actuar, salvo en el tiempo de la Guerra Civil, en la que a las dificultades de las circunstancias sumaba la de ser un ferviente católico durante el asedio de Madrid. Hizo un éxito de todas las comedias incomparables de Pedro Muñoz Seca, que lograban pasar de centenarias, pues ningún público se resistía al genio del autor y a la brillantez entrañable del actor (fueron inolvidables La Eme, Equilibrios, entre decenas). Prácticamente entre los años 1920 y 1936 fue exclusivo del Teatro de la Comedia, en la calle del Príncipe, y de las giras organizadas por la compañía. También ayudó al éxito de comedias de Carlos Arniches (El señor Badanas, 1930) o Jardiel Poncela, (Angelina o el honor de un brigadier, 1934).

En los años 1930 rodó media docena de títulos, entre los que destacan ¿Cuándo te suicidas? (1931) de Manuel Romero, La bien pagada (1935) de Eusebio Fernández Ardavín o El bailarín y el trabajador (1935), dirigida por Luis Marquina y basada en la obra teatral de Jacinto Benavente.

En los años 40 fue ganando popularidad en el cine, y aumentó el número de películas. Destacamos: Orosia (1943)Te quiero para mí (1944) y El testamento del virrey (1944), dirigidas por Ladislao Vajda; Ella, él y sus millones (1944) de Juan de Orduña; El fantasma y doña Juanita (1945) de Rafael Gil y Pacto de silencio (1949), dirigida por Antonio Román.

Su etapa más prolífica fue en los años 1950 y la primera mitad de los años 1960 destacando sobre todas Bienvenido, Mr. Marshall (1953), en la que interpreta al entrañable y sordo alcalde del pueblo, y Los jueves, milagro (1957), ambas de Luis García Berlanga, El Cochecito (1960) de Marco Ferreri, y El verdugo (1963), de nuevo con Berlanga, con guion de Rafael Azcona.

Entre sus últimos trabajos, fue muy popular su papel de abuelo en La gran familia (1962). La cinta constituyó un tremendo éxito, por ser el reflejo de una familia común y muy numerosa española, y dio lugar a dos secuelas, La familia y uno más (1965), y La familia, bien, gracias (1979), y una serie de televisión, La gran familia... 30 años después, en las que no participó pero que contribuyeron a prolongar su popularidad años después de su fallecimiento. Cuatro décadas después de su desaparición, todo el mundo reconoce su peculiar voz ronca llamando a su nieto Chencho o arengando a los vecinos ante la llegada inminente de los americanos.

Pepe Isbert falleció en Madrid el 28 de noviembre de 1966 a la edad de 80 años, víctima de un infarto de miocardio. Fue enterrado en el cementerio de Tarazona de la Mancha (Albacete), que era el pueblo de su esposa.

Su huella ha quedado no sólo en sus películas, sino también en diversos premios con su nombre a lo largo de la geografía nacional. El más veterano es el premio concedido en el Festival de Cine de Humor de Peñíscola.

También los Amigos de los Teatros de España (AMITE, www.amiteatros.es) entregan con su nombre el premio nacional de teatro José Isbert que han obtenido los más importantes actores y actrices de España. Este galardón que se entrega en Albacete en el Teatro Circo de Albacete ha ido a parar en su XII edición a Núria Espert, la XIII a Rafael Álvarez "El Brujo", ya la XIV a Lola Herrera.

AMITE propuso al Ayuntamiento de Albacete que la sala principal del histórico Teatro Circo de Albacete lleve su nombre.

La Filmoteca de Albacete ha editado en 2009 sus memorias, tituladas "Mi vida artística", escritas por el gran actor en los últimos días de su vida, con la ayuda de su hija María.

Recientemente una parada de metro ligero oeste lleva su nombre en la ciudad de Madrid.(Fuente:Wikipedia)




BIENVENIDO MISTER MARSHALL  (1952)

Director: Luis G. Berlanga.
Intérpretes: José Isbert, Manolo Morán, Lolita Sevilla, Elvira Quintillá.

En un pequeño pueblo castellano llamado Villar del Río todo es alegría e ilusión ante la llegada del amigo americano, que colmará los deseos y peticiones de sus diversos habitantes.

Para recibir a los adinerados invitados, un perspicaz representante artístico llamado Manolo (Manolo Morán) convence al alcalde Don Pablo (Pepe Isbert) para que su pueblo adopte las peculiaridades y apariencia de una localidad andaluza, con la intención de conseguir mejor provecho.


Primera película en solitario del realizador valenciano Luis García Berlanga después de su colaboración anterior en la dirección junto a Juan Antonio Bardem en la meritoria "Esa pareja feliz".

En esta ocasión, Bardem acompaña a Berlanga y a Miguel Mihura en la escritura del guión de una de las mejores películas de la historia del cine español, que mejora en cada nuevo visionado.

"Bienvenido Mr. Marshall" es una divertida sátira al aislamiento internacional al que se veía sometido España debido a la dictadura franquista,. Se emplea una mirada sardónica al programa de ayuda económica conocido como Plan Marshall, y establecido por el gobierno estadounidense para auxiliar a Europa después del conflicto bélico de la Segunda Guerra Mundial, desarrollándose asimismo una aguda mirada al ambiente rural castellano y al tópico internacional de la España de toros y flamenco.

Utiliza una narración en forma de cuento iniciada con la voz en off de Fernando Rey, el encargado de introducir y describir el lugar y los diferentes caracteres que moran el pueblo mediante un retrato soberbio de las singularidades que adornan a cada miembro institucional de la villa.

Con su habitual dominio del ritmo, ingeniosos diálogos, estupendos pasajes oníricos e inolvidables secuencias cómicas engrandecidas por la enorme interpretación de dos grandes e incomparables mitos del cine español, Pepe Isbert y Manolo Morán, por no hablar de geniales intérpretes como Alberto Romea, Luis Pérez de León o Fernando Aguirre, Berlanga construye un magistral título cinematográfico, extraordinariamente simpático en su continente, pero muy amargo en su representación, mensaje y contenido.(fuente:http://www.alohacriticon.com/elcriticon/article471.html )



El memorable discurso de Pepe Isbert en el balcón


Poema tomado de "El tiempo detenido" - Carmen Rubio López

 

 I

Se ha cumplido ya el plazo que dijiste.
El tiempo ha ido labrando
poco a poco mi rostro y me seca la flor
de los labios; entonces
era todo el jardín que tú querías.


