Una pizca de Cine, Música, Historia y Arte

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miércoles, 31 de octubre de 2012

Raf Vallone



RAF VALLONE 
 
(17 de febrero de 1916 - 31 de octubre de 2002)
 
 

Raf Vallone, de nombre real Raffaelle Vallone  fue un actor, autor, deportista, critico de arte y director italiano de trascendencia internacional. Hombre de vasta cultura y versatilidad, filmó en Italia, España, Francia, Alemania y Estados Unidos. Se lo recuerda por su interpretación de Eddie en "Panorama desde el puente" tanto en teatro como en cine.(Fuente:Wikipedia)




CAMICIE ROSSE ("Camisas rojas"),1952
Historia de Giuseppe Garibaldi, desde el año 1849, centrado en su relación con Anita, su esposa. El actor Raf Vallone interpreta al famoso personaje histórico italiano.
La actriz Anna Magnani, que aparece acreditada como guionista, interpreta a Anita Garibaldi.
 
 

Peter Jackson


"En cierta forma, todos somos Hobbits. Representan al inocente que carece de experiencia en la guerra, en conflictos y que, repentinamente, se encuentra inmerso en todo ello". 


PETER JACKSON



Sir Peter Robert Jackson (n. 31 de octubre de 1961 en Pukerua Bay) es un guionista, productor y director de cine neozelandés, ganador de los premios Óscar, Globos de Oro y BAFTA por sus películas El Señor de los Anillos: la Comunidad del Anillo (2001), El Señor de los Anillos: las dos torres (2002) y El Señor de los Anillos: el retorno del Rey (2003).
(Fuente:Wikipedia)




Peter Jackson nos ofrece “EL HOBBIT: Un viaje inesperado”(2012), la primera de las tres partes de la adaptación cinematográfica de la popular obra de J.R.R. Tolkien. Las películas están ambientadas en la Tierra Media, 60 años antes de “El Señor de los Anillos”. La aventura sigue el viaje del protagonista Bilbo Bolsón, que se embarca en la recuperación del tesoro y del reino enano de Erebor, arrebatados por el terrible dragón Smaug. Alcanzado de repente por el mago Gandalf el Gris, Bilbo se encuentra acompañado de trece enanos dirigidos por el legendario guerrero Thorin Escudo de Roble. Su viaje les hace adentrarse en tierras peligrosas, donde se encontrarán con trasgos, orcos, wargos salvajes, arañas gigantes, cambia pieles y hechiceros. Aunque su objetivo es la Montaña Solitaria de Oriente, primero deben escapar de los túneles de los trasgos, donde Bilbo se encuentra con la criatura que cambiará su vida para siempre: Gollum. A solas con Gollum a la orilla de un lago subterráneo, el sencillo Bilbo Bolsón no solamente descubre, y se sorprende, de lo astuto y valiente que puede llegar a ser, sino que se hace con el “tesoro” de Gollum, un anillo que posee cualidades muy útiles. Se trata de un sencillo anillo de oro ligado al destino de la Tierra Media hasta un punto que Bilbo ni siquiera puede imaginar.
(Fuente:http://peliculas.labutaca.net/el-hobbit-parte-1)



Federico Fellini


 
 
"El único realista de verdad es el visionario". FEDERICO FELLINI
(20 de enero de 1920 –  31 de octubre de 1993)





Federico Fellini (Rímini, 20 de enero de 1920 – Roma, 31 de octubre de 1993) fue un director de cine y guionista italiano.

Es universalmente considerado como uno de los principales protagonistas en la historia del cine mundial. Ganador de cuatro premios Óscar por mejor película extranjera, en 1993 fue galardonado con un Óscar honorífico por su carrera.

Durante casi cuatro décadas –desde El jeque blanco en 1952 hasta La voz de la luna en 1990– y dos docenas de películas Fellini realizó un retrato de una pequeña multitud de personajes memorables. Decía de sí mismo que era "un artesano que no tiene nada que decir, pero sabe cómo decirlo". Su obra es ampliamente considerada como única e inolvidable, llena tanto de asperezas como de sátira, y veladas de melancolía.(Fuente:Wikipedia)




LA STRADA es una película italiana de 1954 producida por Dino De Laurentiis y Carlo Ponti, dirigida por Federico Fellini y protagonizada por Anthony Quinn y por la esposa de Fellini, Giulietta Masina. Es un ejemplo clásico del período neorrealista del director y esta película es la que le otorgaría un sólido prestigio internacional.Fue candidata al Oscar en 1957 en la categoría de mejor guion (Federico Fellini y Tullio Pinelli), y ganó el premio a la mejor película de habla no inglesa. En el Festival de Venecia de 1954, Fellini ganó el León de Plata y fue candidato al León de Oro. En la Argentina la Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina la premió como la Mejor Película Extranjera en 1957.

River Phoenix


"En mi mundo utópico, viviría en una isla desierta, lejos de cualquier señal de industria y contaminación. Al lado de una montaña, donde nevase, para que pudiera hacer una maniobra y bajarla esquiando. Debajo habría un lago en el que podría nadar y reunirme con los amigos. Todo sería mejor si pudiera volar como Peter Pan!". RIVER PHOENIX

(n. 23 de agosto de 1970 – f. 31 de octubre de 1993)






Nació en Madras, Oregon (Estados Unidos). Sus padres John y Arlyn Phoenix, eran dos hippies que se convirtieron en misioneros de una de las sectas más destructivas del planeta denunciada constantemente por el abuso sexual a los niños, LOS NIÑOS DE DIOS.

La familia pasó apuros económicos y en Venezuela, River tuvo que cantar en las calles para sobrevivir. Tuvieron cinco hijos a los que pusieron nombre místicos, como River, (le pusieron River en honor al río de la vida de la novela "Siddhartha" de Hermann Hesse y Jude en recuerdo de la canción de los Beatles "Hey Jude"), Rainbow (que apareció en Even cowgirls get the blues), Leaf -conocido como Joaquin Phoenix, Summer Joy y Liberty.

Inició su carrera muy joven tocando la guitarra y cantando en la serie televisiva Fantasy y después apareció, entre otras, en Hotel, Enredos de familia y Siete novias para siete hermanos, hasta que Joe Dante le descubre para el cine en Exploradores.

Fue nominado al Oscar como mejor actor secudario por Un lugar en ninguna parte.

En 1993, la noche del 31 de octubre, la policía recibió la llamada de Joaquin Phoenix diciendo que su hermano se estaba muriendo. River Phoenix falleció esa misma noche después de tomar una dosis letal de cocaína y heroína, en Los Angeles, California.


Filmografía:

1994 Silent Tongue
1994 Even Cowgirls Get the Blues
1994 Dark Blood
1993 The Thing Called Love
1992 Sneakers
1991 My Own Private Idaho
1991 Dogfight
1990 I Love You to Death
1989 Indiana Jones and the Last Crusade
1988 Running on Empty
1988 A Night in the Life of Jimmy Reardon
1988 Little Nikita
1986 The Mosquito Coast
1986 Stand by Me
1985 Explorers
(Fuente:www.buscabiografias.com)





MI IDAHO PRIVADO (My Own Private Idaho), es una película independiente filmada en 1991 por el director norteamericano Gus Van Sant. En Hispanoamérica es conocida con títulos como Mi mundo privado y Mi vida en privado. La protagonizan River Phoenix y Keanu Reeves.