Sin saber si arderá mi piel en tu memoria
o será raso inútil
-quebrado su color ante otra piel-
abandono la casa.
Dejo de par en par abierto el corredor,
la lámpara encendida por si llega
algún indicio tuyo
mientras estoy ausente.

Sobre la arena, firme, ante este mar
que decidió torcer su semejanza
y postuló a tus ojos otro color del mundo,
escarabajeando
por dentro de tu hombría,
ensayo la más dulce de las voces,
el vino de tu nombre.
El mar me mira y calla
a la luz indecisa de la tarde.
Parece que me busca con tus ojos.
Me pongo de rodillas
a sus pies como un bulto.
Dejo que me recorra con sus lenguas la nuca,
el cabello, los labios...
Noto cómo se yergue enardecido,
y su afán se me antoja manos entre mis pechos;
tus manos de otro mundo.

Soy como un pez. Quisiera
llegar hasta tus islas,
caer entre tus redes, ser tu sombra.

Entre mis ropas sal;
toda la sal que luego que padece.
En medio de la noche,
sólo un jardín que espera.


 Este poema nos es ofrecido por su autora y amiga Carmen Rubio López. Pertenece a su poemario "El tiempo detenido" (inspirado en el mito de Penélope) Premio "Juan Alcaide" Valdepeñas (C. Real)Gracias Carmen!

martes, 27 de noviembre de 2012

Fragmento de "El viejo y el mar" - Ernest Hemingway




“Decía siempre “la mar”. Así es como le dicen en español cuando la quieren. A veces los que la quieren hablan mal de “ella”, pero lo hacen siempre como si fuera una mujer. Algunos de los pescadores más jóvenes, los que usaban boyas y flotadores para sus sedales y tenían botes de motor comprados cuando los hígados de tiburón se cotizaban alto, empleaban el artículo masculino, lo llamaban “el mar”. Hablaban del mar como de un contendiente o un lugar, o incluso un enemigo. Pero el viejo lo concebía siempre como perteneciente al género femenino y como algo que concedía o negaba grandes favores, y si hacía cosas perversas y terribles era porque no podía evitarlo. La luna, pensaba, le afectaba lo mismo que a una mujer”.

El propio Hemingway decía sobre esta novela suya:

"Siempre intento escribir de acuerdo con el principio del iceberg. Hay nueve décimos del bloque de hielo bajo el agua por cada parte que se ve de él. Uno puede eliminar cualquier cosa que sepa y eso sólo fortalecerá el iceberg. Si un escritor omite algo, porque no lo sabe, habrá un agujero en su relato. El Viejo y el Mar podría haber tenido más de mil páginas, y dar cuenta de cada personaje, cómo vivían, cómo habían nacido… No cuento ninguna de las historias que conozco sobre la aldea de pescadores. Pero este conocimiento es lo que constituye la parte sumergida del iceberg."

Ramón y Cajal.- Pensamientos de tendencia educativa



“Puesto que vivimos en pleno misterio, luchando contra las fuerzas desconocidas, debemos, en lo posible,  esclarecerlo. Concluida nuestra labor, seremos olvidados como la semilla en el  surco. Pero algo nos consolará, y será que nuestros remotos descendientes nos deberán un poco de  su dicha, y que gracias a nuestro esfuerzo el mundo resultará algo más agradable  e inteligible”


"Si hay algo en nosotros verdaderamente divino, es la voluntad. Por ella afirmamos la personalidad, templamos el carácter, desafiamos la adversidad, reconstruimos el cerebro y nos superamos diariamente.

Te quejas de las censuras de tus maestros, émulos y adversarios, cuando debieras agradecerlas. Sus golpes no te hieren; te esculpen. Con pocas excepciones, todo joven dotado de acusada y fuerte personalidad reacciona contra las exageraciones doctrinales o sentimentales de padres y maestros adoptando el tono o colorido moral complementario.

El tumulto de la vida social suele obrar sobre las cabezas humanas débiles como el río sobre un cristal de cuarzo. Arrastrado y golpeado por la corriente, conviértese al fin en vulgar canto rodado. Quien desee conservar incólumes las brillantes facetas de su espíritu, recójase prontamente en el remanso de la soledad, tan propicio a la actividad creadora.

Natural y loable es el ansia de reputación. Importa empero que el maestro discierna los dos principales tipos de ambiciosos: los que codician la fama como fin y los que la persiguen como medio. Cultívese de preferencia a los primeros.

Misión trascendental del educador es desarrollar alas en los que tienen manos y manos en los que tienen alas. Sólo trabajando se enseña a trabajar. Como decía Cisneros, Fray Ejemplo es el mejor predicador.

Nos gustan los libros que relatan las hazañas que hubiéramos deseado realizar, es decir: un programa de vida noble y bella, frustrado por el aciago destino.

Suele crecer la planta según la dimensión de maceta. El talento aldeano confinado en su rincón difícilmente alcanzará su pleno florecimiento.

La naturaleza nos ha otorgado dotación limitada de células cerebrales. He aquí un capital, grande o pequeño, que nadie puede aumentar, ya que la neurona es incapaz de multiplicarse. Pero si se nos ha negado la posibilidad de acrecentar el caudal celular, se nos ha otorgado en cambio el inestimable privilegio de modelar, ramificar y complicar las expansiones de esos elementos, como si dijéramos, de los hilos telegráficos del pensamiento, para combinar casi hasta el infinito las asociaciones reflejas y las creaciones ideales. Aprovechémonos de esta preciosa prerrogativa durante la juventud y la edad viril, porque el protoplasma neuronal parece endurecerse como el mortero con el transcurso del tiempo y no hay nada más infecundo y aun nocivo que una cabeza incapaz de aprender y corregirse.

Existen dos variedades humanas de valor harto desigual: el hombre rebañego, modelado por la tradición y la rutina y el hombre nuevo, forjado por autorreflexión. Esta variable mental merece exclusivamente el nombre de individuo, porque sólo él es capaz de aportar algo al acervo común del progreso. Las cabezas sencillas y sugestionables reproducen el tipo humano ancestral; orientadas al pasado, desdeñan el futuro. Son empero necesarias, ya que forman la reserva evolutiva de la raza, donde laten en potencia, aguardando su hora, los genios del porvenir."

Santiago Ramón y Cajal, alocución en 1931 para el Archivo de la Palabra

Página con una biografía completa del científico y con una grabación de su voz leyendo el primer fragmento aquí recogido

Gloria Fuertes



"A esta isla que soy, si alguien llega,
que se encuentre con algo es mi deseo;
-manantiales de versos encendidos
y cascadas de paz es lo que tengo-."

GLORIA FUERTES  (28 de julio de 1917 – 27 de noviembre de 1998)
 


El 28 de julio de 1917 nace Gloria Fuertes en Madrid, en la calle de la Espada, del castizo barrio de Lavapiés, en el seno de una familia humilde. Su madre era costurera y su padre portero primero del Catastro, más tarde de la Institución Gota de Leche y por último en un palacete de la calle Zurbano, donde se trasladaron en el año 1932.
De los 2 a los 14 años asiste a diversos colegios, entre ellos uno de monjas en la calle Mesón de Paredes, que ella recuerda en un poema:

"Me llevaron a un colegio muy triste
donde una monja larga me tiraba pellizcos
porque en las letanías me quedaba dormida".

A los 14 años su madre la matriculó en el Instituto de Educación Profesional de la Mujer en la calle Pinar, donde obtuvo diplomas de Taquigrafía y Mecanografía, Gramática y Literatura así como en Higiene y Puericultura.

En el año 34 fallece su madre y Gloria empieza a trabajar como contable en una fábrica. Talleres Metalúrgicos, donde entre cuenta y cuenta escribe poemas. En 1935 publicó sus primeros versos y dio sus primeros recitales de poesía en Radio Madrid. Desde 1938 hasta 1958 trabaja de secretaria en "horribles oficinas", según ella misma confiesa.
    
    
En 1939 aparece como redactora de la Revista Infantil "Maravillas", donde publicaba semanalmente cuentos, historietas y poesía para niños, hasta el año 1953. 1940-1945: se estrenan diversas obras suyas de teatro infantil y poemas escenificados en varios teatros de Madrid. Desde 1940 hasta 1955 es colaboradora de la revista femenina "Chicas" donde publica cuentos de humor. En 1942 conoce a Carlos Edmundo de Ory, integrándose en el movimiento poético denominado "Postismo" y colaborando en las revistas "Postismo" y "Cerbatana", junto con Ory, Chicharro y Sernesi.
En 1947 obtiene el 1º premio de "Letras para canciones" de Radio Nacional de España. 1950: publica "Isla Ignorada", su primer poemario. En 1951 funda junto a Adelaida Lasantas el grupo femenino "Versos con faldas" que se dedica durante dos años a ofrecer lecturas y recitales por cafés y bares de Madrid. 1950 - 1954, fundadora y directora de la revista poética "Arquero" junto con Antonio Gala, Rafael Mir y Julio Mariscal. En 1952 estrena su primera obra de teatro en verso "Prometeo" en el Teatro del Instituto de Cultura Hispánica. En 1954 publica en Lírica Hispana (Caracas) "Antología Poética" y "Poemas del suburbio". Ese mismo año aparece "Aconsejo beber hilo" en la colección Arquero.


1955-1960: cursa estudios de biblioteconomía e Inglés en el International Institute. Organizó la primera biblioteca Infantil Ambulante para pequeños pueblos. En 1958 obtiene la primera mención del concurso "Lírica Hispana" de Caracas con su obra "Todo asusta". Desde 1958 hasta 1961 trabajó como bibliotecaria en el Instituto Internacional, en la calle Miguel Angel
Desde 1961 a 1963 reside en los Estados Unidos al obtener una beca Fullbright de Literatura Española, impartiendo clases en las universidades de Bucknell, Mary Baldwin y Bryn Mawr. "La primera vez que entré en una universidad fue para dar clases en ella". A su vuelta de Estados Unidos imparte clases de español para americanos en el Instituto Internacional. En 1965 obtiene el Premio Guipúzcoa de poesía con "Ni tiro, ni veneno, ni navaja". En 1966, premio "Lazarillo" con "Cangura para todo". 1968: Le conceden el Diploma de Honor del Premio Internacional Andersen para Literatura Infantil. Ese mismo año publica "Poeta de guardia". 1972: Beca March para Literatura Infantil, que le permite dedicarse por entero a la literatura.

A mediados de los años 70 colabora activamente en diversos programas infantiles de TVE, siendo "Un globo, dos globos, tres globos" y "La cometa blanca" los que la convierten definitivamente en la poeta de los niños. Recibiendo en cinco ocasiones el Aro de Plata de este medio informativo. A partir de estos años la actividad de Gloria Fuertes es imparable: lecturas, recitales, homenajes... siempre cerca de los niños; publicando continuamente, tanto poesía infantil como de adultos. Fallece el 27 de noviembre de 1998,
en Madrid. (Fuente:http://www.gloriafuertes.org/biografia.htm )


EL CAMELLO COJITO, poesía de Gloria Fuertes, recitada por ella misma.



 

Sigmund Freud.- Carta a la madre de un joven homosexual




9 de abril de 1935

PROF. DR. FREUD

Estimada Sra. [Borrado],

Entiendo por su carta que su hijo es homosexual. Estoy impresionado sobre todo por el hecho de que usted no menciona este término en su información sobre él. ¿Puedo preguntarle por qué lo evita? La homosexualidad ciertamente no es una ventaja, pero no es nada de qué avergonzarse, no es un vicio, no es degradación; no puede ser clasificada como enfermedad; la consideramos una variación de la función sexual, producida por cierto freno en el desarrollo sexual. Muchos individuos altamente respetables de tiempos antiguos y modernos han sido homosexuales, incluyendo muchos de los hombres más grandes (Platón, Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, etc.). Es una tremenda injusticia el perseguir la homosexualidad como un crimen. Y una crueldad también. Si no me cree, lea los libros de Havelock Ellis.