El personaje de Reeves se basa en el de Enrique IV, parte 1 de Shakespeare. La película obtuvo varios galardones, incluyendo el de mejor actor en el Festival de Venecia en 1991, y es uno de los clásicos del cine gay.

martes, 30 de octubre de 2012

Agustín Lara



“Soy ridículamente cursi, y me encanta serlo. Porque la mía es una sinceridad que otros rehuyen…ridículamente”. AGUSTIN LARA 

(30 de octubre de 1900— † 6 de noviembre de 1970)


 Ángel Agustín María Carlos Fausto Mariano Alfonso del Sagrado Corazón de Jesús Lara y Aguirre del Pino,1 conocido como Agustín Lara, fue un compositor e intérprete de canciones y boleros. Nació en la capital de México el 30 de octubre de 1897. Sin embargo, un halo de misterio, auspiciado por el propio músico, se extendió siempre sobre esos datos, ya que siempre afirmó, quizá por coquetería o romanticismo, que vió la luz por primera vez en la localidad de Tlacopalpán, allá por 1900Considerado entre los más populares de su tiempo y de su género. También conocido con el mote de El Flaco de Oro, su obra fue ampliamente apreciada no solo en México, sino también en Centroamérica, Sudamérica, el Caribe y España. Luego de su muerte, se le ha reconocido también en Estados Unidos, Italia y Japón. Sus canciones más conocidas han sido grabadas por Pedro Infante, Plácido Domingo, José Carreras, Juan Diego Flórez, Luis Mariano, Francisco Araiza, Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli, Ramón Vargas, Fernando de la Mora, María Dolores Pradera, Chavela Vargas, Mike Laure, Pedro Vargas, Alfredo Sadel, el barítono Hugo Avendaño, José Mojica, Toña la Negra, Elvira Ríos, Los Panchos, la Internacional Sonora Siguaray, Javier Solís, La Sonora Santanera, Rodrigo de la Cadena, Alejandro Algara, Vicente Fernández, Filippa Giordano, Enrique Bunbury, Luz Casal y Natalia Lafourcade.(fuente:Wikipedia)





PIENSA EN MI.Famoso bolero escrito por Agustín Lara.

Jua Antonio Bardem



“El cine español es políticamente ineficaz, socialmente falso, estéticamente nulo, intelectualmente ínfimo e industrialmente raquítico” JUAN ANTONIO BARDEM
 (I Conversaciones sobre el CineEspañol.Salamanca,1955)



Juan Antonio Bardem (2 de junio de 1922 -30 de Octubre de 2002). Hijo de los actores Rafael Bardem y Matilde Muñoz Sampedro y hermano de Pilar Bardem. Se casó con María Aguado Barbado y tuvieron cuatro hijos: Miguel Bardem, Juan, Rafael y María. Fue también tío de los actores Javier Bardem, Carlos Bardem y Mónica Bardem.

Aunque es hijo de actores no se vincula a ese mundo desde un principio, sino que se titula como Ingeniero agrónomo. Es posteriormente, cuando estudia cine en el instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, cuando se plantea dedicarse al mundo del celuloide. De esa época nace la amistad y la colaboración con Luis García Berlanga. Esa relación fructificó en la película Esa pareja feliz, que ambos codirigieron, y continuó en Bienvenido, Mister Marshall, de 1953, en la cual ambos fueron coguionistas y contaron además con una contribución adicional de Miguel Mihura en los diálogos. Bienvenido, Mister Marshall, dirigida por Berlanga, obtuvo el premio al mejor guion y a la mejor comedia en el Festival de Cannes.

En 1953 comienza a dirigir sus propias películas, de las que destacan Muerte de un ciclista (1955, Premio de la Crítica internacional en el Festival de Cannes) y Calle Mayor (1956, Premio de la Crítica en el Festival de Venecia). También fue encarcelado mientras grababa esta película, pasando dos noches en la Dirección General de Seguridad (en el edificio de la Puerta del Sol que en la actualidad ocupa la Presidencia de la Comunidad de Madrid) [cita requerida].

Pese a estos éxitos internacionales, Bardem tuvo problemas en España con la censura, debido a su militancia en el PCE, y en los años 1960 y 1970 apenas puede desarrollar su trabajo cinematográfico en el país. Es el más politizado de las Tres Bes del cine español (Bardem, Berlanga y Buñuel).1

Sus películas posteriores no han recibido el respaldo de la crítica, con la excepción de El puente (1976), en la que intentaba deshacer el discurso cinematográfico del landismo.

También se cuenta entre sus obras Siete días de enero (1979, galardón Golden Price en el Festival de Moscú), película que narra el asesinato de cuatro abogados laboralistas pertenecientes al Partido Comunista de España por parte de un comando terrorista de la ultraderecha española, todo ello en plena transición española.

Murió en Madrid el 30 de octubre de 2002 a los 80 años debido a una enfermedad hepática. Poco antes había escrito un libro de memorias titulado Y todavía sigue.(Fuente:Wikipedia)




MUERTE DE UN CICLISTA es una película hispano-italiana dirigida por Juan Antonio Bardem en 1955. En ella, una mujer casada mantiene un romance secreto con un profesor universitario. Un día en uno de sus encuentros iban juntos en un coche cuando atropellan a un ciclista, para que no les reconocieran deciden salir huyendo (fuente: Wikipedia).



Louis Malle



LOUIS MALLE (30 de octubre de 1932 - 23 de noviembre de 1995)





Director de cine francés. Alumno de los jesuitas en Fontainebleau y graduado en Ciencias Políticas en la Universidad de la Sorbona, Malle había nacido en una familia de siete hermanos, descendiente de un noble francés que había hecho su fortuna durante las Guerras Napoleónicas. Se interesó pronto por la fotografía y la imagen. En un principio su familia no vio con buenos ojos que se dedicara al cine, pero completó su educación en el Institute Des Hautes Études Cinematographiques (IDHEC).

Como fotógrafo conoció a Jacques Cousteau, se enamoró de su proyecto y se embarcó en “La Calypso” para convertirse, según palabras del propio Cousteau, en el mejor cámara submarino que había tenido jamás. De su trabajo conjunto surgió Le monde du silence, que se convirtió en la primera película de Malle como director, aparte de su labor como director de fotografía, y que le hizo ganar un Oscar al mejor documental y la Palma de Oro al mejor director, compartida con Jacques Cousteau.

La carrera de Malle, que se extiende a lo largo de casi cuarenta años, se beneficia también de su aportación como guionista y actor. La necesidad de escribir los guiones proviene en su caso tanto del establecimiento de su filosofía como de algún ejercicio autobiográfico. Desde Los amantes hasta Herida, Malle extiende su concepción de la sexualidad, sobre todo femenina, con distintas reacciones por parte del público y la crítica a lo largo de las épocas. A causa de su militante ruptura de los tabúes eróticos, encontró casos como el ocurrido en 1968, en el que el Tribunal Supremo de EE.UU. acusaba de obscenidad a una sala de Ohio que proyectaba Los amantes. Quizá esta fuera la razón principal por la que Malle fue tan reacio a introducirse de lleno en el ambiente hollywoodiense.

Ya había rodado algunos de sus títulos más significativos, como Zazie en el metro o El soplo al corazón -que le valió una nominación al Oscar en el apartado de mejor guión original-, cuando viajó a Estados Unidos. Allí conoció a la actriz Susan Sarandon, con quien inició una relación que les llevaría a colaborar en títulos como La pequeña -cuya banda sonora fue nominada al Oscar- o Atlantic City, que aunque no llegó a conseguir ninguna estatuilla obtuvo cinco nominaciones al Oscar y tres a los Globos de Oro.

Pero pronto la relación con Sarandon fracasó y además Malle comenzó a encontrar dificultades para rodar. Después de Atlantic City realizó tres películas que le brindarían la oportunidad de dirigir a Ed Harris, Sean Penn y Donald Sutherland, y dos largometrajes para televisión, God’s Country y And the Pursuit of Happiness, a los que también presta su voz como narrador.

El regreso a Francia tendrá un doble significado: el reencuentro con el cine europeo y consigo mismo. Adiós, muchachos le ofrece la oportunidad de exorcizar su propia experiencia de la ocupación alemana en Francia durante la Segunda Guerra Mundial. La historia se desarrolla en 1944 en un colegio católico que refugia a niños judíos. El hecho autobiográfico, lejos de hacer caer a Malle en una sucesión de acontecimientos dramáticos, refleja una historia conmovedora, más por lo que se adivina tras las miradas, que por lo poco que puede haber de explícito en la narración.

Cuentan que Malle lloró la noche del estreno, lo que da una idea de su implicación directa con la historia. Adiós, muchachos obtuvo dos nominaciones al Oscar en los apartados de película y guión y una a los Globos de oro como mejor película extranjera. En Europa serían más generosos: ganó el Félix al mejor guión y el León de Oro premió a Malle como mejor director.

Sus tres últimas películas son relatos completamente distintos. Cerca ya de la enfermedad, ésta no merma ni un ápice su pasión. Milou en mayo recoge, muchos años después, el espíritu del 68, que Malle se apresura a reivindicar, no exento de humor, como algo visceralmente francés. Con Herida, basada en la novela de la irlandesa Josephine Hart, su discurso se hace inquietante, escondiendo detrás de cada imagen ese peligro que exhibe la frase más ilustrativa del guión: “Las personas heridas son peligrosas; saben que pueden sobrevivir”. Completamente convencido de que en esta historia la imagen anularía las palabras, eligió a una actriz, Juliette Binoche, con la cualidad de hacer que su presencia, su mirada, interpretaran por ella. Pero fue la británica Miranda Richardson quien obtuvo sendas nominaciones al Oscar y a los Globos de Oro como mejor actriz secundaria.

Malle cerró su filmografía sin pretenderlo con Vanya en la calle 42, una historia sobre el teatro que tenía como eje principal el temor de los personajes a haber malgastado sus vidas. Nada parece casual. A Malle se le diagnosticó un cáncer que le afectaba a las glándulas linfáticas y murió el 23 de noviembre de 1995 en Beverly Hills, California, junto a la que había sido su mujer desde 1981, Candice Bergen.

Aun teniendo claro cuáles debían ser las constantes de su obra, Malle buscó incansablemente la variedad. Desde el western cómico al drama autobiográfico, no fue nunca un director estricto; confiaba en que la aportación de los actores ampliaría la visión de su trabajo. Se enfrentó a las variaciones sobre el sexo prohibido, incluyendo el incesto (Soplo al corazón) y la prostitución (La pequeña) en su repertorio, y se rodeó de los profesionales más prestigiosos. Su aportación a la “Nouvelle vague” pasó por corroborar la concepción de una nueva moral. El cine europeo le debe uno de sus nombres claves y el cine americano puede dar gracias por el tiempo que le dedicó.(Fuente:http://www.biografiasyvidas.com)



ADIOS,MUCHACHOS(Au revoir, les enfants) es una película francesa de 1987, escrita, producida y dirigida por Louis Malle. Basada en experiencias de la infancia de Louis Malle, como alumno de un internado católico en las cercanías de Fontainebleau. Ganadora del premio León de Oro del Festival Internacional de Cine de Venecia (1987) y varios premios más.


Samuel Fuller


"Todas las guerras, desde el principio de la civilización, se hacen con sangre, son iguales, sólo son diferentes las explicaciones." SAMUEL FULLER
                                     
                               (12 de agosto de 1912 - 30 de octubre de 1997)






Samuel Michael Fuller nació el 12 de agosto de 1912 en la localidad estadounidense de Worcester, Massachusets, pero creció en Nueva York.

En su adolescencia comenzó a trabajar como periodista especializado en crímenes, colaborando con publicaciones como el “New York Journal”, el “New York Evening Graphic” y el “San Diego Sun”.

En su temprana juventud dio inicio también a su faceta como escritor, ideando básicamente relatos pulp, como “Run, baby, run” (1935).

A mediados de los años 30, Sam Fuller comenzó su carrera cinematográfica escribiendo guiones para películas como “Hats Off” (1936), “The gangs of New York” (1938), “Adventure in Sahara” (1938) o “Power of the press” (1943).

Cuando los Estados Unidos entraron en la Segunda Guerra Mundial, Fuller acudió al conflicto para participar tanto en el frente europeo como en el norteafricano.
Por sus servicios bélicos recibió numerosos galardones, entre ellos el Corazón de Púrpura o la Estrella de Plata.

Autor independiente, de cierta discordancia ideológica, con un impactante y directo estilo visual y un acerado sentido de la narración, es singular en su cine el empleo de primerísimos planos, tomas largas y un uso manifiesto de la violencia con un habitual comentario social, siendo una influencia básica para gente como Martin Scorsese, Jim Jarmusch, Quentin Tarantino, Jean-Luc Godard, Leos Carax o Wim Wenders.

Después de que Howard Hawks se interesase por llevar a la pantalla grande su novela “The Dark Place” (1944), sin llegar a concretarse su producción hasta los años 50 con dirección de Phil Karlson en “Trágica información” (1952), Fuller debutó como director con “Balas vengadoras” (1949), un western sobre la figura de Jesse James que fue continuado por otro título del oeste, “El barón de Arizona” (1950), un film protagonizado por Vincent Price.

   

Estas películas no consiguieron demasiada resonancia en Hollywood, al contrario que “Casco de acero” (1951), un film bélico ambientado en la Guerra de Corea que consiguió un notable recibimiento crítico y comercial. El mismo año también volvió a Corea con “A bayoneta calada” (1951).

En los años 50 también estrenó “Park Row” (1952), un título ambientado en el mundo del periodismo; “Manos peligrosas” (1953), film negro protagonizado por Richard Widmark y Jean Peters; “El diablo de las aguas turbias” (1954), título de espionaje que contaba de nuevo con el protagonismo de Widmark; “La casa de Bambú” (1955), otra cinta negra, ahora ambientada en Japón, que contaba con el protagonismo de Robert Ryan y Robert Stack; “Yuma” (1957), western psicológico con Sara Montiel y Rod Steiger; “China Gate” (1957), film bélico sobre la Guerra del Vietnam; “Forty Guns” (1957), western aplaudido de manera extrema por la nouvelle vague, en especial por Jean-Luc Godard, quien remedó algunos planos en su famosa “Al final de la escapada”; “Verboten!” (1959), un drama bélico ambientado en la Segunda Guerra Mundial; y “The Crimson Kimono” (1959), thriller con Glenn Corbett, Victoria Shaw y James Shigeta.

En 1959 Samuel Fuller se divorció de su esposa, Martha Downes, y en 1967 se casó con la actriz Christa Lang, vista con anterioridad a su boda con Fuller en películas como “Juegos de amor a la francesa” (1964), “El Tigre” (1964) o “Lemmy contra Alphaville” (1967). Posteriormente intervino bajo las órdenes de su marido en “Perro blanco” (1983), “Ladrones en la noche” (1984) o “Calle sin retorno” (1989).

Los años 60 comenzaron para Sam Fuller con títulos como el film negro “Underworld USA” (1960) o el bélico “Invasión en Birmania” (1962).
Su producción en este decenio fue menos prolífica que en el previo, siendo las películas más destacadas de este período los dramas psicológicos “Corredor sin retorno” (1963) y “Una luz en el hampa” (1964), films tachados de sensacionalistas extremos por la crítica estadounidense, hecho que menguó la popularidad de Fuller en Hollywood.
Todo lo contrario sucedió en Europa, en donde era tratado como un autor de culto. Incluso Godard, uno de sus máximos admiradores, le hizo aparecer como actor en su “Pierrot el loco” (1965).

Lo cierto es que tras estas dos estupendas películas Fuller rodó en muy pocas ocasiones.
Después de “Arma de dos filos” (1969), adaptación de una novela de Victor Canning protagonizada por Burt Reynolds, Fuller pasó en blanco como director la década de los 70, retornando en los años 80 con títulos como el film bélico “Uno rojo: división de choque” (1980), la antiracista “Perro Blanco” (1982), el drama criminal “Ladrones en la noche” (1984), o “Calle sin retorno” (1989), su última película cinematográfica, que fue protagonizada por Keith Carradine y Valentina Vargas.

Su ocupación profesional más usual en esta última etapa de su vida fue la de actor, interviniendo en varios títulos de sus discípulos-admiradores, como Aki Kaurismaki (“La vida de bohemia”), Mika Kaurismaki (“Helsinki-Nápoles: Todo en una noche”), Alexandre Rockwell (“Alguien a quien amar” o “Sons”) o Wim Wenders (“El estado de las cosas” o “El fin de la violencia”).
   

El 30 de octubre de 1997 Samuel Fuller fallecía a la edad de 85 años.(Fuente:Alohacriticon)











YUMA es una película de género western de 1957 procedente de EE. UU., dirigida, producida y escrita por Samuel Fuller y protagonizada por los conocidos actores Rod Steiger, Sara Montiel y Charles Bronson. También es conocida por el título Run of the Arrow.



Orson Welles, por él mismo




No siento devoción alguna por lo que hago: no tiene ningún valor para mí; no me interesan
la fama, la posteridad ni las obras de arte, sólo el placer de la experimentación. Soy cínico
respecto a mi trabajo pero no soy cínico a la hora de trabajar sobre algún material.
La moral burguesa sentimental me asquea: prefiero el coraje a todas las demás virtudes,
cualquiera que sea el juicio que emitan sobre mi moral deberán tratar de descubrir en ella
una faceta anarquista y aristocrática.