Al preguntarme si puedo ayudarle, usted se refiere, supongo, a que si puedo suprimir la homosexualidad y hacer que la heterosexualidad normal tome su lugar. La respuesta es, de modo general, que no podemos prometer lograrlo. En cierto número de casos logramos desarrollar los gérmenes malogrados de las tendencias homosexuales, que están presentes en cada homosexual; en la mayoría de casos ya no es posible. Es cuestión de las cualidades y la edad del individuo. El resultado del tratamiento no puede predecirse.

Qué análisis puedo hacer por su hijo es una línea diferente. Si él es infeliz, neurótico, agobiado por conflictos, inhibido en su vida social, el análisis puede traerle armonía, paz mental, eficiencia total, ya sea que siga siendo homosexual o cambie. Si usted decide que él debe hacer su análisis conmigo (no espero que así lo decida), él debe venir a Viena. No tengo intenciones de dejar este lugar. Sin embargo, no omita hacerme llegar su respuesta.

Sinceramente suyo con mis mejores deseos,

Freud

P.s. No me pareció difícil entender su letra. Espero que usted no encuentre más difícil entender mi inglés.

Jimi Hendrix



"Cuando el poder del amor sobrepase al amor del poder, el mundo conocerá la paz".

JIMI HENDRIX (27 de noviembre de 1942 – 18 de septiembre de 1970)







Johnny Allen Hendrix nació el 27 de Noviembre de 1942 en Seattle. Al poco tiempo de nacer, su padre Al fue alistado para luchar en la 2ª Guerra Mundial. Durante la ausencia de éste, Jimi se crió prácticamente con su abuela, ya que su madre Lucille era bastante pendón. Tras el regreso de su padre, Jimi vio nacer a sus cuatro hermanos. Después del divorcio de sus padres, casi todos sus hermanos fueron adoptados, excepto Leon.
Jimi pasó así su infancia dando tumbos de un sitio a otro con su padre en Seattle o con su tío en Vancouver. Cuando tenía 15 años, su madre falleció. No pudo asistir a su entierro. En 1959, su padre le compró su primera guitarra eléctrica. Cómo en esos tiempos ser zurdo se consideraba algo anormal, su padre se empeñaba en enseñarle a tocar con la mano derecha, pero Jimi no se sentía cómodo tocando de esta forma, así que se las arregló para cambiar de posición las cuerdas de la guitarra. En esa época, el joven Hendrix empezó a desarrollar un extraordinario talento con la guitarra, mientras en el instituto destacaba en materias como la Literatura y el Arte.
Pero Jimi tuvo que dejar pronto la escuela, ya que su padre lo convenció para que fuese a trabajar con él. A partir de entonces, Jimi tuvo diversas escaramuzas con la ley, y precisamente para aliviar alguna de sus condenas, se alistó en el ejército. Allí conoció a su amigo Billy Cox.
Tras licenciarse del ejército, Jimi y su amigo Billy se unieron con distintas bandas de música, recorriendo el país de costa a costa con un grupo llamado "King Casuals". El 5 de Julio de 1966 Chas Chandler, miembro del grupo Animals vio a Jimi tocando en un café de Greenwich Village, Nueva York, llamado Wha?. Unas semanas más tarde Jimi embarcó hacia Londres. "The Jimi Hendrix Experience" había comenzado.
"The Jimi Hendrix Experience" se formó el 6 de Octubre de 1966. Estaba compuesto por el propio Jimi Hendrix como guitarrista y vocalista, John Mitchell en la batería y Noel Redding en el bajo. Chas Chandler y Mike Jeffery se ocupaban de promocionar el grupo como Managers. La primera actuación oficial del grupo fue en Evreux, Francia, el 13 de Octubre de 1966.
Con "The Jimi Hendrix Experience" grabó cuatro LPs: "Are you Experienced?", "Axis: Bold as Love", "Electric Ladyland" y un disco recopilatorio de grandes éxitos llamado "Smash Hits". Sin embargo, hay innumerables grabaciones de actuaciones en directo que saldrían al mercado después de la muerte de Jimi.
Las continuas presiones para mantener a la banda de gira, en agotadores festivales los llevaron al uso de las drogas. Al principio, las usaban sólo para mantener el tipo en sus innumerables conciertos, consumiendo eventualmente por puro placer. Más tarde se convirtió en una mera adicción. Cansados del excesivo protagonismo de Jimi Hendrix en la banda, Mitchell y Redding decidieron abandonar el grupo en 1969. Desde su primera actuación en Francia, hasta la última, el 29 de Junio de 1969 en el Denver Pop Festival, habían ofrecido más de 500 conciertos en 14 países.
Jimi siguió tocando en solitario, hasta que el 17 de Septiembre de 1970, murió ahogado en su propio vómito a causa de una sobredosis de heroína y alcohol.Y nació la leyenda.
(Fuente: www.taringa.net/posts/info/13787628/Jimi-Hendrix_-gloria-de-dioses.html)

— con Osvaldo Florenzano, Nacho Dávila, Rafael Fuerte Espejo, Jon Hernández y Claudio Romero.





HEY JOE
"Hey Joe" es una canción escrita por Billy Roberts. La composición se hizo muy popular durante la década de 1960. A partir de entonces, se ha convertido en un clásico del rock, siendo interpretada y grabada por numerosos artistas en diferentes versiones y variados estilos. Trata sobre un hombre que, tras haber asesinado a su mujer en un pueblo del sur de Estados Unidos, planea huir hacia México para escapar de una segura condena a muerte. La primera grabación comercial conocida es un disco sencillo de The Leaves, una banda de Los Ángeles, que data de 1965. Actualmente, la versión más difundida es la de Jimi Hendrix Experience de 1966.

Bruce Lee




"Un hombre sabio puede aprender más de una pregunta absurda que un tonto puede aprender de una respuesta sabia."


BRUCE LEE
 
 (San Francisco, 27 de noviembre de 1940 - Hong Kong, 20 de julio de 1973)



Bruce Lee es reconocido no sólo como actor, sino como uno de los mayores exponentes mundiales de las artes marciales; con una marcada influencia a través del tiempo, su personal filosofía y manera de entender el combate son aún hoy estudiados e imitados por sus seguidores en todo el globo.