Odio a la policía: es mejor ver a un asesino libre que a la policía autorizada a abusar de
su poder; si se plantea la elección entre el abuso del poder de la poli y dejar un crimen
impune, elijo esto último. Detesto a la gente que se arroga el derecho de juzgar por propia
iniciativa, no se puede volver a la ley de la jungla como algunos quieren en mi país.


He pasado la mayor parte de estos años tratando de conseguir dinero para los films;
como pintor o escritor no lo necesito. El Quijote lo filmé con mi dinero, aunque no lo
pude terminar. No, ya he pasado demasiados años buscando trabajo y sólo tengo una vida,
no puedo gastarla en los festivales o en los restaurantes mendigando dinero para hacer
películas que luego nadie recordará.

He sufrido demasiadas desilusiones, he puesto demasiado empeño y coraje para lo que me

ha sido dado a cambio, no en dinero, sino en satisfacción personal.
Así pues, ahora escribo y pinto. Rompo todo lo que hago.

Orson Welles, reportaje de André Bazin


Álbum de imágenes de Orson Welles

Dirk Bogarde, un actor celoso de su intimidad





Bogarde nació en West Hampstead (Londres), de ascendencia neerlandesa y escocesa. Su padre, Ulric van den Bogaerde (nació en Perry Barr, Birmingham) era el editor artístico de The Times y su madre, Margaret Niven era actriz. Se unió al ejército y participó en la Segunda Guerra Mundial, alcanzando el rango de capitán. Bogarde estuvo en las batallas de Europa y el Pacífico, principalmente como oficial de inteligencia. En abril de 1945 fue uno de los primeros oficiales aliados en llegar al campo de concentración Bergen-Belsen en Alemania, una experiencia que lo marcó bastante y de la cual no pudo hablar durante varias décadas. Su horror y repulsión hacia la crueldad que vio en Belsen ayudaron a crear una especie de hostilidad hacia Alemania; en los años 90 escribió que bajaría de un ascensor antes que estar en uno junto a un alemán. Irónicamente, tres de sus papeles más importantes serían interpretando a un alemán (uno de ellos, un oficial de las SS).

Sir Dirk Bogarde fue un personaje enormemente celoso de su intimidad. En parte, ese anhelo de intimidad se explica por su actitud paranoica a la hora de hablar de su relación con Tony Forwood, con quien compartió hogar durante casi 40 años. 
  
Antes de morir, prendió fuego a la mayor parte de sus papeles, sus fotografías y cartas, entre los que figuraba, para decepción general, un diario que había escrito durante su visita a Belsen (pequeña localidad del noroeste de Alemania donde los nazis levantaron un gran campo de concentración y de exterminio) inmediatamente después de la liberación de este lugar en 1945. Bogarde había pasado por una traumática experiencia, en parte responsable de su personalidad reservada y sensible.

Después de su muerte, el 8 de mayo de 1999,  se hizo público que dejó a su sobrino Brock una enorme colección de películas caseras, grabadas desde finales de los años 50 hasta mediados de los 70. Las películas, todas en color, muestran escenas de su vida con Forwood y los muchos momentos de ensueño de los que disfrutó en el ámbito privado con otras estrellas del cine, tales como Elizabeth Taylor, Viv y Larry Olivier, Judy Garland, Jean Simmons, Michael Wilding y Gregory Peck, que le iban a visitar a sus casas de Buckinghamshire y Sussex.

  
Bogarde y Forwood residieron en Francia desde principios de los años 70 y ya no regresaron a Gran Bretaña hasta 1987, cuando Forwood se encontraba gravemente enfermo de un cáncer del que murió seis meses más tarde. Se habían trasladado a la Provenza porque, en aquella época, Dirk Bogarde estaba muy solicitado para trabajar con directores de cine europeos, aunque también para huir del agobiante régimen fiscal de Gran Bretaña.

Fue más o menos por aquella época cuando Dirk Bogarde empezó a escribir "A postillion struck by lightning", el primero de sus siete volúmenes de memorias. Sin embargo, en esas memorias no confiesa jamás la auténtica naturaleza de las relaciones entre él y Forwood. Al igual que en las entrevistas periodísticas, Bogarde se refería en sus libros a su compañero íntimo como «mi representante» o, en todo caso, como «mi compañero». 

Bogarde,  era un hombre emotivo a quien se le podía hacer llorar con facilidad. Influido por el matrimonio no feliz de sus padres y por un progenitor distante, y profundamente marcado por sus experiencias en la guerra, Dirk Bogarde volcó su capacidad de compasión en la pantalla. Algunas de sus actuaciones, muy en especial en "Víctim", una película que rompió moldes, realizada a principios de 1960, sobre el tema de un homosexual casado que se ve obligado a llevar una doble vida, y mas tarde en la obra cumbre de Luchino Visconti "Muerte en Venecia", con su adoración por el arte, la perfección y el amor, demostraron hasta qué punto el propio dilema de Bogarde le permitía una mejor comprensión, reflejándolo en los papeles que encarnaba.



El seductor (The Beguiled).- Don Siegel, 1971





Clint Eastwood suele decir que todo lo que sabe de cine lo aprendió de Don Siegel (...y de Sergio Leone). A principio de los 70, buscaba proyectos interesantes que le alejaran de los personajes que solía interpretar en el western, y produjo este film junto a Siegel. El Seductor es la tercera de las cinco películas que hicieron juntos. Es la favorita de ambos a pesar de que fracasó en taquilla, probablemente porque se vendió como otro western de Eastwood cuando en realidad está mucho más cerca del cuento de terror. También es mi Siegel favorito.

Este es el  film más extraño y personal de Siegel. Ambientada en la Guerra de Secesión norteamericana, El seductor es un cuento macabro, una versión malsana de Blancanieves y los siete enanitos, plena de erotismo y violencia soterrada, aún más ominosa por lo que se insinúa que por lo que se muestra. Es uno de esos films que mezclan géneros para alcanzar lo inclasificable, como La noche del cazador (The night of the hunter, 1955), aquella obra maestra de Charles Laughton que sirvió para que no volviera a ponerse detrás de una cámara.

El argumento parece muy simple: McBurney (Clint Eastwood) es un soldado del Norte que tiene que refugiarse malherido en una escuela para señoritas del Sur, una enorme casa aislada en un bosque, dirigida con mano dura por la Srta. Martha (Geraldine Page), una mujer muy religiosa y excesivamente autoritaria. En un primer momento se siente protegido en su escondite, pero pronto descubrirá que se encuentra secuestrado en territorio enemigo.


Todas las mujeres del caserón,  desde la niña hasta la directora, pretenden seducir, o ser seducidas, de alguna manera por el soldado yanki. McBurney es el primer hombre que han visto desde que se inició la guerra. El sexo para ellas entre esas cuatro paredes se reduce a algún deseo lésbico sublimado y a una relación incestuosa en el pasado de la directora con su hermano. Pero él no puede hacer absolutamente nada, va con muletas: está impotente. Lo único que puede hacer es insinuarse a todas ellas, incluso en cierta forma a la niña de doce años (será capaz de cualquier cosa, primero para escapar, después para sobrevivir). La esclava sí que parece empatizar con el prisionero y se pone de su lado, pero sólo en un primer momento, es un hombre blanco al fin y al cabo.



Algunos consideran a Siegel misógino por este film, probablemente del mismo modo que Harry, el sucio tenía fama de contener un discurso fascista. El gran tema de El Seductor es la represión sexual. No se trata de que sean mujeres, se comportan así porque tienen poder: frente a un objeto de deseo pasivo, que literalmente se mueve con dificultad, tienen la posibilidad de exteriorizar su sexualidad más íntima, sus celos, la violencia entre ellas. Se tocan algunos temas tabú para la época, quizá demasiados: lesbianismo, incesto, la pederastia (la ambigua relación que mantiene con la niña), hasta una castración simbólica, que es apuntada explícitamente al final de la película.

Ingmar Bergman.- Linterna mágica (Autobiografía)




"Día tras día me llevaban o me arrastraban, gritando de angustia, al colegio. Vomitaba encima
de cualquier cosa, desfallecía y perdía el sentido del equilibrio. Intenté abrazar y besar a mi
madre, pero me apartó con una bofetada. Las palizas brutales de mi padre eran su argumento
favorito. Me pegó, y yo le devolví el golpe. Se tambaleó, y acabó sentado en el suelo.
Llevaron a mi padre al hospital, para operarle de un tumor maligno en el esófago. Mi
madre quería que yo fuese a visitarle. Le contesté que no tenía tiempo ni ganas.
Mi hermano tenía escarlatina... (naturalmente yo esperaba que se muriera, la enfermedad era
peligrosa en aquellos días). Cuando mi hermano abrió la puerta, le golpeé con la garrafa
en la cabeza. La garrafa se hizo pedazos y mi hermano se desplomó mientras la sangre brotaba
de la herida. Alrededor de un mes más tarde, me agredió sin previo aviso, y me saltó
dos dientes. Respondí pegándole fuego a la cama mientras dormía. Mi hermano mayor y
yo, normalmente enemigos mortales, hacíamos las paces y tramábamos planes para asesinar
a ese diablito repulsivo de mi hermana.
Una o dos veces en mi vida he acariciado la idea de suicidarme.La mayor parte de nuestra educación se basaba en conceptos tales como el pecado, la confesión, el castigo, el perdón y la gracia. Este
hecho bien pudo contribuir a nuestra sorprendente aceptación del nazismo.

Se nace sin objeto, se vive sin sentido... Y al morir, no queda nada.
Ingmar: Madre, ¿qué pasó con nosotros?, ¿cómo nos arreglamos con el corazón partido,
con el odio reprimido?… ¿Por qué salió todo tan mal?.. ¿Nos pusieron máscaras en lugar
de rostros, nos dieron histeria en lugar de sentimientos, vergüenza y remordimiento en
lugar de ternura y perdón?...No trato de buscar culpables…sólo quiero saber
el porqué de tantas miserias tras la frágil fachada del prestigio social… ¿Por qué fui yo incapaz
de mantener relaciones humanas normales?
Madre: Hijo, debes hablar de eso con alguna otra persona. Yo estoy demasiado cansada."


Este diálogo es de “Linterna mágica” (autobiografía), fragmentos del último capítulo,
donde el ya famoso director de cine cuenta cuando va a ver a su madre Karin para recriminarla.
Ingmar Bergman, nacido en Upsala (Suecia) el 14 de julio de 1918, fallece en el 2007.


Carta de Carlos Gardel a su madre (Fragmento)





"Y acordándome de quien está tan lejos ahora pero que pronto estará muy cerca, y algún día
no muy lejano, no separarnos más… como dos viajeros que llegan al puerto de destino,
después de haber batallado todo la vida. Y quiero verla más joven cada día, pues cada
vez la encuentro más guapa y fuerte, ¡si todavía nos quedan 50 años de vida a cada uno!"

Carlos Gardel
Carta a su madre, Berta.
Fechada el 18 de febrero de 1935.

Giuseppe Verdi, por él mismo





"Adoro el arte, cuando estoy solo con mis notas, los latidos de mi corazón y las lágrimas caen, mi emoción y placer son inmensos."

"Pobres artistas que mucha gente tiene la...digamos buena voluntad de envidiar, esclavos
de un público la mayor parte del tiempo ignorante (es un mal menor), caprichoso e injusto."


"¡Trabajar tanto y tener que morir!La vida nace, desaparece, la mayor parte del
tiempo inútilmente; se llega a la edad de las enfermedades y los achaques y después…
Amén.
Al llegar a nuestra edad, cada día se hace un nuevo vacío a nuestro alrededor. Hoy es un
día terrible: tengo 72 años. Qué rápido han pasado, a pesar de todos los acontecimientos
tristes o alegres, a pesar de todas las fatigas.
 A nuestra edad uno siente como la necesidad de apoyarse en alguien. Hace algunos años me parecía que podía bastarme a mí mismo, que no necesitaba a nadie. ¡Presuntuoso! Empiezo a comprender que soy... muy viejo."

"Retorna a lo antiguo y serás moderno."


"Puedes tener el universo, mientras yo tenga a Italia."



"Estoy solo. Triste, triste, triste… Siento que todo me cansa. No puedo leer ni escribir. Veo
muy poco, oigo menos y las piernas no me sostienen. No vivo, vegeto… no tengo más
nada que hacer en este mundo."


Nazis en Suecia: Larsson y Millenium



Stieg Larsson, profundamente comprometido en la lucha contra el racismo y la ultraderecha antidemocrática, participó a mediados de los 80 en la fundación del proyecto antiviolencia Stop the Racism. En 1995 fue uno de los promotores de la Fundación Expo, dedicada a "estudiar y cartografiar las tendencias antidemocráticas, de extrema derecha y racistas en la sociedad". Desde 1999 fue director de la revista de la fundación, también llamada Expo. Empezaron con la revista en 1995 cuando siete personas fueron asesinadas por nazis. Él trabajaba de noche para intentar que todo siguiera funcionando, pero según el mismo Larsson, no recibieron ningún apoyo de la sociedad, y en 1998 la revista se vino abajo. Se reorganizaron con una nueva gestión en 2001. Escribió varios libros de investigación periodística acerca de los grupos nazis de su país y de las conexiones entre la extrema derecha y el poder político y financiero. Amenazado por la ultraderecha, no quiso casarse con su pareja, la arquitecta Eva Gabrielsson, para que su nombre no constara en ningún registro oficial (un compañero periodista suyo fue asesinado con un coche-bomba).

En cierto modo, la famosa trilogía de libros de Stieg Larsson, "Millenium", puso sobre el tapete el tema de la presencia nazi en Suecia hasta bien avanzado el siglo XX.
Una de las creencias de la ideología nazi era la superioridad de la raza aria, manteniendo la “higiene racial” mediante la eugenesia (la mejora de los rasgos hereditarios humanos mediante varias formas de intervención… como la eliminación o la esterilización).
Esta idea no fue original de los nazis… sino de los suecos (esa sociedad a la que tenemos como modélica pero que también tiene su historia).
En 1922 se aprobó en el Parlamento sueco, el primer país del mundo, la creación delInstituto Nacional de Biología de las Razas para examinar la antropología del pueblo sueco y establecer una clasificación de las distintas razas. Se recopilaron datos, estadísticas y fotografías de 100.000 suecos para dicho estudio. En 1926 se publicaron los resultados en el libro “Swedish racial studies” por el profesor Herman Lundborg, director del Instituto. El caso es que tras la aprobación en 1934 de la ley de esterilización por el gobierno de Per Albin Hansson, apoyado por todos los partidos políticos, el estudio se utilizó para “higienizar la raza”. Desde la aprobación de la ley hasta su derogación en 1975 más de 60.000 personas fueron esterilizadas por considerarlas “deficientes, imbéciles, desviados y una carga para la sociedad“, y 4.500 fueron lobotomizados por “indeseables“.

Cuando comienza la Segunda Guerra Mundial, a finales de 1939, Suecia adopta, en conjunto con las otras naciones nórdicas, una posición de neutralidad ante el conflicto bélico y de colaboración mutua entre ellas.
Y es esta imagen de la que queda constancia a los ojos del mundo. Sin embargo, al investigar sobre las pistas que nos dio Larsson, uno se encuentra, por ejemplo, con la supuesta existencia de una SNAS (Asociación Nacional Alemana-Sueca) que apoyó a las tropas nazis durante la guerra, con que el líder del Partido Socialdemócrata sueco y Ier Ministro entre 1932 y 1946, Albin Hansson, mantenía correspondencia con Mussolini, con que los tribunales podían disolver matrimonios contraídos entre suecos y alemanes que contaban con antecedentes judíos y con que la investigación del historiador Tobias Hübinette, que data del año 2002, da los nombres de personalidades del mundo político, aristocrático, artístico y cultural que, incluso después de su derrota, fueron representantes de la doctrina de Hitler.



lunes, 29 de octubre de 2012

Winona Ryder



"Hubo unos años en los que lo único que me ofrecían eran papeles de cine gore. No me ofrecieron hacer 'Saw', pero sí ese tipo de películas o, si no, estúpidas comedias". 



WINONA RYDER




Nació el 29 de octubre de 1971 en Winona, Minnesota (Estados Unidos)
De nombre auténtico Winona Laura Horowitz (sus más allegados le llaman Noni). Su apellido Ryder procede del músico Mitch Ryder, uno de los favoritos de su familia.