Elevado a la categoría de mito se conformó como nuevo signo de identidad china, como un auténtico héroe en la vida real, verdadero ejemplo de trabajo, esfuerzo  y superación personal en una cultura donde esos valores son ensalzados y venerados especialmente.

La historia de Lee, su leyenda, como todas las (buenas) leyendas tiene un final misterioso que todavía hoy continua levantando sospechas; las causas de su muerte están todavía por resolver (a pesar de la justificación oficial) y la maldición de la que pretendían esconderle sus padres (cambiándole el nombre en un desesperado intento de “engañar a los espíritus”),  parece que, finalmente, no sólo no ha terminado con él, y con su vida, sino que ha acabado por alcanzar a sus hijos, resultando, en consecuencia, el mayor de los dos, muerto, igualmente en extrañas y trágicas circunstancias. Un triste final que no ha hecho sino contribuir a la historia del mito.


Bruce leeNacido el 27 de Noviembre de 1940 (el año Chino del Dragón) en la ciudad de San Francisco, Bruce era el tercer hijo del chino Lee Hou-Cheun, actor, y de la chino-alemana Gracie Lee. Su nacimiento en la ciudad estadounidense fue mera casualidad, ya que su padre (y por consiguiente toda la familia Lee) se encontraba de gira con la compañía cantonesa "Opera Company" por ese país en aquel momento.

En un primer momento sus padres le llamaron Lee Jun Fan (que significa literalmente en castellano "Vuelve de nuevo"). Según se sabe, eligieron ese nombre porque tenían el presentimiento de que un cierto día su hijo volvería a los Estados Unidos; bruce leeno obstante y a tenor del carácter fuertemente supersticioso del cabeza de familia, que temía que una maldición persiguiera a los miembros masculinos de su familia  (los caracteres de su nombre en chino coincidían con los de su abuelo fallecido, siendo esto para los asiáticos presagio de mal augurio) para tratar de “confundir a los espíritus” finalmente se tomó la decisión de renombrar al niño con un nombre de chica "Sai Fon" cuya traducción literal al castellano significa "Pequeño Fénix".

Sin embargo, y a pesar de contar con el consenso familiar, el nombre sufriría una nueva variación (que comenzaría a formar la leyenda de “Dragón”); poco antes de abandonar el hospital de la Calle Jackson, una enfermera, Mary Glover, sugirió que podría ser una buena idea dar al niño un nombre cristiano en inglés para evitar cualquier tipo de complicación con su partida de nacimiento norteamericana, sugiriendo el nombre de Bruce. Después de todo, el pequeño sería inscrito oficialmente con el nombre de Bruce Lee.

Pasados algunos meses la familia Lee regresó a Hong-Kong; trasladándose a una pequeña vivienda de tal sólo dos habitaciones en el 218 Nathan Road, Kowloon; sin embargo a pesar de las aparentes carencias y complicaciones, el mayor problema vendría dado por el complicado contexto histórico de la época, marcado por la ocupación japonesa (1942-1945) que eclipsaría los recuerdos de infancia del pequeño Bruce, el cual comentaba por ejemplo, cómo veía a los aviones de guerra nipones volar a muy baja altitud, y cómo subía a la azotea de su casa para intentar, a su manera, derribarlos.
Terminada la Segunda Guerra Mundial comenzaron los inevitables trabajos de reconstrucción; afortunadamente para el padre de Bruce, una de las primeras industrias en recuperarse fue la del entretenimiento, por lo que volvió a su anterior trabajo de actor. A menudo el niño acompañaba a su padre a los rodajes, y, a través de los contactos de éste, con tan sólo seis años, Bruce debutó en la gran pantalla con un papel en la película  "The Beginning of a Boy". En ese mismo año también aparecería en "The Birth of Madkind" y "Son Ah Cheun".  En estas películas Bruce interpretaba el rol de “chico malo”, o pillo, algo a lo que se adaptó fácilmente ya que en la vida real compartía muchas de las cualidades características de sus personajes; sobre todo, y para desgracia de sus progenitores, su increíble facilidad para meterse en líos. A pesar de que se consideran éstas películas como las primeras de Bruce, lo cierto es que a los dos meses de edad, tal y como él mismo comentaba, apareció en “Golden Gate Girl” que para tristeza de sus seguidores está perdida.

Tiempo después, con ocho años, participaría en una nueva producción titulada "Fu Gui Yun" (traducida al inglés como "Wealth is like a Dream"); en la que Bruce comenzó a ser conocido por el apodo "Siu Lung", (en castellano "Pequeño Dragón"), que le acompañaría el resto de su vida y con el que pasaría a la historia.

 Bruce decide practicar Wing Chun (un estilo de Kung Fu) con el maestro Yip Man, después de haberse iniciado en Tai Chi Chuan de la mano de su propio padre, (todo este trabajo, este camino sería fundamental para, años después, acabar fundando su propio estilo al que denominaría Jeet Kune Do, aunque era reacio a ponerle nombre ya que sería limitarlo, que significa "El camino del puño que intercepta"). A pesar de esta frenética actividad no dejó de realizar películas, estrenando incluso hasta 4 ó 5 en un mismo año,  compaginándolo además con clases de baile, de las cuales obtendría resultados al proclamarse campeón de Cha Cha Cha de Hong Kong en 1958. Ésta salida inverosímil del mundo de violencia que rodeaba a Bruce hizo que se encaminase, de forma más seria y profesional, al campo de la expresión artística y entretenimiento.
 Bruce hacía gala de un fuerte carácter que le causaba no solo numerosos conflictos dada su participación en distintas bandas callejeras, sino incluso la expulsión de su primer colegio, La Salle, una institución católica de habla inglesa. Tras este incidente fue matriculado en otro colegio de similares características en Hong Kong, el St. Francisc Xavier. Cuando Bruce cumplió los 18 años ya había aparecido alrededor de 20 películas, siendo la más famosa "The Orphan", una obra clásica de 1958 de Hong-Kong en la cual interpretaba el rol de delincuente juvenil (el mismo Bruce volvería a admitir el evidente paralelismo entre la trayectoria de sus personajes con la suya propia). Sobre el año 1967 en la revista "Black Belt" comentó que de pequeño "era un punky e iba a buscar peleas ".

Por esta razón sus padres decidieron que, en abril de 1959, Bruce viajase a Estados Unidos para poder así alejarse de aquel ambiente, a la vez que reclamar la nacionalidad estadounidense. Después de más de dos semanas de viaje en barco, llegaría a San Francisco con muy poco dinero (el que le dio su padre y el que ganó dando clases de baile en el viaje). Vivió en casa de un amigo de la familia y, posteriormente, conocería a uno de sus mejores amigos: James Lee.  Pocos meses más tarde Bruce se trasladaría a Seattle donde encontró trabajo de camarero en el restaurante de una amiga de los Lee. Durante esta época continuó con sus entrenamientos, ofreciendo demostraciones y conociendo a algunos de los que más adelante serían sus alumnos y amigos como Taky Kimura o Jesse Glover.

En 1960 Bruce acaba sus estudios secundarios, pudiendo así entrar en la Universidad de Washington, Seattle, en 1961, matriculándose en Filosofía. En su época universitaria Bruce siguió entrenando al tiempo que comenzó a dar clase a algunos de sus compañeros, viajando incluso en ocasiones a California para enseñar Wing Chun a su amigo James Lee. bruce leeEn esta época, y, a tenor de su moderado éxito, decidió montar un pequeño gimnasio donde enseñar Wing Chun y dar pequeñas conferencias con Taky Kimura como su asistente, siendo, durante este periodo cuando Bruce escribió y publicó el único libro que editaría en vida: Chinese Gung Fu. The Philosophical Art of Self Defense, 1963, gracias a la colaboración de sus inseparables James Lee, Jesse Glover y Taky Kimura. Durante esa época Bruce también conoció en Seattle a una chica de 17 años llamada Linda Emery, que asistió a una de sus clases, y que, con el tiempo, acabaría siendo su esposa.

Pese a vivir en los EEUU Bruce viajó durante esta época a Hong Kong para visitar tanto a su familia como a su maestro, Yip Man. A su regreso, en 1964 Bruce decidió, junto a James Lee, abrir el primer Instituto Jun Fan Gung Fu en Oakland, California. Bruce soñaba con poder abrir toda una serie de gimnasios a lo largo y ancho de los EEUU, y es por ello que ese año dejó la Universidad y se dedicó únicamente a su entrenamiento personal y a dar clases de Gung Fu. En agosto de ese mismo año Bruce realizó algunas exhibiciones públicas, siendo la más conocida la que dio el 2 de agosto de 1964 en los campeonatos de karate de Long Beach en California. En este campeonato conoció a Dan Innosanto, que sería uno de sus mejores alumnos y amigos.

En agosto de 1964, una vez decidido, se casó con su novia, Linda, en Seattle (pese a la oposición de la madre de esta), para luego trasladarse a la casa de James Lee y su esposa en Oakland. Bruce impartía clases en su gimnasio de Oakland donde no hacía distinción de raza o religión a la hora de enseñar, lo cual hizo que se viese envuelto en un desafío de la comunidad china por enseñar los secretos del Gung Fu a personas no chinas (históricamente herméticos y recelosos bruce leea la hora de compartir ancestrales secretos con los extranjeros) Bruce aceptó el reto de ganar a quien le desafiase y poder seguir enseñando a quien quisiese, o perder, y dejar de enseñar a personas no asiáticas. Este reto consistía en luchar contra Wong Jack Man, uno de los mejores luchadores de la comunidad china. Wong tenía un estilo completamente distinto, que contrastaba con los movimientos sencillos, pero efectivos del Wing Chun. Bruce sólo empleó 3 minutos en ganarle pero se dio cuenta de que era demasiado tiempo y que se encontraba muy cansado después del combate, razón por la cual Bruce se replanteó su sistema de lucha hasta la fecha (Wing Chun), y decidió comenzar a entrenar su cuerpo al límite de sus capacidades. Podría decirse que a partir de este combate Bruce comenzó a crear un arte / filosofía de vida donde asimilaba todo aquello que le era de utilidad y donde entrenaba tanto el cuerpo como la mente, y que más tarde llamaría Jeet Kune Do (el camino del puño que intercepta).

La visión que Bruce Lee tenía sobre las artes marciales era muy diferente a la que tenían la mayoría de maestros. Él creía que todo se basaba en posiciones fijas; decía que había que liberarse de la rutina, que debíamos evolucionar con el combate y no limitarnos a las únicas posiciones que conocemos. El combate está siempre vivo y constantemente cambiando; es por esto que decidió definir el Jeet Kune Do uniendo las técnicas más efectivas de una gran multitud de modalidades de combate y defensa personal: boxeo tailandés, Wing Chun, Jiu Jitsu, boxeo inglés, kárate, etc. Así, llegamos a la conclusión de que el Jeet Kune Do no es un estilo fijo, sino una guía que nos ayudará a evolucionar con el combate.

Bruce Lee asistió como invitado a una exhibición que daba Ed Parker, fundador de la Kempo Karate en EE.UU. y sus demostraciones y habilidades dejaron sorprendido al público asistente, entre ellos a un productor de TV llamado William Dozier, quien le invitó a participar en algunos castings para sus proyectos televisivos.

Llegamos así a 1965. El 1 de febrero de ese año tuvo su primer hijo; se llamaría Brandon Lee, y también llegaría a ser actor. Su padre, Bruce, le enseñó el arte del Jeet Kune Do desde muy pequeño. Pero la alegría de tener un hijo se vio truncada cuando, siete días después del nacimiento de Brandon, el padre de Lee murió.