Winona creció en una comuna ubicada en Carolina del Norte. Sus padres, llamados Michael y Cindy, eran escritores y editores hippies, amigos de personajes clave en la contracultura estadounidense como Allen Ginsberg o Timothy Leary. Este último fue padrino de la propia Winona.

A los diez años de edad se trasladó a la localidad de Petaluma, en donde sus compañeros de clase se burlaban de ella por su singular imagen.

En su adolescencia Winona ingresó en la escuela de interpretación American Conservatory Theatre, debutando a los 14 años en el cine con la película "Lucas" (1986).

  
Alcanzó el éxito cinematográfico a finales de la década de los 80 y a comienzos de los 90 con títulos como "Bitelchus" (1988) de Tim Burton, "Gran Bola De Fuego" (1990) de Jim McBride, "Eduardo Manostijeras" (1990) de Tim Burton o "Drácula" (1992) de Francis Ford Coppola.

Ha estado nominada al Oscar como mejor actriz secundaria por "La Edad De La Inocencia" (1993) y como mejor actriz principal por "Mujercitas" (1997).
Estuvo nominada al Globo de Oro como mejor actriz secundaria por "Sirenas" (1990) y "La Edad De La Inocencia" (1993).
En el año 2002 fue juzgada y condenada por cleptómana.
Otros títulos de su filmografía son "Simone" (2002), "Mr. Deeds" (2002) o "Una Mirada En La Oscuridad (A scanner darkly)" (2006), film con Keanu Reeves, Robert Downey Jr. y Woody Harrelson.
En "Star Trek" (2009) interpretaba el personaje de Amanda Grayson.En el thriller ambientado en el mundo del ballet "Cisne Negro" (2010) acompañaba en el reparto a Natalie Portman y Mila Kunis.
En la comedia "¡Qué Dilema!" (2011) era la mujer infiel de Kevin James.Fue novia de los actores David Duchovny, Johnny Depp y Matt Damon y, entre otros, del músico David Pirner, miembro de Soul Asylum.
Una de sus últimas parejas fue Tom Green.
(Fuente:alohacriticon.com y Wikipedia)






LA EDAD DE LA INOCENCIA es una película estadounidense de 1993, del género romántico, dirigida por Martin Scorsese con las actuaciones de Daniel Day-Lewis, Michelle Pfeiffer y Winona Ryder. Es una adaptación cinematográfica de la novela homónima de la escritora realista estadounidense Edith Wharton.Winona Ryder obtuvo un Globo de Oro por esta pelíucula,que también le supuso la  nominación para el Oscar a la mejor actriz de reparto.



Richard Dreyfuss


"Realmente creo que la vida es el proceso de pasar de la certeza absoluta a la completa 
ignorancia."
 
RICHARD DREYFUSS




Richard Dreyfuss (nacido el 29 de octubre de 1947) es un actor estadounidense. Nació en la ciudad de Nueva York, hijo de un abogado. Los primeros años de su vida transcurrieron en Nueva York, hasta que, a la edad de nueve años, se trasladó con su familia a Los Ángeles.

La carrera de Dreyfuss como actor comenzó tan pronto llegó a Los Ángeles. Participaba en obras teatrales en el centro judío de Beverly Hills. A los 15 años de edad fue seleccionado para actuar en televisión. Se matriculó en la universidad, pero al año fue llamado a filas para ir a Vietnam. Se declaró objetor de conciencia y absolvió un servicio alternativo como auxiliar en un hospital. Al mismo tiempo intervino en pequeños papeles de series de televisión. Durante los años siguientes actuó en varios teatros de Nueva York, tanto en Broadway, como en otros teatros.

La primera participación de Dreyfuss en una película de cine fue muy corta, en El graduado, en la que tuvo que decir una sola frase. Poco después intervino en Dillinger y,sobre todo, en American Graffiti, en 1973, película que tuvo un considerable éxito, y en la que participó también Harrison Ford.

Su primer papel protagonista lo tuvo Dreyfuss en un film canadiense, y después ya fue contratado por Steven Spielberg para Tiburón, película con la que Dreyfuss se dio a conocer a las grandes audiencias. Dos años después Spielberg contó con él de nuevo para Close Encounters of the Third Kind (En castellano, "Encuentros En La Tercera Fase" o "Encuentros Cercanos del Tercer Tipo"), que tuvo un éxito comparable a la anterior. A partir de entonces la carrera de Dreyfuss siguió una trayectoria ascendente. En 1977 interpretó The Goodbye Girl, película por la que ganó un Óscar como mejor actor principal. Fue el actor más joven en recibir este galardón en la historia de los Óscar.

Durante los siguientes años, Dreyfuss intervino en varias películas, pero ninguna de ellas tuvo un éxito significativo de taquilla. Esto contribuyó posiblemente a que tomase drogas en dosis crecientes, hasta que sufrió un accidente de automóvil. A raíz de ello ingresó en un centro de desintoxicación y consiguió librarse de las drogas. Volvió entonces al cine y actuó en varias películas, en las que demostró que seguía siendo el mismo gran actor. Desde entonces ha ido apareciendo de forma regular no sólo en el cine, sino también en televisión y en el teatro, y es considerado como uno de los actores más sólidos y apreciados del momento actual.

Dreyfuss estuvo casado por primera vez entre 1983 y 1995, de cuyo matrimonio tiene tres hijos. En 1999 se casó por segunda vez.

Dreyfuss padece de trastorno bipolar. En 2006, apareció en el documental de Stephen Fry, Stephen Fry: The Secret Life of the Manic Depressive (La Vida Secreta de los Maniaco Depresivos), en donde Fry (quien también padece de este desorden) lo entrevistó en relación a su vida con la enfermedad.(Fuente:Wikipedia)



LA CHICA DEL ADIOS es una comedia estadounidense de 1977 dirigida por Herbert Ross. El film está protagonizado por Richard Dreyfuss(que obtuvo el Oscar al mejor actor), Marsha Mason, Quinn Cummings y Paul Benedict.

El guion original estaba escrito por Neil Simon y habla de un actor egoísta que alquila un apartamento de Manhattan a un amigo y la actual inquilina es la antigua novia de su amigo y su hija preadolescente.



Fernando Pessoa.- Libro del desasosiego




La mayoría de la gente enferma por no saber decir lo que ve y lo que piensa. 
Tengo que elegir entre lo que desprecio, o el sueño, que mi inteligencia odia, o la acción,
que a mi sensibilidad repugna: o la acción para la que no nací o el sueño para el que no
nació nadie.
Resulta que, como desprecio uno y otro, no elijo ninguno; pero como, llegada la hora, he
de soñar u obrar, mezclo una cosa con la otra.
Fracasé de antemano en la vida porque ni soñándola me pareció deleitable. Soy algo
incierto que fui. Me siento expulsado de mi alma. No aspiro a nada, me duele la vida...
¿Qué tengo yo con la vida?
Lloro sobre mis versos malos de la infancia como sobre un niño muerto, un hijo muerto,
una última esperanza que se fue.

Fernando Pessoa (1888-1935), extracto de Libro del desasosiego (como Bernardo Soares),
traducción de Santiago Kovadloff

Jorge Luis Borges.- Yesterdays




De estirpe de pastores protestantes
y de soldados sudamericanos
que opusieron al godo y a las lanzas
del desierto su polvo incalculable,
soy y no soy. Mi verdadera estirpe
es la voz, que aún escucho, de mi padre,
conmemorando música de Swinburne,
y los grandes volúmenes que he ojeado,
hojeado y no leído, y que me bastan.
Soy lo que me contaron los filósofos.
El azar o el destino, esos dos nombres
de una secreta cosa que ignoramos,
me prodigaron patrias: Buenos Aires,
Nara, donde pasé una sola noche,
Ginebra, las dos Córdobas, Islandia...
Soy el cóncavo sueño solitario
en que me pierdo o trato de perderme,
la servidumbre de los dos crepúsculos,
las antiguas mañanas, la primera
vez que vi el mar o una ignorante luna,
sin su Virgilio y sin su Galileo.
Soy cada instante de mi largo tiempo,
cada noche de insomnio escrupuloso,
cada separación y cada víspera.
Soy la errónea memoria de un grabado
que hay en la habitación y que mis ojos,
hoy apagados, vieron claramente:
El Jinete, la Muerte y el Demonio.
Soy aquel otro que miró el desierto
y que en su eternidad sigue mirándolo.
Soy un espejo, un eco. El epitafio.