En 1966, Bruce Lee aceptaría un papel ofrecido en la serie televisiva "The Green Hornet”, de manera que se trasladó con su mujer y su hijo a Los Ángeles con un contrato, según el cual, cobraría 400 dólares por episodio; aprovechando este sueldo Lee construyó la tercera escuela Jun Fan. En “El aguijón verde” Bruce interpretaba el papel del chófer japonés llamado Kato. La serie tuvo gran éxito, siendo incluso conocida por la gente como la serie de Kato, “The Kato Show” (el personaje interpretado por Bruce) y no como The Green Hornet, que era el nombre original.  La serie utilizaría el mismo formato que otra famosa producción de la época, “Batman”. El éxito obtenido trascendió el meramente televisivo al demostrar una innovadora técnica de lucha desconocida para el público estadounidense, acostumbrado a peleas de boxeo. Sorprendentemente la serie supuso de igual manera un éxito también en Hong Kong. Años después Bruce bromeaba a cerca de la razón por la cual él consiguió ese papel: según él era el único chino  en los Estados Unidos que pronunciaba correctamente el nombre "Britt Reid" (el personaje principal)

Hubo un largo retraso antes de que la producción fuera completada y comenzara; por las molestias el estudio ofreció a Bruce un honorario de compensación de 1800 dólares; bruce leebruce leeutilizó el dinero para pagar el viaje a Hong Kong de modo que su familia pudiera conocer a su mujer Linda y a su hijo Brandon. A finales de ese año volvieron a Estados Unidos y Bruce se trasladó con su familia a Los Ángeles donde compraron un apartamento pequeño en el Wilshire Boulevard en Westwood. El Estudio, Twentieth Century Fox, impartió a Bruce Lee clases de arte dramático y actuación, para explotar mejor sus dotes de expresión y adaptarlo al mercado del cine americano. Como anécdota cabe decir que Bruce también caracterizó a Kato en tres episodios de la serie Batman, que también se emitía por aquella época.

A pesar de todo, la serie sólo duró una temporada (entre septiembre del 1966 y julio de 1967), pero gracias a ella Bruce se hizo realmente famoso, lo cual le permitió dar clases privadas y cobrar mucho más dinero por ellas a personajes famosos de la talla de: Steve McQueen, Kareem Abdul Jabbar, James Coburn, Roman Polanski...

La cancelación de "The Green Hornet" suposo para Bruce un drástico recorte en sus ingresos, de manera que, una vez terminado el contrato televisivo, Lee retomó sus proyectos de escuela de Kung Fu mientras continuó  adiestrando a numerosas estrellas del celuloide. Hizo además gran amistad con Danny Inosanto, un americano de ascendencia filipina, experto en el arte del palo corto llamado Kali, al que como comentábamos había conocido en el campeonato de Baja Beach.
Durante los años siguientes, entre 1967-1970, además de dar clases, Bruce continuó entrenándose tanto física como intelectualmente (poseía una biblioteca particular con más de 2.000 libros), con alumnos suyos como Dan Inosanto e incluso alguna que otra vez con el posteriormente famoso Chuck Norris. Tampoco dejó de asistir a campeonatos, en muchos de los cuales realizaba exhibiciones, así como de interpretar pequeños papeles en algunos episodios de otras series (Ironside, Blondie, Here Comes the Bride...), y películas (Marlowe), o trabajando como supervisor y coreógrafo de escenas de pelea en algunas películas (The Wrecking Crew y A Walk In The Spring Rain). Es también durante esta época cuando se produce uno de los momentos más felices de su vida, ya que el 19 de abril de 1969 nace su segundo retoño, una niña llamada Shanon Lee.

En 1970 Bruce sufriría uno de los peores momentos de su vida dañándose un nervio sacro al colocarse demasiado peso para hacer un ejercicio llamado good morning durante uno de sus habituales entrenamientos. Debido a esta grave lesión (de la que nunca llegó a recuperarse completamente teniendo a menudo fuertes dolores de espalda que sólo calmaba mediante determinados medicamentos) permaneció en cama y en reposo absoluto durante 6 meses; incapaz de soportar la inactividad a la que se veía obligado aprovechó este tiempo para recopilar notas y dibujos sobre su sistema de lucha y entrenamientos que luego serían reproducidas en un libro llamado El Tao del Jeet Kune Do que aparecería publicado después de su muerte. Bruce también aprovechó para trabajar en 1971 en el guión de una película llamada The Silent Flute, que tenía pensado protagonizar junto a James Coburn en la India llegando incluso a trasladarse para localizar exteriores a ese país; por desgracia nunca llegaría a ver realizado el proyecto (tras su muerte fue estrenada como El Circulo de Hierro, con David Carradine como protagonista).

Más adelante Bruce sufriría un nuevo desengaño tras ser apartado de un nuevo proyecto que había pensado junto al productor Fred Weintraub sobre un monje shaolí que recorría el oeste americano en busca de su hermano. Esta serie, que se llamaría Kung Fu (en un principio pensada como The Warrior), sería también protagonizada finalmente por David Carradine, ya que se alegó que Bruce era "demasiado chino" para protagonizar una serie en los Estados Unidos (teniendo en cuenta lo coherente y convincente que resulta un maestro de artes marciales chinas de ascendencia caucásica)

También durante ese año Bruce pudo enseñar conceptos de su Jeet Kune Do en algunos episodios de una serie llamada Longstreet, que protagonizaba James Franciscus y donde Lee interpretaba al profesor de artes marciales de éste. A raíz de estas intervenciones, un productor chino llamado Raymond Chow se interesó por Bruce para protagonizar dos películas para los estudios Golden Harvest de Hong Kong. Bruce, desalentado, y siendo perfectamente consciente tras los últimos acontecimientos que su esperada oportunidad en Hollywood no llegaría, aceptó la propuesta, de manera que en julio de ese mismo año se trasladó a Tailandia donde comenzaría a rodar la que sería la primera de las dos películas, The Big Boss (en España Karate a Muerte en Bangkok), en unas condiciones realmente duras. El rodaje, que duraría unas seis semanas tuvo lugar en Pak Chong, en unas condiciones lamentables de trabajo, llegando el caso de tener que cortar el rodaje por invasión de cucarachas e incluso a veces de permanecer sin comer debido al estado del alimento que se cocinaba y mantenía bajo lamentables condiciones de higiene y sobre todo el frustrante devenir de  directores hasta que Raymond puso a Lo Wei al frente de la dirección de la película.

En octubre comenzaría el rodaje de la segunda película pactada con la Golden Harvest, aunque ahora con un mayor presupuesto y unas mejores condiciones de rodaje. Esta película se titularía Furia Oriental (Fists of Fury en los EEUU), y se convertiría en quizás su película más famosa en China, ya que Bruce interpretaba a un alumno de un maestro asiático que venga la muerte de éste a manos de los japoneses (muy odiados por los chinos en aquella época debido a la represión a la que fueron sometidos por parte de estos a lo largo de muchos años y a la recordada ocupación durante la guerra). A finales de ese mismo mes se estrena The Big Boss en Hong Kong como jamás se había estrenado otra película en la ahora ex-colonia británica. Tras este estreno sin precedentes, la película batió records de taquilla y Bruce se convirtió en un héroe nacional. Poco después, en marzo de 1972, se estrenó la segunda producción, superando incluso en recaudación a la primera y confirmando a Lee como una consagrada estrella en los films de artes marciales e incluso más, conformándose como signo de identidad de la cultura china.
Tras estas dos películas Bruce decidió no volver a rodar nunca más junto a Lo Wei, el director de los otros films, ya que las relaciones entre ambos no eran especialmente buenas debido a las presiones e imposiciones a las que Lo sometía a Bruce durante los rodajes, aprovechando que este estaba bajo un rígido contrato. Una vez Bruce libre, y sin estar atado a nadie, decidió fundar junto a Raymond Chow la productora Concord Films, uniendo el talento de uno con la capacidad económica del otro. De esta unión salió la tercera película de Bruce: El Furor del Dragón (The Way of The Dragon en los EEUU), en la que tenía total libertad al ser el director, protagonista, guionista y coproductor, razón por la cual fue la película más "personal" de Bruce. El equipo se desplazó a Europa para rodar en exteriores, hecho que, a la postre, daría lugar a una de las más espectaculares peleas vistas jamás en la gran pantalla; el enfrentamiento entre Bruce Lee y Chuck Norris con el Coliseo Romano como telón de fondo, siendo la más memorable pelea en la filmografía de Lee. Como dato curioso cabe señalar que el mismo Lee era el encargado de la percusión en la banda sonora del filme.

Tras un pequeño descanso y durante la promoción de El Furor del Dragón, Bruce comenzó a dar forma al que sería su proyecto más ambicioso hasta la fecha; su The Game of Death (Juego con la muerte en castellano). En esta película Bruce intentaría mostrar de una manera más filosófica su Jeet Kune Do, luchando en distintos niveles contra los mejores ldel momento. Bruce comenzó el rodaje de las escenas de lucha en septiembre de 1972, aprovechando que alumnos y amigos suyos se encontraban en Hong Kong (Kareem Abdul Jabbar sería uno de ellos), pero poco después de comenzar el rodaje Bruce recibiría la propuesta de filmar la primera gran película de artes marciales a nivel mundial y la primera coproducción entre una realizadora americana (Warner Brothers) y una asiática (Golden Harvest), razón por la cual aparca a un lado el rodaje de Juego Con la Muerte (que sería finalizada en 1978 utilizando dobles y las escasas escenas que Bruce rodó), para dedicarse por completo al nuevo proyecto. Bruce ve esta propuesta como una manera de poder demostrar de una vez por todas a Hollywood lo que es capaz de hacer, por lo que acepta la propuesta y firma para rodar la película Enter the Dragon (Operación Dragon). Mientras, en diciembre de 1972 se estrena El Furor del Dragón, batiendo nuevamente todos los records.

El 10 de mayo de 1973, durante una de las sesiones en las que Bruce acudía a la sala de doblaje para doblar Operación Dragón (las películas chinas de la época se rodaban sin sonido en directo), éste sufrió un aparente ataque epiléptico en uno de los lavabos del estudio, lo cual le dejó inconsciente y tuvo que ser trasladado al hospital. Debido a la gravedad del asunto, y realmente preocupado por su salud, Bruce viajó a Los Ángeles decidido a poner en manos de los mejores especialistas que, tras numerosas pruebas y análisis concretaron no sólo que no había ningún tipo de problema, sino que además el actor tenía, a sus 32 años, mejor saludo que un chico de 18.

La película terminó de rodarse en abril de 1973 arrasando, literalmente, en su estreno, elevando a Lee a la categoría de estrella del cine en su ansiada meca estadounidense y convirtiéndole, definitivamente, en un mito.
Cuatro meses después, el 10 de julio de 1973, y, a pesar de haber peregrinado por numerosos y reputados especialistas que no encontraron problema ni dificultad algunos en la salud de Lee, Bruce fallecía en extrañas circunstancias como consecuencia (supuestamente) de un edema cerebral a causa de una desconocida alergia a un compuesto de un antibiótico. Sea como fuere una sarta de conspiraciones por parte de la mafia, maldiciones chinas y demás perseguirá siempre el recuerdo de Bruce y su trágico final. El 25 de julio tuvo lugar un funeral en Hong Kong al que asistieron más de 25.000 personas. Un cartel rezaba Una estrella se hunde en un mar de arte. Días más tarde, el 31 de julio, Bruce sería finalmente enterrado en Seattle en una ceremonia mucho más íntima. En agosto de ese mismo año, se estrenó en Estados Unidos Enter the Dragon catapultando a Bruce al estrellato de Hollywood, elevándolo irremediablemente a la categoría de leyenda...y como ocurre con las leyendas, Bruce Lee seguirá vivo; mientras le recordemos... no morirá.
(Fuente:http://www.dragonbrucelee.es/ )





Game of death -‘JUEGO CON  LA MUERTE’ (1978)– La película póstuma de Bruce Lee.

Estrenada tras el fallecimiento de Bruce Lee a partir de metraje incompleto (sólo se rodaron 54 minutos con él, y el resto se usó material de archivo de otros filmes), "Juego con la Muerte" muestra mejor que nunca otra película el legado del mayor icono de las artes marciales de todos los tiempos. En ella, Lee encarna a su alter ego Billy Lo, una superestrella del cine de acción coaccionada por un sindicato del crimen para que trabaje para ellos. Tras la negativa de Lo, los mafiosos deciden deshacerse de él haciendo que le disparen en medio de un rodaje con un arma que se suponía de fogueo. La muerte de Lo conmociona al mundo entero, pero en realidad él ha sobrevivido y planea su revancha En un final épico, Lee se enfrenta, uno tras otro, a diferentes adversarios con distintos estilos de lucha hasta encontrarse cara a cara con el enemigo final Kareem Abdul Jabbar en una de las escenas de lucha más recordadas de la historia. El film se estrenó en 1978, cinco años tras la muerte de Bruce Lee.