Imagen: Borges y su gato Beppo

Dánae.- Mito y representaciones artísticas


                         Dánae, por Rodin

Según la mitología griega Dánae (en griego Δανάη, ‘sediento’) era hija de Acrisio, rey de Argos, y Eurídice, hija de Lacedemón, y madre de Perseo con Zeus.
Decepcionado por carecer de herederos varones, Acrisio preguntó a un oráculo si su suerte cambiaria. El oráculo le dijo que sería asesinado por el hijo de su hija. Así que, para que esta no tuviese hijos, Acrisio la encerró en una torre de bronce o en una cueva, según versiones. Pero Zeus, enamorado de Dánae, la alcanzó transformado en lluvia de oro y la dejó embarazada. Poco después nació su hijo Perseo.
Enfadado pero sin querer provocar la ira de los dioses matando al descendiente de Zeus, Acrisio arrojó a Dánae y Perseo al mar en un cofre de madera. El mar fue calmado por Poseidón a petición de Zeus y ambos sobrevivieron. Alcanzaron la costa de la isla de Serifos, donde fueron recogidos por Dictis, hermano del rey de la isla, Polidectes, quien crio a Perseo.
Más tarde, después de que Perseo matase a la Medusa y rescatase a Andrómeda, la profecía del oráculo se hizo realidad.
Partió hacia Argos, pero como conocía la profecía marchó antes a Larisa, donde se celebraban unos juegos atléticos. Acrisio estaba allí por casualidad, y Perseo le golpeó accidentalmente con su jabalina o su disco, cumpliendo la profecía. Demasiado avergonzado para regresar a Argos, dio entonces el reino a su sobrino Megapentes y conquistó el reino de Tirinto, fundando también Micenas y Midea allí.

El mito de Dánae ha seducido a numerosos pintores a lo largo de la historia: Charles Émile August Duran, Egon Schiele, el flamenco Jean Gossaert, Artemisia Gentileschi, Tiziano (cuya versión de Dánae fue encargado por Felipe II), Antonio Allegri, Rembrandt, Picasso, Stone Roberts y  Gustav Klimt.


   
    Dánae, por Gustav Klimt


Dánae en el arte.- álbum con imágenes

Una pizca de Van Morrison



 
"Siquieres hacer algo y puedes hacerlo, entonces hazlo"
(Van Morrison)


Eso es lo que nos aconseja el bueno de Van Morrison. Su nombre real es George Ivan Morrison y nació en Belfast (Irlanda del Norte) un 31 de agosto de 1945. En la música se defiende a las mil maravillas como cantante, compositor y es un músico con gran dominio de instrumentos como la armónica, la guitarra, el saxofón y el piano. Debido a su característica voz y al mestizaje de la música folk, blues, country y gospel que frecuentemente realiza en sus canciones, Morrison es ampliamente considerado uno de los cantantes y músicos más influyentes de la música contemporánea. En ese aspecto, el crítico musical Greil Marcus llegó a decir que «ningún hombre blanco canta como Van Morrison».

Conocido como Van the Man por sus seguidores, Morrison comenzó su carrera como cantante del grupo Them. Unos años más tarde, abandonó el grupo para iniciar una carrera en solitario con el álbum Astral Weeks. Su sucesor, Moondance, estableció a Morrison como un artista mayor, y a lo largo de la década de 1970 mantuvo su reputación musical con una serie de álbumes y conciertos aclamados por la crítica. En la actualidad, Morrison continúa grabando y ofreciendo conciertos, colaborando en ocasiones con otros artistas como Georgie Fame y The Chieftains. En 2008 interpretó Astral Weeks en directo por primera vez en 40 años.

Con el paso de los años, Van Morrison ha conseguido un registro musical muy propio. Gran parte de su música está estructurada en torno a las convenciones del soul americano y del R&B, visibles en los temas "Brown Eyed Girl", "Moondance", "Into the Mystic", "Domino" y "Wild Night". Otra parte de su catálogo se compone de etapas musicales inspiradas en la tradición celta, en el jazz y en el monólogo interior, como ocurre en los álbumes Astral Weeks, Veedon Fleece y Common One. Ambas partes son denominadas conjuntamente como "Celtic Soul".

La carrera musical de Morrison, que abarca cinco décadas, ha influenciado a numerosos artistas musicales. Fue elegido para el Salón de la Fama del Rock en 1993 y para el Salón de la Fama de los Compositores en 2003. En el año 2000, Morrison quedó clasificado en la vigesimoquinta posición de la lista de los cien mejores artistas de rock'n'roll, realizada por la cadena de televisión VH1, y en 2004, la revista musical Rolling Stone estableció a Van Morrison en el puesto 42 de la lista de los 100 mejores artistas de todos los tiempos.

Morrison estuvo casado con Janet Minto (también conocida como Janet Planet), con quien tuvo una hija, la cantante y compositora Shana Morrison. Tiene otros dos hijos con su actual esposa Michelle Morrison.
 


 
Bright side of the road
 
Brown eyed Girl

domingo, 28 de octubre de 2012

Detrás de la cámara de "Ben Hur"

Charlton Heston y Stephen Boyd

Quien sabe si es que llegaban tarde a la carrerita de cuadrigas.... y decidieron coger la vespita. Ahi vemos a Charlton Heston que encarnaba a Juda Ben Hur y a su competidor Stephen Boyd, que era Messala, en un descanso de Ben Hur. Por la falta de aliento de los actores me parece a mi que le costaba arracar a la motillo. ;)



Charlton Heston y Stephen Boyd


Charlton Heston, Stephen Boyd y William Wiler



Charlton Heston, Fraser Heston y Jack Hawkins


Abajo os dejo un video en el que se disecciona la famosa carrera de cuadrigas de la película.




Analía Gadé




ANALÍA GADÉ



Analía Gadé (de nombre auténtico María Esther Gorostiza Rodríguez) nació el 28 de octubre de 1931 en Córdoba (Argentina). Su padre era el empresario peletero y guionista teatral español Fermín Gorostiza. Su hermano es el autor de teatro Carlos Gorostiza.

En el año 1936 sus padres se divorciaron y la por entonces María Esther fue ingresada en un internado religioso, en donde estuvo hasta los quince años.

Llegó al cine tras acudir a un concurso de radio que quería seleccionar rostros nuevos para una película. La actriz fue elegida y decidió unir Ana con Rosalía para crear Analía. El apellido deriva de un concurso de chocolatinas llamadas Godel. Este nombre lo utilizó por primera vez para enviar en secreto cartas de amor a un primo.

Debutó en el cine a finales de los años 40, época en la que compartió créditos con Fernando Lamas en “La Rubia Mireya” (1948) y en “Cita En Las Estrellas” (1949) con Juan Carlos Thorry, actor y director con quien terminó casándose a comienzos de los años 50. El matrimonio terminó rompiéndose a finales del decenio.

Una de sus películas más estimables rodadas en Argentina fue “Los Tallos Amargos” (1956), film de Fernando Ayala basado en una novela de Adolfo Jasca.

En la segunda mitad de los años 50 Analía llegó y se estableció en España, en donde triunfó tanto en cine como en el teatro. En este último medio destacan sus diversas colaboraciones con Juan José Alonso Millán.
  

Uno de sus primeros films rodados en España por la intérprete argentina fue “Viaje De Novios” (1956), comedia de León Klimovsky que estaba co-protagonizada por uno de sus compañeros artísticos habituales, Fernando Fernán Gómez, con quien puede ser vista en títulos como “Muchachas De Azul” (1957), “La Vida Por Delante” (1958), “Ana Dice Sí” (1958), “La Vida Alrededor” (1959), secuela de “La Vida Por Delante”, “Luna De Verano” (1959), “Sólo Para Hombres” (1960), adaptación de una obra feminista de Miguel Mihura, “Mayores Con Repartos” (1966), película que la pareja de intérpretes (cada uno interpretando tres personajes diferentes) también representó en teatro.

La popularidad de Analía Gadé, cuyo talento como actriz iba mucho más allá de su belleza, le llevó a presentar su propio programa de televisión en los inicios de la década de los 60.

En los años 60 también compartió protagonismo con José Luis López Vázquez, en “Operación Embajada” (1963) o “Black Story” (1971), Alberto Closas, en “Una Muchachita De Valladolid” (1958) o la citada “Operación Embajada” (1963), o Alfredo Landa, en “No Disponible” (1968), y trabajó en producciones internacionales, como “Madame Sans-Gene” (1961), film con Sophia Loren en el que Analía interpretaba a Carolina Bonaparte, o la co-producción de misterio “Las Cuatro Noches De Luna Llena” (1963), en donde la argentina compartió reparto con Gene Tierney.

En la década de los 70 fue dirigida por José María Forqué con guión de Rafael Azcona en “El Ojo Del Huracán” (1971), intriga con Jean Sorel, y participó en el giallo hispano-italiano “La Mansión De La Niebla” (1972).También protagonizó  junto a Fernando Rey en 1974,"La duda" (Rafael Gil).

Con el cantante Joan Manuel Serrat co-protagonizó “Mi Profesora Particular” (1973) y con Arturo Fernández hizo pareja en “El Adúltero” (1975). En este período también protagonizó “Las Largas Vacaciones Del 36” (1976), dirigida por Jaime Camino, y el film erótico de Jorge Grau “Cartas De Amor De Una Monja” (1978).

A partir de los años 80 trabajó principalmente en el teatro.
  
Analía sufrió un infarto cerebral en el año 1999. Recuperada volvió a representar teatro. Uno de sus últimos trabajos fue una adaptación de “Dulce Pájaro De Juventud”, la conocida obra de Tennessee Williams.

Al margen de su matrimonio mantuvo un romance con Espartaco Santoni. No tuvo hijos.(Fuente: alohacriticon.com)



LA DUDA (1972),Rafael Gil

Fernando Rey, Analía Gadé, Ángel del Pozo ,José Ángel Espinosa.


Arthur Rimbaud.- Sol y carne (fragmento)






 III

¡Si el tiempo retornara, el tiempo que ya fue...!
-¡El Hombre está acabado, se acabó su teatro!
Y un día, a plena luz, harto de romper ídolos,
libre renacerá, libre de tantos dioses,
buceando en los cielos, pues pertenece al cielo.
¡El Ideal, eterno pensamiento invencible,
ese dios que se agita en la camal arcilla,
subirá, subirá, y arderá en su cabeza!
Y, cuando lo sorprendas mirando el horizonte,
libre de viejos yugos que desprecia sin miedos,
vendrás a concederle la santa Redención
-Espléndida, radiante, del seno de los mares
nacerás, derramando por el vasto Universo
el Amor infinito en su infinita risa:
el Mundo vibrará como una lira inmensa
en el temblor sin límites de un beso repetido.

-El Mundo está sediento de Amor: aplácalo.

Charo López


 
"A partir de los 40, las mujeres empiezan a hacerse invisibles para los hombres"
CHARO LOPEZ





Nació el 28 de octubre de 1943 en Salamanca (España).

Siendo estudiante de Filosofía y Letras participó en varios montajes teatrales. Posteriormente cursó estudios en la Escuela Oficial de Cine. Trabajó en el teatro y para la televisión destacando las series Los camioneros, de Mario Camus; El pícaro, de Fernando Fernán Gómez; Entre visillos, de Miguel Picazo; Fortunata y Jacinta, de Mario Camus; Los gozos y las sombras, de Rafael Moreno Alba; Los pazos de Ulloa , de Gonzalo Suárez, y Un día volveré, de Paco Betriú.

Su lanzamiento llego con Los gozos y las sombras. No obstante hizo su debut en la pantalla grande en 1967 con Ditirambo de Gonzalo Suárez, con el que además realiza El extraño caso del doctor Fausto (1969), La Regenta (1974) y Parranda (1977).Consiguió el premio como mejor actriz en el Festival de Berlín por su trabajo en La colmena.

Tras pasar por el teatro y breves papeles en 'Plenilunio', de Imanol Uribe y 'Tiempos de azúcar', de Juan Luis Iborra, Charo López interpreta 'La soledad era esto' de Sergio Renán, basada en la novela del mismo nombre de Juan José Millás, con la que ganó el Premio Nadal en 1990.

Estuvo casada con el escritor y cineasta Jesús García Dueñas entre 1965 y 1971; y con el periodista Carlos Gabetta entre 1988 y 1993. (Fuente:http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/5303/Charo%20Lopez)



Anthony Mann y James Stewart y el western

Anthony Mann y James Stewart sentados durante el descanso de alguno de sus western
 
"El western es el género más popular, y otorga más libertad que los otros para poner en escena todo tipo de pasiones y acciones violentas. Creo que es también el género que envejece de forma menos rápida, porque resulta esencialmente primitivo. No tiene ninguna regla y todo es posible. De él, sobre todo, surge la leyenda, y es la leyenda lo que ofrece un cine mejor, lo que excita la imaginación”.

“El western goza de tanto éxito porque en él un hombre dice: voy a hacer algo, y lo hace. Todos queremos ser héroes. Esto es el drama. Esto es de lo que trata el cine”.

Con estas frases definía el género Western, el director Anthony Mann, sin duda uno los grandes directores de la historia del cine y al que se debe un buen puñado de obras maestras de este género. En la foto lo podemos ver sentado junto al actor James Stewart, con el que tantos exitos compartió. Este director, nacido en 1906, se llamaba en realidad Emil Anton Bundsman y tras una etapa inicial como actor, se adentró en el mundo de la dirección, y si bien es cierto que no le fue mal con el cine negro durante los años cuarenta con películas como "Desesperado", "La brigada suicida", "El reinado del Terror" o "Border Incident" y que durante los 60, poco antes de morir, logró dos exitazos tremendos dentro del cine épico con "El Cid" o "La caída del imperio Romano", fue sin duda el género del western el que más alegrías le reportó.

Su primer western fue "La puerta del diablo" (1950) donde ya abordaría temas tan constantes en su carrera como la denuncia del racismo o la intolerancia y en el que ya se ofrece una visión totalmente distinta y humanizada del pueblo indio. Tras esta película el actor James Stewart le pidió que dirigiese la fenomenal "Winchester 73" y con este trabajo empezaría una colaboración fantástica que uniría a director y actor en otros siete films, entre los que se cuentan otras cumbres de este tipo de cine como "Horizontes Lejanos" (1952), Colorado Jim (1953), Tierras lejanas (1953) y la fantástica "El hombre de Laramie" (1955). Con estas películas descubrimos a un sorprendente James Stewart, que quien iba a pensarlo, brilló como un singular y taciturno héroe del oeste.

Anthony Mann y Gary Cooper en "El hombre del Oeste"

Curiosamente el director no rodó su mejor western con Stewart, su actor fetiche, sino con Gary Cooper con el que firmó "El hombre del Oeste", posiblemente su obra maestra y James Stewart no rodaría su mejor western con Mann, sino con Ford, el clásico "El hombre que mató a Liberty Valance". Dado el espectacular resultado de sus mutuas infidelidades artisticas no creo que se lo tuvieran en cuenta. Además rodaron juntos otros tres títulos: 'Bahía negra', la muy recordada 'Música y lágrimas' sobre la vida de Glenn Miller y la bélica 'Strategic Air Command', género al que también contribuyo con películas como "La colina de los diablos de acero" (1957) o el que fue su último trabajo completo "Los heroes de Telemark"
 
Durante el rodaje del drama sobre un aspirante a tenor "Dos pasiones y un amor "(1956), conoció a nuestra "Saritísima" que trabajaba en este film como secundaria. Por aquella epoca Sara Montiel, un verdadero bellezón era un valor en alza en Hollywood y Mann se enamoró de ella. No tardaría en abandonar a su primera esposa, Mildred, con la que tenía una hija, y se acabaría casando con Sara Montiel, pero a su manera y asi se unió a la actriz española "en articulo mortis", porque el realizador había sufrido un infarto, y los médicos temían por su vida. Pero sobrevivió... y estuvieron casados durante 6 años. En 1967 otro infarto acabó con la vida del director.
 
Anthony Mann y Charlton Heston en "El Cid"

El gran André Bazin dijo de él:
"Dadle a Mann un paisaje, una montaña y un itinerario. Y ya tendremos una obra maestra".